Кампен робер. картины с названиями и описанием

Искусство Нидерландов

Современный американский эстетик К.Ашенбреннер (Форма и формализм,
1969) разрешает спор о форме следующим образом. Сама форма (А) не предрешает эстетического
воздействия произведения (ибо элементы также его предопределяют), зато она одна
может быть адекватно проанализирована и поэтому только она является надлежащим
предметом эстетической теории. Таково новое решение старых проблем.

Оглядываясь
на более чем две тысячи лет истории формы (А), мы видим, что форма означала или
же соотношение вообще, или же надлежащее соотношение, красивое, гармоничное –
отсюда и такие синонимы как symmetria, concordantia, concinnitas. Или же значила
то же, что и рациональное соотношение, правильное, регулярное, выражаемое в числах.
Особенно это заметно у пифагорейцев и св.Августина, а отсюда различные греческие
и схоластические синонимы формы. Поэтому точный анализ различает форму А (какое-либо
соотношение) и форму А1 (гармоническое соотношение, или правильное соотношение).
Именно благодаря А1 понятие формы А сохранялось в теории искусств достаточно долго
и занимало в ней привилегированную позицию.

Сужение понятия формы А до
понятия формы А1 (в том смысле, что лишь особенно ценная форма заслуживает называться
формой) можно наблюдать во многих областях. Пример мы почерпнем из латинской палеографии.
Определенный тип письма XIII-XV веков называют «littera formata», но
только тот, который использовался при переписывании текстов Библии и литургических
текстов и имел как бы торжественный характер. Также и в скорописи, в ежедневном
написании (littera cursiva) приблизительно в 1400 г. появился облагороженный вариант,
каллиграфический. Этот последний, и только этот также стал называться » cursiva
formata».

Сегодня к форме (в смысле А) близко по значению выражение
структура. Так называются лишь не случайные формы, сформированные изнутри благодаря
внутренним силам. В соответствии с этим речь шла главным образом о биологических
или геологических структурах. Сравнительно недавно термин и понятие структуры
нашли применение в теории языка и теории искусства, особенно искусства литературы.
Этим выражается стремление к тому, чтобы литературные произведения обладали не
произвольными формами, но возникали в результате естественных законов и процессов.
Тогда если структуры включить в семейство форм, то это будут формы, близкие к
А, особенно к А1 , однако же sui generis; поэтому они заслуживают еще и другого
обозначения – формы А2 .

Формализмом иногда называют взгляд, согласно которому
эстетически значима единственно форма. Классическая формулировка, данная Р.Циммерманом
в 1865 г., звучит так: «Простые предметы ни нравятся, ни не нравятся. В составных
вещах нравится и не нравится единственно форма. Части вне формы, материя предмета
безразличны. В этих трех утверждениях состоит фундамент эстетики». Здесь
форма понимается в смысле А. Формализм, являющийся в предметом споров ближайшие
к нам времена, трактует ее преимущественно в иной манере, которая здесь будет
называться формой В.

К ранним работам Риберы относится картина «Святой Иероним, внимающий звуку
небесной трубы» (1626, Ленинград, Эрмитаж). Правдиво преданы смятение перед
лицом смерти, страх, искажающий черты отшельника

Яркий луч света, как бы внезапно
врывающийся во мрак кельи, обостряет драматизм сцены и ощущение неожиданности
события; вместе с тем он концентрирует внимание на фигуре старца, его судорожных
движениях. Однако душевное волнение охарактеризовано внешне — преувеличенной экспрессией
мимики и жеста, общим бурным движением, которое захватывает предметы среднего
плана. Резкая светотень придает тяжеловесность красочным тонам

Резкая светотень придает тяжеловесность красочным тонам.

Приложения

Библиография

• (en) Феликс Турлеманн , Роберт Кампен: монографическое исследование с критическим каталогом , Prestel, колл.  «Серия« Искусство и дизайн »»,2002 г., 385  с. ( ISBN  978-3-7913-2778-5 )
• Анри Installé, «Le triptique Merode: мнемонические вызывание семьи Colonian купцов, беженцев в Мехелен» в Hande / Линген ван де Koninklijke Крингу Вур Oudheidkunde, Letteren ан Kunst ван Мехелен , 1992, п о  1, с.  55-154
• Альбер Шатле, Роберт Кампен, мастер Флемалля: очарование повседневной жизни , Антверпен, 1996.
• Цветан Тодоров , Похвала личности, очерк о живописи фламандского Возрождения , Париж, Адам Биро, 2000.
• Кампен в контексте. Живопись и общество в долине Шельды во времена Роберта Кампена, 1375–1445 . Материалы международной конференции, организованной Университетом Валансьена и Эно-Камбрезис, Королевским институтом художественного наследия и Ассоциацией гидов Турне, Турне, Домом культуры,30 марта — 1 — го апреля 2006, изд. Людовик Нис и Доминик Ванвейнсберг, Валансьен / Брюссель / Турне, 2007.

Литература[править | править код]

• Никулин Н. Н. Золотой век нидерландской живописи. М., 1981
• Erwin Panofsky. Early Netherlandish painting: its origins and character. New York: Harper & Row, 1971. ISBN 0-06-430002-1
• Martin Davies. Rogier van der Weyden: an essay, with a critical catalogue of paintings assigned to him and to Robert Campin. London: Phaidon, 1972 ISBN 0-7148-1516-0
• Albert Châtelet. Robert Campin. Le Maître de Flémalle. La fascination du quotidien. Antwerpen: Mercatorfonds, 1996 ISBN 90-6153-364-3
• Stephan Kemperdick. Der Meister von Flémalle: Die Werkstatt Robert Campins und Rogier van der Weydens. Tournhout: Brepols, 1997 ISBN 2-503-50566-X
• Felix Thürlemann. Robert Campin. Monografie und Werkkatalog. München: Prestel Verlag, 2002. ISBN 3-7913-2807-7
• Felix Thürlemann. Robert Campin. A Monographic Study with Critical Catalogue. München: Prestel Verlag, 2002. ISBN 3-7913-2778-X

Иван Константинович Айвазовский

«Все эти успехи в свете – вздор, меня они минутно радуют и только, а главное мое счастье – это успех в усовершенствовании» – Иван Константинович Айвазовский.

Русский художник-маринист. Говорил, что сюжет картины слагается у него в памяти, как сюжет стихотворения у поэта. Писал картины «по памяти», а не с натуры, считая, что так они получаются более живыми.

Самые известные картины: «Девятый вал», «Черное море», «Радуга», «Ночь на Черном море», «Корабль среди бурного моря», «Море. Коктебель», «Волна».

Айвазовский с раннего детства писал людей, парусные корабли и пейзажи. Его работы очень рано заслужили самую высокую оценку со стороны современников. Он отличался не только талантом, но и чрезвычайной производительностью – он практически ежедневно писал один холст за другим. Картина «Девятый вал» позволила его таланту развернуться во всей своей глубине.

Все его выставки неизменно сопровождались небывалым успехом, его творчество всегда ценилось даже самыми великими людьми. Его большую картину «Хаос» приобрел сам Папа Григорий XVI, а знаменитый английский маринист Тернер посвятил его картине «Неаполитанский залив лунной ночью» восторженные стихи. Художник получил признание не только в России, но и за рубежом. Его картины выставляются в лучших галереях мира.

В отличие от многих других художников, в поздние годы своей жизни Айвазовский пережил новый творческий подъем и расцвет таланта. Он неутомимо работал до самого конца своей жизни. Он создал картину «Черное море», которая считается одной из самых грандиозных картин в мире, а затем картину «Волна», которую он и сам считал «своей лучшей бурей».

Где почитать о художнике: Л. Вагнер «Повесть о художнике Айвазовском», Н. Кузьмин «Пленник моря. Встречи с Айвазовским», Д. Каффьеро и И. Самарин «Неизвестный Айвазовский».

Микеланджело Буонарроти

«Искусство ревниво: оно требует, чтобы человек отдавался ему всецело. Живопись заменяет мне жену и доставляет совершенно достаточно домашних хлопот. Моими детьми будут мои произведения» – Микеланджело Буонарроти.

Итальянский художник, скульптор, а также архитектор, поэт и мыслитель. Отдавал предпочтение масштабным проектам, его любимой живописной техникой всю жизнь была фреска. Он всегда стремился достичь гармонии в своих произведениях и выбирал для них исключительно серьезные темы.

Самые известные картины роспись потолка Сикстинской капеллы, фреска «Страшный суд», картины «Сотворение Адама» и «Мадонна Дони», мраморные статуи «Вакх», «Мадонна Брюгге», «Пьета», «Моисей» и «Давид».

Современники заслуженно считали его гением, обладающим сверхъестественной силой, способной влиять на человеческую душу. Свод Сикстинской капеллы, расписанный им, представляет собой всю историю мира, что не может не потрясать воображение. А его выдающееся произведение – картина «Страшный суд» – считается произведением, завершившим в искусстве эпоху Возрождения.

Где почитать о художнике: Стендаль «Жизнь Микеланджело», И. Стоун «Муки и радости», Р. Кристофанелли «Дневник Микеланджело неистового», М. Буонарроти «Письма. Поэзия».

Работы[править | править код]

Св. Вероника Помимо Флемальского алтаря и Алтаря Мероде, кисти Кампена приписывается ещё десяток работ, включая диптих-складень из собрания Д. П. Татищева в Эрмитаже, две створки из исключительного по качеству алтаря Верля в Прадо, раннее «Положение во гроб» из Института искусств Курто, парный портрет в Национальной галерее Лондона и «Рождество Христово» (1420) из музея в Дижоне. Атрибуция всех произведений Кампену спорна; не исключено, что те или иные произведения принадлежат кому-то из его учеников (например, Жаку Даре).

Флемальский алтарь

Основная статья: Флемальский алтарь

В настоящий момент находится в Штеделевском художественном институте (Франкфурт-на-Майне). Получил своё название от Флемальского аббатства, близ Льежа — прежде ошибочно считалось, что именно оттуда он происходит. Сохранилось 4 створки, 3 из них принадлежат Флемальскому мастеру: «Святая Троица», «Дева Мария с младенцем» и «Святая Вероника». (ок. 1410).

Алтарь Мероде

Основная статья: Алтарь Мероде

Алтарь Мероде, или Триптих Благовещения датируется около 1427—1432 годов. В настоящий момент он находится в музее Клойстерс в Нью-Йорке. Авторство Кампена ставится искусствоведами под сомнение; возможно, он написан (как копия оригинальной алтарной картины) талантливым учеником мастера. Другая версия центральной панели того же триптиха выставлена в Брюсселе и, возможно, представляет собой оригинал кисти Кампена. Алтарный триптих на сюжет Благовещения (с донаторами), выставленный в Клойстерсе, долгое время находился во владении знатной фламандской (бельгийской) семьи Мероде (Mérode), отсюда его распространённое название.

Эрмитажный складень

Основная статья: Троица. Мадонна с младенцем у камина

Картина представляет собой двустворчатый складень, изображение написано на двух дубовых досках одинакового размера 34,3 × 24,5. Работа посвящена двум основным догматам христианства — воплощению и искуплению. Справа представлены Богородица и детство Христа (воплощение), слева — снятое с креста тело Христово (искупление); также на левой створке показан третий догмат христианства — Троица. Время создания — 1430-е годы; обе створки обрамлены одинаковым живописным орнаментом, этот орнамент был написан значительно позже.

Пабло Руис Пикассо

«Некоторые художники изображают солнце желтым пятном, другие же превращают желтое пятно в солнце» – Пабло Пикассо.

Испанский и французский художник, скульптор, один из создателей кубизма. Его стиль написания картин менялся на протяжении всей его жизни.

Самые известные картины: «Девочка на шаре», «Арлекин и его подружка», «Автопортрет», «Авиньонские девицы», «Герника», «Абсент и карты», «Плачущая женщина».

Пикассо всегда проявлял неподдельную любовь и рвение к своей работе и эволюционировал как художник на протяжении всей жизни. Изначально он писал картины в практически одноцветной гамме голубых, синих и зеленых тонов. Они были насквозь пропитаны чувством тоски и образами меланхолии и нищеты. Позднее в его работах развилась гуманистическая тема, картины стали более оптимистичными, а тона более прозрачными.

Чуть позже Пикассо отошел от традиционного способа изображения фигур и пространства и разработал новый стиль – кубизм, в рамках которого он создавал массивные и грубые геометрические фигуры, раскладывая их определенным образом на плоскости и выделяя цветовые и фактурные элементы.

Брак и рождение сына возвратили Пикассо к миру ясных, четких и понятных форм, однако его позднее творчество стало еще более странным: он рисовал людей, напоминающих монстров, а сами образы картин представляли собой синтез презрения, сострадания и предупреждения. Вторая мировая война не могла не отразиться на творчестве художника, и он начал считать, что живопись – это не украшение жилища, а инструмент войны.

В завершение своей жизни Пикассо стремился к единству стиля, его искусство обрело более устойчивые формы

Он уделял особое внимание пейзажам, делая упор на растительность, передавая ее широкими и гибкими мазками

Где почитать о художнике: Д. Брассай «Разговоры с Пикассо», М. Бернада «Пикассо», Н. Мейлер «Пикассо. Портрет художника в юности».

Биография

О художнике Робере Кампене, которому приписываются картины Флемальского мастера, известно достаточно много. Считается, что Робер Кампен родился в городе Валансьен — некогда процветавшей столице графства Эно (Геннегау). В датировке этого события исследователи расходятся, называя различные даты между 1375 и 1380 годами. Имя Кампена встречается в документах начиная с 1406 года. В 1410 году он получил права гражданства в крупном фламандском городе Турне и стал там городским живописцем. В документах городского архива сохранились данные о том, что ему принадлежало несколько домов в Турне, что свидетельствует об определенном материальном благополучии Кампена. Источники свидетельствуют, что художник владел большой мастерской со множеством учеников (впервые эта мастерская упоминается в 1418 году), среди которых были известные впоследствии живописцы Рогир ван дер Вейден (в документе о приёме ученика стоит имя Рожеле де ля Пасторе, но исследователи считают, что это Рогир ван дер Вейден) и Жак Даре, которые упоминаются как его ученики с 1427 по 1432 годы. Есть мнение, что в 1427 году Турне посетил Ян ван Эйк, приехавший в город, по всей видимости, для знакомства с искусством Кампена. Кампен играл тогда важную роль в общественной жизни города, брался за самую разнообразную работу, от фресок до картонов для шпалер, не говоря уже о менее крупных заказах. Единственное точно датированное произведение, приписываемое Кампену — «Алтарь Верля» — относится к 1438 году (сейчас находится в Прадо, Мадрид). В 1423 году Кампен принял участие в выступлении горожан против правящего в Турне патрициата, войдя после того в число членов нового городского управления. Вскоре, однако, патриции вновь вернулись к власти, а художник подвергся преследованиям. Есть мнение, что это было вызвано политическими симпатиями Кампена к французскому королю в эпоху острого соперничества между бургундским герцогством и французским королевством.

Винсент ван Гог

«Что такое рисование? Это умение пробиться сквозь железную стену, которая стоит между тем, что ты чувствуешь, и тем, что ты умеешь» – Винсент ван Гог.

Нидерландский художник-постимпрессионист. Главным в живописи для него был цвет – он смешивал основные цвета с дополнительными, что позволяло ему получать поразительный эффект. Ранние работы насыщены яркими и позитивными цветами, а более поздние – трагическими цветовыми диссонансам, с помощью которых он выражал весь тот негатив, который охватил его разум и сердце.

Самые известные картины: «Звездная ночь», «Автопортрет», «Едоки картофеля», «Звездная ночь над Роной», «Ирисы», «Автопортрет с перевязанным ухом», «На пороге вечности», «Подсолнухи», «Ветки цветущего миндаля».

Безответная любовь и смерть близких ввели художника в состояние глубокой депрессии, из которого его могло вывести только искусство. Он имел средства на холсты, краски и натурщиц благодаря помощи своего брата, а во всем остальном он себя сильно ограничивал ради возможности творить. Яркое и радостное изначально искусство художника со временем превратилось в нечто темное, угнетающее и поистине трагическое.

Душевное состояние художника ухудшалось с каждым годом, однако он писал картины даже между обострениями своей болезни в лечебнице для душевнобольных, где создал несколько своих главных шедевров. Конец своей жизни ван Гог провел в небольшой деревне под Парижем, вид которой стал для него настоящим источником вдохновения: он работал с утра до ночи, исполнив за последние два месяца жизни 70 картин и 32 рисунка. Однако, несмотря на такой творческий подъем, вскоре он, окончательно отчаявшись, убил себя выстрелом из пистолета.

Где почитать о художнике: И. Стоун «Жажда жизни», Р. Уоллэйс «Мир ван Гога», А. Перрюшо «Жизнь ван Гога», В. ван Гог «Письма к брату Тео».