БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА
Микалоюс Константинас Чюрленис родился 22 сентября 1875 года. Отец будущего художника был сыном крестьянина из южной части Литвы — Дзукии, играл на органе. Мать будущего художника Адель родом из немецкой семьи евангелистов, покинувших Германию из-за религиозных преследований. Спустя 3 года после рождения Микалоюса семья переселилась в Друскининкай. Заметив у мальчика прекрасный слух и неординарные музыкальные способности, отец начал обучать его музыке.
С 1889 по 1893 год Чюрленис занимался в оркестровой школе М. Огиньского в Плунге. В Варшаве в 1894 году его зачисляют в Музыкальный Институт. В 1899 году он с отличием заканчивает его. Осенью 1901 года Чюрленис едет в Германию, где становится студентом Лейпцигской консерватории. Здесь он все больше говорит о занятиях живописью. Через год в 1902 году, получив диплом, Чюрленис возвращается в Варшаву. Здесь он продолжает писать музыку, дает частные уроки, которые являются его основным заработком.
Вскоре в юноше проснулась невероятная тяга к живописи, с которой он был не в силах совладать.
Он посещает художественную студию. Чюрленис стремился к тому, чтобы живопись зазвучала, а краски подчинились музыкальному ритму. В 1903 году он создает свою первую картину «Музыка леса». В 1904 году в Варшаве он поступает в Школу изящных искусств.
В 1905 году из-за начавшихся революционных событий, Чюрленис покидает Польшу и бежит в Литву. В 1907 году в Вильнюсе открылась Первая Литовская художественная выставка. Неповторимые картины Чюрлениса завораживали тонкостью цветовой гаммы и идеями космического масштаба — циклы «Сотворение мира», «Зодиак» и другие.
В 1908 году он женился на Софье Кимантайте. В этом же году они уезжают в Петербург. В Петербурге у них не было ни работы, ни денег, ни друзей.
Его жена вернулась в Друскининкай. В Петербурге Чюрленис познакомился с выдающимися русскими художниками, такими как Мстислав Добужинский, Леон Бакст, Рерих, Лансере, Константин Сомов, что существенно облегчило его существование в Петербурге. Они дали ему возможность зарабатывать и участвовать в выставках.
В Петербурге у него завязался надежный контакт с кружком Александра Бенуа в Русском художественном обществе, что позже переродился в общество «Мир искусства». К тому времени Чюрленисом уже были созданы наиболее известные его циклы картин – «Сонаты», состоящие из частей Allegro, Andante, Scherzo и Finale, а также «Прелюды и фуги». В 1909 году он принял участие в выставке «Союза Русских Художников». В газетах стали появляться благосклонные отзывы о его картинах. Начиная с 1909 года художник все чаще и чаще испытывал чувство депрессии, беспричинной тоски, неуверенности. Непризнание, непонимание, невозможность изменить свою жизнь к лучшему все это ухудшало его состояние. Жена перевозит его домой в Друскининкай.
В 1909 году врачи обнаружили у него душевную болезнь. В начале 1910 года его помещают в небольшую клинику для душевнобольных под Варшавой. Ему запретили рисовать и заниматься музыкой. Это еще больше обостряет его тяжелое состояние. Позднее он сбегает из больницы в лес. Кружа по лесу, не в состоянии найти дорогу на волю, он возвращается в больницу с воспалением легких и кровоизлиянием в мозг.
10 апреля 1911 года художника не стало.
Написал около 300 произведений в духе модерна и ар нуво, сочетающих влияние символизма с элементами народного декоративно-прикладного искусства, цитатами и реминисценциями из японской, египетской, индийской культур и стремление к синтезу искусств и поискам аналогий музыки и изобразительного искусства. Многие произведения утрачены, иные находятся в Каунасском художественном музее им. Чюрлёниса.
«Из меня делали настоящего художника»
Ефим Казак — коренной липчанин. Он родился в творческой семье. Отчим Ефима — известный липецкий скульптор Александр Вагнер. Он с удовольствием передавал пасынку свои знания и умения. И вводил в свой круг общения. Так, например, Ефима учил лепить известный скульптор Лев Кербель. Ему когда-то доверяли делать памятники Ленину. В советское время для скульптора это было вершиной карьеры.
Друзья семьи тоже были люди творческие. В детстве художник гостил в семье Даниила Рябичева, ещё одного известного скульптора. Среди его работ, например, памятник махатме Ганди, установленный в Дели.
— Все приложили руку к моему воспитанию, — смеётся Ефим. — Около трёх-четырёх лет я провёл на мастер-классах от преподавателей Строгановки и института имени Сурикова. Мне кажется, раньше люди были добрее. Видят, что перед ними ребёнок, и думают: «Давай покажем, научим». Так я и получил образование. Из меня делали настоящего художника. Вколачивали всё, что только возможно, по теории, практике, композиции. Всё, что они знали, знаю и я.
В 14 лет планы Ефима поменялись, и он решил стать военным. И в то же время не оставлял идею заняться чем-нибудь творческим. Постоянно что-то рисовал, но только для себя. Переболев военным делом, будущий художник решил открыть свою галерею.
— Я решил стать галеристом, получил знания в этой области, — говорит Ефим. — А потом, познакомившись с художниками, понял, что можно продавать свои работы.
И Ефим сосредоточился на творчестве. Узнаваемый стиль рисования у художника оформился недавно. К яркому примитивизму он пришёл от сложных философских абстракций.
— У моего творчества сначала была очень узкая целевая аудитория. Чтобы массовому зрителю стало понятно, что я рисую, надо было разъяснять, и много. И я стал искать что-то понятное широкой аудитории. Нарисовал серию портретов, от которых сам пришёл в восторг!
Рисунки Ефима украшают даже липецкие стройплощадки. Фото с сайта vk.com/remstroyservis48
Художник Арсений Шульц
Интересно наблюдать за тем, как художник открывал для себя языки современной культуры
С детства он был влюблён в искусство, причём очевидно, что более всего его внимание привлекали именно новейшие направления. В его архиве случайно уцелели замечательные рисунки 1924 года: четырнадцатилетний подросток рисовал, имитируя приёмы и манеры Аристарха Лентулова и Робера Делоне
Сразу бросается в глаза влияние немецких экспрессионистов. Осенью того же 1924 года в Москве в залах Государственного Исторического музея состоялась 1-я Всеобщая германская выставка, и многие рисунки А.Л.Шульца сохранили отпечаток социального критицизма и граничащей с жестокостью натуралистичности, которую в связи с прошедшей выставкой настойчиво обсуждала современная критика. Ему было 20 лет, когда, в 1930 году, в его библиотеке появилась маленькая книга К.Зелениной, посвящённая творчеству Франса Мазереля (на обложке книги его имя транскрибировано как Мазереель). А.Л.Шульц любил этого художника и часто подражал ему. Найденные им образы католических священников, например, заставляют вспомнить хрестоматийный рисунок Ф.Мазереля «L’ Eglise» («Церковь») 1917 года из серии «Политические рисунки».
В части работ заметно сказывается влияние модных левых художников – Д.П.Штеренберга, В.В.Лебедева, А.А.Дейнеки и других, часто признанных, а иногда ещё совсем молодых, но уже известных в молодёжной среде мастеров. Некоторые работы он делал для заработка – так поступали в те годы многие студенты. Как и его сокурсники и старшие соученики, он рисовал эскизы рекламы и выполнял иллюстрации, но число этих листов невелико. Большая часть работ – рисунки для себя, зарисовки, которые он делал, наблюдая жизнь города 1920-х годов, уличные сценки, уличные персонажи, часто напоминающие героев кинофильмов и фельетонов, его друзья и подруги. Жизнь молодого человека отражалась в рисунках, как в дневнике.
Другие факты из жизни М.К.Чюрлениса
- Юный Константинас ловил карпов в пруду князя Огинского, а сам меценат был пациентом друга семьи Чюрленисов.
- Основал камерную литовскую музыку.
- Создал декорации для первой литовской национальной оперы «Блиндо».
- Подписывал свои работы аббревиатурой «МКЧ».
- Несмотря на литовское происхождение, плохо владел родным языком.
- Писал он, в основном, темперой. Поэтому сохранить его работы очень трудно, так как темпера не любит яркий свет.
- Больше всего мастер ненавидел вопрос о смысле созданных им произведений.
- Весь мир Константинас воспринимал как живой организм, как симфонию, где нотами были люди.
Один из известнейших художников Литвы прожил 35 лет, 6 из них посвятил живописи, создав более 300 картин, около 400 музыкальных произведений. Но бесконечные потусторонние миры Чюрлениса сосчитать невозможно.
Погружение
После окончания консерватории Чюрлёнис навестил в Плунге своего опекуна, князя Огинского, и подарил написанный в его честь торжественный полонез. Князь, счастливый от успехов своего любимого воспитанника, тоже сделал ему подарок – прекрасное пианино. Это был предел мечтаний для любого небогатого музыканта.
Князь на этом не остановился и предложил Константинасу продолжить обучение, но теперь уже в Лейпцигской консерватории, учебном заведении, снискавшем европейскую славу.
Увы, учёба была недолгой – через год князь Михаил Огинский скончался. Чюрлёнис потерял друга, благодетеля и учителя, а также возможность учиться дальше. Сначала он пытался подзаработать уроками музыки, но денег на оплату обучения всё равно не хватало, поэтому ему пришлось уйти из консерватории и вернуться в Варшаву.
Время зря не пропало. Живя в Лейпциге, Чюрлёнис прослушал курс лекций философа и психолога Вильгельма Вундта (того самого, который занимался психологией народов и рас), посещал оперу и симфонические концерты, что значительно углубило его национальное осмысление себя в мире, расширило музыкальный кругозор и отточило критическую интуицию. Но, самое главное, именно в Лейпциге Константинас серьёзно увлёкся живописью.
С 1902 года Чюрлёнис жил в Варшаве и ходил в рисовальную школу. На жизнь зарабатывал уроками музыки и ещё содержал своих младших братьев. Он мечтал дать им серьёзное образование и поэтому работал не покладая рук. Свободное время он делил между сочинением музыки и своим новым, всепоглощающим увлечением – живописью.
Цикл «Похоронная симфония» 1903
Живопись была физически необходима Чюрлёнису. Многие образы, теснившиеся в его голове, не могли найти музыкального выхода. Они состояли из другой материи и требовали визуального проявления. Требовали кропотливой работы в новом пространстве творчества.
Весной 1904 года свершилось долгожданное событие – открылась Варшавская школа изящных искусств. Чюрлёнис и его лучший друг Эугениуш Моравский стали первыми слушателями курса.
Живопись, как прежде музыка, полностью поглотила всё свободное время нашего героя. С усердной увлечённостью он заполнял листы бумаги и тетради набросками, эскизами и рисунками. Копировал гипсовые фигуры в альбомы, фиксировал фигуры людей, мимику и эмоции. Пытался найти свой собственный стиль и почерк. Хотя где-то внутри, в глубине своей души, он знал, каким будет вектор его творчества. Он чувствовал то сокровенное, что выскажет позже, когда окрепнет и будет готов.
К этому времени относится одна из самых известных ранних работ мастера «Покой». Картина оставляет сильное чарующее и притягательное впечатление. Столь знакомая всем игра природы представлена в своём максимальном величии. Гористый остров и, вероятно, рыбацкие костры напоминают только что проснувшееся морское чудище. Но это первое впечатление. На более глубоком уровне художник абсолютно точно передал истинное состояние мистического покоя, возникающее вечером у воды, когда солнце начинает покидать завершившийся день.
«Покой» 1904
Погрузившись в живописную интерпретацию Бытия, мастер не забывал и о музыке. С 1903 по 1907 год Чюрлёнис работал над симфонией «Море» и когда закончил, посвятил её Брониславе Вольман, своей новой знакомой, сыгравшей в его жизни большое значение. Бронислава была матерью одной из частных учениц Чюрлёниса и большой поклонницей его творчества. Она одной из первых заметила художественный талант композитора и музыканта, дорожила знакомством с ним и всячески старалась помочь. Покупая его картины, она не только помогала вечно нуждающемуся художнику, но и сохранила их от исчезновения.
«Весть» 1904
«Гнев» 1904
«Истина» 1905
Летом 1905 года Бронислава пригласила Константинаса в совместную поездку на Кавказ и в Крым. А в 1906 году спонсировала путешествие по культурным центрам Европы. Это был целый океан новых впечатлений, просто необходимый для художника. Чюрлёнис вкушал окружающий мир, преображал его вихрями своего таланта, что-то возвращал задумками, эскизами и полотнами, а что-то складывал в своём чутком и прекрасном сердце.
В знак благодарности за поддержку Чюрлёнис подарил Брониславе картину «Дружба» – одну из лучших своих работ. Ясную, пронзительную и светлую.
«Дружба» 1907
Быть богатырём очень просто
Сейчас Ефим сосредоточился на проекте, который назвал «Богатыри». Это серия рисунков, выполненных в нарочито наивном стиле. Цветные улыбающиеся человечки в остроконечных шапочках, похожих на шлемы. Богатыри бывают разные: силачи, влюблённые (эти всегда с цветами), с разноцветными ушами…
— Мне хотелось сделать что-то, что осталось бы после меня, — говорит автор. — И помогало бы людям, добавляло приятных моментов в их жизни. Так родился этот проект. Богатыри все разные, как и люди. Маленькие, большие и громадные. Не бывает только богатырей, искушённых пороками.
Ефим называет свой проект патриотически-воспитательным. Ведь богатырь — это защитник.
— Я за то, чтобы богатырь стал символом нашей страны. Чтобы дети хотели быть похожими на богатыря, а не на Человека-паука или Бэтмена. Эти пришлые слизняки не идут ни в какое сравнение с богатырём
Важно, чтобы ребёнок рос и знал, что богатырь — это Россия
Ещё одна идея художника — создать богатырей, которые символизировали бы Липецкую область и её районы. Такие богатыри будут держать в руках флаги.
— Сначала я нарисовал одного. А потом сделал богатырей со всеми флагами районов области, — говорит Ефим. — Теперь хочу сделать с флагами республик СССР. Я считаю, что любой человек, пока он живой, — богатырь. Если ты прилагаешь усилия, чтобы стать лучше, ты богатырь. Это очень просто: захотел пива, но не купил; захотел почитать новости, но вместо этого занялся чем-то полезным и созидательным. И ты уже богатырь!
«Фуга»
Многие его работы — яркие примеры синтеза искусств. Именно этого добивался Чюрленис. Картина «Фуга» — яркий пример. С ее помощью мы можем увидеть художественное и музыкальное значение произведения для автора.
Почему же художник назвал свою картину музыкальным термином? Ответ в образах, которые мы видим на полотне. Похожие друг на друга элементы чередуются и располагаются на нескольких уровнях. Все это явно напоминает мелодические ритмы музыкального произведения. Его ритм мы можем наглядно увидеть в образах, созданных художником.
При этом живописца постоянно мучили депрессии, с каждым годом справляться с ними становилось все труднее. В 1911-м он умер от внезапной простуды и полного психического истощения.
Демоны и ангелы Михаила Врубеля: в Русском музее открылась выставка художника к его 165-летию
Экспозиция объединила более 200 произведений из собрания самого музея, Третьяковской галереи и Всероссийского музея А. С. Пушкина
Фото: Пресс-служба ГРМ
Выставки, подобной той, что открылась в Корпусе Бенуа Михайловского дворца, не было в Петербурге более 60 лет. А такой полной, как увидят ее посетители, не было вообще никогда. Но это еще не все аргументы за то, чтобы прийти на набережную канала Грибоедова, 2.
Увидеть по-новому
Здесь, наряду с признанными шедеврами Врубеля, экспонируются малоизвестные широкому зрителю работы. Это дает возможность познакомиться с той стороной его творчества, которая прежде была практически недоступна, например с его графикой.
Кроме того, именно на этой выставке можно увидеть живопись художника совсем в других условиях. Например, панно «Утро» на своем привычном месте в музее выглядит более скромно и мрачно. Здесь же, за счет иного освещения, оно поражает сверканием изумрудных красок.
«И с этой точки зрения очень важно прийти и увидеть своими глазами шедевры, которые кажутся известными всем еще со школьной скамьи», – считает заведующая сектором рисунка XVIII – начала XX века Русского музея Наталья Соломатина. Былинный герой. Былинный герой
Былинный герой
Вот знаменитое полотно «Богатырь». Его нередко сравнивают с богатырями Васнецова. Но специалисты считают, что в этом мало смысла.
«Они преследовали разные цели. Врубелю хотелось передать не только первозданную мощь самого героя, фигура которого занимает всю поверхность холста. Или, как писали в былинах, «чуть повыше леса стоячего, чуть пониже облака ходячего». Но и его коня, который с трудом ходит по этой земле. И настроение леса, населенного различными существами», – объясняет ведущий научный сотрудник отдела живописи второй половины XIX – начала XXI века Русского музея Владимир Круглов.
Он советует вглядеться в лицо героя, прототипом которого стал отец его жены. И внимательно рассмотреть все детали картины – багровеющее небо, таинственные орнаменты и мрачный лес, будто хранящий страшные секреты.
Загадка «Демона»
Картина «Царевна-Лебедь», хранящаяся в Третьяковке, совсем иная. На ней изображена жена и муза художника певица Надежда Забела. Все здесь – и выражение лица, и поворот головы, и наступающие сумерки создают настроение неразрешимости и некой загадки.
Рядом картина «Лебедь», в которой отразились лучшие качества живописи Врубеля. Изящный изгиб тела, бело-розовое оперение птицы, изображенной тоскующей на фоне последней зари, подчеркивают качества художника как величайшего колориста.
В противовес этому «Демон сидящий», навеянный одноименной поэмой Лермонтова, полон экспрессии и мощи. Эта тема вообще настолько волнует художника, что он возвращается к ней снова и снова. И создает еще «Летящего демона» и «Демона поверженного».
Увы, но многочисленные изображения Демона в картинах, скульптурах и рисунках (их более 13) воспринимались большинством как навязчивая идея. И закрепили за Врубелем имидж художника непонятного и странного.
Эпоха Врубеля
«Его вообще много и нещадно ругали. Критик Владимир Стасов говорил, что «… это чудовищно. С какой стороны ни посмотри на эту картину – слева, справа, снизу, сбоку – все чепуха». Это была борьба течений», – говорит Владимир Круглов.
«Зубодробительная критика» и смерть сына привели к неизлечимой болезни. Но даже в лечебнице Врубель продолжал создавать такие великолепные картины, что некоторые сомневаются: действительно ли у него были проблемы с психикой.
По иронии судьбы именно в это время Врубель становится популярным. Его картины перестают подвергать обструкции и присваивают звание академика живописи. Но это уже не радует его.
Одной из последних больших работ – она-то и завершает выставку – становится «Шестикрылый Серафим». Написанная под влиянием пушкинского «Пророка», эта картина вместила в себя всю горечь художника, который хотел и мог сказать гораздо больше, чем ему было отпущено, но не успел.
«Я думаю, что вне зависимости от того, насколько зритель подготовлен к восприятию Врубеля, он должен прийти и внимательно посмотреть на его произведения. Потому что это фантастический художник. Один из гениальнейших мастеров русского искусства», – считает Наталья Соломатина.
Организаторы выставки убеждены, что, скользнув взглядом, охватить масштаб этого гения, нельзя. Картины Врубеля нужно рассматривать внимательно и подолгу. И, чтобы разгадать его загадку, может быть, прийти на выставку не один раз.
Познакомиться или заново открыть для себя «эпоху Врубеля» в Русском музее можно до 2 августа 2022 года.
Музей Третьяковской галереи
Музей современного искусства, филиал Государственной Третьяковской галереи, хранит и постоянно выставляет более 45 тысяч картин и скульптур. Просторные светлые залы и галереи часто используются для экспозиций, предоставленных по договоренности с другими музеями России и мира. В музее есть мастерские по реставрации предметов искусства и большие запасники – хранилища.
Музей был создан с целью сохранения для потомков искусства начала XX века и советского периода. По программе сотрудничества с другими музеями России и ближнего зарубежья проводятся регулярные выставки, на которых можно увидеть коллекции, собранные партнерами ЦДХ. Или посмотреть предметы народного творчества народов ближнего Востока, Сибири и Севера. Экспозиции очень интересные и хорошо знакомят зрителей с тематикой. Билеты в музей продаются в кассах за 450 руб. для взрослых (350 руб. — взрослый для граждан России и стран СНГ), 250 руб. для студентов, а также льготные билеты — 150 рублей (пенсионеры, Герои Советского Союза, Герои РФ, студенты ВУЗов России). Время работы – с 10:00 до 18:00 (вт, ср, вс) и с 10:00 до 21:00 (чт, пт, сб), пн — выходной. Школьники могут учиться у профессиональных художников рисованию и лепке на организованных музеем мастер-классах.
Открытие выставки живописи и графики Арона Зинштейна
10 мая 2018 г. в Галерее Искусств на ул. Ломоносова, 1/28 состоялось торжественное открытие выставки живописи и графики «Весенние мелодии» художник Арона Зинштейна.
Арон Зинштейн родился 13 октября 1947 года в городе Нижний Тагил. Художник известен не только как талантливый живописец, но и как график: помимо создания сотен офортов и линогравюр, художник оформил множество печатных изданий.
Зинштейн работает в ярко выраженной экспрессивной манере. В его произведениях всегда ощущается движение, радость, эмоция. Художник почти не пишет с натуры. Он делает многочисленные зарисовки, собирает их в альбомы, и только потом, в мастерской воссоздает их в цвете на холсте или бумаге. Мастера интересуют самые разнообразные и самые простые сюжеты, которые подсказывает ему жизнь.
В искусстве он ценит непосредственность и свободу, утверждая: «Я наивный художник, я могу изобразить все».
Открыл выставку фортепианный концерт Александра Андреева.
Выставка «Весенние мелодии» открыта до 25 мая 2018 г., включительно. Каждый день с 11.00 до 21.00.
ул. Ломоносова, 1/28
События и выставки
В наше время на выставочных площадях ЦДХ ведут свою просветительскую и коммерческую деятельность около 60 организаций. Политика объединения художников направлена на максимально широкое представление обществу всех форм искусства, всех способов самовыражения, действующих в мире. В год проводится более 250 различных культурных мероприятий, различных по масштабу.
Концертный зал постоянно занят кинопоказами, конкурсами и творческими вечерами. Попасть на сцену считается честью, и на афишах постоянно видны знаменитые музыканты и певцы, группы и оркестры. Зал устроен в виде амфитеатра и обладает хорошей акустикой.
В Центральном Доме Художников проводятся несколько традиционных ежегодных выставок, к которым мир искусства относится уже как к культовым. Каждое из этих мероприятий на несколько дней превращает комплекс в место встречи множества художников и их поклонников. Параллельно выставкам проводятся мастер-классы, симпозиумы, конференции.
Каждый год проводится Международная ярмарка интеллектуальной литературы «Non/fiction». В эти дни комплекс превращается в книжный город. В программе ярмарки встречи авторов с читателями, музыкальные выступления, специальные мероприятия для детей. Издатели представляют все, что было выпущено за прошедший год: научную и художественную литературу, переиздания популярных книг в новых форматах, работы неизвестных и молодых авторов.
Архитекторы и дизайнеры проводят ежегодно в мае свою большую международную выставку «Арх Москва», на которой представляются разнообразные проекты от стула до города. Широко представлен ландшафтный дизайн. Производители строительных материалов предлагают новинки технологий (свет, отделка, капитальные материалы). Будущие заказчики знакомятся с программами проектирования и их применением, смотрят фильмы и литературу по архитектуре и дизайну, беседуют с дизайнерами. На ярмарке налаживается много деловых контактов.
Кто увлечен историей искусства, не пропустит «Российский антикварный салон», проходящий в октябре. Ярмарка – выставка собирает коллекционеров и любителей старины уже больше 27 лет. Выставляются мебель и картины, скульптуры и старинные иконы, редкие книги, фарфор и монеты, ювелирные украшения знаменитых мастеров XVIII — XIX веков. Есть предметы старины, которые хранятся в музеях или частных коллекциях, и салон выступает в роли временного музея на несколько дней.
Перед Рождеством проводится Ярмарка рождественских подарков, на которой можно найти все, что угодно. Здесь можно найти оригинальные картины и игрушки, статуэтки и предметы домашнего обихода. А пока ищете, можете зайти в кафе, работающее в ЦДХ постоянно.
Как пришла популярность
Таких портретов было около ста. Их ключевым элементом стала улыбка. Первую выставку удалось открыть почти случайно.
— Как-то я зашёл в Бартеневскую библиотеку, встретился с руководителем Татьяной Двуреченской. И тут же нашёл у неё понимание. Почти сразу же в библиотеке организовали мою выставку, — вспоминает художник.
Следующая выставка прошла в галерее современного искусства «Буксир». Организовать её удалось тоже почти случайно — благодаря тому, что руководителю понравились работы. Выставка, говорит наш собеседник, имела ошеломительный успех.
Влюблённых богатырей художник изображает с цветами
Сегодня работы Ефима можно увидеть в популярных кофейнях и ночных клубах. Наклейки с улыбающимися фигурками украшают улицы Липецка. А летом 2023 года художник присоединился к благотворительной акции одного из брендов одежды, совместно с которым выпустил партию футболок. Деньги от их продажи он пожертвовал детдомам.
Получивший образование у профессиональных художников и скульпторов, Ефим не забывает и сам делиться опытом с подрастающим поколением. Он проводит мастер-классы для детей, обучая их рисованию в своём стиле. Рисунки художник в шутку называет «ефимизмы».
— У меня порядка 1 000 рисунков, — говорит наш собеседник. — Но сейчас я рисую меньше, чем раньше. По 5 — 10 рисунков в день, а раньше было около 30. Мои рисунки провоцируют людей на общение. Человек видит фигурку: «Смотри, этот на тебя похож, а этот — на меня». Многие знакомые замечают, что мои картины помогают снять напряжение. Весёлые и яркие «ефимизмы» хорошо влияют на детей, они успокаиваются за минуты.
Как говорит Ефим, много времени у него уходит на продвижение творчества. Масса проектов ещё в разработке.
— В творчестве я двигаюсь тихо, но мощно. У меня много проектов. Готов концепт памятника «Вспомни героя». Надеюсь, он воплотится в жизнь.