Henri rousseau

Useful Resources on Henri Rousseau

Books
websites
articles
video clips
More

Books

The books and articles below constitute a bibliography of the sources used in the writing of this page. These also suggest some accessible resources for further research, especially ones that can be found and purchased via the internet.
biography

Henri Rousseau
By Dora Vallier

paintings

• Rousseau
  By Cornelia Stabenow

• Henri RousseauOur Pick

  By Philippe Buttner, Christopher Green, Franz Hohler

• Henri Rousseau: Jungles in ParisOur Pick

  By Frances Morris

• Interpreting Henri Rousseau
  By Nancy Ireson

• Henry Rousseau
  By Gotz Adriani

View more books

websites

articles

video clips

More

Accomplishments

• Although he had ambitions to become a famous academic painter, Rousseau instead became the virtual opposite: the quintessential «naïve» artist. Largely self-taught, Rousseau developed a style that evidenced his lack of academic training, with its absence of correct proportions, one-point perspective, and use of sharp, often unnatural colors. Such features resulted in a body of work imbued with a sense of mystery and eccentricity.
• The untutored and idiosyncratic character of Rousseau’s art was derided by many early viewers of his work, with one Parisian journalist memorably writing that «Monsieur Rousseau paints with his feet with his eyes closed.» Yet this quality resonated with modern artists such as Picasso, who saw in Rousseau’s work a model for the sincerity and directness to which they aspired in their own work, by drawing inspiration from African tribal masks and other «primitive» and traditional art forms.
• Influenced by a combination of «high» and «low» sources — academic sculpture, postcards, tabloid illustrations, and trips to the Paris public zoo and gardens — Rousseau created modern, unconventional renderings of traditional genres such as landscape, portraiture, and allegory. The fantastic, often outrageous imagery that resulted from these hybrid influences — most famously, a nude woman reclining on a divan mysteriously located in a tropical jungle — was celebrated by the Surrealists, whose art valued surprising juxtapositions and dream-like moods characteristic of Rousseau’s work.

Biography of Henri de Toulouse-Lautrec

Henri de Toulouse-Lautrec was born into a very different world from the one he would later live in and depict in his art. He was born in 1864 into a noble family, the son of a count of Toulouse. At the age of 10, Toulouse-Lautrec was hospitalised due to severe bone pain, which started a life filled with physical complications and periods of convalescence. By the age of 16, he was left permanently crippled by a genetic disorder that halted his growth. Drawing and painting served as an escape, a way to deal with his physical and emotional suffering. In 1882, he moved to Paris to study art and soon became acquainted with other artists like Émile Bernard and Vincent van Gogh, whose portrait he painted. 

Toulouse-Lautrec was academically trained, but soon abandoned the conventions of perspective in favour of avant-garde experiments, greatly influenced by Eastern aesthetics (Japonisme). He settled in the Montmartre district in 1884, at the time a low-rent haven where artists, bohemians, and the performers, patrons and prostitutes who frequented the nightclubs in the area, all lived and interacted in a bustling environment. Toulouse-Lautrec associated with all kinds of people, from the poor to the rich and famous. His early paintings focused on the models themselves, but from 1886 onwards he chose to place his subjects in nightclubs, brothels, bars, racetracks and other social environments. When the Moulin Rouge cabaret opened in 1889, Toulouse-Lautrec was commissioned to produce a series of posters for it, which allowed him to make a living separate from the regular income he received from his family. Among the works he created for the Moulin Rouge and other Parisian nightclubs are depictions of the singer Yvette Gilbert, the dancer Louise Weber (also known as La Goulue), and the dancer Jane Avril. 

Полоса успеха

Зонтики 1881—1886 г.

В 1881 году Ренуар отправляется в своё первое путешествие – он удачно продал несколько картин. Алжир, Венеция, Рим, Неаполь, Палермо околдовали молодого художника и напитали его эмоциями, впечатлениями и красками.

Он выставляется в Салоне в Группе независимых художников. Теперь его представляет агент Дюран-Рюэль, он же в 1883 году организует персональную выставку. Зимой Ренуар путешествует с Моне, отправившись в Геную, с ним же посещает Сезанна в Провансе – с этого времени живописец летом и зимой выезжает из Парижа, бывает в Нормандии, Бургундии, Бретани и везде пишет-пишет. По собственному желанию, по заказам богачей – осторожные шаги к признанию публикой, ведь склонности к собственной переоценки у Ренуара никогда не было. Агент организует выставки в Лондоне и Брюсселе, везде художника встречают благосклонно и даже восторженно.

Творчество Анри де Тулуза-Лотрека

Ранние работы художника, на которых изображены в основном его близкие друзья и родственники («Графиня Тулу-Лотрек за завтраком в Мальроме», 1883; «Графиня Адель де Тулуз-Лотрек», 1887 — обе в Музее Тулуз-Лотрека, Альби), написаны с использованием импрессионистической техники, но стремление мастера максимально правдиво, иногда даже беспощадно, передать индивидуальную характеристику каждой своей модели говорит о принципиально новом понимании им образа человека («Молодая женщина, сидящая за столом», 1889, Собрание Ван Гога, Ларен; «Прачка», 1889, Собрание Дортю, Париж).

В дальнейшем А. де Тулуз-Лотрек совершенствует способы и методы передачи психологического состояния моделей, сохраняя при этом интерес к воспроизведению их неповторимого облика («В кафе», 1891)

Для современников А. де Тулуз-Лотрек был прежде всего мастером психологического портрета и создателем театральных афиш.

А. де Тулуз-Лотрек внес большой вклад в становление жанра афиши, его творчество было высоко оценено его современниками.

Художник Куинджи

На протяжении 2 лет Архип пробовал поступить в академию, но оба раза неудачно. В этот период биографии им была написана картина «Татарская сакля», которую Куинджи представил на Академической выставке. Благодаря этому, ему позволили стать вольнослушателем занятий в Академии.

В скором времени в биографии Куинджи произошли важные события. Он близко познакомился с такими выдающимися художниками, как Илья Репин, Иван Крамской и Виктор Васнецов.

Под их влиянием талантливый парень написал несколько мрачных картин, которые были прекрасно восприняты критиками.

После поездки на Валаам в 1870 г. Куинджи написал 2 великолепных пейзажа – «Ладожское озеро» и «На острове Валааме». Последнюю картину приобрел для своей коллекции Павел Третьяков. Через 3 года он представил на выставке свой новый шедевр «Снег», который в 1874 г. получил бронзовую медаль в Лондоне.

В 1876 г. в творческой биографии Куинджи появилась картина «Украинская ночь». Зрители восхищались тем, насколько мастерки был передан лунный свет на фоне темной ночи. С этого времени художник создал ряд полотен в стиле романтизма.

Архип Куинджи являлся первопроходцем в русском искусстве в отношении использования яркого цвета, за счет применения дополнительных цветов. Вскоре он решил покинуть общество передвижников, поскольку хотел радоваться жизни, а не объяснять ее.

В 1879 г. Куинджи представил на обозрение свою трилогию: «Север», «Березовая роща» и «После дождя». Искусствоведы отмечают в этих работах влияние импрессионистов, хотя и в малой степени.

В 1880 г. Архип Иванович объявил о выставке, на которой была представлена только одна его работа – «Лунная ночь на берегу Днепра». Интересен факт, что полотно находилось в темном помещении и освещалось лишь лучом электрического света.

В таких условиях пейзаж выглядел невероятно реалистично. Складывалось впечатление, будто Луна действительно светится. Зрители даже заходили за картину, чтобы убедиться в отсутствии какой-либо другой подсветки.

Произведение Куинджи вызвало настоящий ажиотаж в обществе. Его везде обсуждали, восхищаясь необыкновенным талантом мастера.

Во время написания своего шедевра художник по-прежнему экспериментировал с красками. В частности, он применил битум, который при воздействии воздуха и света начинал темнеть. Позже его работу купил великий князь Константин Константинович.

В 1882 г. Куинджи организовал очередную выставку, на который были 2 его картины – «Березовая роща» и «Лунная ночь на Днепре». Стоит отметить, что последний пейзаж многие считают лучшим в его биографии. Во время его написания, одним из первых зрителей еще незаконченной картины был Иван Тургенев, с которым художник поддерживал хорошие отношения.

Портрет художника Архипа Ивановича Куинджи (Репин, 1877 г.)

После этого Архип Куинджи перестал появляться в обществе и на целых 20 лет исчез из виду. Он полностью посвятил себя творчеству, однако при этом никому не показывал свои шедевры.

Во время поездки на Кавказ, живописец стал свидетелем редкого явления. Он увидел свое увеличенное отражение на ярко окрашенном облаке. После этого Куинджи написал ряд горных пейзажей.

В 1901 г. Архип Иванович согласился показать своим ученикам и близким друзьям свои последние картины. В их числе оказалось полотно «Христос в Гефсиманском саду», до глубины души поразившее всех зрителей.

Незадолго до смерти Куинджи были написаны такие картины, как «Радуга», «Вечер на Украине» и «Днепр утром».

Аукционы

В интернете есть сайты — аукционы . Там продаются рисунки Андре Дюрана из этого альбома. И на одном рисунке меня смутила подпись. Благодаря возможностям интернета и программам редакторов, можно рассмотреть поближе самые закоулки старых рисунков и фотографий.

На одном рисунке мне показалось, что подтерта цифра и подпись. Увеличив размер рисунка и сравнив подписи художника, выяснилось, что они разные, то есть абсолютно! Разный наклон и подтерта дата.

Исторический фальшивки 19 века. Андре Дюран_разные подписи

Тут, либо врет аукцион и выдает подделку, либо источник оцифрованного альбома Дюрана, либо, это не Дюран, либо не те даты, либо, вообще, фальсификат. Документов нет, доказательств нет, есть некие загадочные «информационные источники», у которых нет ни адреса, ни фамилии. Вопрос «веры в Дюрана».  А еще, литографии недоказанного и неподтвержденного  Дюрана , как две капли воды похожи на другого французского художника, который путешествовал на юг России на деньги Демидова, и зовут художника -Огюст (опять Август!) Рафан.

Еще по подписям есть два совпадения. Инициалы: «А. Д.» на рисунках. И их нам представляют, как «Андре Дюран», а может это «Анатолий Демидов»?, который был бездетный. А еще, Демидов, в это же самое время 1839 помогает Огюсту(опять Августу) нашему Монферрану, опять французу, да что ж такое! Кругом одни французы, мы же их вроде бы победили! И, видимо, из чувства вины, пригласили на все посты и во все культурные проекты запустили, что б им, немного самооценку поднять.

Ну да ладно, пошли дальше:

Есть общее во французский изданиях в изображении русских крестьян, Монферрана и Дюрана, колпаки( на это тоже обратили внимание многие исследователи — энтузиасты). Шляпы Монферрана. 1835

1835

Шляпы Монферрана. 1835

А вот в Лондонском издании 1855 –наши крестьяне выглядят более привычно нам, равно, как и у русского художника Федора Солнцева в 1836 году.

Семья русских крестьян. Лондонский журнал 1855Федор Солнцев. 1836

А вот еще один француз, любитель русских крестьян, Жан Ксаве Рауль, даты рисунков 1870, «крестьяне в национальных костюмах», бац, опять котелки.

Крестьяне Орловской губернии 1870 Жан РаульРемонт дома Нижегородской области 1870-e

Дальше , фото укладки шпал «Трансиб», это уже после постройки Исаакиевского собора, такие же технологии, должны быть, эволюционировать, а где прогресс? Куда он подевался?  ( а да,совсем забыла, «Исаакий»же — тоже, вручную собирали).

Исторические фальшивки 19 века.

А вот фото: углежоги, слово цензурное, так и назывались УГЛЕЖОГИ!- жгут дерево, чтобы получился уголь для завода!!! Как?, может поэтому такие пейзажи -пустыня ни деревца, ни кустика, что все сожгли на угли?
А где технологии?

углежоги

Или вот, фото: будаки. И на головах опять какие то круглые шапочки с козырьками. Это 1895 год.

Будаки.

Фото город Павлово на Оке, Нижегородская область. Двое рабочих, босиком, стол не обструганный и две струбцины, штангенциркуль в руках.   Это при таких технологиях, как Исаакиевский собор, как звезды крепости, дворцы и такая убогая промышленность, и это уже вторая половина 19 века! Нет, не сходятся пазлы.

Крестьянин со штангенциркулем. Нищета. Нижегородская губерния 1870

Если на рисунках первой половины 19 века головные уборы, шляпы, колпаки, как у Монферрана, то почему в конце 19 века на фото, опять колпаки такие же? Что, 60 лет мужики носили одни и те же головные уборы?, та же одежда? А развитие? Его не было?

Когда я хотела посмотреть картины Андре Дюрана, не предполагала. что открываю «ящик пандоры». Есть авторы, помимо меня, кто нашел нестыковки рисунков из этого альбома и тем описанием исторической реальности 19 века, которой нас потчевали в школе-институте. У меня есть, что  сказать по фальсификатам «ах, усопший  век дворян, век гусарской песни», но это в следующей части.

А пока посмотрите мой фильм на эту тему.

Обновление рейтинга

При использовании материалов статьи активная ссылка на tart-aria.info с указанием автора galak2121 обязательна.

Композиторы

Пётр Чайковский – профессиональный композитор, творение музыки было смыслом его жизни. Тематика произведений обширна, каждая пьеса вызывает отклик у любого слушателя. Музыка проникнута лиризмом, напевностью, элементами народных мотивов. В театрах всего мира исполняются его балеты «Щелкунчик» и «Лебединое озеро».

Николай Римский-Корсаков – великий оперный композитор, опиравшийся на историю и сказки (оперы «Снегурочка», «Три чуда»). Думал, что музыкальные формы объединят слушателя с подлинной природой мира. В арсенале его выразительных средств: настоящая мелодика народных песен, частицы гармоний, позаимствованных у скоморохов. Был одарённым педагогом и дирижёром.

Дмитрий Шостакович – композитор советского периода, много экспериментировавший в музыке. Он работал во всех жанрах, и в стиле модерн. Однако, оперу «Леди Макбет Мценского уезда» не одобрил глава государства И.В.Сталин, после чего композитор подвергся репрессиям. Творчество ограничили рамками «государственных» предпочтений. Но каждому слушателю ясен подтекст настроений и смыслов симфоний № 5 и № 7.

Известные произведения Чарушина

Как автор, он сотворил много произведений для детского чтения, среди которых не только прозаические вещи, но и стихи. Список самых известных вещей у Евгения Ивановича составляет не менее десятка рассказов.

Можно выделить следующие из них:

• «Как мальчик Женя научился говорить» (из цикла «Про Женю»),
• «Про Томку»,
• «Яша»,
• «Кто как живет»,
• «Медвежата»,
• «Щур»,
• «Олешки»,
• «Волчишко»,
• «Путешественники».

Героями Евгения Ивановича часто выступают дети, которые взаимодействуют с животными. Нередко представители животного мира обладают качествами, которые восхищают писателя. Например, ворон в рассказе «Яша».

Выставки импрессионистов

Завтрак гребцов 1880—1881 г.

Весной 1874 года в фотоателье Надара импрессионисты впервые организовали показ своих произведений. Толпы зрителей, привлечённые шумихой, в основном критиковали художников и их работы. В обществе даже поднялся бунт против нового слова в живописи. Ренуар выставил семь картин. Одну из них, под названием «Ложа», удалось продать. В следующем году художники устраивают аукцион, целью которого становится реализация картин с Первой выставки. Но их снова ожидает провал.

В 1876 году

Вторая выставка. Она прошла более спокойно, но новое течение пока не принималось. Работы Ренуара уже в числе центральных.

В 1877-м

Третья выставка, важнейшая, так как впервые получила официальное название «Выставка импрессионистов». На ней Ренуар выставил уже 20 картин, о которых друзья-художники отзывались очень положительно, назвав, к примеру, его «Бал» настоящей исторической живописью. Ведь современность, история собственной эпохи, свидетелями которой являются ныне живущие, так важны для потомков. Но критики не успокаивались, картины не покупались.

В 1878 году

Ренуар выставил картину «Чашка горячего шоколада», по собственному признанию, написанную в угоду публике, ради того, чтобы, наконец, заработать. Создавая её, художник всё ещё верен своим идеалам, но картина находит своих зрителей.

В 1879-м

нарядная картина «Мадам Шарпантье и её дети» была даже принята в официальный Салон (помогли связи портретируемой). Это был успех, который обещал новые заказы и материальное благополучие. С этого времени Ренуар больше не принимает участие в выставках импрессионистов – надо было на что-то жить. В отношениях с некоторыми старыми друзьями появилась скованность, возникшая в результате разных мировоззрений – кто-то был закостенелым анархистом, кто-то убеждённым социалистом, кто-то слишком агрессивен.

Краткая биография художника-иллюстратора детских книг

Годы жизни: 1901.11.11 – 1965.02.18.

Детский писатель был рожден в 1901-м, 29-го октября (по старому стилю), в городе Вятка. Его день рождения ознаменовался приходом талантливого человека в окружающий мир.

Родители Е.И.Чарушина

Отец его был известным архитектором, а в семье царила творческая атмосфера, которая благосклонно сказывалась на подрастающем мальчике. Недалеко от семьи жила семья Васнецовых, с сыном которых, знаменитом в будущем художником, дружил Евгений в течение всей жизни.

В 1918-м Чарушин окончил школу и пошел служить в Красную Армию. По истечении четырех лет с этой даты, в 1922-м, он вернулся в родной город.

Поступил в этом же году на факультет живописи в Художественную Академию Петрограда, где в течение пяти лет постигал азы рисования. 1927-м Евгений Иванович завершил образование в учебном заведении и стал работать в Госиздате, при Детском отделе.

Благодаря Лебедеву В. В., который сильно повлиял на юношу, стал активно работать над своим стилем и иллюстрировать многие книги известных советских авторов. Помимо чужих, работал над своими, используя талант для отображения быта животных.

В 1930-м Евгений Иванович начинает работать в литературе для детей, как писатель. Создал практически два десятка книг, заслужив своим талантом похвалу от Горького М.

В 1941-м, в связи с начавшейся войной, эвакуировался из Петербурга в Киров. Здесь стал рисовать патриотические плакаты, писать картины, оформлять спектакли в Драмтеатре Кирова. Спустя четыре года с прошедшей даты, вернулся в Ленинградский край. Занимался графикой, скульптурой, анималистикой, создавал эстампы.

В феврале 1965-го он умер. Это случилось 18 числа.

Родители Евгения Ивановича

1. Отец Иван Аполлонович, главный губернский архитектор, создавший более трехсот зданий в разных городах.
2. Мать Любовь Алексеевна, садовод-любитель.

Детство

Благодаря отцу, Евгений с детства любил рисование. Иван Аполлонович привил сыну влюбленность к художественному творчеству, которое предопределило жизненный путь юного дарования.

Помимо батюшки, важную роль в становлении Чарушина, как художника, сыграл его друг Васнецов, бывший частым гостем в их доме.

С мамой Женя много ходил в лес, наблюдая природу родного края. Это родило в нем любовь к живому миру. Очень много мальчик читал о природе, особенно он любил книги о животных.

Став постарше, мальчик активно стал работать над переносом живой природы на бумажный лист, кистью выполняя рисунки зверей.

Образование и воспитание

Помимо самообразования с помощью книг, важную роль в этом действе сыграли родители Евгения Ивановича, благодаря которым маленький мальчик понял свои предпочтения. Мать его привила любовь к природе, отец – к живописи.

Однако, кроме семейного воспитания и самообразования, Чарушин много учился по интересующему его направлению.

В армии он активно работал над созданием рисованных изображений, после нее – поступил в 1922-м в Петербургскую Академию по художественному направлению, где, помимо образования по своему профилю, активно посещал занятия у другого преподавателя.

Обучение длилось пять лет, по прошествии которых (1927) Евгений Иванович вышел дипломированным специалистом.

Происхождение и детство

Огюст Ренуар родом из Лиможа, французского города мастерских и фабрик. Родился 25 февраля 1841 года в многодетной семье портного (Огюст стал шестым ребёнком, всего у родителей будет семь детей). Спустя несколько лет в Лиможе начались волнения рабочих, и Ренуары переехали в Париж.

В столице было больше возможностей, к тому же у Огюста проявились дарования. Пение в церковном хоре выявило незаурядный голос – родителей убеждали, что сын должен учиться музыке. Необходимость зарабатывать и замечаемые близкими художественные наклонности заставили устроить подростка в фарфоровую мастерскую. Здесь он освоил профессию художника-оформителя и расписывал фарфор в мастерской Леви. Но ему этого было мало. После работы, по воспоминаниям младшего брата Эдмона, Огюст посещал бесплатные уроки рисования и быстро прогрессировал.

История китайской живописи

История возникновения китайской живописи насчитывает более шести тысячелетий и относится к тому периоду, когда предки современных китайцев украшали керамические изделия. В качестве орнамента они изображали людей, рыб, животных и растения.

О древних образцах китайской живописи мы можем узнать лишь из археологических раскопок. К изобразительному искусству более позднего времени относятся различные погребальные сосуды и изделия. Следующим этапом развития китайской живописи стали рисунки, выполненные на шелке и бумаге. До наших дней дошло несколько образцов таких рисунков.

Во времена династии Цинь и Хань развивается фресковая живопись. Ее применяли при захоронениях, а также в храмах и дворцах. С развитием буддизма в период с 3 по 6 век развивается храмовая живопись, например, изображения Будды в горных пещерах. Пожалуй, самыми известными пещерами до сих пор являются Дуньхуанские пещеры Могао (敦煌莫高窟).

Одним из самых выдающихся художников эпохи Шести династий был Гу Кайчжи – 顾恺之 (344-406). Он писал светскую живопись. Две его известные картины «Фея реки Ло» и «Прославленные женщины древности» представляют собой длинные горизонтальные свитки, разделенные на несколько фрагментов. Предполагалось, что картину нужно было смотреть на ходу, то есть проходить от ее начала в конец и медленно рассматривать сюжет, изображенный на свитке. Гу Кайчжи также считается основоположником «гохуа» (дословно «национальная живопись»). Именно он выдвинул принцип «настроение через форму», смысл которого заключается в том, что хорошая картина – это та картина, которая передает «душу». А для того, чтобы точно передать «душу», надо очень четко нарисовать глаза. 

Гу Кайчжи

Следующим важным этапом развития живописи в Китае в то время были эпохи Суй, Тан, Пяти династий и Сун.

В это время происходит формирование основных школ живописи. Среди известных художников можно назвать Чжан Цзыцяня – (展子虔) из эпохи Суй, Ли Сысюнь (李思训), У Даоцзы (吴道子). В эпоху Тан в отдельный жанр выделяется портрет. Известна картина Янь Либэня (7 в.) «Властелины древних династий», в которой он изобразил на длинном горизонтальном свитке 13 правителей, которые были во главе Китая с начала династии Хань и до конца 6 века. В это же время появляются изображения придворных сцен.

В период пяти династий стоит отметить выдающегося художника пейзажной живописи – Фань Куаня (范宽). Кстати, его работы «Горы, покрытые снегом» и «Путешествующие вдоль горного потока» сохранились до наших дней.

Известным художником эпохи Сун является Гу Хунчжун (顾闳中).

В эпоху династии Юань можно выделить художников Ван Мэна 王蒙, Хуан Гунвана 黄公望 и Ни Цзана 倪瓒.

В эпоху династий Мин и Цин появляется большое количество художественных школ и жанров.

Тематически китайскую живопись можно разделить на три вида: портреты, пейзажи и изображения цветов и птиц. Раньше всего появились портреты, но затем все большую популярность получили пейзажи (山水画).

Древняя китайская живопись сильно отличалась от европейской живописи. В Европе широко использовались возможности цвета, теней, а в Китае живописцы создавали удивительные картины игрой линий. Главное, что отличает китайскую живопись от европейской – это стремление передать «дух картины», или, как говорят китайцы «с помощью формы выразить настроение».

Из художников 19-20 века следует особо выделить Ци Байши (齐白石). Одна из самых известных его картин – «Креветки», а также художника Сюй Бэйхуна (徐悲鸿). Сюй Бэйхун творил по приципам Гу Кайчжи, поэтому люди считают, что лошади на его картине «奔马» выглядят более реалистично, чем настоящие лошади.

Ци Байши — «Креветки»

Сюй Бэйхун — «奔马»

Годы культурной революции нанесли живописи Китая непоправимый ущерб. Единственное, что разрешалось – это политический плакат, и то посвященный одной единственной теме – культурной революции. После культурной революции происходит возрождение китайской живописи.

Who is Henri de Toulouse-Lautrec

Henri de Toulouse-Lautrec was a 19th-century French painter, illustrator and poster artist, known for his atmospheric depiction of the Parisian underworld. Besides his work as an artist, his height (only 152 cm), and scandalous behaviour in society brought him notoriety. 

He is one of the most famous post-impressionist painters of the era, whose style was also influenced by Art Nouveau, and the topics he focused on centred around the bohemian life on the streets, in brothels, theatres and bars in Paris. Although he died young and his whole career lasted less than 20 years, he managed to produce a great number of for the time modern, provocative and decadent images that give us a real picture of what Parisian nightlife was like at the end of the 19th century. The most famous works by Henri de Toulouse-Lautrec are the posters commissioned by the Moulin Rouge cabaret, including the poster for the performance of Jane Avril (1893), Divan Japonais (1893), and the painting At the Moulin Rouge (1892-1895). 

Henri de Toulouse-Lautrec, Moulin Rouge: La Goulue 1891. Courtesy Van Gogh Museum

Открытие галереи

Торжественное открытие галереи состоялось 31 мая в 1997 году. На нем присутствовали первые лица города, знаменитые, уважаемые люди: мэр Лужков, певцы Кобзон, Эсамбаев, артисты Шакуров, Никулин и многие другие. Шилов – художник, галерея которого могла теперь ежедневно принимать сотни посетителей, пообещал, что ежегодно будет пополнять коллекцию новыми работами. 2003 году архитектор Посохин представил проект нового здания галереи, которое по замыслу представляло единый архитектурный комплекс со старинным особняком (общая площадь старого здания занимала 600 квадратных метров). В том же году 30 июня состоялось открытие нового корпуса для галереи.

Площадь выставочных помещений галереи составляет 1555 квадратных метров, фондовые хранилища – 23 квадратных метра. Храниться в галерее 19420 единиц, основной фонд занимает 991 предмет. В год галерею в среднем посещает 110 тысяч человек. В рейтинге государственных музеев галерея Шилова занимает 11 место. Александр Максович лично руководит творческой деятельностью выставки, административно-финансовые вопросы решает директор галереи.

Summary of Henri de Toulouse-Lautrec

In addition to being the artist who designed the Moulin Rouge’s legendary posters, Toulouse-Lautrec was an aristocrat, dwarf, and party animal who invented a cocktail called the Earthquake (half absinthe, half cognac). His favorite pursuits were dressing up (geisha girl and clown get-ups were among his more memorable party outfits) and frequenting Parisian brothels, where he was a V.I.P. Like insects trapped in amber, his paintings, drawings and of course his famous posters preserve the swirl of energy, mix of classes and cultures, and the highs and lows of urban life in 19th-century Paris.

Сегерс, Дэниель и Квеллин Младший, Эразм

Биография, картины

Эразм Квеллин Младший (нидерл. Erasmus Quellinus II; 19 ноября 1607, Антверпен — 7 ноября 1678, Антверпен) — фламандский художник и график, ученик Рубенса.
Даниэль Сегерс или Даниэль Сегерс (3 декабря 1590 – 2 ноября 1661) был фламандским братом-иезуитом и художником, который специализировался на натюрмортах с цветами. Он особенно хорошо известен своим вкладом в жанр рисования цветочных гирлянд. Его картины с энтузиазмом собирали аристократические покровители, и у него было множество последователей и подражателей

Искуствовед Некрылова Л.П.

Каталог картин: название, год написания, где находится, Авторы, размер, техника.

• Название: «Картуш с детскими портретами в гирлянде» 1657 г.
  Авторы: (1623–1667) и Эразм Квеллин II (1607–1678)
  Размер: высота: 70 см (27,5 дюйма); ширина: 54 см (21,2 дюйма)
  Техника: холст, масло.
  Где находится: Народная галерея в Празе

• Название: «Таинственный брак святой Екатерины Александрийской» 17 век
  Авторы: Сегерс, Дэниель и Квеллин Младший, Эразм
  Размер: Н/Д см.(по мнению экспертов предположительно 100х80 см.)
  Техника: холст, масло.
  Где находится: Музей Рококсхуис

• Название: «Натюрморт с пажем» 1644 г.
  Авторы: Ян Фит (1611–1661) и Квеллин Младший, Эразм
  Размер: высота: 121,5 см (47,8 дюйма); ширина: 205 см (80,7 дюйма)
  Техника: холст, масло.
  Где находится: Коллекция Уоллеса

• Название: «Цветок вокруг картуша с изображением Богородицы» 17 век
  Авторы: Сегерс, Дэниель и Квеллин Младший, Эразм
  Размер: высота: 88 см (34,6 дюйма); ширина: 61 см (24 дюйма)
  Техника: медь, масло.
  Где находится: Национальный музей (или Национальный музей изящных искусств) — национальная галерея Швеции

• Название: «Портрет мальчика с соколом и двумя собаками» 1630-1661 гг.
  Авторы: Квеллин Младший Эразм и Ян Фит (1611–1661)
  Размер: 136 х 103 см.
  Техника: холст, масло.
  Где находится: частная коллекция

• Название: «Аллегория слуха» 1650 г.
  Авторы: Сегерс, Дэниель и Ян ван ден Хекке (1619/1620–1684)
  Размер: Н/Д см.(по мнению экспертов предположительно 45х60 см.)
  Техника: холст, масло.
  Где находится: частная Вилла Вобан, Музей искусств Люксембурга, Виль де Люксембург

• Название: «Три путти вокруг корзины с фруктами и попугаями» 1640 и 1678 гг.
  Авторы: Квеллин Младший, Эразм
  Размер: высота: 101 см (39,7 дюйма); ширина: 152 см (59,8 дюйма)
  Техника: холст, масло.
  Где находится: частная коллекция

• Название: «Автопортрет с женой Катериной де Хамелар и сыном Яном Эразмом Кельнусом» примерно 1635-636 гг.
  Авторы: Квеллин Младший, Эразм
  Размер: высота: 116,8 см (45,9 дюйма) ширина: 92,1 см (36,2 дюйма)
  Техника: холст, масло.
  Где находится: Художественный музей Цинциннати

Сегерс, Дэниель и Квеллин Младший, Эразм. Обзор картин

Внимание! Цветопередача файлов на разных компьютерах может отличаться друг от друга. Х

Использование материалов допускается с условием размещения ссылки на страницу:
«Сегерс, Дэниель и Квеллин Младший, Эразм»Также можно бесплатно скачать файлы натюрмортов на страницах сайта!

Если Вам понравилась публикация-поделитесь в соцсетях

Х

Использование материалов допускается с условием размещения ссылки на страницу:
«Сегерс, Дэниель и Квеллин Младший, Эразм»Также можно бесплатно скачать файлы натюрмортов на страницах сайта!

Если Вам понравилась публикация-поделитесь в соцсетях

Поиски собственного стиля

В начале ХХ века изобразительное искусство существовало по законам классической школы — строгим канонам живописи, отсылающим к римскому классицизму и искусству эпохи Возрождения. Будучи одним из учеников Моро, молодой художник успел заявить себе в академическом обществе и многие видели в нем большой потенциал. Несмотря на нарастающий успех, Матисса впечатляли более прогрессивные работы Мане, смелые произведения Ван Гога, экзотическая живопись Гогена, революционные картины Сезанна и изящные японские гравюры.

Судьбоносным для Матисса стало знакомство с Джоном Расселом — австралийским художником, который вскоре стал его наставником. Благодаря Джону, Матисс вернулся к размышлениям о цвете и его роли на полотне. Он вспоминал :«Расселл был моим учителем, он разъяснил мне теорию цвета». В работах Матисса того периода уже можно обнаружить влияние импрессионистов и намек на собственное видение: тогда появились его первые пейзажи «Булонский лес» и «Люксембургский сад».

Анри Матисс, Булонский лес, 1902 Люксембургский сад, 1869-1954 Посуда и фрукты. Желто-сиреневый натюрморт, 1901 Фрукты и кофейник (Натюрморт), 1900

Уже в этих работах Матисс не боялся размашистых мазков, пренебрегал формой и перспективой в пользу контрастности и яркости, упрощал фигуры, лишая их теней, но одновременно с этим прибавляя им объем за счет насыщенных цветов.