9 most famous artworks by francis picabia

Accomplishments

In the 1910s, Picabia shared the interests of a number of artists who emerged in the wake of Cubism, and who were inspired less by the movement’s preoccupation with problems of representation than by the way the style could evoke qualities of the modern, urban, and mechanistic world. Initially, these interests informed his abstract painting, but his attraction to machines would also shape his early Dada work, in particular his Mechanomorphs — images of invented machines and machine parts that were intended as parodies of portraiture. For Picabia, humans were nothing but machines, ruled not by their rational minds, but by a range of compulsive hungers.
Picabia was central to the Dada movement when it began to emerge in Paris in the early 1920s, and his work quickly abandoned many of the technical concerns that had animated his previous work. He began to use text in his pictures and collages and to create more explicitly scandalous images attacking conventional notions of morality, religion, and law. While the work was animated by the Dada movement’s rage against the European culture that had led to the carnage of World War I, Picabia’s attacks often have the sprightly, coarse comedy of the court jester. They reflect an artist with no respect for any conventions, not even art, since art was just another facet of the wider culture he rejected.
Figurative imagery was central to Picabia’s work from the mid-1920s to the mid-1940s, when he was inspired by Spanish subjects, Romanesque and Renaissance sources, images of monsters, and, later, nudes found in soft porn magazines. Initially he united many of these disparate motifs in the Transparency pictures, complexly layering them and piling them on top of each other to provoke confusion and strange associations. Some critics have described the Transparencies as occult visions, or Surrealist dream images, and although Picabia rejected any association with the Surrealists, he steadfastly refused to explain their content. Picabia always handled these motifs with the same playful and anarchic spirit that had animated his Dada work.
Picabia learned early on that abstraction could be used to evoke not only qualities of machines, but also to evoke mystery and eroticism. This ensured that abstract painting would be one of the mainstays of his career. He returned to it even in his last years, during which he attributed his inspiration to the obscure recesses of his mind, as he had always done.

Обретение себя

Однако еще 2 года спустя он резко изменил стиль письма. Ему надоела геометрическая абстракция! Душа просила чего-то нового! Так и родился авторский стиль Пикабиа.

Мастер создал цикл так называемых «механических» либо «антропоморфных» чертежей. Он придумал раскрашивать стандартные технические чертежи и парадоксально добавлять в них абсолютно неожиданные детали. К этому циклу относятся работы «Парад любви», «Дитя-карбюратор» и др.

Эти рисунки буквально источают сарказм, эпатаж, напоминая нам о бессмысленности жизни и силе восприятия человека, которое может вместить реальные образы в самые абстрактные формы.

Франсис то враждовал с дадаистами, то возглавлял движение «Дада», совершал «просветительские» путешествия в Барселону, Цюрих, писал дадаистские статьи.

Однако и этому этапу его творческой биографии было суждено закончится. Пикабиа снова делает резкий поворот. Теперь он – сюрреалист.

Творчество Пикабиа

Если по порядку пересчитать все трансформации его стиля, направления, манеры письма и даже идеологии, получится никак не менее семи, (а то и десяти) резких поворотов. Пожалуй, в этом отношении Франсис Пикабия превосходит даже своего более знаменитого современника и приятеля, Пабло Пикассо.

В 1895-1896 годах Франсис Пикабия брал уроки в парижской Школе декоративных искусств у Эмбера и Кормона и в первом своём стиле писал добротные, типично французские пейзажи, как бы продолжающие в импрессионистическую сторону известные работы Камиля Коро.

Впрочем, импрессионизм Франсиса Пикабия продолжался недолго. Уже в 1902 году, после путешествия в Испанию, художественные интересы Пикабия начали постепенно смещаться в сторону красочного и вызывающе яркого («испанского») стиля фовистов. Определяющее влияние на дальнейшее развитие личности и творчества Франсиса Пикабия оказало его знакомство в 1910 году с Марселем Дюшаном.

В 1915-1917 годах, все три года своей жизни в Нью-Йорке он тесно общается с художниками-авангардистами и вместе с Дюшаном возглавляет нью-йоркскую секцию движения дадаистов. Но спустя всего два года он ещё раз парадоксальным образом меняет свой стиль. На сей раз, отказавшись от геометрической абстракции, Франсис Пикабиа не выбирает уже существующий стиль или направление. Он создаёт целый цикл самобытных художественных композиций, которые стали самыми узнаваемыми и «фирменными» для его личного стиля в живописи. Условно эти картины можно назвать «механическими» или «антропоморфными чертежами».

После дадаистского этапа, где он, наряду с Тристаном Тцара, являлся одним из признанных лидеров, (1914—1920) Франсис Пикабиа в 1921 году сделал очередной резкий поворот и присоединился к прямым противникам (и одновременно последователям) дада — сюрреалистам.

К середине 1930-х от прозрачных образов Пикабиа переходит к жёстким, брутальным картинам в стиле любительского псевдоклассицизма. То ли пародируя, то ли воспроизводя манеру художников-графоманов, Пикабиа переходит к стилистике почти откровенного китча. Он создаёт десятки картин в жанре «ню», аллегории, портреты и даже классические библейской сцены, имеющие нарочито нелепый вид поделки или антиискусства.

В последний период жизни он перешёл к условной и почти гламурной живописи, служившей немедленной коммерческой выгоде, но совершенно лишённой мощи и оригинальности, присущих его таланту в молодые годы.

Работает

Картины (холст, масло, если не указано иное)

Пляжи и скалы в Дуарнене , 1901 год.
Les Martigues , 1902, бумага, уголь
Edge of the Loing. Осенний эффект , 1904 год
Река. Борд-де-ла-Дуселин в Мунот близ Ла-Шарите-сюр-Луар , 1906 год.
Красное дерево , 1912 год
Шествие, Севилья , 1912 год.
Удние , 1913 г.
Эдтаонисль , 1913 г.
Нью-Йорк , 1913, бумага, графит, гуашь, акварель.
Нью-Йорк сквозь мое тело , 1913 год, гуашь, акварель, карандаш, тушь.
Универсальная проституция , 1916 год
Парад любви , 1917 г., картон, масло
Танец святого Вита (Табачная крыса) , 1919 год
L’Enfant Carburateur , 1919, фанера , масло, эмаль, сусальное золото, карандаш.
Какодилатный глаз , 1921 год
Соломенная шляпа ? , 1921 г.
Испанская ночь , 1922 год
Оптофон II , 1923 год
Дрессировщик , 1923, холст, риполин
Зубочистки , 1925, холст, масло, коллаж
Коррида , 1926-1927, гуашь
Идилль , 1927 год, картон, масло
Автопортрет со спины с обнимающей женщиной и маской , 1927-1930 гг.
Невеста , 1929, холст, смешанная техника
Маска и зеркало , 1930-1945, фанера, масло.
Рисунок и цветы , 1935-1945 гг.
Материнство , 1936 г.
Весна 1938 г.
Матадор на Арене , 1941-1943, картон, масло
Без названия (маска) , 1946-1947, картон, масло
Вещь себе , 1946 год, картон, масло
Найди своего Орфея первым , 1948, холст, масло
Дурак , 1948 год
Вдова , 1948, дерево, масло
Признание в любви , 1949, масло на панели
Символ , 1950, фанера, масло

Отпечатки

Первое издание Иисуса Христа Растакуэра , 1920, иллюстрации Жоржа Рибемон-Дессена

Публикации

Пятьдесят два зеркала , октябрь 1917 года, Барселона.
Стихи и рисунки девочки, рожденной без матери , апрель 1918 года, Лозанна, Imprimies Réunies. Рид. Аллия, 1992.
L’Îlot de Beau-Sejour в кантоне наготы , июнь 1918 года, Лозанна.
Атлет похоронных служб , декабрь 1918 г., Беньен.
Платоновые стойки , декабрь 1918 г., Лозанна.
Поэзия Рона-Рона , февраль 1919 г., Лозанна
Мысли без языка , апрель 1919 года, Париж.
Уникальный евнук, февраль 1920 г., Париж, выпуски Au Sans Pareil, сб. « Дада ». Рид. Аллия, 1992.
Jesus Christ Rastaquouère , 1920, Paris, Au Sans Pareil editions, coll. «Дада». Рид. Аллия, 1992 г.
Караван-сарай , 1924, Париж, издания Люка-Анри Мерси. Рид. Белфонд, 1975 г.
Выбор стихов Анри Паризо , 1947, Париж, редакции Ги Левиса Мано
Lettres à Christine, 1945–1951 , издание, подготовленное Марком Даши и Жаном Сирей, Париж, издания Champ libre , 1988 ( ISBN 978-2851841841 )
Сочинения , издание создано Оливье Рево д’Аллон и Доминик Буиссу, Париж, Бельфон, 1975 и 1978 гг. ( ISBN )
Критические статьи , издание, подготовленное Кароль Бульбес, предисловие Бернара Ноэля , Париж, Mémoire du Livre, колл. «Очерки», 2005 г. ( ISBN 978-2913867512 )

Переписка с Тристаном Царой и Андре Бретоном 1919-1924 , под редакцией Анри Бехара , Париж, Галлимар, 2017

Самая известная работа в стиле Transparency: Аэлло, 1930 г.

Хотя многие из транспаренций Фрэнсиса Пикабиа пользовались успехом как при его жизни, так и после неё, его картина «Аэлло» 1930 года, пожалуй, самая известная. Поскольку произведение было создано в последние годы серии, оно является одним из самых сложных произведений искусства в коллекции.

Аэлло был представлен на многих известных выставках и коллекциях, в первую очередь в качестве центрального элемента выставки MoMA 2016 года под названием «Наши головы круглые, поэтому наши мысли могут изменить направление». Аэлло и остальная часть серии «Прозраки» представляют собой важный и влиятельный период в постоянно меняющейся карьере Франсиса Пикабиа как художника. Похоже, Пикабиа тоже это осознал, много раз демонстрируя серию за годы её создания.

«Аэлло». Фото: thecollector.com

Перед выставкой своих работ в 1930 году Пикабиа заявил: «Эти транспаренции с их неясными карманами позволили мне выразить мои самые сокровенные желания Я хотел картину, в которой все мои инстинкты могли бы свободно течь». Легко увидеть влияние подобных сюрреалистических работ на современное искусство, где наслоение, сэмплирование и коллаж являются чрезвычайно популярными техниками.

В плену сюрреализма

В это время художник страдал от серьезной депрессии и принимал какодилатовые таблетки, тоже нашедшие отражение в его творчестве («Какодилатовая картина» 1922).

Художник забросил масло, обратился к коллажу и сюрреалистическим объектам. Вместе с молодым Рене Клером он работал над фильмом «Антракт или Спектакль отменяется», увлекся балетом…

С 1927 года мастер создает своеобразные «прозрачные» картины, экспериментируя с перспективой. Он старался обмануть зрение, сопоставляя несопоставимое, накладывал масштабные силуэты на мелкие пейзажи, создавая видимость так называемого «пространственного сюрреализма». Яркие работы того времени – «Сфинкс» (1929), «Медея» (1929). К началу 30-х Франсис сказал все возможное в рамках этого стиля.

Абстрактное искусство Франсиса Пикабиа: Каучук, 1909 г.

Одной из самых ранних картин Фрэнсиса Пикабиа, имеющих большое историческое значение, является его картина «Caoutchouc» 1909 года. Каучук, расположенный в музее Центра Помпиду в Париже, переводится как «резина» и состоит из акварели, гуаши и туши на картоне. Произведение отражает эксперименты Пикабиа с кубизмом и фовизмом того времени, с угловатыми и абстрактными деталями.

Caoutchouc. Фото: thecollector.com

С тех пор историки искусства отмечают Каучук как один из самых ранних примеров абстрактной работы в западной живописи. Были некоторые споры о том, является ли картина полной абстракцией или абстракцией объекта или натюрморта. Хотя трудно сказать, жена Пикабиа Габриэль Бюффе-Пикабиа поддержала теорию о том, что произведение представляет собой абстракцию натюрморта с вазой с фруктами. Каким бы ни было происхождение или намерения произведения, остается, что Каучук в значительной степени абстрагирован и, таким образом, является первопроходцем в западном абстрактном искусстве.

A Piece with Incredible Value: Francis Picabia’s Pavonia, 1929

By the time he created Pavonia in 1929, Francis Picabia was deeply involved in Surrealist art and was creating his Transparencies series. The Transparencies were a series of works combining different sources of inspiration, ranging from Roman sculpture and paintings by masters like Rubens, Durer, and Titan to Catalan Romanesque frescoes Picabia had seen during his time living in Barcelona. Picabia layered these different images in unique ways, resulting in a series of striking, surreal works.

The Transparencies remain some of Picabia’s most famous paintings today, with Pavonia recently auctioning for almost 10 million euros. Though Picabia did not remain with any singular art style for very long, many of his movement-specific pieces are incredibly strong and maintain cultural importance as the years go on.

Фрэнсис Пикабиа: «Женщины и бульдог», 1941 год

Хотя Фрэнсис Пикабиа пользовался большим успехом в серии «Transparency», в конце концов, он последовал своему образцу и перешёл к другим художественным стилям. На протяжении 1940-х годов и вплоть до своей смерти Пикабиа стал более откровенно изображать обнажённую натуру, а также меньше заботился о мнении других.

Во время Второй мировой войны Пикабиа жил на юге Франции и создал множество картин, которые современники считали китчем. «Женщины и бульдог, 1941» состоит из исходного материала из французского порнографического журнала 1930-х годов. Повторяя его предыдущую работу, каждая из женщин и бульдог взяты из разных фотографий, накладывающихся друг на друга, чтобы создать этот культовый образ.

«Женщины и бульдог, 1941». Фото: thecollector.com

Francis picabia is a french painter, graphic designer and writer, close to all the artistic movements of his time. Modern artist, he was a major icon of all the art world transformations in the 20th century.

The beautiful butcher artwork by artist Francis Picabia

The life of Francis Picabia, the evolution of his art

Francis Picabia was born in Paris in 1879 and died in 1953. He is the son of a Spanish born in Cuba, Francisco Picabia and a French woman. If his childhood is comfortable, it will be difficult nonetheless. Following the death of his mother when he was only seven years old, Francis Picabia will grow up surrounded by men: her father, uncle and grandfather. He will stave off boredom with painting and drawing. Very independent, his art will continue to assert itself in parallel and he will begin his apprenticeship in 1895 at the School of Decorative Arts. He will later show his first painting at an exhibition in 1899.

The success of Picabia

Three years later, his painting becomes impressionist and we feel in it the influence of Pissarro and Sisley. He exhibited in several halls and success didn’t take long. He additionally landed a contract with the Haussmann gallery and painted numerous paintings in which the landscapes are not reproduced faithfully but rather based on feelings, the emotional, the scenery inspires the artist.

His art hangs a staunchly modern twist in 1909, the year he married Gabrielle Buffet, an avant-garde musician that will inspire Picabia throughout his existence. His drawings henceforth are intended to be abstract and his reputation collapses; Galleries do not want to exhibit him.

During the five years to follow, Picabia explores all new movements such as Fauvism, Cubism, Futurism and Orphism. Success comes little by little. He exhibited his Fauvist and Cubist works.

In 1911, Francis Picabia becomes friends with Marcel Duchamp. It is a strong friendship that will last a lifetime.

A revealing voyage for Francis Picabia

It’s when he goes to New York in 1913, and has four paintings at an exhibition, the Armory Show, that he becomes globally renowned. He also launched a magazine with Man Ray and Marcel Duchamp, 391. This trip to New York will mark Picabia strongly, who qualifies the city as futuristic, and there he will consecrate many paintings such as New York and Star Dancer on a Transatlantic Steamer. He will get in parallel into the works called mechanistic, based on manufactured objects. When he returns to France, Picabia maintains relationships with artists such as Tzara and joins the Dadaism, from 1918 until 1921. It does not mean he abandons his other passions, such as writing and cinema. In 1924, he wrote a delusional screenplay called Intermission (Entr’acte), to be broadcast during an intermission during the Relâche ballet. Moreover, he will continue to collaborate with Swedish ballets.

End of life

After 1945, Picabia plunges back into abstraction and his work becomes minimalist. Too passionate about cars and gambling, Francis Picabia ends up broke and in 1951 is affected by arteriosclerosis paralytic which keeps him from painting. He died in 1953 in his childhood home.

Useful links
Francis Picabia

Author
Arts3 Network
Websites Edition

Other articles
Surrealist Artists
Origin of surrealist painting
Salvador Dali

“The world is divided into two categories: failures and unknowns.”
See more quote by Fracis Picabia

Мрачная и поразительная прозрачность: Отаити, 1930 г.

Хотя Павония была частью Transparency, в которой использовались яркие цвета, многие изделия Фрэнсиса Пикабиа из этой серии состояли из гораздо более тёмных тонов. Ещё одна работа из этой серии — «Отаити», 1930 год. Эта картина демонстрирует сложную технику наслоения, объединяющую изображения из самых разных источников, включая классические работы и современные фотографии.

Марсель Дюшан, давний друг Пикабиа, назвал серию эмуляцией «третьим измерением, не прибегающим к перспективе». Исходный материал Отаити, в частности, является отличным примером комбинации источников, которые часто использовал Пикабиа. Многие изображения вокруг центральной фигуры взяты из картины Аннибале Караччи «Выбор Геракла» 1596 года, а обнажённая женщина в центре взята из фотографии балерины Клэр Баурофф 1925 года.

«Отаити». Фото: thecollector.com

биография

Франсис Пикабиа — внук Хуана Мартинеса Пикабиа, родившегося на Кубе, затем эмигрировавшего в Нью-Йорк и Мадрид, а по материнской линии — Альфонса Даванна (1824-1912), химика и фотографа, президента Французского фотографического общества . Его дядя, Морис Даванн, является хранителем библиотеки Сент-Женевьев в Париже.

Его мать, Мари Даванн, умерла в 1886 году. Он учился у марианистов в колледже Станислава , затем в лицее Монж в Париже.

В 1894 году, желая испытать призвание, рано проявленное его сыном, «Панчо» Пикабиа отправил в Салон французских художников картину Франциска « Vue des Martigues» . Картина была не только принята, но и награждена, и Пикабиа после сложного образования в следующем году поступил в Школу декоративных искусств , где он был учеником Валлета, Гумберта и Кормона; но он охотнее посещал Луврскую школу и Академию Гумбера , где работал вместе с Жоржем Браком и Мари Лорансен . 1897 год стал поворотным в его карьере: открытие Альфреда Сислея открыло ему импрессионизм , к которому его энтузиазм возрос, когда он познакомился с семьей Писсарро в 1898 году. Он начал регулярно выставляться в Салоне французских художников .

Для него это начало чрезвычайно плодотворного периода, который продлится десять лет; Сотни картин, которые он написал в то время, где влияние импрессионистов было еще более или менее заметно, были склонны соблазнять публику: его первая персональная выставка в 1905 году в галерее Османа в Париже была триумфальной. Представленные картины, чуждые новым пластическим исследованиям, имитируют «чистый импрессионистический люминизм» ( Bords du Loing , 1905, Филадельфия, Художественный музей). Тем не менее, Пикабиа мало-помалу ставил под сомнение пластмассовые ценности, которые принесли ему его растущий успех, и в 1908 году его встреча с Габриэль Бюффе, которая побудила его продолжить недавние исследования, определила разрыв с импрессионизмом, как и с его торговцами. перерыв также позволил его личное состояние.

С по 1908 год , находясь под влиянием художников Барбизона , он общался с Альфредом Сислеем , Камилем Писсарро и Мариусом Борго

Когда он достигает совершеннолетия, он получает материнское наследство, которое обеспечивает ему комфортный доход. Его первая персональная выставка (61 картина) была организована в 1905 году в Париже в галерее Османа, у Дантона, следующая — в Берлине, в Kaspar Kunstsalon. Затем он снова покажет свои работы на Дантоне в 1907 году, затем в Лондоне, Мюнхене, Барселоне.

С 1905 по 1908 год Пикабиа дважды останавливался в Мартиге и создал множество пейзажей города и его каналов в стиле импрессионистов.

В 1909 году он женился на Габриэль Бюффе, возможно, внучатой племяннице Альфонса де Ламартина , внучка адмирала де Шалле и потомок брата Жасси, «человека, который привез кедр из Ливана в своей шляпе» , Диксит Пикабиа . Дочь, Лор Мари Каталина, родилась в 1910 году; мальчик, Панчо Габриэль Франсуа, в 1911 году. У них все еще будет девочка, Габриэль Сесиль , известная как «Жаннин», в 1913 году и мальчик Винсенте, родившийся в 1919 году. В то время он рисовал очень красочно. де Фов и совершил свои первые набеги на область абстракции .

Его акварель 1909 года Ca sucre ( Национальный музей современного искусства , Париж), датированная 1907 годом, считалась несколькими годами позже, в 1930 году, одним из пионеров и основополагающих произведений абстрактного искусства и могла изображать пули. Резину, пули. как в «Девочке с воздушным шаром» 1908 года .

В 1911 году он присоединился к группе Пюто, которая встретилась в студии художника Жака Вийона , брата Марселя Дюшана , с которым он познакомился в 1910 году. Он также стал орфистом и создал в 1912 году в Пюто Салон Раздела d. Или , прежде чем испытать первый международный успех на выставке Armory Show в Нью-Йорке в 1913 году.

Отмеченный в Broyeuse де Chocolat и концепции готовых Марсель Дюшан, он сделал, с 1913 года, ряд работ , в которых он принял эстетика промышленного дизайна , копирование или упрощения изображения , которые он нашел в журнале. Ученый Наука и жизнь .

ФРАНСИС ПИКАБИА. (1879-1953).

К сожалению, Пикабиа — художник и поэт — зачастую вынужден был отступить перед напором Пикабиа-спорщика: меж тем, полемистом он, стоит отметить, был куда менее одаренным. Чувство юмора, которым он обладал в наивысшей степени, всегда плохо уживалось в нем с запалом критика, агрессивного и не чуждого подчас личных нападок. Что ж, видимо, этого не избежать — такова оборотная сторона его творчества, которое меньше всего стремилось оторваться от повседневной жизни и могло существовать, лишь будучи «современным до конца», если воспользоваться известным девизом Рембо. Жажда скандала, руководившая всем, что делал Пикабиа (с 1910-го по 1925 год), превращала его в удобную мишень для нетерпеливых окриков или даже бешенства ревнителей хорошего вкуса и адептов общепринятой нормы. «Все, что угодно, только не Пикабиа» — таково было условие, поставленное перед авангардным искусством этих двадцати лет. Условие это, как правило, принималось, несмотря на возмутительный характер такого рода приемов — впрочем, только укреплявших позиции Пикабиа. Сегодня подобные проклятия уже не в ходу, поскольку, повторюсь, достигают они обыкновенно прямо противоположных результатов. Пикабиа, самозабвенный бунтарь против всех нынешних канонов, нравственных и эстетических, представляется нам величайшим поэтом всепоглощающего желания, неустанно возрождающегося и неутоленного. Любовь и смерть встают на этом пути подобно пограничным столбам, и меж ними лукавым змеем скользит его мысль, поразительно восприимчивая к мгновенно схватываемым образам нашего времени.

Пикабиа первым осознал, что любые сопоставления слов совершенно закономерны и их поэтическая ценность тем более велика, чем менее осмысленными и благозвучными кажутся они на первый взгляд. Весь героический период его живописи пронизан не столько даже стремлением восстать против тщетности ладно скроенных сюжетов и отточенных техник или желанием огорошить досужих болванов, сколько отчаянной, почти нероновской мечтой — самые изысканные праздники преподносить лишь себе одному :«»Королевский папоротник», — писал он мне когда-то, — это гигантская картина, три метра на два пятьдесят. Она состоит из двухсот шестидесяти одной черной горошины на алом земляничном фоне; в одном из углов — огромное позолоченное бильбоке. Что же до украшающих ее надписей, то пусть это будет для вас сюрпризом».

The Most Famous Transparency Piece: Aello, 1930

While many of Francis Picabia’s Transparencies enjoyed success both during and after his lifetime, his 1930 painting Aello is arguably the most famous one. Because the piece was created in the later years of the series, it is one of the more intricate artworks in the collection. Aello has been displayed in many famous shows and collections, most notably as the centerpiece of MoMA’s 2016 exhibition titled Our Heads Are Round So Our Thoughts Can Change Direction. Aello and the rest of the Transparencies series represent an important, influential time in Francis Picabia’s ever-changing career as an artist.

Picabia seemed to recognize this, too, exhibiting the series many times in the years they were created. Before an exhibition of his work in 1930, Picabia stated, “These transparencies, with their pockets of obscurity, allowed me to express my innermost desires I wanted a painting where all my instincts could flow freely.” It is easy to see the effects of Surrealist work like this on contemporary art, where layering, sampling, and collage are extremely popular techniques.

Живописные произведения

Paysage (1898)
Espagnole (1902)
F. Picabia by F. Picabia (1903)
Rivière (1905)
Bords de l’eau à Poissy (ок.1906-1907)
Jeune fille (1912)
Danseuse étoile sur un transatlantique (1913)
La ville de New York aperçue à travers le corps (1913)
Parade Amoureuse (1917)
Abstrait Lausanne (ок. 1918)
Balance (ок.1919)
Guillaume Apollinaire in 1913 (ок. 1920—1930)
Broderie (1922)
Junelle (ок. 1921—1922)
L’aile (ок. 1922)
Autoritratto (ок. 1923)
Lever de soleil (1924)
Idylle (1924—1927)
Cyclope (ок. 1924—1926)
Le femme au chien (1924—1926)
Les seins (ок. 1924—1927)
Carnaval (ок. 1924—1927)
Les acrobates (Gymnastique banale) (1925)
La femme de l’amour (ок. 1927—1928)
Corrida Transparence (ок. 1927—1930)
Barcelone (ок. 1927—1928)
Senza titolo (ок. 1928—1929)
Villica-caja (1929)
Hera (ок. 1929)
Ridens (ок. 1929)
Lodola (1930—1931)
Adam et Ève (ок. 1931)
Mélibée (ок. 1931)
Ève (1934)
Vierge à l’enfant (ок. 1933—1935)
Les lavandières (ок. 1935)
Portrait of Woman (ок. 1935)
Visage de femme (1936)
Cocolo (ок. 1936—1938)
Paysage provençal (ок. 1937—1938)
Natura Morta (1937—1938)
Composition abstraite (1937)
Viareggio (1938)
Autoritratto (ок. 1940)
Nu de dos. Fond mer. (1940)
Montparnasse (1940—1941)
Deux Nus(ок.1941)
Jeune fille aux fleurs (ок. 1941—1942)
Les calanques (1942—1944)
Nu de dos (1942—1944)
Nude (1942)
La danseuse de french-cancan (ок. 1942—1943)
Deux femmes aux pavots (1942—1944)
L’élègante (ок.1942-1943)
En faveur de la critique (1945)
Suzanne (ок. 1945)
Composition abstraite (1945—1959)
Autoritratto (1946)
Bonheur de l’aveuglement (1947)
Le brave (1947)
Coloque (1949)
L’encerclement (1950)
Petit soleil (1950)
Mardi (1951)
Jeudi (1951)
Tableau vivant (1951)

The Height of Picabia’s Dada Period: Optophone I, 1922

Francis Picabia’s 1922 piece Optophone I represents the height of his Dada period. By the time he made this striking collage piece, the artist had befriended prominent figures like Marcel Duchamp and Man Ray. His art heavily featured elements of collage, mechanistic imagery, and Dadaist themes. Optophone I is a particularly famous Picabia silhouette from this time period, and it has been on display at galleries like MoMA, Centre Pompidou, Art Institute of Chicago, and the Tate. This piece is particularly interesting because it was created just before Picabia denounced Dada, thinking his fellow artists were taking a nonsensical movement too seriously. “When I have finished smoking, I am not interested in the butts,” he said about his departure from the movement.

Поздний период творчества: поиски продолжаются

Теперь Франсис писал весьма брутальные полотна, которые можно отнести к любительскому псевдоклассицизму. Казалось, что он пародировал работы живописцев-графоманов.

Постепенно Пикабиа и вовсе ударился в китч. Он пишет полотна в жанре «ню», библейские сцены, которым нарочито придает вид анти искусства. Много пишет на заказ.

Надо отметить, что Пикабиа всегда любил красивую жизнь. Ему нравились удовольствия из рекламных проспектов – красотки, яхты, роскошные виллы, золотистые пляжи… В результате он пришел к откровенному зарабатыванию денег и творил исключительно ради коммерческой выгоды. К сожалению, коммерческая живопись последних лет не имела ничего общего с его предыдущими гениальными и осмысленными творениями.

Вторую мировую войну художник провел в Швейцарии: он всегда покидал места военных действий. В 1945 мастер вернулся в Париж, где сблизился с экзистенциалистами. Благодаря им впоследствии миру открылись его стихи и статьи по теории искусства, написанные еще в 10-е годы.

В конце жизни художник испытывал финансовые затруднения. У него не хватало средств даже на покупку холста: приходилось неоднократно переписывать одно и то же полотно.

Пикабиа не стало в 1953 году. Его могила находится на кладбище Монмартр.

Useful Resources on Francis Picabia

Books
websites
articles
video clips

Books

The books and articles below constitute a bibliography of the sources used in the writing of this page. These also suggest some accessible resources for further research, especially ones that can be found and purchased via the internet.
biography

The Artwork Caught by the Tail: Francis Picabia and Dada in ParisOur Pick

By George Baker
Francis Picabia: Accomodations of Desire
By Sarah Wilson
Francis Picabia His Art, Life, and Times
By William A. Camfield

written by artist

I Am a Beautiful Monster: Poetry, Prose, and ProvocationOur Pick

By Francis Picabia, Marc Lowenthal

View more books

websites

articles

video clips

Joyful Movement: Dances at the Spring [II], 1912

Another striking example of abstraction in Francis Picabia’s earlier work is his 1912 Dances at the Spring . This work, comprised of flat, angular elements that give the overall appearance of women dancing, was first exhibited by the Association of American Painters and Sculptors in New York in 1913. Though this exhibition was intended to introduce American audiences to European modernist art, Picabia along with other artists exhibited like Duchamp, Picasso, and Matisse received a lot of initial criticism.

Get the latest articles delivered to your inbox

While American audiences in 1913 might not have connected with the degree of abstraction in this piece, Dances at the Spring and other works created by Francis Picabia around this time remain significant in the history of Cubist painting. To assist audiences in understanding this large-scale abstraction, Picabia included the title ‘Dances at the Spring’ at the top right of the canvas.