Francois morellet / françois morellet

Собирательницы хвороста. Маленький шедевр

В Милле почти невозможно найти картины большие по размерам: длина прославленного полотна «Анжелюс» — 66 см, «сборщиц колос» — 111 см, «Отдыха на жатве» — 116 см. И эти, кажется, самые.

Маленьким шедевром стали и «собирательница хвороста», всего 37 на 45 см. Так французских женщин еще никто не писал. Две фигурки пытаются извлечь сухую древесину, застряла. Труд, который достойно бы делать скоту, делают две крестьянки, сами, не дожидаясь помощи. Это тот страшный мир, где помощи просто не дождаться.

Исследователи удивлялись — нет ни эффектной композиции, ни ярких красок. Никого не убивают и никто не кричит. А зрители хватались за сердце. Милле обращал лицо буржуазного общества к народу, к чрезмерной труда крестьян, к сочувствию тем, кто тяжело и страшно работал на земле. Он обращал общество (и искусство Франции) до гуманизма . И это перекрывало и маленькие размеры картин Милле, и отсутствие колористических сокровищ, театральных жестов, криков и т.п.. В искусство возвращалась горькая правда сегодняшнего дня.

Его зов услышан. Милла стал авторитетом в живописи. И как всегда, одни закричали о его заполитизированность, другие видели в нем исключительность, феномен . Его картины стали хорошо покупать.

Когда-то «сборщиц хвороста» приобрел Третьяков . Нет, не Павел, покупал и поддерживал русских художников, а потом подарил москве галерею, носящей его имя. Приобрел брат Павла — Сергей Третьяков, коллекционировал произведения художников Европы . Обычно он отсылал деньги в Париж своему агенту, а тот, по своему усмотрению увидев достойное, покупал и отсылал в Москву . И усмотрению, и покупка оказались очень удачными. В Москве это почти единственная (кроме еще одного пейзажа) сюжетная картина Милле. Зато — шедевр.

The Humor of François Morellet

Things are not what they seem. They are much, much more than that, a fact so beautifully and comically illustrated by much of Morellet’s work. Take for example his Geometree series. These playfully profound works are part painting and part-assemblage. In each one, Morellet connects a section of a tree branch to a two-dimensional plane and then explores the ways geometry might extend outward from it. Like tendrils of science, squares, triangles and circles shoot from the branches’ various tips, climbing into a flattened universe. It’s impossible not to smile when considering the eternal invisible geometry all around us, to which these works bring our attention.

Since Morellet has died, a handful of memorial articles have appeared online reflecting on his life and work. One compares his “provocative stance and humor” to the Dadaists . But something is woefully inaccurate about such a comparison. Dada was born from frustration and despair. It saw humanity as absurd. It was a cynical outlook expressed with outrage. François Morellet did make jokes, as evident in the names he gave his works. But the jokes weren’t absurd; they were wry and self deprecating. The attention to detail he gave to each object he created reveals him as someone who cared deeply about those who might encounter what he made. And his sense of wit and contextual awareness of space reveal him as someone with respect for environments and their inhabitants. Morellet was provocative, yes, and humorous, definitely, but he was also sincere, and he was a joyful participant in the world. He was no Dadaist.

François Morellet — GEOMETREE NO. 51, 1984, 1984, Acrylic on canvas with branch, 200 x 200 cm, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo ARS, NY

François Morellet — Seven Corridors, 2015, Val de Marne Museum of Contemporary Art 

Основополагающие идеи творчества

В 1857 году Милле закончил работу над своей самой известной картиной «Сборщицы колосьев». Одобрение, с которым встретила его произведение критика оказалось неожиданным даже для самого художника.

Милле удалось попасть в тон всеобщего настроения, созданного политическими событиями того времени.

Он продолжил работу в том же жанре и спустя два года появилась не менее знаменитая «Анжелюс». Она повторяла послание художника в «Сборщицах колосьев», но также содержала ответ, который предложил сам Милле.

Та жизнь, которую он изобразил, была наполнена смирением и верой, способной превозмочь нелегкие будни крестьян.

Милле также писал картины по заказу правительства, начиная с первых серьезных работ в бытовом жанре 1848 года, а также «Крестьянка, пасущая корову» (1859 г.), примечательно, что именно это привело его к смене направления и принесло ему признание.

Милле не писал с натуры, его работы создавались исключительно по памяти. С 1849 года и до конца своей жизни Милле жил в Барбизоне, название этого места дало имя школе, одним из основателей которой он стал.

Начало творческой деятельности

Спустя год Милле женился на Полине Виржинии Оно и вместе с ней возвратился в столицу.

Хотя с 1840 года он регулярно выставлял свои работы в Салоне, настоящая известность пришла к нему только в 1848 году, когда сменив тему (в частности, оставив портретную живопись), художник сосредоточился на идее, которая стала лейтмотивом его творчества.

В 1849г Франсуа уезжает из Парижа в деревню Барбизон. Утром он работает в поле, а вечером занимается живописью.

Свои главные работы Милле посвятил сценам крестьянского труда и быта. В них он отразил свое понимание жизни этого сословия, тяжести их положения и вынужденную нищету.

По его собственным словам, выходец из крестьянской семьи, он всегда был и остается таковым.

Solo Exhibitions (Selected)

2007

Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris – Paris, France07/01/2007 – 09/16/2007

MAC Musée d’Art Contemporain – Lyon, France06/06/2007 – 08/05/2007

2003

Oeuvres récentesGalerie Oniris – Rennes, France06/03/2003 – 08/31/2003

Quelques systèmes en hommage à HerbinMusée Matisse – Le Cateau-Cambrésis, France05/17/2003 – 09/07/2003

Cercles blancs et cercles jaunesMusée des Beaux-Arts – Nancy, France04/10/2003 – 06/09/2003

SculpturesGalerie Liliane & Michel Durand-Dessert – Paris, France02/08/2003 – 04/05/2003

2002

Studio d’Arte Contemporanea Dabbeni – Lugano TI, Switzerland2002 – 06/29/2002

Haus Konstruktiv – Zürich ZH, Switzerland06/09/2002 – 08/25/2002

François MorelletAtelier – Editions Fanal – Basel BS, Switzerland04/27/2002 – 06/30/2002

Museum Würth Moderne Kunst – Künzelsau, Germany01/22/2002 – 05/20/2002

DiscrètementMusée Fabre – Montpellier, France10/2001

Carré Sainte Anne – Montpellier, France09/2001

2000

François MorelletGalerie Nationale du Jeu de Paume – Paris, France11/28/2000 – 01/21/2001

François MorelletGalerie Friebe – Lüdenscheid, Germany05/19/2000 – 06/30/2000

François Morellet, 40000 carrés et 20 décimalesMusée d’Art Moderne et Contemporain – Strasbourg, France2000

1997

François Morellet, Noendneon and Stainless Still-LifeNicholas davies Gallery – New York NY, United States12/17/1997 – 01/31/1998

Работа

Для Морелле произведение искусства относилось только к самому себе. Его названия, как правило, сложные, содержат некоторую игру слов и описывают «ограничения» или «правила», которые он использовал для их создания. Как и другие современные художники, которые используют ограничения и случайность (или случайность) в своих работах (Джон Кейдж в музыке Улипо группы в литературе), Морелле использовал правила и ограничения, установленные заранее, чтобы направлять создание своих работ, а также разрешил шанс сыграть роль в некоторых его сочинениях.

Его строгое использование геометрии имеет тенденцию создавать эмоционально нейтральные работы и помещает его близко к Минимальное искусство и Концептуальное искусство в его целях. Он разделял особую близость к американским художникам. Эллсуорт Келли, Фрэнк Стелла и Сол Левитт.

• Серии: Repartitions aléatoires («Случайные деления») 1950-х гг.
• Переделка 16 форм идентичностей — нарисовал после посещения Альгамбра из Гренада
• Серии: Trames с 1950-х
• Серии: Архитектурная дезинтеграция («Архитектурные распады») с 1971 г.
• Серии: Géométrées с 1983 г.
• Серии: Дефигурации с 1988 г.
• Серии: Déclinaisons de pi («Версии Пи «) с 1998 г.

Moving and Shaping

So then what was Morellet, if not a late-blooming Dadaist? Most historians would describe Morellet as a Kinetic Artist, a Geometric Abstractionist, and possibly a proto-Minimalist, labels easily supported by certain elements of his oeuvre. But Morellet also believed strongly in the primary importance of ideas, which made him a Conceptual Artist. And his work with neon and the manipulation of lighting he engineered in many of his exhibition spaces closely aligns him with the Light and Space Movement. Still other pieces are brilliant, iconic examples of Installation Art, such as his 2015 Seven Corridors installation.

And what about Morellet’s seminal 1964 work Reflections in water deformed by the spectator? In this piece he built a geometric neon sculpture and hung it from the ceiling over a black pool of water. Then he invited the public to come and disrupt the water by manipulating a mechanism in the pool. The disturbed water caused the reflection of the lights to become deformed. He then photographed and filmed the disrupted images of the reflected lights. In this single piece, he is a sculptor, a photographer, a light and space artist, an installation artist, a conceptual artist, a geometric abstractionist, a kinetic artist and a minimalist.

So what was Morellet? Was he multi-styled? Was he multi-disciplinary? Perhaps yes and yes. Yes he expressed himself in two, three and four-dimensions. Yes he used geometry, kinetics, ideas, light and space and relied on a pared down, minimal visual language. But it is arguable that he, like Picasso, Yves Klein, Joan Miró or Joseph Beuys, simply defied being labeled at all.

François Morellet — Random Distribution of 4,000 Squares using the Odd and Even Numbers of a Telephone Directory, 1960, Oil on canvas, 103 x 103 cm

François Morellet — 2 frames dashes 0° -90° with audience participation, 1971, White neon tubes, switch

Обучение в Шербур

Заметив талант в ребенке, родители сделали все возможное, чтобы сын вырвался из села. Его отправили в Шербур, где устроили в мастерскую художника Мошеля, местного портретиста. Успехи Франсуа привели его в другую мастерскую к художнику Ланглуа. Тот так верил в ученика, получивший для него стипендию от Муниципалитет Шербура и право на обучение в Париже . Так бывший деревенщина перебрался в столицу.

Когда-то бабушка завещала ему не рисовать ничего постыдного, даже когда оно просить сам король. Внук выполнил завещание бабки — и сделал много полезного для искусства Франции , да и всего мира.

Дань уважения

• В 10 апреля 2016 г.премия Франсуа-Морелле вручается Катрин Милле Лораном Хамоном (депутатом от штата Мэн и Луар), Режином Катеном (членом регионального совета Pays de la Loire ) и Филиппом Меай . Он награждает личность за его произведения об искусстве и ежегодно проводится в Сомюре Филиппом Меалем в рамках Национальных дней книги и вина в сотрудничестве с Шато де Монсоро .
• В 7 ноября 2016 г., центр Помпиду собирает друзей и сообщников Франсуа Морелле во время вечернего мероприятия.
• В 13 декабря 2016 г.В замке Монсоро на фасаде установлено ограничение Curve от двери до двери .
• В 6 октября 2017 г., Музей искусства и истории Шоле посвящает Франсуа Морелле зал, в котором будут регулярно экспонироваться его работы.

Innovative approach and Non-traditional Materials

During the 60’s he was a co-founder of an experimental group named the Research Group of Visual Art (BURN) with Horacio Garcia Rossi, Julio Le Parc, Joël Stein, Francisco Sobrino, and Jean-Pierre Yvaral. Their aim was to focus on the creation of installations using the non-traditional materials. Morellet completely threw out the function of the artistic sensibility which was associated with the strivings of Art Informel and Abstract Expressionism. Around this time, he began working with neon. His interest in optics and movement brought his work to the kinetic perception with the use of systems which combine logic and chance, juxtaposition, overlapping, interferences and fragmentation.

Офорты Милле

Милле один из мастеров, которые обращались к созданию гравюр. Это не было главным в его творчестве, поэтому он сделал несколько экспериментов в разных техниках: шесть литографий , две гелиографии, шесть гравюр на дереве. Всего он работал в технике офорт . Среди них есть как повторы своих картин (офорт «собирательница колос»), так и достаточно самостоятельные сюжеты. Чрезвычайно удачным был офорт «Смерть забирает крестьянина-дровосека», что высокой художественной качеством напомнил шедевр немецкого мастера 16 века Ганса Гольбейна из серии «Танец смерти».

Милле длительное время искал композицию. В музее Лувр сохраняют два рисунка Франсуа Милле с первыми поисками композиции. Еще один рисунок попал в Эрмитаж в 1929 году. Композиция последнего и легла в основу как офорта, так и картины на эту же тему (Новая Карлсбергська глипкотека, Копенгаген).

Портреты Франсуа Милле

По первому своей специальности он портретист. Он брался и рисовал портреты. Но чувствовал недовольство. К тому же в Париже он учился в исторического живописца Делароша. Удовольствие ни от Делароша, ни от тогдашнего Парижа он не испытывал. И так, потому что и Париж пустыня для бедных. Душой он отдыхал в музее Лувр , потому что нужно было набрать опыта, который никто не мог ему дать, кроме старых мастеров искусства.

Полина Оно — жена художника. Они поженились в . Через четыре года Полина умрет от чахотки (туберкулеза). Не все в порядке было и с картинами — их никто не покупал. Жил художник на деньги от заказанных портретов.

François Morellet

Cholet
1926 —
Cholet
2016
Born in Cholet in 1926 François Morellet worked in his father’s business between 1948 and 1975. He taught himself to paint but also took lessons from a painter. His early landscapes, portraits and still lifes were executed in pastose brushwork in a subdued palette but they soon gave way to painting distinguished by stylized pictorial elements. By 1950 François Morellet was styling himself an «abstract painter». That year Morellet had his first one-man show at the Galerie Creuze in Paris. In the mid-1950s François Morellet was preoccupied with configuring the picture field as an infinite structure reaching beyond the confines of the picture itself. In so doing, François Morellet eliminated the all-over technique of a Jackson Pollock from his range since Morellet based each work on principles and systems established in advance. François Morellet was in fact more interested in method than in the finished painting. Morellet joined «GRAV» (‘Groupe de Recherche d’Art Visuel’: 1960-1968), a group of Kinetic artists who explored the possibilities of the visual arts in a scientific and experimental way. Determined to find a new medium of expression, François Morellet used neon from 1963 as his material of choice. What interested Morellet in neon tubing was its specific material properties: its luminosity, the way it could be made to shut on and off automatically and the fact that it was manufactured. From 1968 François Morellet became interested in architecture and space. He was given commissions for working in public spaces, including the Centre culturel in Compiègne, the La Défense section of Paris and the Kröller-Müller Museum Park in Otterlo. In 1992 François Morellet summed up his work himself in «Relâche n° 1» by combining in it all the materials he had ever used: painted canvas, neon tubing, adhesive tape and strips of metal. Following aleatoric principles, François Morellet allowed chance to transform his materials into an aesthetic disorder. His provocative stance and humor place Morellet closer to Dada than to Geometric Abstraction and Minimal art.François Morellet died in May, 2016 at the age of 90 years in his place of birth Cholet.

François MorelletSuperposition d'une répartition aléatoire de 20% de carrés
44,400 $Details

Sean ScullyCut Ground Orange
888,000 $Details

Ernst Wilhelm NayEne mene ming mang
444,000 $Details

Sean ScullyWall of Light Green Grey
444,000 $Details

Gerhard RichterRot-Blau-Gelb
388,500 $Details

Frank StellaThe Pequod Meets the Rosebud (D-19, 1X)
222,000 $Details

Katharina GrosseOhne Titel
166,500 $Details

Katharina GrosseOhne Titel
155,400 $Details

ТВОРЧЕСТВО

Он писал крестьян с глубиной и проникновенностью, напоминающими о религиозных образах. Его необычная манера принесла ему заслуженное признание, не подвластное времени.

Его произведения интерпретируют совершенно по-разному. Творчество художника казалось одновременно обращенным и в прошлое, и в будущее. Одни находили в картинах Милле ностальгию по патриархальной жизни, рухнувшей под натиском буржуазной цивилизации; другие воспринимали его работы как гневный протест против угнетения и притеснения крестьян. Прошлое и будущее встречается не только в тематике Милле, но и в его стиле. Он любил старых мастеров, что не мешало ему чувствовать себя своим среди художников-реалистов. Реалисты отвергали долгое время господствовавшие в «серьезном» искусстве исторические, мифологические и религиозные сюжеты и ориентировались на окружающую жизнь.

На них мы видим крестьян, по преимуществу, в двух положениях. Они или поглощены работой, или отдыхают от нее. Но это не «низкий» жанр. Образы крестьян величественны и глубоки. С юных лет Милле не уставал ходить в Лувр, где изучал работы старых мастеров. Особенно восхищали и привлекали его картины , отличающиеся прозрачностью и торжественностью.

В том, что касается цвета, Милле, бесспорно, являлся художником XIX века. Он знал, что такое «живой» цвет, и умело использовал резкие контрасты света и тени. Нередко художник покрывал нижний слой краски еще одним, с применением техники сухой кисти, что позволяло ему создавать жесткую фактурную поверхность. Но задний план Милле обычно писал очень мягко и гладко. Холст, состоящий из «разнофактурных» частей, — характерная особенность его манеры.

До 1860-х годов Милле всерьез пейзажем не занимался. В отличие от своих друзей-барбизонцев, он не писал с натуры. Сельские же пейзажи, необходимые для картин, Милле вызывал из памяти. Именно поэтому на полотнах художника так много видов Нормандии, где он провел свое детство. Другие ландшафты воссозданы по наброскам, написанным в 1860-е годы близ Виши, где по совету врачей поправляла свое здоровье жена Милле.

В середине 1840-х годов Милле пытался заработать на жизнь созданием легких и беззаботных картин, стилизуя модный тогда стиль рококо. Это были мифологические и аллегорические полотна, а также картины легкого эротического содержания, изображающие обнаженную женскую натуру (например, «Лежащая обнаженная женщина»). На тогдашних холстах Милле появлялись нимфы и купальщицы, писал он и пасторали, рисующие сельский мир земным раем, а не ареной изматывающей борьбы за кусок хлеба. Сам художник называл эти произведения исполненными в «цветистом стиле». К нему относится и картина «Шепот», 1846 (другое название — «Крестьянка и дитя»).

ВЛИЯНИЕ МИЛЛЕ НА ТВОРЧЕСТВО ДРУГИХ ХУДОЖНИКОВ

Позже картины Милле пропагандировались как пример для подражания в коммунистических странах, где культура строилась на принципах «социалистического реализма».

Был в восторге от картины «Анжелюс», создав ее сюрреалистическую версию.

Более того, именно его популярность способствовала тому, что имя Милле стало ассоциироваться с характеристикой «сентиментальный художник». Эта формула была совершенно ошибочной. Сам художник таковым себя не считал. И лишь совсем недавно, после больших выставок Милле в Париже и Лондоне (1975-76 гг.), художника открыли заново, обнаружив во всей полноте его уникальный художественный мир.

В 1848 году знаменитый критик и поэт Теофиль Готье восторженно писал о картине «Веяльщик»:

Хотя его произведения имеют чрезвычайное значение в искусстве на все художественные течения. Рисовал жанровые композиции, пейзажи, создал несколько портретов. Картина Милле «Сеятель» вдохновила Ван Гога на создание своих композиций на подобную тему. А его «Анжелюс» была любимой картиной , яркого представителя сюрреализма . Далее обращался к образам «Анжелюс» всю свою жизнь.

Work

Works

Lunatique Neonly No.2
Date of creation : 1997Medium : Light installationProcess : neon
Relâche n°8
Date of creation : 1992-1994Medium : InstallationMaterials : acrylic-oil-aluminiumProcess : neonSupports : canvasSize : 300 x 300 cm
Sans titre
Date of creation : 1991Medium : Installation
Geometree No.51
Date of creation : 1984Medium : Acrylic/canvasSize : 79 x 79 inch
5 toiles de 4 m de périmètre avec une diagonale horizontale
Date of creation : 1973Medium : Acrylic/canvasSize : 150 x 800 cm
Desintégrations architecturales
Date of creation : 1971Medium : Installation
Néons avec programmation aléatoire-poétique-géométrique
Date of creation : 1967Medium : Light installationProcess : neonSupports : woodSize : 50 x 190 x 6 cm
Sphere Trame
Date of creation : 1966Medium : SteelSize : 60 x 60 x 60 cm
Projet
Date of creation : 1958Medium : Pencil/paperSize : 14 x 21 cm
Du jaune au violet
Date of creation : 1956Medium : Oil/woodSize : 80 x 80 cm
Projet
Date of creation : 1952Medium : Pencil/paperTechnical data : recto-versoSize : 21 x 27 cm
Piquants de façade
Medium : Light installationProcess : neon

Краткая биография

• 1834 год – стал обучаться живописи непосредственно в Шербуре у неизвестных на тот момент мастеров – Ланглуа и Мушеля.
• 1837 – 1839 гг. – переехал в Париж, где на протяжении двух лет занимался живописью в мастерской Поля Делароша, который был салонным художником.
• 1840 год – Жан-Франсуа Милле начинает выставлять свои работы в Салоне.
• 1841 год – «Портрет Луизы-Антуанетты Феардент»
• 1847 год – «Эдипа снимают с дерева». Одна из ранних картин, является представителем мифологической живописи, что не так часто будет появляться в работах художника в будущем.
• 1848 год – написана картина «Веяльщик». Её настроение и стиль написания уже соответствуют по настроению последующему творчеству мастера.

«Веяльщик» (1848)

• Вообще, начало жизни автора пришлось на трудный период во французском искусстве – между собой боролись классицизм и романтизм, и по отношению к пейзажу, который вскоре станет важным в творчестве Милле, академики говорили о нём только как о фоне для античных сюжетов и не более, что видно, например в картине 1847 года. Романтики же наоборот украшали свои пейзажи, доводя их этим до нереалистичности. Барбизонцы в свою очередь настаивали на реалистичном и обыденном пейзаже, изображению на картинах простых людей, занятых трудом.
• Желание последних выразить настроение простого народа, увидеть гармонию в простоте природы, уловить то мимолётное, что видно лиши мгновение очень близко к будущим стремлениям импрессионистов.
• 1849 год – художник переехал в Барбизону и прожил там до конца своей жизни. С того момента крестьянский мотив становится главенствующим в его картинах. «Я крестьянин и ничего больше, как крестьянин», — так говорил о себе сам Жан-Франсуа Милле.
• 1850 год – была закончена картина «Сеятель».
• 1851 – 1853 гг. – «Путь на работу»
• 1857 год – написана, пожалуй, одна из самых знаменательных картин его – «Сборщицы колосьев». Она отражает тяготы и лишения простого рабочего народа. Солнце пронизывает своими лучами весь холст, а на заднем плане – грузные кучевые облака, отработавшие крестьяне толпятся и разговаривают. Но на их место пришли другие фигуры – ведомые нуждой, три женщины собирают оставшиеся колоски. Хоть работа эта невзрачна и проста, руки их черны от пыльной земли, спины согнуты в печальном поклоне, а одежды стары и уже выцветают.

«Сборщицы колосьев»

• Около 1858 года – написано полотно «Крестьянки с хворостом», которое сейчас находится в Эрмитаже.
• 1859 год – довольно богатый на произведения год. В нём были написаны:
  • «Анжелюс». Прекраснейшее в своём роде полотно, оно отражает сокровенные чувства во время молитвы. Услышав колокольный звон, муж и жена сложили в молитве руки, говоря с Богом о радостях, нуждах и печалях. Данное произведение вызвало обильные отзывы различного рода, потому что для своего времени картина была весьма неординарной.
  • «Смерть и дровосек». Причисляется к жанру мифологической живописи, достаточно необычно для того периода творчества художника.
  • «Крестьянка, пасущая корову». Фигура девушки, пасущей худую корову с выраженными костями, слегка растворяется в морозном тумане. «Манифест бедности» – вот как критики назвали эту картину.
• 1860 – 1862 гг. – «Человек с мотыгой».

«Человек с мотыгой»

• 1866 год – под влиянием барбизонской школы была написана картина «Зимний пейзаж с воронами». Крестьяне уже закончили свою работу и на поле остались только вороны. Что примечательно, это именно пейзаж – на картине не изображено ни одной фигуры, и в том явное влияние барбизонцев, писавших в ту пору пейзажи.
• Художники барбизонской школы взяли для своей основы традиции, сформированные французскими (Никола Пуссен и Клод Лоррен) и голландскими (Якоб ван Рейсдаль, Ян ван Гойен, Мейндерт Хоббема) пейзажистами живописцами. Влияние на творчество оказывали как их предшественники – Юэ и Бонингтон, так и их современники, вовсе не принадлежащие барбизонской школе – Коро, Курбе, Делакруа.
• 1867 год – прошла Парижская всемирная выставка, после которой Жан-Франсуа Милле стал известен в более широких кругах.
• 1868—1873 гг. – «Весна». Это последняя работа художника – она переполненная светом, росою, чистотой после дождя, на небе виднеется радуга – символ примирения Бога с человеком. Закончил её мастер незадолго до своей кончины.
• 20 января 1875 года – художник скончался в Барбизоне, а похоронен был около деревни Шалли, рядом со своим другом, также барбизонцем, – Теодором Руссо.

Жан-Франсуа Милле на фото

биография

Франсуа Шарль Алексис Альберт Морелла родились в Шоле , где его дед по материнской линии, Алексис Guerineau, основатель игрушек и вагонам компании, был мэр с 1917 по 1932 г. Его отец, Чарльз Морелла, был суб-префект из Шинона затем де Маен , до прихода компания его тестя, преемником которого он является. Семья переехала в Париж в 1937 году.

Франсуа Морелле начал рисовать в 1940 году. После получения степени бакалавра он изучал русский язык в школе восточных языков . Он женился на Даниэль Маршан в 1946 году. В 1948 году он присоединился к семейной компании, и до 1975 года он продолжал свою карьеру параллельно с творческой деятельностью.

С конца 1940-х годов живопись Морелле стремилась избавиться от индивидуальной субъективности, подчиняясь коллективным интересам. После короткого образного периода (1947-1950) он усилил эту эволюцию в направлении искусства, свободного от всякого романтизма, выбрав абстракцию в 1950 году под влиянием Пьера Дмитриенко  ; Затем он принял очень упрощенный геометрический язык, отмеченный на примере Мондриана , состоящий из простых форм (линий, квадратов, треугольников), ограниченного числа цветов, собранных в элементарные композиции в двух измерениях. Это исследование отмечено работами Макса Билла и искусством из бетона , обнаруженными во время поездки в Бразилию в 1951 году, и геометрическими узорами Альгамбры в Гранаде , которыми восхищались в 1952 году.

До 1960 года Морелле устанавливал различные системы расположения форм, которые он использовал (суперпозиция, фрагментация, сопоставление, интерференция), создавая, в частности, свою первую «рамку» — сеть параллельных черных линий, наложенных в определенном порядке.

С 1961 по 1968 год он был одним из создателей и главных действующих лиц кинетического искусства в группе исследований визуального искусства (GRAV) с пятью другими художниками: Франсиско Собрино , Орасио Гарсиа Росси , Хулио Ле Парк , Ивараль и Жоэль Штайн, а также Ференц и Вера. Молнара, которые очень быстро покидают группу. Он также участвует в международном движении « Новый тренд» . В этом контексте он стремится создать экспериментальное искусство, основанное на научных знаниях о визуальном восприятии и развивающееся коллективно.

В 1963 году Морелле начал создавать работы с неоновыми трубками , как и американский художник Дэн Флавин .

После 1970 года для него начался третий период, отмеченный созданием все более обнаженных работ, играющих со своей средой и пространством, которое их окружает. Затем он выполнил большое количество архитектурных интеграций, начиная с его первого монументального вмешательства на плато Рейни в Париже, в центре Бобура в 1971 году.

Он умер в Шоле на 10 мая, 2016.

A Legacy of Ambiguity

Looking over the enormous body of meticulously crafted, undeniably beautiful work Morellet created, it appears in retrospect that even the label of “abstract artist” can be seriously called into question. As a young artist, Morellet most definitely shifted away from being a figurative painter, and toward working with geometric shapes and patterns.

But then when he transitioned into working with neon and with interior spaces like walls he entered a different realm, one in which his art was interacting in a personal, tactile way with his viewers. And as he then went on to make more public art, the idea of abstraction seemed to melt entirely away, as these so-called abstract works in fact inhabited a most assuredly realistic place in the world.

Through much of Morellet’s work, we come to the conclusion that now abstraction and reality are one. As evidenced in his Geometree series, the physical, natural and representational realm melds seamlessly into the realm of abstract geometry and flattened space. Our world of modern aesthetic phenomena encompasses both abstraction and figuration simultaneously.

Whether this was his intent or not is unknown, but by the end of his career Morellet proved that the so-called abstract visual language of circles, triangles, squares and lines is as much a part of our contemporary world as the visual language of trees, houses, faces, animals, sunsets and hills. This demonstration of the cooperative forces of light and dark, dimensionality and flatness, abstraction and figuration, this is the most important gift Morellet left behind for future generations of artists. Through his enigmatic legacy, his humor and the sincerity with which he worked, he taught us what art can become if it stays open, doesn’t take itself too seriously, and remains free.

 

использованная литература

• Беате Райфеншайд и Доротеи ван дер Келен; Arte in Movimento — Искусство в Bewegung, Dokumente unserer Zeit XXXIV; Хор-Верлаг; Майнц 2011; ISBN  978-3-926663-44-3
• Лемуан, Серж (2000). Арт Конкрет (На французском). Париж: Espace de l’Art Concret / Réunion des Musées Nationalaux. ISBN  2-7118-4069-7.
• Казимир Малевич и Франсуа Морелле / Карреман Тексты Бернара Маркаде, Жан-Клода Маркаде, Франсуа Морелле, Сержа Лемуана, Editions Kamel Mennour, 2011.
• Carrément — Discrètement. Каталог выставки. Текст Кристиана Скимао. Монпелье, 2001.
• Lejeunne, Дени. 2012 г. Радикальное использование случайности в искусстве ХХ века, Родопи Пресс, Амстердам, стр. 129–173.
• Лемуан, Серж. Франсуа Морелле. Васер Верлаг: Цюрих, 1986.
• Лемуан, Серж. Франсуа Морелле. Фламмарион: Париж, 1996.
• Морелле. Каталог выставки. Очерки Доминика Бозо, Бернара Блистена, Кэтрин Милле, Руди Оксенаара, Алена Куланжа, Йоханнеса Кладдерса; Интервью с Кристианом Бессоном. Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду, Париж, 1986 год.
• Морелле. Каталог выставки. Очерки Жана-Франсуа Грулье, Жаклин Лихтенштейн, Томаса МакЭвилли, Арно Пьера; Хронология Стефани Жаме. Galerie nationale du Jeu de Paume / Réunion des Musées Nationaux, Париж, 2000 г.
• Морелле, Франсуа. Mais comment taire mes комментарии Коллекции: Ecrits d’artistes. Высшая национальная школа изящных искусств, Париж, 1999.

From Figurative to Abstraction

Morellet was born in 1926 in Cholet, France. Ten years later his family moved to Paris and he began painting at the age of 14. He took the lessons from Jean-Denis Maillart, who allowed him to exhibit one painting at the Salon of the National Society of Fine Arts. Graduating the Russian language at the School of Oriental Languages in Paris, painting remained his main interest. His first solo exhibition was held in March 1950 at the Creuze Gallery in Paris. Besides his artistic career, he was active in a family business, working in his father’s toy factory.

His early landscapes, portraits and still lifes were characteristic for their dark palette, but soon his style became distinguished from pictorial elements and by 1950 he considered himself as an abstract painter. Preoccupied with the configuring the picture field as infinite structure, Morellet discarded the all-over technique of Jackson Pollock, since his principles were established in advance. In the focus of his interests was the method rather than the finished painting.