Минимализм в живописи

Теоретические идеи

Движение началось с работы Фрэнка Стеллы «Черная живопись», представлявшей собой цикл живописных полотен — черные полоски на холсте, не имеющие никакого скрытого смысла или намека и ничего не символизирующие. Как он сам заявлял, картина — это «плоская поверхность, покрытая краской, — и ничего более». Работа была впервые представлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1959 году в рамках выставки «Шестнадцать американцев». Другие художники подхватили идею, лишь перенеся ее в трехмерное пространство.

Черно-белый выставочный зал — наглядная иллюстрация минимализма с его пустыми пространствами, чистыми линиями и отсутствием деталей

В целом минимализм — это скорее теория, чем практика; не будучи организационно оформленным направлением, он обрел популярность в 1960-е и 1970-е. Каждый художник по-своему интерпретировал идеологию нового стиля. Дональд Джадд (который категорически возражал против того, чтобы его именовали минималистом) создавал абстрактные работы из строительных материалов, подчеркивая чистоту цвета, формы, пространства и всячески избегая любой иллюзорности.

В своих трехмерных конструкциях, так называемых «специфических объектах», он концентрировался на взаимодействии объекта, зрителя и окружающего пространства. Карл Андре, под влиянием Бранкузи и Стеллы, отказался от традиционного для художника самовыражения: он сооружал промышленные модули из кирпича, металла, оргстекла и дерева, расставляя их в правильных математических комбинациях. Дэн Флавин в течение тридцати лет экспериментировал с флуоресцентным освещением, исследовал сочетание формы, цвета и освещения, размещая цветные и бесцветные лампы на белых поверхностях.

Сол Ле Витт еще в 1962 году начал работать с абстрактными черно-белыми рельефами, создавая геометрические конструкции из простейших форм — куб, сфера, треугольник, — окрашенных в красный, желтый, синий и черный. Его скульптуры могут казаться логичными или совершенно иррациональными, в зависимости от предпочтений самого зрителя. В минимализме, как и в конструктивизме, немалую роль играло негативное пространство. Огромное влияние на развитие минимализма оказали монохромные полотна, тексты и лекции Эда Рейнхардта.

Дональд Джадд

Peter Halley

• Birth Year: 1953
• Nationality: American
• Subject Matter: Abstract paintings, often employing ‘cells’ and ‘conduits’ as recurring motifs
• Notable artwork: Two Cells with Circulating Conduit

Peter Halley is a renowned abstract artist known for his mesmerizing geometric paintings that burst with intense, Day-Glo colors. Hailing from New York, he’s often hailed as the “Master of Day-Glo and Big Paintings.” Since the 1980s, Halley has captivated audiences with his unique artistic vocabulary, symbolizing prisons, cells, and conduits through intricate geometric compositions.

His work is characterized by brilliantly hued shapes that create an arresting visual experience. Besides being celebrated for his paintings, Halley is revered for his insightful writings on culture and art.

He’s closely associated with prominent art movements like Minimalism, Neo-Geo, and Neo-Conceptualism, making him a central figure in shaping contemporary artistic expression. With its dystopian undertones and vibrant Day-Glo aesthetics, Peter Halley’s artwork invites viewers into a world filled with both anxiety and fascination.

Дэн Флейвин, «Без Названия (в честь Гарольда Иохима) 3» (1977)

«Без Названия (в честь Гарольда Иохима) 3» одна из многих работ, выполненных Дэном Флейвином. Она состоит из светодиодных ламп и металлических фиксаторов. Автор изучал возможности флуоресцентного света на протяжении трех десятилетий, выполняя свои работы лишь коммерчески доступными материалами. Отрекшись от понятий абстрактного экспрессионизма, Флейвин начал применять такое оборудование, а после внедрил его в мир высокого искусства. На первый взгляд работа кажется максимально простой, но, приглядевшись, ты увидишь глубокую изысканность работы.

Работам Флейвина свойственно выходить за рамки пространства, в котором они расположены, благодаря игре света и разнообразию цветовой палитры. Объекты позволяют зрителю купаться в теплых лучах светодиодов, создавая определенную атмосферу.

Создание своего полотна

Живопись, как и все искусство в целом, — это очень индивидуальное понятие. Кому-то нравится Сальвадор Дали, а кто-то восхищается картинами Ивана Шишкина. То же можно сказать о жанре минимализм. Отличительная особенность данного направления в том, что практически любой человек может создать своими руками картину в стиле минимализм.

Если у человека нет никаких задатков художника, то можно пройти двухнедельный курс. Стоит тщательно продумать, что будет изображено на картине.

Отличным вариантом станет полотно в виде продолжения стены. В этом случае в центре можно изобразить то, что будет приковывать взгляды, а фон сделать размытым. Главное, не перегружать картину лишними деталями и композиционными решениями. Минимализм — это просто. Картина, созданная своими руками, будет уникальна.

Кроме того, в интерьер можно вписать скульптуру, но это необходимо делать очень аккуратно. Если имеется небольшая квартира типичной планировки, то ставить инсталляцию под потолок нелепо. В данном случае отлично будет смотреться ваза или подставка в стиле минимализм.

Сегодня снова цвет в картинах, причем под большим акцентом. Американский художник Paul Stone
демонстрирует настоящий минимализм в живописи
, лишая свои работы большого количества деталей. Характерная черта его работ — крупные формы, залитые яркими цветами. Подробности анатомии его не волнуют. Задача — сформировать в картинах нужное настроение, и цвет для этого художник использует в полной мере.

Мне картины очень понравились, особенно оносительно сотен других современных американских авторов. Сейчас в США многие художники увлеклись гиперреализмом, и на их фоне Paul Stone
смотрится очень выигрышно. Живопись его имеет свою уникальную, узнаваемую манеру письма, в отличие от сотен гиперреалистов, чьи работы чаще всего невозможно идентифицировать.

О художнике в сети информация очень скудная. Максимум, что нашел — текст с открытия выставки, который прилагаю ниже в чуть подправленном виде…

Paul Stone
родился в штате Вермонт (США), в городе Вестминстер. Рисовал с тех самых пор, как себя помнит. Картины пишет более сорока лет. Отучился в Дартмутском колледже и Университете Тафтса. Ныне известен своими яркими образами и пейзажами штата Вермонт. Помимо родного штата Paul пишет пейзажи побережья штата Мэн. Его вдохновляет игра света и цвета на формах вокруг, он часто выбирает объектом творчества амбары, парусники. В своем свободном применении цвета и широких мазков он достигает большого свечения в работах.

Paul Stone делает рисунки, небольшие наброски на пленэре, но большая часть его работы проходит в студии, где «сочиняются» будущие картины в форме эскизов. Студия позволяет ему сосредоточится на цвете и форме, создать визуальный эффект. Большая часть его работ выполнена маслом, но есть и акварельные работы.

Сам художник говорит, что черпает вдохновение из своего окружения, жизненного опыта и уважения к миру вокруг. Картины его не несут каких-либо полускрытых сообщений, они — полны сами по-себе и говорят сами за себя. Можно сказать, что они отражают присутствие человека в природе. Paul Stone старается передавать ощущение тех мест, которые он изображает. Иногда ему в этом помогают люди, а в иных случаях подсказывает дух места…

Роберт Моррис, «Без Названия» (зеркальные кубы) (1965/71)

«Без названия (зеркальные кубы)» Роберта Морриса раскрывают его не только как творца минималистского жанра, но и как концептуального. Автор наткнулся на большие серые коробки, сделанные из фанеры и используемые в качестве декораций, еще выступая в балетной труппе. В своей работе он покрыл эти коробки зеркалами, тем самым изменяя способы восприятия, добавляя простым серым кубам новые визуальные свойства. Композиция направлена на непосредственное взаимодействие зрителя с объектом: прогуливаясь между зеркальными кубами, зрители невольно сталкиваются с самими собой и остаются будто одни со своими мыслями , но наедине со всеми. Акт восхищения произведением искусства внезапно прерывается актом поиска. Именно на этой почве происходит «вторжение» в пространство галереи. Человек начинает чувствовать присутствие искусства за пределами видимого.

Минимализм “черной живописи” художника Фрэнка Стеллы

Можно предположить, что художник Фрэнк Стелла принадлежит к одним из самых влиятельных мастеров и пост-абстракционизма в современном искусстве. Стелла также является профессиональным креатором комбинированной живописи и скульптуры. Американский живописец использует абстрактную форму цвета и композиции для формирования собственной истории.

Такая история или повествование не может по замыслу Фрэнка Стеллы ограничиваться правильными геометрическими фигурами. Даже искаженные линии художник считает чем-то ненужным в своих работах, что также ограничивает его творчество. Поэтому к идеям классического минимализма мастер и добавляет технику комбинированной живописи.

В каждой из своих работ Стелла рассказывает историю фигурами. Но эта история не является буквальной. Свой творческий рассказ художник пропускает через призму взаимодействия форм и цветов. Именно такой синтез создает повествовательный смысл в его картинах и “скульптурах”. Возникает четкое впечатление, что фигуры в каждом его творении текут и движутся, что придает им смысл жизни и даже динамического процесса.

“Pergusa Three from Circuits” 1983

Минимализм в живописи

Минимализм (от англ. minimal art – минимальное искусство) —это художественное течение, которое исходит из минимальной трансформации материалов, используемых в процессе творчества, простоты и единообразия форм, творческого самоограничения художника и монохромности.

Минимализм отказывается от субъективности, иллюзионизма, репрезентации.

Минималисты отвергали общепринятые художественные материалы и классические подходы творчества.

Они использовали природные и промышленные материалы более простой геометрической формы, а также малых объемов, нейтральных цветов (таких как серый и черный), применяли конвейерные и серийные способы индустриального производства. Определенный предварительно результат процесса производства творчества – артефакт в минималистской его концепции. Получив наиболее совершенное развитие в скульптуре и живописи, минимализм, который интерпретируется в более широком смысле как сбережение художественных средств, также нашел своё употребление и в других видах искусства, в большей степени – театре и кинематографе.

Художники минималисты

Дональд Джадд, Карл Андре, Сол Ле Витт.

Возник минимализм в США в первой половине 60-х годов. Его истоки припадают на конструктивизм, супрематизм, дадаизм, абстракционизм, формалистическую американскую живопись конца 50-х годов, поп-арт.

Американский художник Ф. Стелла является непосредственным предшественником минимализма, который представил в 1959-1960 годах свою серию «Черных картин», в которых доминировали упорядоченные прямые линии. В 1962-1963 годах появляются первые минималистские произведения. Термин «минимализм» непосредственно принадлежит Р. Уолхейму, который вводил его согласно к анализу творчества М. Дюшана, а также поп-артистов, которые сводили к минимальному вмешательство художника в окружающую среду.

Его синонимами были:

«АБВ-искусство», «первичные структуры», «прохладное искусство», «искусство как процесс», «серийное искусство», «систематическая живопись».

М. Бочнер, Р. Мэнголд, К. Андре, У. Де Ма-риа, Б. Мэрден, Р. Моррис, Д. Флэвин, Р. Раймэн, С. Ле Витт — наиболее репрезентативные минималисты. Их всех объединяет старание переиграть естественную фактуру материалов и внести артефакт в окружающую среду. Д. Жад определил его как «специфический объект», который отличен от характерных произведений пластических искусств. Освещение, уже как методсоздания минималистских художественных ситуаций, играет самостоятельную роль, при этом создавая оригинальные пространственные решения при использовании компьютерных способов создания произведений.

Идеи мировоззренческой предопределенности творческого движения в минимализме, также получили развитие в концептуализме.

Американским течениям антиформы оказалось созвучно представление об искусстве как действии, пространственно-временном опыте осваивания окружающей среды, искусства, которое саморазрушается и постминимализма второй половины 60-х гг.

Художники США дали возможность минимализму стать главным и влиятельным значением в новом искусстве, углубляясь более в трехмерное, а не в двухмерное. Такие минималистические объекты, как монолиты и трубы — ничего не означают , кроме себя. Этим воображаемым произведениям необходимо возбудить скуку у зрителя. Тони Смит — самый яркий представитель этого течения. Минимализм как бы сдерживает пластическое выражение до самых элементарных структур.

Множество скульптур Смита сделаны из кубических коробок, которые собранных вместе. Британец Антон Церо всемирно прославился, использовуя для своих произведений готовые балки. Смит больше предпочитал демонстрировать свои работы под открытым небом, а Царо — наоборот, с наслаждением создавал закрытые пространства.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Минимализм в живописи

главные художники

Искусство минимализма оказало влияние на многих людей с начала XNUMX-го века, когда они начали формировать движения минимализма, подчеркивающие абстрактный экспрессионизм и рационализм в архитектуре, поскольку эти два течения только дали разным художникам идеи использования только основных материалов в разных работах. придать форму искусству минимализма, среди которого выделяются следующие художники:

Альберто Кампо Баэса: Испанский архитектор, родившийся в 1946 году, является одним из великих представителей искусства минимализма, и его работы известны во всем мире, поскольку его работы сосредоточены на пространстве и свете.

Алвар Аалто: он финн, который привлекает внимание, потому что он является одной из самых многообещающих фигур в международном модернизме и том, что в настоящее время известно как скандинавский дизайн. Здания, которые он спроектировал, во многом основаны на природе, поскольку он был вдохновлен работами Фрэнка Ллойда Райта

В то время как мебель, которую он разработал, была вдохновлена ​​Марселем Брейером с его трубчатыми стульями.

Джонатан Айв: британец, родившийся в 1967 году, вместе с интуитивной помощью Стива Джобса они сформировали самую известную группу Тандем промышленного дизайна в искусстве минимализма.

Кения Хара: Японка 1958 года рождения, женщина, ставшая экспертом в дизайне корпоративных образов, поскольку она использует концепции дзен для создания минималистского искусства так называемых нюдовых изделий, широко используемых в XNUMX веке.

Тадао Андо: Архитектор 1941 года рождения, японец по происхождению, хорошо известен как самоучка, чьи работы известны как «критический регионализм» Чтобы создать свои произведения искусства, художнику пришлось изучить философские течения Японии, которые проникли в западную архитектуру XVIII века.

Эдуардо Соуто де Моура: Португалец, родившийся в 1952 году, помимо того, что является архитектором, который известен тем, что использует искусство минимализма в своих зданиях, поскольку его конструкции обрабатываются с грубыми текстурами, такими как дерево, камень и бетон.

Альваро Сиза Виейра: Родившийся в 1933 году, он португалец, получивший диплом архитектора и посвятивший себя скульптуре, хотя здания, которые составляли структуру и архитектуру, полны света и представляют собой минималистские, но очень прочные здания.

Джон Поусон: Британец, родившийся в 1945 году, является архитектором, который сосредоточился на промышленном дизайне и был вдохновлен восточной философией, а также ее эстетикой и навязал ее западному миру. Цель его работ сосредоточена на решении проблем пространства и света в разных отраслях, за счет использования минимализма.

Декор комнаты в духе минимализма

Минимализм – одно из направлений живописи, которые идеально соответствуют принципам оформления современного пространства. Этот уникальный стиль — не столько интерьерное решение, сколько философия и образ жизни

Немногочисленный декор может идеально соответствовать геометрии и цветовой палитре помещения или выступать ярким акцентом, привлекающим внимание

В любом случае, интерьер комнаты с картинами должен выглядеть стильным и функциональным, дарить чувство свободы и безусловного комфорта. Белые стены, четкая геометрия линий, минимальное количество мебели, оригинальное освещение — идеальная среда для картин абстракция минимализм.

Основные преимущества минималистического стиля:

• простые геометрические формы и линии;
• оригинальный выбор цветов и оттенков;
• использование модульных конструкций;
• преобладание геометрической абстракции;
• ассиметричность изображений;
• полный отказ от реалистичности сюжетов:
• монохромность – во многих работах применяется минимум оттенков.

Развитие

В конце 20 века минимализм развился в новые направления:

Нео-минимализм

Неточный, расплывчатый художественный стиль конца 20 – начала 21 века, представлен в живописи, скульптуре, архитектуре, дизайне и музыке. По отношению к стилю употребляют понятия «нео-концептуализм», «нео-футуризм», «новая абстракция», «пост-абстракционизм», «смарт-арт». Представители: Катарина Берджесс, Марьян Эгермонд, Пол Кун, Кристофер Уиллард.

Минимализм
(от англ. minimal art – минимальное искусство) -это художественное течение, которое исходит из минимальной трансформации материалов, используемых в процессе творчества, простоты и единообразия форм, творческого самоограничения художника и монохромности.

Минималисты отвергали общепринятые художественные материалы и классические подходы творчества.

Они использовали природные и промышленные материалы более простой геометрической формы, а также малых объемов, нейтральных цветов (таких как серый и черный), применяли конвейерные и серийные способы индустриального производства. Определенный предварительно результат процесса производства творчества – артефакт в минималистской его концепции. Получив наиболее совершенное развитие в скульптуре и живописи, минимализм, который интерпретируется в более широком смысле как сбережение художественных средств, также нашел своё употребление и в других видах искусства, в большей степени – театре и кинематографе.

Сол Левитт, «Расписанные стены»

Сол Левитт расписал 1350 стен за 40 лет своей карьеры, 3500 из которых – инсталляции нанесенные на 1200 площадок. Рисунки были совершенно разными: от прямых полос, нанесенных черным грифелем, до разноцветных волнистых линий, одноцветных геометрических фигур и ярких пространств, нарисованных акрилом

Автор отвергал традиционную важность собственной руки творца, разрешая помогать другим в создании своего произведения искусства. Его настенные рисунки принимали формы, занимаемых ими пространств, поэтому подвергались изучению в области архитектуры и искусства

Левитт скончался еще в 2007 году, но его работы продолжают жить, ведь в них вложен дух художника. В наше время есть несколько художников, отказывающих в воссоздании его настенных рисунков, тем самым позволяя им украшать стены по всему миру.

Художники минималисты

Возник
минимализм
в США в первой половине 60-х годов. Его истоки припадают на конструктивизм, супрематизм, дадаизм, абстракционизм, формалистическую американскую живопись конца 50-х годов, поп-арт.

Американский художник Ф. Стелла является непосредственным предшественником минимализма, который представил в 1959-1960 годах свою серию «Черных картин», в которых доминировали упорядоченные прямые линии. В 1962-1963 годах появляются первые минималистские произведения. Термин «минимализм» непосредственно принадлежит Р. Уолхейму, который вводил его согласно к анализу творчества М. Дюшана, а также поп-артистов, которые сводили к минимальному вмешательство художника в окружающую среду.

Его синонимами были:

М. Бочнер, Р. Мэнголд, К. Андре, У. Де Ма-риа, Б. Мэрден, Р. Моррис, Д. Флэвин, Р. Раймэн, С. Ле Витт — наиболее репрезентативные минималисты. Их всех объединяет старание переиграть естественную фактуру материалов и внести артефакт в окружающую среду. Д. Жад определил его как «специфический объект», который отличен от характерных произведений пластических искусств. Освещение, уже как методсо
здания минималистских художественных ситуаций
, играет самостоятельную роль, при этом создавая оригинальные пространственные решения при использовании компьютерных способов создания произведений.

8 part cube, Сол Ле Витт
Artist’s Against Torture, Д.Джадд
Steel Magnesium Plain, К.Андре

Американским течениям антиформы оказалось созвучно представление об искусстве как действии, пространственно-временном опыте осваивания окружающей среды, искусства, которое саморазрушается и постминимализма второй половины 60-х гг.

Художники США дали возможность минимализму
стать главным и влиятельным значением в новом искусстве, углубляясь более в трехмерное, а не в двухмерное. Такие минималистические объекты, как монолиты и трубы — ничего не означают, кроме себя. Этим воображаемым произведениям необходимо возбудить скуку у зрителя. Тони Смит — самый яркий представитель этого течения. Минимализм
как бы сдерживает пластическое выражение до самых элементарных структур.

Сегодня снова цвет в картинах, причем под большим акцентом. Американский художник Paul Stone
демонстрирует настоящий минимализм в живописи
, лишая свои работы большого количества деталей. Характерная черта его работ — крупные формы, залитые яркими цветами. Подробности анатомии его не волнуют. Задача — сформировать в картинах нужное настроение, и цвет для этого художник использует в полной мере.

Мне картины очень понравились, особенно оносительно сотен других современных американских авторов. Сейчас в США многие художники увлеклись гиперреализмом, и на их фоне Paul Stone
смотрится очень выигрышно. Живопись его имеет свою уникальную, узнаваемую манеру письма, в отличие от сотен гиперреалистов, чьи работы чаще всего невозможно идентифицировать.

О художнике в сети информация очень скудная. Максимум, что нашел — текст с открытия выставки, который прилагаю ниже в чуть подправленном виде…

Paul Stone
родился в штате Вермонт (США), в городе Вестминстер. Рисовал с тех самых пор, как себя помнит. Картины пишет более сорока лет. Отучился в Дартмутском колледже и Университете Тафтса. Ныне известен своими яркими образами и пейзажами штата Вермонт. Помимо родного штата Paul пишет пейзажи побережья штата Мэн. Его вдохновляет игра света и цвета на формах вокруг, он часто выбирает объектом творчества амбары, парусники. В своем свободном применении цвета и широких мазков он достигает большого свечения в работах.

Paul Stone делает рисунки, небольшие наброски на пленэре, но большая часть его работы проходит в студии, где «сочиняются» будущие картины в форме эскизов. Студия позволяет ему сосредоточится на цвете и форме, создать визуальный эффект. Большая часть его работ выполнена маслом, но есть и акварельные работы.

Сам художник говорит, что черпает вдохновение из своего окружения, жизненного опыта и уважения к миру вокруг. Картины его не несут каких-либо полускрытых сообщений, они — полны сами по-себе и говорят сами за себя. Можно сказать, что они отражают присутствие человека в природе. Paul Stone старается передавать ощущение тех мест, которые он изображает. Иногда ему в этом помогают люди, а в иных случаях подсказывает дух места…

Carl Andre

• Birth Year: 1935
• Nationality: American
• Subject Matter: Minimalist sculptures using raw materials
• Notable artwork: Equivalent VIII

Carl Andre, an American sculptor associated with the minimalist art movement, is widely recognized for his ordered linear and grid-format sculptures. Born on September 16, 1935, in Quincy, Massachusetts, Andre’s work involves precisely positioning raw materials such as bricks.

He is considered a pioneer of minimalism in art and has significantly impacted the movement since the late 1960s. Known for his coolly intellectual and austere art style, Carl Andre is an influential figure and a critic, poet, photographer, and writer.

His sculptures are characterized by their simplicity and precision, presenting deceptively simple yet captivating artwork that continues to be highly regarded in the art community.

Агнес Мартин, «Спиной к миру» (1997)

Агнес Мартин писала картины, которые никаким образом не изображали предметы, тем не менее их названия подчеркивали сильное очарование природы. Работы Мартин узнавали по сетке, сочетающей в себе минимализм и цветовую гамму. Сетка использовалась в качестве организации пространства полотна. Она помогала создавать бесконечное разнообразие успокаивающих работ в нежных цветовых решениях.

Находясь под сильным влиянием дзен-буддизма и даосизма, Мартин большую часть своей жизни вела себя весьма обособленно от мира, даже проживая в Нью-Мексико. В 40 лет у нее была диагностирована шизофрения. «Спиной к миру» была написана на ее 9-ом десятке жизни. В то время она находилась в доме престарелых. Полосы синего, персикового и желтого цвета все еще продолжали подчеркивать исключительность искусства в мире, полном коррупции, поэтому она уменьшила размер своих холстов для наличия меньшего количества трудностей с ними.

Топ-7 минималистов художницы Ульяны Нешевой

В рубрике «Топ-7» наши герои рассказывают о совершенно разных предпочтениях: от любимых книг до издателей, от произведений до исполнителей. Семёркой коллег, соответствующих её жизненной гармонии и равновесию, поделилась художница Ульяна Нешева.

Предпочтения в искусстве у каждого человека меняются в течение жизни — будь то живопись, музыка или что-то другое. Происходит это под влиянием каких-то событий встреч, с людьми, от узнавания чего-то нового. На данный момент моими безусловными фаворитами являются минималисты. Возможно, это связано с тем, что сейчас я достигла определенного равновесия и гармонии в своей жизни, и эта гармония хрупка и прозрачна, и в ней нет ничего лишнего. Имена этих художников очень известны, но о них не говорят из каждого утюга, как, например, о Херсте, Климте или Уорхолле. Итак:

1. Жозе Бассо — чилийский художник. Это просто эталон минимализма: минимум объектов, чистые цвета, никакой детализации, никакой фактуры. Только бесконечность….

2. Пол Стоун — американец. Несмотря на явный минимализм, мне кажется, его работы импрессионистские по духу: в них чувствуется какая-то мимолетность, изменчивость окружающего мира и настроения. Это беспрерывное естественное течение жизни.

3. Ричард Серра — скульптор. Впечатляют его масштабные инсталляции. Никогда не видела их в живую, но очень хочется не просто увидеть, но и зайти внутрь этих многометровых и многотонных «мегалитов» и прислушаться к своим шагам, может быть крикнуть и ощутить какие-то вибрации, отраженные от стали и бетона, душой и телом. И понять, наконец, смысл бытия!

4. Фрэнк Стелла — чистая геометрия, игра формы и цвета («Черные картины»). Абстракционизм и минимализм — два в одном. Кажется, будто картины не плоские, а объёмные (некоторые работы на самом деле трехмерные). И невольно поддаешься гипнозу: тебя засасывает внутрь, ты забываешь, что это просто полотно, краска… и геометрия!

5. Дамиан Ортега — мексиканский художник. Каждая его инсталляция — это Вселенная. Ты видишь, как на твоих глазах она разлетается на куски и летит прямиком в «черную дыру», но всегда остается надежда на то, что не все еще потеряно и детская вера, что «все будет хорошо» и волшебным образом вернется на свои места.

6. Антон Ламасарес — художник из Испании. Его работы — это эмоции в чистом виде, выраженные иногда в нарочито примитивной форме, это мимолетные воспоминания и мечты одновременно, прошлое и будущее, сон и явь, мир и наше представление о мире. Звучит пафосно, но именно такое впечатление остается от работ этого гениального мастера.

7. Есть еще один художник, который произвел на меня впечатление. Его работы несколько отличаются от творчества европейских мастеров, так как в них присутствует национальный колорит, чувствуется влияние японкой культуры, хотя художник китайский. Это — Хао Бои. Его гравюры — это чистота, покой, абсолютная гармония природы. На первый взгляд работы кажутся простыми и непритязательными, но на самом деле здесь выверена каждая точка, каждый мазок. И напоследок скажу банальность — хочется бесконечно долго смотреть на эти работы и получать эстетическое наслаждение.