Гусев игорь михайлович

Московский период

Ему не сразу удалось поступить в Училище живописи, ваяния и зодчества, это случилось только через 4 года пребывания в Москве. Но затем он учился у замечательных художников И. Прянишникова, В. Перова, А. Саврасова, В. Маковского. В этот период начал выставлять свои работы, созданные в основном в бытовом жанре и в традиции русских передвижников – входил в Товарищество передвижников.

Проучившись три года, решил поступить в Академию художеств и переехал в Петербург, где занимался у П. Чистякова. Через год вернулся в Москву, разочаровавшись в Академии. Теперь в Училище его наставником стал А. Саврасов.

Несколько раз М. Нестеров посещал Францию и Италию. Любил работать в Абрамцеве, Троице-Сергиевой лавре и их окрестностях.

Избранные персональные выставки

Dymchuk Gallery, Киев.
— «Симулятор снежности». Галерея М-17, Киев.
— «Кибер-Наив». Галерея Норма, Одесса.
— «Паузы хезитации». Галерея Ателье Карась, Киев.
— «Эстетика и дисциплина». Галерея NT-Аrt, Одесса.
— «Лучшее против хорошего». Галерея «Kyiv. Fine Art», Киев.
— «Жалобынаспам». Галерея L-art, Киев.
— «Приколофрения». Галерея L-art, Киев.
— «Фюрер под контролем». Галерея, Киев.
— «Фальшстарт». Галерея Тирс, Одесса.
— «Паранойя чистоты». Центр современного искусства Тирс, Одесса.
— «Лица друзей» (перформанс). Галерея Тирс, Одесса.
— «Братание». Галерея Тирс, Одесса.

«Комната 22»

Виктор Пивоваров — известный русский концептуалист, который прославился во времена перестройки. В 1970 году Пивоваров вместе с единомышленниками изобрёл новое художественное направление — жанр альбома. Внутри таких альбомов соединялось сразу несколько картин. Сам Пивоваров описывал альбомы как «сочетание театрального представления, фильма и литературного произведения».

«Комната 22» — один из противоречивых альбомов Пивоварова, который он начал создавать в 1992 году, а закончил в 1996. На картинах изображены люди, вкручивающие лампочки, разглядывающие прохожих из окна, пьющие чай. Каждая картина имеет подпись. Например, на изображении со скалящейся волчьей мордой в платочке автор оставил следующие слова: «По ночам она превращалась в зверя, страшно рычала у себя за перегородкой и скребла когтями». По словам художника, «Комната 22» — проект о закоулках человеческой души, которую художник представил в виде жилого помещения.

Вклад в социологию

Хотя Дж. Гурвич сыграл важную роль в развитии социологии во Франции, он никоим образом не является сторонником « нормальной науки ». «Великий путешественник интеллектуальных пространств» (Дж. Баландье), он определил себя как «исключенный из орды», «исследователь, работающий против течения».

Специалист в области социологии знания , он является наследником Марселя Мосса , у которого он заимствует понятие целостного социального феномена . Он также был одним из предшественников правовой социологии и особенно вдохновил Роско Паунда . 30-е годы в этом отношении были очень продуктивными. Затем он обратился к теоретической социологии со своим эссе «Классификация форм общения» (1937) и своим Essais de sociologie (1938).

Во время своего пребывания в Соединенных Штатах он открыл для себя американскую социологию , которую он помог сделать известной во Франции, в то же время резко критикуя свой «управленческий» характер. Отныне все его учения и публикации будут идти в направлении критической теоретической социологии. Для него социология могла быть только диалектической и плюралистической. Его система представляет собой обширный синтез, который, исходя из идеи «взаимности точек зрения» — он постулирует существование взаимной имманентности индивидуальных сознаний коллективным сознаниям, — который, как он заявляет, заимствует у Маркса и Мосса, хочет быть попытка преодолеть вопрос о разделении между индивидом и обществом, и в то же время решить вопрос о связи между теорией и эмпиризмом. Таким образом, социальная реальность в первую очередь следует понимать как набор «глубоких остановок», которые переходят от морфологической поверхности общества к ментальным и психическим состояниям индивидов, проходя через то, что он называет «регулярным коллективным поведением» (например, религиозные практики. ), «Социальные модели» (более или менее стандартизированные образы коллективного поведения, такие как Национальный день, Gurvitch, 1950: 51 et seq.). Этот многоуровневый «вертикальный» взгляд на общество пересекается с наборами коллективных установок, которые «горизонтально» пересекают уровни и которые мы наблюдаем в их движении через различные типы группировок, основой которых они являются. Таким образом, любая группа (по сути, «социальные классы», «формы общительности», «глобальные общества») — это прежде всего «тотальный социальный феномен», способный проявить себя на всех этих глубоких уровнях социальной реальности. В этих условиях социологию можно определить как изучение общества в действии, подверженного постоянным движениям структурирования и деструктуризации, науку о совокупных социальных явлениях, то есть о социальной реальности, взятой у каждого, ее уровнях реальности. Гурвич считает, что это рабочий инструмент, способный взять на себя ответственность за все микро- и макросоциологические социальные факты.

Работа, которую он продвигает, в частности в Группе социологии знания, носит особенно новаторский характер: «Индустриализация и технократия», особенно с исследованиями, разработанными Норой Митрани ; «Социология слаборазвитых стран», «Кризис объяснения в социологии»; «Значение и функция мифов в жизни и политическом знании», «Социология мутаций». С 1950 года до своей смерти он постоянно разрабатывал теоретические и методологические инструменты, предназначенные для молодого поколения социологов.

В результате в период с 1958 по 1960 год был опубликован коллективный труд «Призвание социологии» . Публикация в 1962 году книги « Диалектика и социология» представляет собой вершину его творчества. Социальные рамки знания появились через несколько месяцев после его исчезновения в 1966 году, а также Исследования социальных классов, которые первоначально назывались « Восемнадцать уроков социальных классов», но в том числе Раймон Арон , считавший название слишком близким к его « Восемнадцати урокам индустриального общества» , не согласился с этим. .

Его ожесточенная оппозиция всем формализм, в том числе структурализма , частично объясняет затмение испытываемого его мысль конца XX — го века. Но вопросы, которые он поднял относительно социологии знания, социальных рамок технократии и множественности социальных времен, объясняют возрождение интереса к его работе сегодня.

Последние статьи

Как простая домохозяйка стала главной женщиной Третьего рейха: Гертруда Шольц-Клинк 18.05.2022, 21:33

Чем живет дизайн-сообщество «страны запретов» Ирана: Мода вопреки всему и уникальная школа плаката 18.05.2022, 20:11

Как попасть на прием к бабушке Нине из сериала «Слепая», или Чем прославились современные русские целители 18.05.2022, 17:43

Что предрекают людям цветные озера в Индонезии и в чём секрет их воды 18.05.2022, 14:53
Как любимица Гитлера стала советской шпионкой: Главная актриса Третьего рейха Ольга Книппер 18.05.2022, 11:56

Как 60 лет назад снимали советский фильм «Девчата»: отношения на площадке, вырезанные сцены и др 18.05.2022, 10:14

Как дочь мусульманина-имама стала первой арабской супермоделью и почему бросила карьеру: Ясмин Гаури 18.05.2022, 09:21

Каким богам поклонялись и во что верили древние римляне, или что такое Капитолийская триада 17.05.2022, 20:22
8 экстравагантных ресторанов, где можно поесть с адреналином и сделать фантастические селфи 17.05.2022, 16:49
Почему в XIX веке забирали детей у американских индейцев и как им жилось в «школах ужаса» 17.05.2022, 15:10

Все статьи

Супрематизм, 1915-1918

Май 1915 года считается моментом рождения супрематизма: художник начал экспериментировать с беспредметной живописью. Термин «беспредметный» играет важную роль в научных работах Малевича. Он использовал его в значении «абстрактный», «бессюжетный», «нематериальный» и применял его не только в отношении живописи, но и языка, и мира в целом. Первые супрематические работы Малевич продемонстрировал в ноябре 1915 года, а в декабре того же года прошла легендарная выставка «0,10», на которой Малевич представил концепцию супрематизма и показал «Черный квадрат».

Экспозиция картин Малевича на выставке «0,10», 1915

Вторым названием выставки было «Последняя футуристическая выставка картин». Это провокационное название транслировало идею, что футуризм исчерпал себя, и пришло время нового искусства. Кроме того, такой выбор названия отражает мировоззрение Малевича: он считал, что все устаревшие художественные методы не заслуживают внимания и должны быть «сброшены с корабля современности».

Считается, что идея «Черного квадрата» появилась у Малевича еще в 1913 году, когда его соратник Михаил Матюшин попросил сделать декорации и костюмы для оперы Алексея Крученых «Победа над солнцем». Малевич принялся за работу и украсил сцену композициями из геометрических фигур, создал кубофутуристичные костюмы. Одним из элементов декораций был элементарный холст, на котором Малевич написал черный квадрат. В 1915 году состоялась вторая постановка оперы. К этому моменту «Черный квадрат» стал самостоятельным произведением.

Эскизы костюмов к опере «Победа над Солнцем», 1913

Малевич задумывал «Черный квадрата» в первую очередь как провокацию. Он считал, что именно эпатаж и шокирование светской публики — неотъемлемый шаг в освобождении от устоев классической живописи. Помимо этого «Черный квадрат» является манифестом обнуления искусства. Он полагал, что супрематизм — это наивысшая точка творческих исканий. Философ Михаил Бахтин писал: «Для Малевича супрематизм был самая высшая, последняя в области искусства мысль — супрем, супрематизм».

Радикальные идеи Малевича также описал теоретик Николай Пунин: «Супрематизм — концентр, куда сошлась мировая живопись, чтобы умереть». На выставке «0,10» «Черный квадрат» висел на месте красного угла, где традиционно в русских избах располагался иконостас. Таким образом, Малевич провозгласил «Черный квадрат» иконой нового беспредметного мира. По рассказу одной из учениц, художник считал «Черный квадрат» настолько серьезным открытием, что неделю не мог ни есть, ни спать. Это произведение встретило много критики со стороны художественного сообщества.

Например, историк искусства Александр Бенуа писал: «Черный квадрат в белом окладе — это не простая штука, не простой вызов, не случайный маленький эпизод, случившийся в доме на Марсовом поле, а это один из актов самоутверждения того начала, которое имеет своим именем мерзость запустения и которое кичится тем, что оно через гордыню, через заносчивость, через попрание всего любовного и нежного, приведет всех к гибели».

Мичуринские художники, принадлежавшие к кругу Сергея Архипова, работавшие в 1920-1970 годах, сегодня почти забыты. Об их жизни и творчестве знает лишь узкий круг специалистов. С ними и их работами горожан знакомят мичуринские музеи.

Свидетель прошлого, 1980 г. Фото: архив Станислава Волостных

В Мичуринском краеведческом музее открыли выставку работ художника Игоря Михкельсона «Ветры встречные» (6+). На церемонию открытия приехали дети художника, искусствоведы, коллекционеры из Тамбова. На выставке представили порядка 60 работ художника.

По мнению искусствоведов, имя Игоря Михкельсона занимает особое место художников плеяды Сергея Архипова.

— Он выделяется своей тонкой, изысканной, сложной живописью и способностью держаться особняком от общего потока художественной жизни родного города, наблюдая за ней, как бы со стороны. Даже дату его смерти удалось уточнить только сейчас, в период подготовки юбилейной выставки, посвящённой 100-летию со дня его рождения. У этого художника при жизни не было ни одной персональной выставки. О его творчестве не было написано ни одной статьи. Настоящая выставка становится открытием интереснейшего живописца и для нового поколения любителей искусства,
говорит организатор выставки, художник Станислав Волостных.

Автопортрет 1952 г. МаслоФото: архив Станислава Волостных

Основная информация о жизни и творчестве Игоря Михкельсона известна Стасниславу Волостных из личного общения с самим художником, которое происходило летом 1987 года во время работы над его портретом. Подробности его творческой биографии обнаруживаются в каталогах выставок, на которых он принимал участие. Многое о художнике сообщили его дети.

Полевая дорога 1980 г. Фото: архив Станислава Волостных

Будущий живописец родился в Козлове 11 августа 1921 года в семье профессионального революционера — выходца из Эстонии Вольдемара Михкельсона. Впоследствии он работал заведующим Мичуринским городским архивом, в середине 1930-х годов был репрессирован. Мать художника — Лидия Петровна, дочь козловского купца Славина.

— Дом Славиных — типичный для Козлова каменный двухэтажный особняк — стоял на пересечении улиц Мясницкой (сейчас Интернациональная) и Троицкой (Коммунистическая). За домом, по Троицкой улице был сад и деревянный одноэтажный флигель с мансардой на каменном высоком фундаменте. В этом флигеле и жила семья художника, после того, как основной дом был национализирован советской властью. Сохранилась дореволюционная открытка, на которой виден дом купца Петра Славина, но сам дом не сохранился. Не сохранился и флигель, в котором жили Славины-Михкельсоны, и в котором на втором этаже-мансарде у художника была маленькая мастерская,
рассказывает Станислав Волостных.

Игорь Михкельсон был участником Великой Отечественной войны, воевал связистом на Ленинградском фронте, дошёл до Польши и Чехословакии, был ранен, награждён медалью «За отвагу».

В 1945 году он вернулся на родину, стал учеником Мичуринской художественной студии (МХС), инициатором создания которой был журналист, председатель Мичуринского филиала Союза Советских художников Василий Дрокин. Посещал эту студию, интересовался успехам молодых делавших первые шаги в искусстве и выдающийся художник, стоявший у истоков становления советского изобразительного искусства на Тамбовщине, Сергей Архипов. Дружеские, тёплые отношения Архипова и Михкельсона будут продолжаться в течение всей жизни Игоря Вольдемаровича.

Умер художник 29 ноября 1989 года в доме, в котором прожил всю жизнь.

Старый дом уцелевший от пожара.1948 г.Фото: архив Станислава Волостных

У дочери художника Лидии сохранилось около десятка живописных работ отца и несколько листов из фронтового альбома, где Игорь Михкельсон делал графические портретные зарисовки однополчан. Рисунки датированы августом 1944 года.

Линогравюра, 1962 г.Фото: архив Станислава Волостных

Михкельсон участвовал в городских, а также в областных художественных выставках. Больше всего их было в конце 1950-х – начале 1960-х годов. Например, на городской выставке 1959 года он экспонировал 53 работы живописи и графики.

— Жизнь и творчество этого интересного, но сегодня забытого художника нуждается в дальнейшем изучении, работы его нужно экспонировать на выставках. И тогда произведения мастера будут жить и доставлять людям, чутким к изобразительному искусству, большое эстетическое наслаждение,
уверен Станислав Волостных.

Выставка работ Игоря Михкельсона открыта для посетителей краеведческого музея по 11 июля.

На открытии выставки Игоря МихкельсонаФото: Евгения Фролова

Малевич и Европа

К 1922 году в художественном сообществе осталось только два могущественных центра: Свободные мастерские в Москве, переименованные во ВХУТЕМАС (высшие художественно-технические мастерские) и Музей художественной культуры в Петрограде. Стремясь быть лидером авангарда, Малевич хотел завоевать международное признание. Весной 1922 года Лисицкий организовал для него встречу с зарубежными художниками, среди которых был голландский живописец Питер Альма. Также Малевич переписывался с голландскими художниками из группы «Де Стейл», Крисом Бейкманом и Робертом ван т’Хоффом. Одно из писем Малевич заканчивает фразой: «Да здравствует беспредметная Голландия». Однако Малевичу удалось посетить Европу только в 1927 году. С 1922 по 1927 годы он управлял Музеем художественной культуры в Петрограде и обучал студентов в мастерских.

В 1924 году, благодаря стараниям Малевича, музей был преобразован в Институт художественной культуры и был переименован в Государственный институт художественной культуры — ГИНХУК. Однако с 1925 года институт стало атаковать сообщество художников-реалистов, которое называлось Ассоциация художников революционной России (АХРР). Получив поддержку власти, ассоциация начала формировать бюджеты, наводить порядок в культурных организациях и реформировать художественные институции. В 1927 году АХРР добралась до ГИНХУКа и закрыла его.

Казимир Малевич в ГИНХУКЕ, 1925

Также Малевичу пришлось отложить поездку в Европу из-за семейных трудностей. В 1924 году его жена Софья заболела туберкулезом, в 1925 году ее состояние ухудшилось. Малевичу регулярно ездил из Петрограда в село Немчиновка, чтобы быть с семьей. В октябре 1925 года Софья умерла, Малевич продолжал навещать дочку Уну, которая жила в Немчиновке с бабушкой. Спустя полгода после смерти Софьи Малевич познакомился там с Натальей Манченко, которая была их соседкой. В 1927 году они обвенчались и переехали в Ленинград.

Серия «Книги Баухауза» — «Беспредметный мир»

После закрытия ГИНХУКа Малевич решил осуществить свою давнюю мечту — показать свои работы за рубежом. Этому во многом способствовали эмигрировавшие авангардисты: они отправляли приглашения на организацию персональной выставки. Малевич взялся за оформление выездных виз и столкнулся с сопротивлением со стороны властей, которые были обеспокоены, что Малевич намерен остаться в Европе навсегда. Но настойчивость художника сделала свое дело, и он получил разрешение на поездку. Малевич отправился в Варшаву, где в начале марта 1927 года открылась его персональная выставка. На ней было представлено более 70 работ разных периодов. Также художник планировал опубликовать свой главный научный труд «Мир как беспредметность» на польском языке.

Кроме того, Малевич получил приглашение на ежегодную Большую Берлинскую выставку, которая прошла в конце весны 1927 года. Для художника был отведен отдельный зал, в котором можно было проследить его творческую эволюцию. Малевич остался доволен выставкой: «Немцы меня встретили лучше не придумаешь. Я думаю, что еще ни одному художнику не было не было оказано такого гостеприимства». Также он посетил школу Баухаус в Дессау и обсуждал с Вальтером Гропиусом возможности преподавания в школе, однако Гропиус был вынужден ему отказать из-за нехватки бюджета. Несмотря на это, Малевичу удалось опубликовать свой трактат «Мир как беспредметность» в серии «Книги Баухауза». В начале лета он хотел продлить свою выездную визу, но ему пришло письмо с требованием срочно вернуться в Ленинград.

Любимый писатель Марлен Дитрих

На фото 1964 года актриса преклоняет колени перед писателем во время их встречи в Москве. О Паустовском Дитрих узнала, прочитав его рассказ «Телеграмма» в одном из сборников. А будучи на гастролях в Москве, голливудская звезда поделилась мечтой — увидеть писателя, который произвел на нее такое сильное впечатление.

Это казалось маловероятным — в те дни Константин Георгиевич уже тяжело болел. Но перед концертом Дитрих сообщили, что Паустовский находится в зале. Она потом вспоминала, что во время представления дико волновалась и совсем растерялась, когда в конце вечера увидела, что великий писатель поднимается на сцену. Марлен Дитрих тут же опустилась перед ним на колени.

Интересные факты из жизни художника Валентина Серова

Разнообразные события и факты повлияли на жизнь и творческий путь Валентина Серова.

Художника причисляют к основоположникам импрессионистского движения. Картины за его авторством сравнивались с произведениями Пьера Огюста Ренуара. Если верить мнению некоторых критиков, Серов смог превзойти французского живописца благодаря особой передаче освещения, благородству и интенсивности оттенков. Валентин был покладистым мастером, не упускавшим из виду даже маловажные детали. Востребованность он обрел не только в импрессионизме, но и в новом реализме.
Несмотря на закрытость и неразговорчивость, Серов пользовался положением инициативного общественного деятеля. Мастер полотна организовывал передвижные выставки, иллюстрировал сатирическое журнальное издание «Жупел» и детские басенные сборники Крылова.
Даже в создании сложных портретов Валентин не делал наброски. Он предпочитал сразу применять акварельные краски. Охотно использовал карандаши, уголь, кисти.
Одним из светлых детских воспоминаний художника является событие 1869 года, когда родители поехали вместе с ним за границу. Особенно мальчику запомнилась резиденция немецкого дирижера Рихарда Вагнера.

Путь к мечте. Творческие поиски

Шаг за шагом мальчик шел к мечте. По возвращении в столицу он стал посещать кружок изобразительного искусства при Доме пионеров. Затем Игорь поступил в художественную школу при институте имени Сурикова. За свое поступление художник по сей день благодарен отцу: Михаил Иванович нанял сыну репетитора, будучи ограниченным в денежных средствах. Он работал один, содержал семью из трех сыновей и жены-домохозяйки.

Следующей ступенькой на пути к мечте стало поступление в Художественный институт и его окончание в 1960 году.

Спустя 7 лет – в 1967-ом – Орлову удалось стать членом Московского Союза Художников.

Все годы не прекращался поиск собственного стиля в искусстве, создавались тематические циклы. Самым знаменитым циклом принято считать «интерпей». Идея гармоничного перехода пейзажа в интерьер и интерьера в пейзаж – личная находка Игоря Михайловича. Полотна с изображением комбинированных образов прославили художника на весь мир.

В более зрелом возрасте Орлову стали близки так называемые «быстрые этюды». Их замысел заключается в том, чтобы передать впечатление от увиденного, посвятив работе всего 2-3 часа.

За вдохновением Игорь Михайлович выезжает в Подмосковье и на Валдай – туда, где от великолепия природы дух захватывает.

Русский авангард

Новое искусство не избегало в абсолютной мере старых традиций. Живопись, в первые послереволюционные годы, впитала влияния футуристов и авангарда в целом. Авангард со своим презрением к традициям прошлого, что так близко было к разрушительным идеям революции, нашёл себе приверженцев в лице молодых художников. Параллельно с этими течениями в изобразительном искусстве развивались реалистические тенденции, жизнь которым дал критический реализм XIX в. Эта биполярность, назревшая в момент смены эпох, сделала жизнь художника того времени особо напряжённой. Два пути, которые наметились в послереволюционной живописи хоть и являлись противоположностями, тем не менее, мы можем наблюдать влияние авангарда на творчество художников реалистического направления. Сам реализм в те годы был разнохарактерным. Работы этого стиля имеют символический, агитационный и даже романтический облик. Совершенно точно передаёт в символической форме грандиозную перемену в жизни страны произведение Б.М. Кустодиева — “Большевик” и, наполненная патетическим трагизмом и неудержимым ликованием “Новая планета” К.Ф. Юона.

Большевик. Кустодиев. 1920

К.Ф. Юон. Новая планета. 1921

Живопись П.Н. Филонова с его особым творческим методом – “аналитическим реализмом ” — являет собой сплав двух контрастных художественных течений, который мы можем увидеть на примере цикла c агитационным наименованием и значением “Ввод в мировой расцвет”.

П.Н. Филонов Корабли из цикла Ввод в мировой расцвет. 1919 ГТГ

Беспрекословность общечеловеческих ценностей, непоколебимых даже в такое смутное время выражает образ прекрасной “Петроградской мадонны” (офиц. название “1918 год в Петрограде”) К.С. Петрова-Водкина.

1918 год в Петрограде (или Петроградская мадонна). К.С. Петров-Водкин. 1920 ГТГ

Позитивным отношением к революционным событиям заражает светлое и наполненное солнечной, воздушной атмосферой творчество пейзажиста А.А. Рылова. Пейзаж “Закат”, в котором художник выразил предчувствие пожара революции, который разгорится от возрастающего пламени судного костра над минувшей эпохой, представляет один из воодушевляющих символов этого времени.

Закат. А.А. Рылов. 1917

Вместе с символическими образами, организующими подъём народного духа и увлекающими за собой, подобно одержимости, существовало и направление в реалистической живописи, с тягой к конкретной передаче действительности.
По сей день произведения этого периода хранят искру мятежа, способную заявить о себе внутри каждого из нас. Многие работы, не наделённые такими качествами или противоречащие им, уничтожались или были забыты, и никогда не представятся нашему взору.
Авангард навсегда оставляет свой отпечаток в реалистической живописи, но наступает период интенсивного развития направления реализма.

Избранные групповые выставки

— «Индустриальный Эдем». Институт проблем современного искусства, Киев.
Saatchi Gallery, Лондон.
— BERLINER LISTE 2013, Берлин.
— Одесская биеннале современного искусства, Одесса.
— «August Agenda». Dymchuk Gallery, Киев.
— «По версии Forbes». Городской музей «Духовные сокровища Украины», Киев.
— «Одесская школа. Традиции и актуальность». Мыстецкий арсенал, Киев.
— «Ориентация на местности». Национальный художественный музей Украины, Киев.

— «Желтые великаны». Художественный музей, Одесса.
— «А пока — апокалипсис…». Галерея Худпромо, Одесса.
— «Двойная игра». Спецпроект Первой Киевской международной биеннале современного искусства ARSENALE 2012. Мыстецкий арсенал, Киев.
— «Средняя нога». Галерея NT-Art, Одесса.
— «Спасти президента». Параллельная программа ARSENALE 2012, Dymchuk Gallery, Киев.

— «20 лет присутствия». Институт проблем современного искусства, Киев.
— «Космическая Одиссея». Мыстецкий арсенал, Киев.
— «Независимые». Мыстецкий арсенал, Киев.

— ТОП 10 современных одесских художников, галерея ХудПромо. Одесса. Украина
— Новый человек, Международный симпозиум Бирючий 0010. Запорожье, Украина

— Рестарт, Морской Арт-Терминал. Одесса, Украина
— Арт-Москва, галерея Коллекция. Киев, Украина
— Вырванный мир, галерея Березницких. Киев, Украина
— Идеальный возраст, галерея Коллекция. Киев, Украина

— Квартирная выставка, галерея Березницких. Берлин, Германия
— Love is, галерея Ра. Киев, Украина
— 23 февраля, галерея Цех. Киев, Украина
— TOP-10(2), галерея Kiev. Fine Art. Киев, Украина

2007 — TOP-10, галерея Kiev. Fine Art. Киев, Украина

— Проверка реальности, Украинский дом. Киев, Украина
— Конъюнктивит, галерея Ра. Киев, Украина

— Прощай оружие, Мыстецкий Арсенал. Киев, Украина
— Эпоха романтизма, Центральный дом художника. Киев, Украина

— Цифровая Россия вместе с SONY, Центральный дом художника. Москва, Россия
— Первая коллекция, Центральный дом художника. Киев, Украина

— Юля никуда не уходила, Музей западного и восточного искусства. Одесса, Украина
— Полюби свой симптом, Центр современного искусства при НаУКМА. Киев, Украина
— За порогом, Центральный дом Художника. Москва, Россия
— Kunst und drogen, галерея Rebellminds. Берлин, Германия
— Аллергия, галерея Ра. Киев, Украина

— Выставка картин, Художественный музей. Одесса, Украина
— Позитивная реакция, Музей западного и восточного искусства. Одесса, Украина

1999 — Пинакотека, Украинский дом. Киев, Украина

1998 — Лабиринт, 2-я биеннале графики. Прага, Чехия

1995 — Синдром Кандинского, Краеведческий музей. Одесса, Украина

1994 — Пространство культурной революции, Украинский дом. Киев, Украина

— Лето, Центральный дом художника. Киев, Украина
— Штиль, Выставочный зал Союза Художников Украины. Киев, Украина

Сергей Зарянко

В Третьяковской галерее хранится несколько выразительнейших портретов XIX века кисти Сергея Зарянко. Он родился в селе Ляды Могилевской губернии (нынешний агрогородок Ляды Дубровенского района Витебской области) в семье крепостного крестьянина. Вскоре семья будущего художника получила вольную и переехала в Санкт-Петербург.

Отец поступил на службу к князю Голицыну. Сергей начал учебу в Третьей гимназии, в которой учились дети разных сословий. В 1833 году скончалась мать Сергея, отец уехал из Санкт-Петербурга с новой женой. На попечении пятнадцатилетнего мальчика оказались братья и сестры. Гимназию пришлось бросить, чтобы содержать семью.

В 1834 году Зарянко в качестве вольнослушателя стал посещать Императорскую Академию художеств. Одновременно он учился у Алексея Венецианова. В 1838 году Зарянко получил звание свободного художника. В возрасте 25 лет ему было присвоено звание академика, а в 32 года он уже был профессором исторической и портретной живописи.

Сергей Зарянко преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Среди его учеников – Василий Перов («Охотники на привале»), Илларион Прянишников («В ожидании шафера»), Василий Пукирев («Неравный брак»), братья Маковские, Владимир Шервуд (архитектор Исторического музея на Красной площади в Москве) и другие.

Портреты Зарянко очень хорошо передавали сходство. Художник мастерски показывал объем благодаря светотени. Эта, как мы бы сейчас сказали, фотографическая точность производила большое впечатление на современников, и потому работы Зарянко пользовались успехом у заказчиков. За время своей творческой деятельности он написал более ста портретов. Наиболее примечательные из них – портрет цесаревича Николая Александровича и великого князя Александра Александровича, будущего императора Александра III.

В 1860-е годы слава Зарянко стала меркнуть. В это время на арену художественной жизни пришло новое поколение художников. Возникла и новая эстетика критического реализма, но Зарянко не захотел менять свою живописную манеру. Его новые произведения критиковали за натуралистичность и ремесленный подход. Разочарованный холодным приемом критики и публики, переживший свою славу, Зарянко скончался в Москве в возрасте пятидесяти двух лет.

Страшная болезнь

В 1909 году у Бориса Кустодиева появляются первые признаки страшного заболевания — опухоли спинного мозга. Художник перенес несколько операций, но, увы, все они лишь временно облегчали боль. Скоро выясняется, что болезнь проникла намного глубже, и при проведении операции невозможно не задеть нервные окончания. Это грозит параличом рук или ног

Выбор встает перед супругой, и она понимает, как важно для ее мужа иметь хотя бы надежду на продолжение написания картин. И она выбирает руки. Теперь Борис Кустодиев прикован к инвалидному креслу, но его силе воли можно было только позавидовать

Несмотря на свою болезнь, он продолжал писать картины лежа. Его мужеством и стойкостью духа невозможно не восхищаться. Ведь, несмотря на все перенесенные страдания и мучительные боли, все его работы пронизаны яркими красками и жизнерадостностью. Кажется, что даже болезнь на какое-то время отступала перед великой силой таланта

Теперь Борис Кустодиев прикован к инвалидному креслу, но его силе воли можно было только позавидовать. Несмотря на свою болезнь, он продолжал писать картины лежа. Его мужеством и стойкостью духа невозможно не восхищаться. Ведь, несмотря на все перенесенные страдания и мучительные боли, все его работы пронизаны яркими красками и жизнерадостностью. Кажется, что даже болезнь на какое-то время отступала перед великой силой таланта.

Новый век

С началом нового столетия началась у Васнецова и новая работа, которой стал цикл картин под названием «Поэмы семи сказок». Картины «Спящая царевна», «Ковер – самолет», «Кощей бессмертный» и другие стали частью этого цикла. Новый век принес новые мировые события и порядки.

Первая Мировая война стала драмой не только общечеловеческой, но и личной трагедией художника, ведь двое его сыновей сражались на фронте. В этот период Васнецов пишет картину «Архангел Михаил», как человек верующий он верит в то, что высшие силы помогут его детям и другим сражающимся на войне вернуться живыми домой.

На события 1917 года живописец откликается картиной «Баба-яга». Расскажу подробнее про эту картину, так как она очень хорошо показывает отношение Васнецова к революции.

Виктор Васнецов «Баба-Яга», 1917 Местонахождение: Дом-музей В. М. Васнецова, Москва, Россия

Человек он был патриархального уклада, царский режим уважал, а вот новый социалистический строй, возникающий на родине, не принимал и относился крайне негативно. Посмотрите на эту картину, Баба-яга изображена довольно страшной и злобной старухой, она символизирует новый режим, красный цвет её юбки, соответственно, символ социализма, а маленький мальчик, которого уносит злая баба – это всё то, с чем художник связывает разрушенный имперский уклад жизни.

Несмотря на неприятие большевизма и новой власти Васнецов не уезжает из страны, оставаясь верным своей родине. Живописец продолжает писать сказочные сюжеты, но теперь в них больше мрачных тонов, чаще встречается красный фон. В картинах чувствуется сопереживание художника к страданиям родины.

«Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем» – одна из картин, на которых видно отчаяние. Васнецов понимает, что красная машина социализма сметает всё на своем пути и возврата к мирной жизни при царе уже не будет.

«Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем», 1913 годМестонахождение: Дом-музей В.М. Васнецова, Москва, Россия

Картину «Спящая царевна» художник пишет около 20-ти лет до самой своей смерти. Это были сложные времена, в стране был кризис, порой не было красок, не всегда удавалось отапливать помещения, но Васнецов работал даже в этих условиях. Покинул этот свет художник 23 июля 1926 года, так и не завершив последнюю свою работу – портрет друга – художника Михаила Нестерова.

Виктор Михайлович Васнецов, помимо написания своих чудесных картин, множество которых купил Павел Третьяков, оформил фасад Третьяковской галереи, расписал не один храм и создал множество эскизов зданий. Конечно, в памяти человечества он запомниться более как гениальный живописец, но нельзя отрицать и умалять его вклад, помимо русского искусства, в русскую культуру в целом.