Описание картины Василия Васильевича Кандинского «Сумеречное (1917)»
Кандинский являлся одним из самых известных художников двадцатого века, став лицом абстрактного искусства. Практически все картины, написанные до 1921 года, были отражением Апокалипсиса. Данная картина не нуждается в объяснении, так как абстрактное искусство отвлекает от конкретных образов и формирует у зрителей индивидуальное отношение к тому, что изображено на холсте. Художник предпочитал манеру спонтанного письма, которое изображает таинственные формы, являющиеся загадочными монстрами, словно сошедшими с полотен Босха. Творец словно бы создаёт мир кошмаров, таящих в себе немало тайн.
Художник на протяжении некоторого времени изучал творчество душевнобольных, вдохновляясь их необъятным внутренним миром, не различающим реальности и вымысла. Он пытается понять, как действует внутреннее видение, различая цвета и гармонию форм. Некоторые видят в этой картине целую Вселенную, которая находится в хаосе и скрывает в своём пространстве зло. Она вызывает такие эмоции, как тревога, смятение и предчувствие чего – то трагичного. В то же время, Кандинский очень ярко и глубоко изобразил диковинную красоту разрушения.
Мастер создал полотно, находясь в России и переживая нелёгкий период в своей жизни. В стране происходили события, которые негативно отражались на людях, заставляя их переживать смутные времена и видеть страдания других. Это отразилось на творчестве художника, который очень переживал за свою родину. Кандинский очень много путешествовал, побывав в таких странах, как Африка, Франция и Италия. Он долгое время прожил в Берлине, но свои последние годы жизни провёл в Париже, став одним из участников интернационального художественного процесса. Он вошёл в историю, как график, теоретик и основоположник абстракционизма.
Индивидуальные доказательства
- Кларк В. Полинг: Архивный музей дизайна Баухауса (ред.): Кандинский. Русский период и Баухауз 1915-1933 гг. Каталог выставки Берлин 1985, ISBN 3-89087-011-2 , стр. 14
- Кандинский: Ретроспектива . В: Ханс Конрад Рётель, Елена Халь-Фонтейн (ред.): Кандинский, собрание сочинений . лента1 . Бентели, Берн 1980, ISBN 3-7165-0354-1 , стр.41 .
- Маха Даниэль в: Возвращение Кандинского в Россию: Рисунки 1915-1921 годов. В: Кандинский. Основные работы из Центра Жоржа Помпиду в Париже. Каталог выставки, Dumont Cologne 1999, ISBN 3-7701-4991-2 , стр. 93
- Documenta. Искусство ХХ в. Века; международная выставка в музее Fridericianum в Касселе . Престел, Мюнхен 1995, ISBN 3-7913-1629-X , стр.45 (Без изменений оттиск оригинального издания 1955 г.).
- Питер Хан : Кандинский. Русский период и годы Баухауза 1915–1933 гг . Архив Баухауса, Музей дизайна, Берлин 1984, ISBN 3-89087-011-2 , стр.69 .
Описание и толкование
Композиция рисунка состоит в основном из диагоналей. Геометрические формы, такие как линии, круги, полукруги, треугольники, квадраты, шахматные узоры и черная поверхность в центре пересекающихся фигур, а также большая коричневато-серая трапеция напоминают Казимира Малевича и его русский супрематизм с 1915 года, который Кандинский понимал и ценил. Белый фон картины создает впечатление, что геометрические формы и главные оси, которые они создают с эмблемами супрематизма в центре картины, свободно парят в бесконечном пространстве и поэтому кажутся невесомыми. В то время Кандинский часто встраивал трапеции в свои картины. Кандинский в основном использовал , которые, однако, также создают другие цветовые тона путем наложения. Мотив продолговатых, остроконечных копийных элементов в форме Андреевского креста появляется несколько раз и указывает на святого истребителя драконов Георга . Он писал этот мотив несколько раз с 1910-х годов и продолжал его абстрагировать .
Изначально картина висела в столовой квартиры Василия и Нины Кандинских в поселке в . 22 декабря 1922 года Кандинский провел предварительное исследование акварельной техники и китайской туши на бумаге формата 45,4 × 40,4 см (Центр Помпиду, AM 1976-1324), который меньше, но имеет идентичные формы в окончательном исполнении. Кандинский завершил картину в период с февраля по апрель 1923 года. Почти квадратный холст — это переработка старой картины 1920 года, также с диагональной композицией. Еще в 1910 году он рисовал линии и цвета, которые, казалось, образуют клубок, но все же раскрывают копье Святого Георгия и элементы фигуры. Диагонали находятся в напряжении между собой, потому что Кандинский видел в своем творчестве борьбу с изначально «непокорной природой» холста, которую кисть «покоряла дикую девственную природу, как европейский колонист». На этом снимке историк искусства Ванесса Мориссет видит вихрь центростремительных сил, исходящий с его поверхности. Белый цвет, понимаемый как ясность и простота, создает ощущение, будто «борьба Кандинского с холстом» на этом воплощении его желаний закончилась.
По словам искусствоведа и куратора Центра Помпиду в Париже Маха Даниэля, в центре картины доминирует массивная форма, игнорирующая гравитацию. Первоначально в творчестве Кандинского до 1920 года существующие элементы ландшафта, такие как хвойные породы и скальные вершины, он заменил здесь треугольниками и остриями.
Описание картины Василий Кандинский «Встреча поверхностей»
Картина написана в 1934 году.
У Кандинского была своя теория живописи. В ней он выделял те положения искусства, которые требуют пристального изучения. Это, прежде всего форма. Не менее важен цвет, который решает глубину построения, использующую законы оптики.
Живописные детали определяют глубину. Еще одно положение – материал и пространство. Под этим художник подразумевал особенности обработки поверхности. В своем творчестве он использовал технику многослойности, а также умело пользовался законами идеального сочетания цветов.
Художник – яркий представитель абстрактного искусства. Неискушенному зрителю, на первый взгляд, может показаться, что на картине изображены ничем не примечательные линии разной формы и фигуры. На самом деле, смысл этого произведения очень глубок. В нем заложено огромное философское содержание, определяющее творчество художника этого времени.
Кандинский понимает, что цвет и форма не требует предметной мотивировки. Краски являются важным моментом для создания целостного восприятия творения.
Перед нами настоящая тайнопись. Иероглифическое письмо. Именно эта манера была характерна для творчества данного периода. Художника интересуют проблемы пространства
Его работа не изобилует сочными красками, так как важно здесь другое. Линия носит у него амебовидный характер
Ощущается холодность стиля. Формы максимально геометризуются. Мы видим всевозможные поверхности, изображенные художником, которые чудесным образом встречаются на его полотне.
Неслучайно название картины. Кандинский пытается объединить прежние мотивы своего творчества и новые приемы.
Несмотря на то, что Кандинский использует серо-синие тона, в его картине есть светлое пространство. Оно открыто для взора зрителей. Но это не значит, что тьме нет места. Именно так происходит и в природе.
Описание картины Василия Кандинского «Ипрессия III (концерт)»
Написана в 1911 г., маслом по холсту, размер 77,5 на 100 см. Находится в Ленбаххаусе, Мюнхен, Германия.
Василий Васильевич был не только выдающимся художником, но и теоретиком. Он считал, что искусство должно сбросить оковы, которые накладывает физическая форма объектов и явлений, и доносить саму глубинную суть идей до зрителя. По его классификации картины делятся на композиции, импровизации и импрессии. Последнее относится к данной работе и означает изображение внутренних переживаний автора от определенных вещей или событий. На этом полотне нашли свое отражение эмоции, испытанные от великолепного концерта австрийско-американского композитора Арнольда Шенберга, с которым они впоследствии стали друзьями на почве общего понимая основы музыкальных и живописных образов.
Обычному человеку при просмотре подобных экспрессионистских абстракций следует отключать рациональное и чувствовать душой, особым зрением, стараясь постичь все нюансы не разумом. Однако в отношении этого творения мастера можно понять достаточно много о том, что написано, присмотревшись повнимательнее. Потому что большое черное нечто своей формой очень напоминает рояль. Цепляясь за эту ассоциацию, становится логичным предположить, что в левом нижнем углу изображена публика, а в верхнем, соответственно, остальной оркестр, выделяющийся угольными линиями похожими на смычки. Также невооруженным глазом заметна энергия движения – мазки, крупные и мелкие пятна, устремленные по диагонали в правый угол.
Особое значение имеет и цвет. Желтый весьма нахален и динамичен, он тревожит, сильно задевает созерцателя, синий, темнея, вызывает нарастающую тоску, красный дает мощь и агрессивную силу, черный символизирует угасшую пропасть и нечто абсолютно безвольное.
Генеральская дочь
Когда началась Первая мировая война, Кандинский принял решение вернуться в Москву — он был тепло встречен на родине, а его идеи и полотна имели там большой успех. Зимой 1917 года он снова женился, но… не на Габриэль, а на генеральской дочери Нине Андреевской — с ней он познакомился по телефону и сразу влюбился в приятный девичий голос. Именно в этот день художник — не зря ведь он обладал способностью «видеть» звуки, облекать их в цвета — написал свою известную акварель «Незнакомому голосу». На момент встречи Кандинскому было почти 50, Нине — 17.
Нина всю жизнь бережно хранила наследие супруга. Фото: Public domain
Мюнтер он не счел нужным оповестить о своей женитьбе. Бывшая возлюбленная безрезультатно пыталась его найти, забрасывала письмами, которые оставались без ответа. Только спустя несколько лет Кандинский через своего адвоката потребовал вернуть ему личные вещи и картины. Часть имущества Габриэль вернула, остальное оставила себе в качестве компенсации за моральный ущерб…
Новоиспеченные супруги в первое время были очень счастливы. У них родился сын Всеволод, а революцию 1917 года Кандинский даже приветствовал — хотя после прихода к власти большевики конфисковали почти все его имущество. Он снова начал преподавать, основал и возглавил Институт художественной культуры, однако, как и Шагал с Малевичем, не сумел вписаться в новую соцреальность. Кандинского начали травить, его работы — высмеивать, а тут новый удар: смерть маленького Лоди, не дожившего и до трех лет…
Побеждая кислоту. Секреты картины Рембрандта «Даная»
Подробнее
Описание картины Василия Кандинского «Несколько кругов»
Картина «Несколько кругов» написана в 1926 году. Материалами для написания произведения послужили масло и холст. Размеры полотна составляют 140х140 см. В настоящее время картина находится в Нью-Йорке, в Музее Гуггенхейма.
Безусловно, данное произведение относится к жанру абстракционизма, ярчайшим представителем которого был Василий Кандинский. Для художника круг – это не только и не столько геометрическая фигура, сколько некий универсальный проводник в другой мир.
Эта замкнутая фигура при одном взгляде на нее связывает нас с этим миром, ее форма не имеет начала, точно так же, как и конца. Таким образом, Кандинский преподносит сочетание кругов разных размеров и цветов как сочетание бесконечностей, чего-то космического и абсолютного.
С первого взгляда композиция кажется беспорядочным нагромождением фигур, но, чем дольше всматриваешься в эти круги, тем яснее становится, что каждый из них находится на своем месте. На темном фоне то тут, то там всплывают эффектные, ярко-желтые, ярко-синие круги, поверх ярких накладываются черные, и так слой за слоем. В чем-то эти фигуры напоминают планеты и светила, движущиеся в космосе.
Вокруг одной из фигур виднеется свечение, что дополнительно усиливает сходство кругов с космическими объектами. Яркие цвета, столь любимые художником, заставляют проснуться воображение. Пересекаясь, круги получают новые оттенки и грани цвета, взгляду хочется следить за их причудливыми линиями и наложениями друг на друга.
Любовь к кругу проходит через все творчество Кандинского с 1920 по 1930 годы. Художник видел в круге все, что хотел и искал: космос, напряжение, силу. Круг на его полотнах – даже не круг, а существо, наделенное внутренним голосом и характером. Простая геометрия, благодаря Кандинскому, обретает душу.
Стиль[править | править код]
Первоначально Кандинский находился под влиянием французских импрессионистов, немецких символистов и дивизионистов. В период раннего творчества, в 1900-е годы, Кандинский тяготел к импрессионистическим натурным пейзажам, романтическим символистским сюжетам, русскому лубку и немецкому декоративному фольклору. В поисках своего стиля художник обращался к ретроспективным фантазиям в духе «Мира искусств». В 1906—1907 годах, вдохновившись творчеством фовистов во время своего пребывания в Париже, Кандинский стал работать мастихином, перешел от мелких точечных мазков к крупным цветовым пятнам и предельно упростил форму. В пейзажах 1908—1910-х годов художник достиг максимальной условности образов и абсолютного господства цвета.
В 1910 году Кандинский создал свою первую абстракцию «Первая абстрактная акварель» и обозначил в своем трактате «О духовном в искусстве» беспредметность основным принципом своего дальнейшего творческого метода. Художник разделил свои работы на «импрессии», идущие от реального впечатления, «импровизации», основанные на бессознательном, и «композиции», тщательно продуманные и выверенные. Образно-метафорическая система строилась за счет свободной, но ритмичной игры цветовых пятен, точек, линий, отдельных символов, архетипически напоминающих всадника, ладью или церковный купол.
В 1913 году Кандинский написал работу «Композиция VII», которую считал одной из самых сложных в своем творчестве и которая стала программным произведением художника, подытожившим поиски «первого абстрактного периода».
В 1920-е годы под влиянием русских супрематистов и конструктивистов в работах Кандинского возникли геометрические формы, наиболее частым мотивом стали круги и треугольники. На «втором этапе» его стиль классицизируется, композиции обретают сдержанность и рационализм, но строгая геометрия по-прежнему одухотворена. В середине 1920-х годов, в Германии, в его работах появилась тема космоса, как вершины мирового порядка. В продолжение темы макро и микрокосма, в конце 1930-х годов, во Франции, у Кандинского началась новая фаза в творчестве — отход от геометрии в сторону биоморфных форм, от яркого чистого цвета к светлым композициям, зачастую на темном фоне. При этом художник использовал новую технику — мелкий песок в пигменте и черную темперу для фона.
На всех этапах эволюции творчества Кандинский придерживался своего же определения: «Живопись есть грохочущее столкновение различных миров, призванных путем борьбы и среди этой борьбы миров между собою создать новый мир, который зовется произведением. Каждое произведение возникает и технически так, как возник космос, — оно проходит путем катастроф, подобных хаотическому реву оркестра, выливающемуся, в конце концов, в симфонию, имя которой — музыка сфер. Создание произведения есть мироздание».