Тома, ханс

Барон Александр Людвигович фон Штиглиц

Барон Штиглиц (1814-1844) – крупнейший российский банкир, меценат, управляющий Государственным банком России (1860—1866), благотворитель. На его средства было учреждено Училище технического рисования в Петербурге. Это было ценнейшим вкладом для культуры России.

Барон Александр Штиглиц на портрете К. Штейбена (1840-е)

Сейчас это художественно-промышленная Академия им. Штиглица – крупнейшее высшее учебное заведение, выпускающее живописцев, дизайнеров, искусствоведов и других людей творческих специальностей. Оно навсегда обессмертило имя барона.

У барона Александра Людвиговича был свой особняк на Английской набережной в Петербурге, построенный по проекту архитектора А.И.Кракау в 1859-62 годы.

Для украшения парадных залов особняка барон приобретал и заказывал картины современных немецких и австрийских художников. Произведения отличались по манере, жанрам и уровню исполнения, были написаны как признанными мастерами, так и начинающими живописцами, принадлежавшими к важнейшим художественным школам крупнейших европейских городов: Вены, Мюнхена и Дрездена.

Барон Штиглиц стал обладателем одних из самых ранних работ Ханса Макарта, Ханса фон Маре и дуэта А. Вагнера и А. Лицен-Майера. На сегодняшний день произведения этих авторов являются очень редкими и потому очень ценными. Рассмотрим каждую картину из коллекции барона Штиглица подробнее и особенности творчества и биографии каждого автора.

Главные события в жизни и творчестве

В раннем детстве и юности будущий художник жил в Христиании (старое название норвежской столицы). В 5 лет он лишился матери – она умерла от чахотки. Спустя 10 лет та же болезнь унесла любимую сестру Софию, которой он позже посвятил картину «Больная девочка», а у другой сестры, Лауры, стали проявляться признаки тяжелого психического заболевания. Сам художник тоже не отличался крепким физическим и душевным здоровьем. Пережитые события заставили Эдварда усомниться в христианской вере, повлияв на формирование трагического восприятия мира.

• 1879 год – Мунк становится студентом технического колледжа и преуспевает в точных науках.
• 1880 год – оставляет занятия, чтобы учиться рисовать, несмотря на неодобрение отца. Его поддерживают родственники, в том числе художник Фриц Таулов.
• 1881 год – поступает в Королевскую школу рисования в Христиании. Начинает заниматься живописью и общаться с творческой богемой столицы, в том числе с повлиявшим на него писателем Хансом Егером, близким по взглядам к анархистам.
• 1883 год – впервые демонстрирует зрителям картины «Этюд головы» и «Девушка, разжигающая плиту».
• 1884 год – при содействии Фрица Таулова добивается стипендии и на эти деньги впервые едет во Францию.
• 1886 год – пишет картину «Больная девочка», вызвавшую обвинения в небрежности и непрофессионализме, а вслед за ней – несколько более консервативных по стилю портретов, пейзажей и жанровых сценок. Осенью во второй раз едет в Париж, где изучает стили современной живописи, особенно импрессионизм и пуантилизм, учится работе с цветом у Леона Бонна. В декабре Мунк узнает о смерти отца, но поскольку письмо приходит с опозданием, не успевает на его похороны. Художник впадает в депрессию, уходит от общения с людьми. Приходит понимание, что героями картин должны становиться «реальные люди» и их боль. Рождается картина «Ночь в Сен-Клу» (некоторые критики предполагают, что сидящий у окна мужчина – отец Мунка незадолго до смерти).
• 1890 год – возвращается на родину и вновь участвует в выставках, встретив более теплый прием. В конце года – третья поездка в Париж и знакомство с живописью Ван Гога и Гогена. В это время формируются черты, характерные для художника-экспрессиониста: простота форм, выразительность линий и символизм образов. В новой манере он создает картину «Меланхолия» и начинает работу над циклом произведений «Фриз жизни».
• 1892-93 годы – устраивает выставки в Норвегии и Германии, вызвавшие противоречивые отклики. Пробует себя в техниках офорта, литографии и гравюры.
• 1893–1902 годы – пишет четыре экземпляра «Крика», наиболее знаменитой и дорогой картины.
• 1902 год – презентует «Фриз жизни» в Берлине. Успех. Темы 22 картин – ревность, одиночество, размышления о любви и смерти. В изображении страдания художник видит способ освободиться от переживаний, избежать «внутреннего ада». Начинает рисовать более просто и грубо.

Мунк в 1902 году в саду своего покровителя доктора Макса Линде в Любеке

• 1908 год – лечится от душевного расстройства в копенгагенской клинике.
• 1916 год – приобретает виллу Экелю рядом со столицей, увлекается разведением овощей и домашней птицы.
• 1930 год – после кровоизлияния в глаз почти перестает рисовать.
• 1940 год – остается в оккупированной фашистами Норвегии, испытывает тревогу за свою судьбу и картины.
• 23 января 1944 года – Мунк умирает в Экелю в возрасте 80 лет. Согласно завещанию, все творческое наследие художника передано городу.
• 1963 год – в Осло создается музей Мунка, который до 2015 года был правообладателем его произведений. Позже они становятся достоянием общественности.

Эдвард Мунк

Жизнь и творчество[править | править код]

Вначале получил ремесленное образование у литографа, затем у мастера по росписи корпусов часов. С 1859 года учился в Академии художеств в Карлсруэ. По окончании жил и работал в Дюссельдорфе, Мюнхене, Франкфурте-на-Майне и в Карлсруэ, где с 1899 года был директором Художественного музея и профессором искусств в местной Академии. В 1874 году совершает поездку в Италию. В 1886 году посещает Париж.

Творческое наследие Ханса Тома огромно: оно включает в себя около 900 картин, гравюр и литографий. Работы художника, зачастую рассматриваемые как «народная живопись», «простые» и т. п. при внимательном рассмотрении выявляют совершенно противоположные элементы. С одной стороны он — великолепный пейзажист-реалист. Он рисует в Шварцвальде и Таунусе, на Верхнем Рейне и Майне. Эти полотна дают перспективу изображаемой природы, как правило показанной с некоторой высоты (например, с вершины холма) так, что видна уходящая к горизонту даль (Долина в Таунусе, 1890, Мюнхен). С другой стороны, Х. Тома любил вводить в свои пейзажи и некие сказочные фигуры, образы из старинных саг. Здесь на работы Тома сказывается влияние Арнольда Бёклина и Ханса фон Маре, в то время как в его реалистических произведениях, в том числе и в портретной живописи, угадываются черты барбизонской школы и Г. Курбе. Промежуточное положение между двумя этими тенденциями в творчестве Х. Тома занимают картины, изображающие идиллические сценки из танцующих и поющих детей, задумчивых крестьян. Эти работы на рубеже XIX—XX столетий принесли Тома славу «второго Людвига Рихтера».

Большое собрание работ Х. Тома хранится в Художественном музее Карлсруэ. В 1949 году в Бернау был открыт музей Х. Тома.

ТВОРЧЕСТВО КЛОДА МОНЕ

В 1866 году Клод Моне создает портрет Камиллы Донсьё. Позже Камилла стала женой художника, у них родился сын Жан.

Первой значительной работой стала для Клода Моне «Завтрак на траве» (1865-1866), написанный им после одноименного полотна Эдуарда Мане. Сама работа до нас не дошла: художник расплатился ей в счет долга за проживание в деревне Шайи, в окрестностях которой он работал. Сюжет картины прост: на опушке зеленого леса расположились несколько мужчин и нарядно одетых женщин. Ощущение движения воздуха усиливается фактурой полотна: она уже не гладкая, а состоит из отдельных пятен-мазков. Закончив «Завтрак на траве», Клод совершенствует открытый им метод в разнообразных этюдах, которые он творит в «Лягушатнике» — излюбленном месте отдыха парижан того периода. В годы франко-прусской войны (1870-1871) Моне проживает в Лондоне, где познакомился с Дюран-Рюэлем. В Англии он знакомится с произведениями Джона Констебла и Уильяма Тёрнера.

Возвращение из Англии ознаменовает один из самых плодотворных периодов творчества Клода Моне. Он пишет свои лучшие картины — «Поле маков у Аржантея»,»Бульвар Капуцинок», «Сирень на солнце»,»Впечатление. Восход солнца». В 1874 году эти картины показаны на выставке при «Анонимном обществе живописцев, художников и граверов», организатором и руководителем данного являлся Клод Моне. После этой выставки, кстати, названной по имени картины Моне «Впечатление. Восход солнца», к художникам «пристало» прозвище «импрессионисты» (от франц. impression — впечатление). Это были золотые годы расцвета импрессионизма. Моне участвовал во множестве выставок. Однако произведения Клода Моне практически не продаются. Гонимый нуждой, перебиваясь изредка проданными картинами, Клод Моне проживает там, где позволяет кошелек: в Аржантее, в Ветее, в Пуасси и оставшуюся жизнь — в Живерни.

Изменение живописной манеры художника сопровождается переменами в его жизни. Тяжело заболевает его супруга Камилла. С рождением второго ребенка усиливается нищета, в которой живет семья.

В 1879 году его первая жена Камилла умирает от туберкулёза. В 1892 году Клод Моне женится во второй раз, на Алисе Ошеде. Ранее, до этого Алиса вела хозяйство и воспитывать детей от первого брака Клода. В 1883 году Клод Моне с супругой переезжает в Живерни, расположенном недалеко от Парижа. Алиса умерла в 1911 году, но Клоду Моне предстояло пережить так же и смерть старшего сына Жана в 1914 году.

В конце 80-х годов его искусство все более и более привлекает публику и критиков. Признание приносит материальный успех. Вскоре финансовые дела Клода Моне настолько поправилось, что он смог купить дом в Живерни, где он прожил до конца своих дней. В этот период художник всецело устремлен в работу над сериями пейзажей, в коих тончайшие световые эффекты он ставит «во краю угла». Он иначе начинает относиться к цвету, меняются и сюжеты его картин

Все внимание Моне сосредоточено на выразительности удивительной цветовой гаммы мазка в отрыве от предметной соотнесенности. Усиливается стремление к декоративности, которое вылилось в конечном счете в создание картин-панно. На место простых сюжетых картин 1860-1870 годов приходят более сложные, богатые всевозможными ассоциативными связями («Скалы в Бель-Иль»,»Тополя»)

На место простых сюжетых картин 1860-1870 годов приходят более сложные, богатые всевозможными ассоциативными связями («Скалы в Бель-Иль»,»Тополя»).

Литература

• Власов В. Г. Тома́ Ханс // Стили в искусстве : Архитектура, графика. Декоративно-прикладное искусство. Живопись, скульптура : словарь : в 3 т. / В. Г. Власов. — СПб. : Кольна, 1997. — Т. 3 : Словарь имён : М—Я. — С. 374, 376. — 655 с.,  л. ил. : ил. — ISBN 5-88737-010-6. — OCLC .
• Камчатова А. В., Котломанов А. О., Кроллау Н. Е. Германия. Англия. XV–XIX века : биографический словарь / А. В. Камчатова, А. О. Котломанов, Н. Е. Кроллау. — СПб. : Азбука-Классика, 2008. — С. 176–178, 209. — 480 с. : ил., цв. ил. — (Художники Западной Европы). — ISBN 978-5-91181-907-1.
• Сомов А. И. Тома, Ганс // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1901. — Т. XXXIII. — С. 471–472.
• Советский энциклопедический словарь / Гл. ред. А. М. Прохоров. — 4-е изд. — М.: Советская энциклопедия, 1988. — С. 1342.

Лечебница Сен-Реми, прорыв в творчестве и самоубийство: «Живопись — это единственное, что связывает прошлое и настоящее » (1889-1890)

«Я не могу точно описать, что чувствую. Иногда это приступы тревожности без причины или ощущение пустоты и усталости в разуме» — в таком состоянии Винсент приехал в лечебницу в Сен-Реми. Здесь он познакомился с тяжело больными, вопли которых часто разносились по коридорам здания. Зверинец — так художник назвал свой новый дом.

Но странно: Ван Гог даже воспрянул духом! Он увидел, что есть состояния, гораздо хуже его собственного, понял, что должен и может справиться со своим недугом, чтобы вернуться в мир и творить. Природа располагала к живописи, да и лечащий врач оказался славным малым — Винсент испытывал к нему тёплые чувства и даже нарисовал несколько портретов.

Со временем ему было разрешено прогуливаться по окрестностям монастыря. Ван Гог писал много и в своём узнаваемом стиле: импрессионисты отвергнуты, академические уроки забыты. Особенно ему нравились кипарисы: он писал деревья тёмными густыми красками и вытягивал их через весь холст к небу.

Кипарисы и две женщины, 1889

Он писал матери: «И вот причина, почему в моих нынешних работах можно наблюдать гармонию: живопись — это нечто само по себе. В прошлом году я где-то прочёл, что написать книгу или создать картину — это то же, что и вырастить ребенка… Живопись — это единственное, что связывает прошлое и настоящее для меня».

С наступлением осени и холодов состояние ухудшилось. Винсент упорно продолжал работать и корил себя за то, что сидит на шее у Тео, оплачивающего его пребывание в больнице. Накануне Рождества у художника вновь случились приступы, однако не такие сильные, как первые. После одной из вспышек Винсент в порыве написал картину «Звездная ночь», любуясь пейзажем из окна.

«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889

Неожиданно в одном из европейских журналов появилась большая статья художественного критика Альбера Орье, где он восхищался картинами Ван Гога, называя их «странными, насыщенными, горячечными творениями» и воспевая «его глубокую, почти детскую искренность». Винсент был удивлён, думая, что не заслуживает таких похвал. Неужели его труд наконец-то признали и оценили?

В душе Винсента неспокойно. Волнами накатывали приступы, он бредил и буйствовал, а в моменты облегчения ничего не помнил. Картины «Прогулка заключенных» и «На пороге вечности» отражают его внутренние переживания. Почему он ходит по кругу в темноте? Есть ли выход? Что ждёт дальше? Он писал Тео: «Ты видишь, я пытаюсь быть добродушным, но моя жизнь подорвана, мой шаг сбивается». Психическое расстройство приобрело затяжной и неконтролируемый характер.

27 июля 1890 года Винсент, как обычно, отправился на прогулку. Он долго бродил под палящим солнцем, дождался наступления ночи и выстрелил из пистолета себе в живот. Щелчок. Зачем мучаться дальше? Но убить себя не получилось. Художник прожил ещё два дня: много курил, не желал общаться с полицией и рассуждал о жизни с Тео, который приехал к брату первым же поездом. Тридцатисемилетний Винсент Ван Гог умер от потери крови на рассвете 29 июля 1890 года.

Краткая биография

Ханс Мемлинг (около 1433, Зелигенштадт, Гессен – 1494, Брюгге) своим творчеством знаменует переход от готики к Возрождению. Вероятно, учился в некой мастерской на Среднем Рейне или в Кельне, а затем у Рогира ван дер Вейдена в Брюсселе. Сохранились письменные свидетельства его пребывания здесь в 1465, а в следующем году — в Брюгге. Опираясь на опыт ван дер Вейдена и Дирка Боутса около 1470 создает собственный стиль. Он выражается в богатом колорите, грациозности фигур, а также в подробной передаче деталей. Мемлинг компонует много раз измененные и добавленные им детали в спокойной единой композиции. В поздних произведениях отходит от традиций раннего Возрождения.

Бирюзовая Мэрилин (1964)

От Энди Уорхола не ускользнула ни одна значимая звезда современности. Мэрилин Монро — это символ женственности и красоты всех времён и народов. Энди тиражировал ее изображение много раз, но одним из удачных изображений является «Бирюзовая Мэрилин». Ярко-жёлтые волосы, томный взгляд, бирюзовые тени, приоткрытый рот, яркая помада на губах, призывная родинка на лице — желанный образ женщины-богини для большинства мужчин. Сегодня эта картина воспринимается совсем иначе, чем в конце 1960-х, так как современный зритель знает, какой сложной была творческая и личная жизнь актрисы, сколько душевных мук она испытывала, и каким трагическим был её конец. Этот образ окрестили своеобразной Джокондой XX века. В 2007 году этот портрет ушёл за $80 млн.

6

Homo Universale

Философия универсального человека, или «homo universale», вертелась за всем этим творческим великолепием. Это не мужчина, не женщина, не вещь, не явление, но всегда нечто большее. Таким образом он репродуцировал своё восприятие гештальта. Характерно, что на одной из выставок, в качестве экспоната, он представлял самого себя. И это не следует рассматривать в качестве чудачества. Он на самом деле не имел понимания чётких человеческих границ личности, мог относиться к себе в качестве предмета, даже делать из этого тип поведения.

Он был гомосексуалистом, который никогда этого не скрывал, но это вовсе не означает, что ему был нужен именно секс с мужчинами. Скорее — он стремился к обмену энергией и вполне допускал платоническую привязанность. Так, он водил дружбу с уличным художником Жаном-Мишелем Баския, но невозможно сказать однозначно, что они были «сладкой парочкой». Энди Уорхол и Баския даже организовали совместную выставку, которая хоть и была воспринята в штыки критиками, но многое значила для Баския. Но это ни о чём не говорит, поскольку истые любовники Уорхола всем известны, но Баския включить в эту среду трудно. Границы личности Уорхол стирал вместе с Джоном Джорно, Билли Неймом,  Джедом Джонсоном, Джоном Гулдом и Китом Харингом. Хотя последнее — не точно, не исключено, что и отношения Кита и Энди были более платоническими, хотя сам Кит никогда не скрывал, что является гомосексуалистом.

Подсолнухи (1888)

Чем знамениты эти картины?

подсолнухs — это не просто одна картина, а две целые серии из нескольких картин с подсолнухами. Чаще всего, когда кто-то ссылается на «Подсолнухи» Ван Гога, они говорят о сериале, который он создал в Арле, состоящем из четырех начальных версий и трех повторений одной и той же идеи.Менее известны «Парижские подсолнухи», которые он создал, когда жил со своим братом в Париже между 1886 и 1888 годами. Эти подсолнухи, менее торжествующие и не полностью распустившиеся, тем не менее впечатляют, и их можно найти в музеях, в том числе в Метрополитене. в Нью-Йорке, музей Креллер-Мюллер и (конечно же) музей Ван Гога в Амстердаме.

Какая предыстория?

Сам Ван Гог, кажется, был в абсолютном восторге от подсолнухов, что отражается как в огромном количестве картин на основе подсолнечника, которые он создал, так и в его описаниях в письмах, которые он писал своему брату и друзьям.В 1888 году Ван Гог писал: «Я рисую с энтузиазмом марсельцев, поедающих буйабес, что вас не удивит, когда речь идет о рисовании больших подсолнухов». По сути, он любил рисовать подсолнухи, и все это знали. В том же письме он объяснил, как он мечтал работать в студии вместе со своим другом Полем Гогеном и что он планировал создать украшения для стен, состоящие из огромных картин с подсолнухами.Можно предположить, что сам Гоген, вероятно, тоже был поклонником подсолнухов, особенно тех, которые нарисовал Ван Гог. В 1889 году Гоген «потребовал» одну из картин подсолнечника в обмен на некоторые из своих собственных работ, которые он оставил Ван Гогу, к великому разочарованию Винсента:«Я определенно держу под вопросом свои подсолнухи. У него их уже двое, пусть это его держит. И если он не удовлетворен обменом, который он сделал со мной, он может забрать свой маленький холст с Мартиники и свой автопортрет, который он прислал мне из Бретани, одновременно вернув мне мой портрет и два подсолнечника. холсты, которые он привез в Париж. Так что, если он когда-нибудь снова поднимет эту тему, я уже сказал вам, как обстоят дела ».

Где Подсолнухи Ван Гога?

Вы можете найти знаменитые картины Ван Гога о подсолнухах в разных местах по всему миру: Мет в Нью-Йорке Музей Креллера-Мюллера в Оттерло Музей Ван Гога в Амстердаме, Музей изящных искусств в Берне, Национальная Галерея В Лондоне, Художественный музей Филадельфии, Японский художественный музей Сомпо в Токио и Новая пинакотека в Мюнхене.

Биография

Ханс Бальдунг по прозвищу Грин родился в городе Швебиш-Гмюнд, на р. Ремс. Год его рождения остается предметом споров – одни называют 1480, другие – 1484, или 1485. Отец его – юрист, придерживавшийся гуманистических убеждений. В раннем детстве будущий художник переезжает в Страсбург. Однако, его творческий путь начнется позже, в Нюрнберге:

1. В 1503 г. Ханс Бальдунг становится подмастерьем и учеником Дюрера.
2. В 1507 г. – завершает обучение и начинает профессионально заниматься живописью.
3. 1510-1520-х гг. Ханс Бальдунг странствует по Северной Европе, выполняя заказы – его картины пользуются спросом.
4. 1538 г. живописец поступает на службу при дворе страсбургского епископа.

Умер Ханс Бальдунг в Страсбурге, в 1545 г. Он оставил после себя множество уникальных произведений живописи и гравюры. Картины этого живописца преисполнены символизма, мистических и философских смыслов и отличаются высоким художественным мастерством.

Автопортрет с перевязанным ухом (1889)

Чем знаменита эта картина?

Обсуждая с кем-то Ван Гога, неизбежно, что разговор в конечном итоге зайдет о том, что именно произошло с его ухом — изображенном на этой самой картине. Творчество Ван Гога неразрывно связано с его личной жизнью и событиями, которые разворачивались на протяжении его творческой карьеры. Образ Ван Гога с перевязанным ухом — знаковый, а иногда (к сожалению) первый образ, который приходит на ум, когда кто-то думает о Винсенте Ван Гоге.

Какая предыстория?

Живя со своим другом (это предмет споров) и коллегой-художником Полем Гогеном в Париже, Ван Гог оказался далеко не идеальным соседом по комнате. У него с Гогеном часто возникали разногласия, которые иногда становились насильственными. Во время одного из таких разногласий Ван Гог, как полагают, испытал припадок и угрожал Гогену бритвой, прежде чем вместо этого ранить себя, отрезав часть его левого уха и перерезав артерию на собственной шее. В обостренном психическом состоянии Винсент посетил местный бордель и показал мочку своего уха одному из секс-работников. На следующий день его доставили в больницу, и он не помнил о произошедших событиях.

Еще одна вещь, которая может быть интересна (как только будут даны ответы на все вопросы, связанные с ухом), — это частично показанный свиток японской стены на заднем плане.Это основано на подлинном произведении искусства, которое принадлежало Ван Гогу и висело на его стене (на фото слева): Гейши в пейзаже, японский эстамп 1870-х годов, который также показывает, как японское искусство повлияло на его собственные работы.

Hans Thoma

Bernau
1839 —
Karlsruhe
1924
Hans Thoma spent his childhood in the village of Bernau in the Black Forrest. In 1853 he went to Basel, where he began an apprenticeship in lithography before switching to one in painting. Thoma received his first basic training in technique in 1855 at the hands of a painter of clock faces in Furtwangen, to whom he was briefly apprenticed. That same year he returned to Bernau to paint landscapes in small formats and portraits, for which he was paid only a pittance. After this training, such as it was, Thoma was admitted to the Karlruhe Art Academy in 1859, where his teachers were Descourdes, Schirmer and Canon. Thoma left the academy at the end of 1866 and went to Düsseldorf. There he met Otto Scholderer and went with him to Paris for several weeks in May 1868. Under Courbet’s influence, he returned to Germany to paint pictures of figures and landscapes. In 1870 Thoma moved to Munich. He had a host of artist friends, including Victor Müller, Wilhelm Leibl and Arnold Böcklin. He also met Dr. Eiser, a physician from Frankfurt who would become his most important patron and promoter. In 1874 Thoma went to Italy for the first time and became acquainted with Hans von Marées in Rome. On his return to Munich, Thoma married Cella Barteneder, who had been his pupil, and moved to Frankfurt, remaining there until 1899. During this period he went to Italy again and to England to visit Charles Minoprio, another patron of his. In 1882 Hans Thoma received his first major commission, to paint five frescoes with scenes from Wagnerian operas in the house of the architect Simon Ravenstein in Frankfurt. While there, Thoma made the acquaintance of Henry Thode, Richard Wagner’s son-in-law, with whom he remained friends for the rest of his life. In 1890 the first successful exhibition was mounted by the Munich Kunstverein and Thoma joined the Munich Secession. In 1899 Thoma was made director of a gallery in Karlsruhe and was appointed professor at the art academy there. In the years that followed he received many honours, including an honorary doctorate from Heidelberg University and 1917 the «Pour le Mérite». On his seventieth birthday, the Hans Thoma Museum was opened as an annexe of the Karlsruhe Kunsthalle. In addition, there were numerous special exhibitions, including one mounted by Fritz Gurlitt in Berlin. In 1919 Hans Thoma retired from his post as director of the Karlsruhe Kunsthalle. He died in Karlsruhe on 7 November 1924.

Hans ThomaSchwarzwaldlandschaft mit spielenden Kindern
33,300 $Details

Hans ThomaIm Garten
27,750 $Details

Hans ThomaAmor vincit omnia (Liebespaar mit Amor und Tod)
19,980 $Details

Hans ThomaAbendlandschaft
16,650 $Details

Hans ThomaFrau, Spiegel und Tod
11,100 $Details

Hans ThomaHerbstfeuer
7,770 $Details

Hans ThomaAuf der Jagd (Geistlicher im Ruderboot, am Seeufer Enten auflauernd)
4,440 $Details

Franz von StuckDer Engel des Gerichts
111,000 $Details

Ранняя жизнь и карьера

Родился Иоганн Георг Альберт Хофманн в городе Вайсенберг, Бавария, Германия, 21 марта 1880. Ханс Хофманн провел свои ранние годы в Мюнхене. После первого увлечения математикой и естественными науками, Хофманн обнаружил страсть к искусству. Он переехал в Париж в 1904 году при помощи мецената. Там, Хофманн учился в Академии де ла Гранд Шомьер и Академии Коларосси.

Хофманн погрузился в процветающий талантами Париж, встретил таких художников, как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Жорж Брак. Он также подружился с Робертом Делоне. В течение этого периода работы Хофмана создавались под влиянием ведущего авангардного движения того времени — кубизма. В 1910 году была его первая персональная выставка в Берлине.

Живя в Германии в начале Первой Мировой Войны, Хофманн был освобожден от военной службы из-за болезни дыхательных путей. Не сумев вернуться во Францию ​​во время войны, он открыл художественную школу в Мюнхене в 1915 году. За эти годы Хофманн заслужил звездную репутацию преподавателя рисования. Worth Ryder, бывший студент пригласил Хофманна преподавать в США на лето 1930 года. Изменение политического климата в Германии заставило Гофманна окончательно обосноваться в Соединенных Штатах в 1932 году.

Жизнь

Мари родился в семье банкиров в Эльберфельд, часть Вупперталя с 1929 года, в Германии. В 1847 году его семья переехала в Кобленц, где получил образование в Гимназия (школа грамматики). С 1853 по 1855 год учился в Берлинская академия, а в 1854 году поступил в мастерскую художника и гравера. Карл Штеффек. Он служил в армии в 1855–187, после чего переехал в Мюнхен, где познакомился Франц фон Ленбах.

Во время своего пребывания в Мюнхене он сосредоточился в основном на портретной живописи. В 1864 году граф Адольф фон Шак отправил Маре и Ленбаха в Италию, чтобы копировать старых мастеров. В Италии он подружился с теоретиком искусства. Конрад Фидлер, ставший впоследствии его покровителем, и скульптор Адольф фон Хильдебранд.

В 1869 г. он посетил Франция, то Нидерланды и Испания с Фидлером. Он служил в армии в Франко-прусская война (1870–71), а затем жил в Берлин и Дрезден какое-то время. В 1873 году он украсил стены библиотеки недавно построенного Немецкий морской зоологический институт в Неаполе, Италия Фрески состоят из пяти сцен, изображающих фигуры в пейзажах, заключенных в обрамление фризов и пилястр по проекту Хильдебранда. У них нет определенной символической или мифологической схемы, они предназначены просто для выражения, по словам самого Маре, «радостей морской и пляжной жизни». В следующем году он переехал в Флоренция, где он познакомился с Ансельм Фейербах и Арнольд Бёклин, два ведущих члена группы художников-идеалистов, интеллектуалов, известных как «немецкие римляне».

Двор с гротом в Мюнхенской королевской резиденции

Он все чаще обращался к мифологическим сюжетам. и разработал сложную и индивидуальную технику, перерисовывая темпера слоями масла и создавая глубину цвета, совершенно непохожую на приглушенные тона, которые использовал его коллега-классик Фейербах.Фриц Новотны писал, что в марке классицизма Маре «цвету отведена совершенно новая роль» и что после Энгра он был «вторым великим классицистом девятнадцатого века, который также был великим художником».

В 1880-х годах Мари написал четыре монументальных триптиха: Суд Парижа, Геспериды, Три святых на коне и Ухаживание. В это время он также создал небольшие мифологические картины и несколько портретов. Последние годы своей жизни он провел в Риме при поддержке Фидлера. Он умер здесь в 1887 году в возрасте 49 лет и был похоронен в Протестантское кладбище.

Фрагменты «Суд Парижа»

В 1935 году картина Die Labung был украден Нацистский режим. В 1980 году он перешел во владение Музей Висбадена. Для реализации музейного проекта идентификации Нацистский грабеж и вернуть его законным наследникам — музей продолжал показывать только обратную сторону работы, пока они не собрали достаточно денег в виде пожертвований, чтобы купить ее в конце того же года.

Геспериден, Триптихон

Александр фон Вагнер, Александр фон Лицен-Майер “Возвращение с охоты” (1864)

Александр фон Вагнер (1838-1919) – венгерский художник, профессор Мюнхенской академии изобразительных искусств. Он работал над историческими сюжетами и сценами из венгерской жизни. Посещал Венгрию, Италию и Испанию.

Александр фон Лицен-Майер (1839—1898) – тоже венгерский художник, иллюстратор. Известен циклом иллюстраций к произведению Гете “Фауст”, имевший большой успех в Германии. Художник занимал должность директора Дюссельдорфской академии изящных искусств.

Совместное полотно венгерских художников стало парным к произведению Ханса Макарта “Полуденный отдых при дворе Медичи”(1863-64) в особняке барона Штиглица.

Александр фон Вагнер, Александр фон Лицен-Майер “Возвращение с охоты” (1864)

Explore the Masters

12th century Art

13th Century Art

14th Century Art

14th century B.C. Art

15th century Art

16th century Art

17th century Art

18th century Art

19th century Art

1st-century BC Art

20th century Art

21st Century Art

2nd century Art

2nd Century BC Art

2nd Century CE Art

3nd Century Art

4th century BC Art

5th century BC Art

6th century B.C. Art

7th centry Art

7th century B.C. Art

9th century B.C. Art

African Art

AI Art

Albanian Art

Algerian Art

American Art

Ancient Art

Argentine Art

Armenian Art

Art Movements and Styles

Art Quotes — Literature

Australian Art

Austrian Art

Awarded Artist

Azerbaijani Art

Baroque Era style

Belgian Art

Blogger

Bohemian Art

Bolivian Art

Bosnian Art

Brazilian Art

British Art

British Museum

Brooklyn Museum

Bulgarian Art

Burmese Art

Cambodian Art

Canadian Art

Catalan Art

Chilean Art

Chinese Art

Christie’s

Cleveland Museum of Art

Colombian Art

Croatian Art

Cuban Artist

Czech Art

Danish Art

Digital art

Dominican Artist

Dutch Art

Ecuadorian Artist

Egyptian Art

Estonian Artist

Fai da te Art Blogger

Filipino Art

Finnish Art

Flemish Art

French Art

Genre painter

Georgian Artist

German Art

Greek Art

Guatemalan Artist

Haitian Artist

Hawaii Art

Hermitage Museum

Hudson River School

Hungarian Art

Impressionist art movement

Indian Art

Iranian Art

Iraqi Art

Irish Art

Israeli Artist

Italian Art

Japanese Art

Jewish Artist

Kazakhstani Artist

Korean Art

Kurdish Art

Latin American Artist

Latvian Artist

Lebanese Artist

Libyan Artist

Lithuanian Artist

Macedonian Art

Macedonian Artist

Maltese Art

Metropolitan Museum of Art

Mexican Art

Moldovan Artist

Moma

Mongolian Artist

Moroccan Artist

Musée d’Orsay

Musée du Louvre

Museo del Prado

Museo Thyssen-Bornemisza

Museum Barberini

Museum Masterpieces

MusicArt

National Gallery London

National Gallery of Art Washington

Netherlandish Art

Netherlandish Artists

New Mexico Artist

New Zealand Art

Nigerian Artist

Norwegian Art

Pakistani Artist

Paris painting

Peruvian Art

Photographer

Polish Art

Politica dei cookie

Portuguese Artist

Post-Impressionism

Realist Artist

Renaissance Art

Rijksmuseum

Romanian Art

Royal Academy

Russian Art

Scottish Art

Sculptor

Senegalese Artist

Serbian Artist

Singaporean Art

Sitemaps

Slovak art

Slovenian Art

Sotheby’s

South African Art

Spanish Art

Swedish Art

Swiss Art

Syrian Artist

Taiwanese Artist

Tate Britain

Thailand Artist

The Samuel Kress Collection

Tibetan Artist

Turkish art

Uffizi Gallery

Ukrainian Art

Uruguayan Artist

Van Gogh Museum

Vatican Museums

Venezuelan Art

Victoria and Albert Museum

Vietnamese Art

Welsh Art

Women Artists