Боннар, пьер

БИБЛИОГРАФИЯ

• Amory, Dita, ed. Pierre Bonnard: The Late Still Lifes and Interiors. New Haven: Yale University Press. 2009
• Brodskaya, Nathalia. Bonnard. Parkstone International. 2011
• Cowling, Elizabeth; Mundy, Jennifer. On Classic Ground: Picasso, Léger, de Chirico and the New Classicism 1910-1930. London: Tate Gallery. 1990
• Frèches-Thory, Claire, & Perucchi-Petry, Ursula, ed.: Die Nabis: Propheten der Moderne, Kunsthaus Zürich & Grand Palais, Paris & Prestel, Munich 1993
• Hyman, Timothy. Bonnard. London: Thames & Hudson 1998
• Ives, Colta, et al. Pierre Bonnard, the graphic art. New York: The Metropolitan Museum of Art 1989
• Turner, Elizabeth Hutton. Pierre Bonnard: Early and Late. London: Phillip Wilson 2002
• Whitfield, Sarah; Elderfield, John. Bonnard. New York: Harry N. Abrams, Inc 1998

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: ru.wikipedia.org, , , , ,

Проголосуйте page

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Родился 3 октября 1867 г. Фонтенэ-о-Роз, возле Парижа.

В 1888 г. Боннар проходил обучение в Школе изящных искусств, где была образована группа «Наби» (от еврейского nebiim (пророки)), объединявшая молодых художников, искавших новые горизонты в искусстве. Кроме Боннара, в группу вошли – Денни, Серюзье, Руссель, Вюйар и др. По примеру первого поколения импрессионистов, члены группы, восхищаясь искусством японской гравюры, стремились к упрощению живописи, работая плоскостями чистого цвета.

В 1891 году Боннар начал выставлять свои картины в Салоне Независимых и в галерее Le Barc де Boutteville. В тот период творчество художника чрезвычайно разнообразно. Он рисует афиши и эскизы мебели, расписывает ширмы и театральные декорации, иллюстрирует книги и альбомы, работает над эстампами и литографиями. Первая персональная выставка Боннара была проведена Дюран-Рюэлем в 1896 году.

В 1905 г. вместе с Эдуаром Вюйаром отправился в поездку по Испании, за которой последовали путешествия в Бельгию, Голландию, Англию, Италию, Алжир, Тунис и южную Францию. Примерно к 1908 году период «интимизма» был завершен. Художник вновь все больше обращается к пейзажной живописи, его палитра еще более насыщенна и изыскана. 

В 1925 г. Боннар приобрёл дом на Лазурном берегу, в Канне.

В 1930х-1940х годах художник обосновался в своем доме в Канне. Он по-прежнему много и плодотворно работает, часто возвращаясь к своей любимой теме – «ню».

Умер художник в 1947, в Канне.

Выдающийся французский художник

К 1900 году Пьер Боннар был одним из самых выдающихся французских современных художников. Его картины отличались смелым использованием цвета и часто сглаженной перспективой или даже несколькими точками зрения в одном произведении. В начале нового века он много путешествовал по Европе и Северной Африке, но эти поездки не оказали существенного влияния на его искусство.

Боннар часто писал пейзажи. Его тема включала фаворитов импрессионистов, таких как сельская местность Нормандии, Франция. Он также любил создавать сложные интерьеры комнат, освещенных солнцем снаружи и с видом на сады за окном. Различные друзья и члены семьи появлялись на его картинах в виде фигур.

Пьер Боннар встретил свою будущую жену Марту де Мелиньи в 1893 году, и на протяжении десятилетий она часто появлялась в его картинах, в том числе в нескольких обнаженных изображениях. Его картины часто изображают ее умывающуюся или лежащую в ванне, плавающую в воде. Они поженились в 1925 году.

Интерес Боннара к рисованию сцен из повседневной жизни, будь то друзья, наслаждающиеся садом или его жена, плавающая в ванной, заставил некоторых наблюдателей заклеймить его «интимистом». Это означало, что он сосредоточился на интимных, иногда даже приземленных подробностях жизни. В их число вошли серия натюрмортов и изображения кухонного стола с остатками недавней трапезы.

В годы своего пика работы Боннар любил работать над множеством картин одновременно. Он заполнил свою студию частично законченными холстами, выстилающими стены. Это было возможно, потому что он никогда не писал с натуры. Он набросал то, что увидел, а затем создал изображение по памяти в студии. Боннар также часто пересматривал свои картины, прежде чем объявить их завершенными. Некоторым работам требовалось много лет, чтобы довести их до конца.

1890: Плакаты

Поскольку его декоративные картины, в которых чувствовалось влияние Поля Гогена и японского искусства резьбы по дереву, совершенно не покупались, в 1890 Боннар обратился к искусству плаката. В 1891 он победил в конкурсе плакатов на тему шампанского. После этого успеха он целиком сосредоточился на живописи и графике, иллюстрировал тексты Поля Вердена.

Боннар участвовал также в создании декораций для спектакля Альфреда Джерри «Король Убу».

В 1896 парижская галерея «Дюран-Руэль» организовала первую персональную выставку работ Боннара. Изображая повседневную жизнь Парижа и его окрестностей, Боннар отказался от пластического воспроизведения, работая только с орнаментальной структурой плоскости. Картины выполнены большей частью в темных тонах.

30-е годы: Цветовые аккорды

Во второй половине 30-х краски Боннара стали экспрессивнее, теперь художник изображал природу в ее отдельных деталях — так, он группировал деревья и растения в соответствии с цветовыми аккордами («Сад», ок. 1936). В основном он создавал композиции с последовательным расположением уровней пространства («Красное поле у моря», ок. 1938). Пытаясь разобраться в самом себе, художник пишет «Автопортрет в зеркале» (1945), изображая себя со всей беспощадностью старым и исхудавшим. Эта лишенная каких бы то ни было иллюзий картина явилась результатом многочисленных ударов, уготованных ему судьбой. В 1947, в возрасте 79 лет, Боннар скончался в Ле-Каннэ.

Дж. Лeнc

Библиотека Сто художников XX века

1900: Ясные, светлые краски

Начиная с конца столетия Боннар проводил весну и лето в основном за городом. Он полностью отказался от темной палитры, никак не годившейся для создания впечатления тишины и умиротворенности (картина «Семья на террасе», ок. 1902). Применительно к городским видам, частых с некоторого времени для его работ, Боннар разработал композиционный принцип, который позже стал применять и в отношении ландшафтов: барьеры в виде столов или парапета создавали оптический эффект, благодаря которому зритель чувствовал свою удаленность от изображаемого события («Площадь Клиши», 1912). В ландшафтных композициях Боннара человек предстает в полном единстве с природой («Охота», 1908).

В 1912 Боннар приобрел загородный дом в Вернонне. Там он создал серию «Интерьеры», для которой характерен диалог между внутренним пространством и внешним миром: его зритель зачастую переводит взгляд со стола на открытую дверь и террасу, за которой простирается летний ландшафт. Другой темой его «Интерьеров» являются сцены застолья, где стол выступает как бы картиной в картине, в то время как люди — всего лишь живыми фигурами (например, «Вечером», 1921; «Столовая», 1925).

1926: Занятия живописью в Ле-Каннэ

В 1924 парижская галерея «Друэ» устроила первую ретроспективную выставку работ Боннара. В следующем году художник женился на своей давней спутнице жизни Марте Бурзен. В 1926 супружеская пара купила виллу «Ле Боске» в Ле-Каннэ, недалеко от Канна (юг Франции). Два года спустя здесь родилась работа большого формата под названием «Терраса фон Вернонов», самая известная из серии картин, изображающих террасы, с типичным для Боннара распределением изображения по всей ширине полотна. Из залитого светом пространства картины он выхватил теплыми красками игру света и воздуха. Применяемая им техника импрессионистского письма помогала наблюдателю субъективно воспринимать действительность. В изображениях натурщиц (натурщиков) главную роль у Боннара играют краски и форма. Он часто работал с желтыми и оранжевыми тонами, добиваясь слияния тел воедино с окружением. Особенно в многочисленных картинах, действие которых происходит в банях или ванных комнатах. Моделью Боннару чаще всего служила его жена Марта, которая отличалась физическим нездоровьем и потому была вынуждена часто принимать ванны.

Наследие

К моменту его смерти репутация Пьера Боннара несколько пошла на убыль. Художники-абстрактные экспрессионисты привлекали к себе значительно больше внимания. В последние годы его наследие восстановилось. Сейчас он считается одним из самых ярких художников ХХ века. Его спокойный характер и независимость позволили ему следовать своей музе в уникальных направлениях.

Анри Матисс высоко оценил работу Боннара перед лицом критики. Он сказал: «Я утверждаю, что Боннар великий художник для нашего времени и, естественно, для будущих поколений». Пабло Пикассо не согласился. Его разочаровывала привычка Боннара постоянно пересматривать произведения. Он сказал: «Живопись … это вопрос захвата власти».

Наби

Вместе со своими товарищами по живописи Пьер Боннар сформировал группу молодых французских художников, известную как Les Nabis. Название было адаптировано к арабскому слову наби, или пророк. Небольшой коллектив сыграл решающую роль в переходе от импрессионизма к более абстрактным формам искусства, исследуемым постимпрессионистами. Как правило, они восхищались достижениями, показанными в картинах Поля Гогена и Поля Сезанна. Запись в журнал Искусство и критика в августе 1890 года Морис Дени выступил с заявлением: «Помните, что картина, прежде чем стать боевой лошадью, обнаженной женщиной или каким-то анекдотом, по сути представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, собранными в определенном порядке». Группа вскоре приняла эти слова как центральное определение философии наби.

В 1895 году Боннар представил свою первую индивидуальную экспозицию картин и плакатов. Работы продемонстрировали влияние японского искусства, которое включало различные точки зрения, а также ранние корни модерна, движения, ориентированного в первую очередь на декоративное искусство.

В течение десятилетия 1890 года Боннар расширился за пределы живописи. Он проектировал мебель и ткани. Он создал иллюстрации для серии музыкальных книг, изданных его шурином Клодом Террассом. В 1895 году он спроектировал витраж для Луи Комфорт Тиффани.

Поздняя карьера

В отличие от большинства выдающихся европейских художников начала 20-го века, Боннар, казалось, практически не пострадал от Первой мировой войны. К 1920-м годам он обнаружил свое очарование югом Франции. После женитьбы он купил дом в Ле-Канне и прожил там всю оставшуюся жизнь. Залитые солнцем пейзажи южной Франции фигурируют во многих работах Боннара в конце его карьеры.

В 1938 году в Институте искусств Чикаго прошла крупная выставка картин Пьера Боннара и его коллеги и друга Эдуара Вюйара. Год спустя в Европе разразилась Вторая мировая война. Боннар посетил Париж только после войны. Он отказался от заказа на создание официального портрета маршала Петэна, французского лидера, сотрудничавшего с нацистами.

На заключительном этапе своей живописной карьеры Боннар сосредоточился на еще более ярком свете и цвете, чем он был известен как молодой художник. Некоторые наблюдатели полагали, что цвета были настолько яркими, что почти стерли предмет работы. К 1940-м годам Боннар создавал картины, которые были почти абстрактными. Они перекликались с яркими красками и абстракцией картин Клода Моне в конце карьеры.

В 1947 году, всего за несколько дней до своей смерти, Боннар закончил фреску «Святой Франциск в гостях у больного» для церкви в Асси. Его последняя картина «Миндальное дерево в цвету» была закончена всего за неделю до его смерти. Ретроспектива 1948 года в Музее современного искусства в Нью-Йорке изначально планировалась как празднование 80-летия художника.

ПЬЕР БОННАР

На правой части слева внизу: Bonnard 1911.

Становление Пьера Боннара как художника совпало со временем, когда в искусстве шли последние бои вокруг импрессионизма. Он был свидетелем посмертных триумфов Сезанна, Ван-Гога и Гогена. Вместе со своими товарищами — Дени, Вюйаром, Валлотоном — Боннер вошел в группу, носившую название «Наби» («Пророки»). Следуя заветам Гогена, эти художники стремились к декоративному обобщению форм и цвета.

В творчестве Боннара основное место занимают уличные сценки, непритязательные картинки семейной жизни, натюрморт и пейзаж. Боннер вырабатывает собственную манеру, которая, при ярко выраженной декоративности, не была однако столь радикально новаторской, как стиль Матисса; значительную роль играет у него передача пространства, объема и освещения. В этом отношении творчество Боннара можно рассматривать как продолжение традиций импрессионизма. Его искусство претерпевает сравнительно слабую эволюцию на протяжении долгой жизни.

В 1911 году известный московский коллекционер И. А. Морозов заказал Боннару серию панно для украшения парадной лестницы своего особняка. Для этих работ характерно сочетание задач декоративного панно и картины-пейзажа. Панно «Осенью. Сбор фруктов» и «Ранней весной в деревне» хранятся в музее изобразительных исскуств им. А.С.Пушкина в Москве. Эрмитажный триптих занимал торцовую стену лестницы. Согласно замыслу художника, композиция членилась белыми полуколоннами на три части, и перед входящими раскрывался, словно видимый сквозь античный портик, сверкающий средиземноморский пейзаж.

… Площадка перед виллой залита горячим, ослепительным южным солнцем. Со всех сторон она окружена деревьями и лишь в глубине, в просвете между ними, виднеется лазурное море. Прозрачные лиловые тени почти не дают прохлады, и все же обитатели дома спешат укрыться здесь в знойный час: женщина в белом платье играет с котенком, другая — разговаривает с попугаем, двое полуголых малышей копошатся в песке. Эти фигуры, столь характерные для Боннара с его привязанностью к поэтизации повседневного быта, не отвлекают внимания зрителя от главного — окружающей их роскошной, фантастически изобильной южной природы. Большую часть композиции занимают громадные купы деревьев; буйная зелень темных, салатных, серебристых тонов определяет колорит триптиха. Причудливые древесные кроны, изогнутые стволы, рваные пятна теней рождают впечатление движения, которое должно было казаться особенно ощутимым по контрасту со строгими колоннами.

Декоративный размах сочетается у Боннара с тонким чувством цвета: он кладет рядом близкие тона и не кажется однообразным; он использует десятки оттенков зеленого и желтого, лилового и розового, коричневого и голубого, но избегает пестроты. Для Боннара главным является не объем и линии, а красочное пятно, он стремится подчеркнуть плоскость самой картины, чередование затемненных и светлых планов.

«Средиземноморский триптих» — это вещь, созданная в полную мощь его громадного живописного таланта.

Картина поступила в Эрмитаж в 1948 году из Государственного музея нового западного искусства в Москве.