Выставка в папском дворце
1 мая 1970 года в Авиньонском папском дворце открылась гигантская выставка недавних творений Пикассо: 167 полотен, 45 рисунков. Те, кто знакомился в Авиньоне с последними его работами, были поражены необычайным обновлением художника во всем — в манере письма, цветах и сюжетах — и возвращением в его творчество Испании с мужчинами при шпагах, мушкетерами и матадорами.
Зрителей окружал буйный и красочный маскарад мужчин со шпагами, пар, обнаженных женщин, торжественных портретов
К тому же Пикассо восстановил связи с родиной и своими испанскими корнями. Благодаря самому преданному другу — Хайме Сабартесу — в Барселоне, в великолепном дворце XV века, в самом сердце старого города, открылся музей Пикассо. И художник подтвердил, что Барселона — самый дорогой его сердцу испанский город: подарил музею почти все юношеские работы.
Мариано Фортуни и Марсель Пруст
В своем романе В поисках утраченного времени Марсель Пруст неоднократно упоминает шёлковые туники Мариано Фортуни как образец тонкого и единичного вкуса
Пруст называет их одеждами, сшитыми по «старинным венецианским рисункам», обращая внимание на исторический характер этих платьев. Многие из работ Фортуни используют мотивы итальянского Ренессанса и находят прямые и косвенные аналоги в живописи итальянского (в том числе венецианского) Возрождения. Пруст также обращает внимание на уникальность каждого рисунка Фортуни, на его автономный характер и строение, видя в этой единичности изящество и смысловую тонкость костюмов Фортуни
Пруст говорит о значительности этих работ, считая их плодом долгих размышлений и рефлексий, а также обращает внимание на их сценический подтекст и оторванный от жизни характер. Пруст сравнивает систему Фортуни с костюмной точностью героинь Бальзака, указывая на очевидное сходство двух стратегий
Пруст также обращает внимание на уникальность каждого рисунка Фортуни, на его автономный характер и строение, видя в этой единичности изящество и смысловую тонкость костюмов Фортуни. Пруст говорит о значительности этих работ, считая их плодом долгих размышлений и рефлексий, а также обращает внимание на их сценический подтекст и оторванный от жизни характер
Пруст сравнивает систему Фортуни с костюмной точностью героинь Бальзака, указывая на очевидное сходство двух стратегий.
Франсиско Гойя
Самый знаменитый представитель романтизма в истории мирового изобразительного искусства оставил огромное творческое наследие. В течение всей жизни он не только писал картины маслом, но и делал уникальные гравюры. При этом, в разные периоды жизни характер его работ сильно отличается. На начальном этапе творческого пути картины Гойи переполнены радостью созерцания счастливой жизни современников, в них доминируют светлые тона. Но после Великой Французской революции манера письма мастера кардинально изменилась. В тяжелое для Испании время партизанской войны и восстаний против господства французов Гойя создал знаменитые серии злободневных офортов, а также написал несколько знаменитых картин, посвященных освобождению своей страны от захватчиков.
Платья Фортуни
Примерно в 1907 году платья Фортуни, которые были вдохновлены древнегреческой культурой (туника и пеплос), стали чрезвычайно популярными среди высших кругов Парижа. Это были великолепные и легкие шелковые платья с нежной окраской и свободой движений. Одни из этих платьев были просты в исполнении, в то время как другие имели сотни крошечных складок, простирающихся от шеи до стоп.
Платья, выполненные в дизайне Мариано Фортуни (Дельфос)
В том же 1907 году Фортуни создал свое самое эффектное платье в стиле модерн — «Дельфос». Оно было выполнено из плиссированного шелка и получило популярность благодаря театральным легендам Айседоре Дункан и Саре Бернар. Созданные в революционной форме и вдохновленные древнегреческим стилем, длинные платья были простыми и свободными, искусными и очень комфортными. Края изделия обычно отделывались бусинами из цветного венецианского стекла, которые были одновременно декоративными и функциональными. Весь плиссированный и набивной шелк, платья и шарфы были сделаны вручную в его мастерской, так же как и разноцветный бархат, атласная подкладка, шелковая нить и ремни.
Биография
Мариано Фортуни (полное имя Мариано Фортуни-и-Мадрасо) родился 11 мая 1871 года в Гранаде, Испания. Он был человеком, посвятившим свою жизнь искусству и прославившимся во всем мире своими тканями в стиле модерн, которые украшали лучшие музеи, церкви, дворцы и дома с 1906 года. Фортуни был опытным дизайнером-новатором, архитектором, изобретателем, кутюрье и светотехником. Его отец, Мариано Фортуни-и-Марсал, также был художником и коллекционером древних восточных тканей и ковров, редких гончарных изделий и металлического оружия.
Фотографии Мариано Фортуни
Мальчик лишился отца в 1874 году, поэтому вместе со своим дядей переехал в Париж, где обучался живописи. В 1889 году он вместе с матерью переехал в Венецию и прожил там всю оставшуюся жизнь. Увлекаясь живописью, Фортуни также интересовался фотографией и сценографией. Под влиянием всех этих ремесел он научился контролировать все процессы в своих проектах. Например, для театра он создал новаторские техники освещения, изобрел свои собственные красители и ткани для декораций, а также машины для печати на ткани. В совокупности Фортуни получил более 20 патентов на свои изобретения.
Эль Греко
Величайший художник испанского Ренессанса был по происхождению греком, а его настоящее имя — Доменикос Теотокорулос. До переезда в Толедо на постоянное место жительство он около 10 лет провел в Италии, где имел прекрасную возможность познакомиться с творчеством античных и итальянских живописцев. Эль Греко считал цвет важнейшей составляющей изобразительного искусства, поэтому использовал в своем творчестве богатую палитру красок. Работы мастера также легко узнать по характерным удлиненным фигурам героев и манере письма широкими мазками. В картинах Эль Греко черпали вдохновение кубисты и экспрессионисты, а по мнению большинства современных ученых его творчество нельзя причислить ни к одной традиционной школе живописи.
Мастерская и хаос
В мастерской пахло льняным маслом, которое использовалось для лампы и разбавления красок. У стен стояли десятки картин. Та, над которой он работал в данный момент, стояла прямо на полу, опираясь на ножку мольберта. Рядом с мольбертом — краски, кисти, множество баночек, тряпочек и жестяных коробок.
Пикассо
А еще книги, странные предметы, какая-то цинковая труба — настоящий хаос с белыми мышами в выдвижном ящике и искусственными цветами, которые он нашел у старьевщика и купил, потому что понравился их цвет…
Невероятный хаос. Но жизненно необходимый. Пикассо всегда его любил. Возможно, он казался ему богаче идеями, чем порядок.
Это была его собственная система. Вещи находили место в потребности быть там или тут в данный момент. Внешний порядок, наоборот, нес в себе нечто навязанное, сковывал дух.
История Ренессанса и декоративные ткани
Помимо шёлковых плиссировок, важным направлением деятельности мастерских Фортуни было создание набивных бархатов. Используя рисунки подлинных ренессансных материалов XV — XVI веков, дом Фортуни выпускал реплики и реконструкции исторических тканей. В конце 1890-х годов он увлекся набойкой тканей и создавал коллекции парчи, бархата и гобеленов в венецианской технике XV—XVI веков.
Работая с декоративными тканями, Фортуни продолжил традицию английского Движения искусств и ремесел, которое придавало особое значение декоративной системе Раннего Ренессанса. Фортуни сделал итальянское Возрождение элементом повседневного интеллектуального быта. В своих рисунках для набивных бархатов Фортуни также использовал северо-африканские и восточные мотивы
Рассказывая о работах Мариано Фортуни, Марсель Пруст сравнивает их с убранством и мозаиками собора Святого Марка в Венеции, обращая внимание на их ориентальную направленность
Кубизм и известность
Несмотря на враждебное отношение публики к новой кубистской тенденции, их покупали. И довольно часто. В полку почитателей Пикассо прибыло, появилось много русских, немцев, американцев. От нужды, в которой художник жил всего три года назад, не осталось и следа.
«Хлеб и ваза с фруктами на столе» и «Пейзаж с двумя фигурами»
В сентябре 1909 года Пикассо и Фернанда покинули Бато-Лавуар. Со своим сиамским котом они переехали в светлую, просторную квартиру-мастерскую в доме 11 на бульваре Клиши. Их окна выходили на море зелени, свет был великолепен. За столом прислуживала домработница в белоснежном переднике, в комнате стояли мебель красного дерева, рояль… Декорации полностью переменились, как и сама жизнь: отныне по воскресеньям устраивались приемы!
Рамон Касас
Рамон Касас — юный гений , на редкость удачливый во всем. Рассмотрев в сыне страстное увлечение рисованием , родители ( очень состоятельные предприниматели , надо сказать) освободили его от занятий в школе , когда мальчику было всего 11 лет. В 15 он стал соавтором барселонского журнала об искусстве , и в том же году родители отпустили его в Париж учиться у модного живописца Каролюс-Дюрана и исправно поддерживали деньгами и верой в его призвание. Уже через 2 года его работы принимали в Салоне.
Рамон Касас становится самым известным в Барселоне художником-модернистом , он знаком с богемой города и пишет портреты каждого второго. Кроме того , он легко осваивает плакатное искусство и графический дизайн: производители алкогольных напитков, мебели, мыла, одежды , редакторы журналов , устроители фестивалей и боя быков , даже клиники по лечению сифилиса — все стремятся заказать рекламу у Касаса. При реконструкции отеля Fonda España художника приглашают покрыть росписями стены и потолок ресторана.
Внезапный уход
1973 год. Пикассо 92 года. Но в нем по‑прежнему сильно́ желание вызвать эмоции, пролить свет на темные области, используя собственный свет: цвет, форму, образ, символ.
Его вера в свою способность творить, в умение придать точную, лучшую форму тому, что должно быть выражено, непоколебима. Из-за необыкновенной жизненной мощи его смерть застает всех врасплох.
Пикассо умер 8 апреля 1973 года, и весь мир потрясла эта новость. Кажется, люди уже поверили, что в нем живет какой‑то свет, который никогда не угаснет.
Он часто говорил: «Полотна никогда не бывают закончены <…>. Обычно они останавливаются в определенный момент, потому что приходит нечто, что прерывает работу».
По материалам книги «Человек, который стал Пикассо»
Сантьяго Русиньоль
Русиньоль — один из представителей того поколения юных испанских художников , которые в 1880-х рванули в Париж в поисках вдохновения и бесценных знаний о новом , современном искусстве. Они селились на Монмартре — квартале Парижа , где жилье было дешевым , а жители полуголодными. Но именно здесь за столиками артистических кафе происходили самые яростные споры об искусстве , здесь Тулуз-Лотрек писал проституток и певцов с танцовщицами кабаре , Уистлер на палитре смешивал все новые оттенки белого , Дега приглашал к себе в мастерскую юных балерин и изматывал их многочасовыми сеансами позирования , влюбленный Ренуар без конца пишет Алин Шариго , будущую жену
Словом , на Монмартре случается все самое важное
Русиньоль родился в Барселоне и попробовал работать в юности на семейном текстильном производстве , но недолго. Уже в подростковом возрасте Сантьяго определился с двумя занятиями , которые приносят ему особое удовольствие: рисование и путешествия. Поэтому после скучных текстильных опытов он быстро отправился учиться в Акварельную школу Барселоны , а страсть к пешим путешествиям со временем переросла в серьезные занятия археологией.
Сантьяго Русиньоль , прошедший через увлечение импрессионизмом , тонализмом Уистлера , символизмом Пюви де Шаванна, изучение испанской живописной традиции , стал известен , когда преодолел все влияния и заговорил по-своему. Много лет Русиньоль будет писать сады , безлюдные , ухоженные , цветущие , совершенное сочетание красоты природы и человеческого усердия , постоянной кропотливой работы. Но самым знаменитым произведением художника станет его собственный дом. В испанском городке Ситжес Русиньоль купил рыбацкую хижину , а через время и дом по соседству — и превратил это место в открытый зал с личной коллекцией и место проведения шумных артистических фестивалей ( уже на первое мероприятие , организоанное Русиньолем , приехали 60 испанских художников). Сейчас дом Русиньоля и его коллекция кованых изделий , стекла и произведений искусства — музей Кау Феррат.
Explore the Masters
12th century Art
13th Century Art
14th Century Art
14th century B.C. Art
15th century Art
16th century Art
17th century Art
18th century Art
19th century Art
1st-century BC Art
20th century Art
21st Century Art
2nd century Art
2nd Century BC Art
2nd Century CE Art
3nd Century Art
4th century BC Art
5th century BC Art
6th century B.C. Art
7th centry Art
7th century B.C. Art
9th century B.C. Art
African Art
AI Art
Albanian Art
Algerian Art
American Art
Ancient Art
Argentine Art
Armenian Art
Art Movements and Styles
Art Quotes — Literature
Australian Art
Austrian Art
Awarded Artist
Azerbaijani Art
Baroque Era style
Belgian Art
Blogger
Bohemian Art
Bolivian Art
Bosnian Art
Brazilian Art
British Art
British Museum
Brooklyn Museum
Bulgarian Art
Burmese Art
Cambodian Art
Canadian Art
Catalan Art
Chilean Art
Chinese Art
Christie’s
Cleveland Museum of Art
Colombian Art
Croatian Art
Cuban Artist
Czech Art
Danish Art
Digital art
Dominican Artist
Dutch Art
Ecuadorian Artist
Egyptian Art
Estonian Artist
Fai da te Art Blogger
Filipino Art
Finnish Art
Flemish Art
French Art
Genre painter
Georgian Artist
German Art
Greek Art
Guatemalan Artist
Haitian Artist
Hawaii Art
Hermitage Museum
Hudson River School
Hungarian Art
Impressionist art movement
Indian Art
Iranian Art
Iraqi Art
Irish Art
Israeli Artist
Italian Art
Japanese Art
Jewish Artist
Kazakhstani Artist
Korean Art
Kurdish Art
Latin American Artist
Latvian Artist
Lebanese Artist
Libyan Artist
Lithuanian Artist
Macedonian Art
Macedonian Artist
Maltese Art
Metropolitan Museum of Art
Mexican Art
Moldovan Artist
Moma
Mongolian Artist
Moroccan Artist
Musée d’Orsay
Musée du Louvre
Museo del Prado
Museo Thyssen-Bornemisza
Museum Barberini
Museum Masterpieces
MusicArt
National Gallery London
National Gallery of Art Washington
Netherlandish Art
Netherlandish Artists
New Mexico Artist
New Zealand Art
Nigerian Artist
Norwegian Art
Pakistani Artist
Paris painting
Peruvian Art
Photographer
Polish Art
Politica dei cookie
Portuguese Artist
Post-Impressionism
Realist Artist
Renaissance Art
Rijksmuseum
Romanian Art
Royal Academy
Russian Art
Scottish Art
Sculptor
Senegalese Artist
Serbian Artist
Singaporean Art
Sitemaps
Slovak art
Slovenian Art
Sotheby’s
South African Art
Spanish Art
Swedish Art
Swiss Art
Syrian Artist
Taiwanese Artist
Tate Britain
Thailand Artist
The Samuel Kress Collection
Tibetan Artist
Turkish art
Uffizi Gallery
Ukrainian Art
Uruguayan Artist
Van Gogh Museum
Vatican Museums
Venezuelan Art
Victoria and Albert Museum
Vietnamese Art
Welsh Art
Women Artists
биография
Фортуни родился в Реус в Каталонии на5 июня 1838 г.в очень скромной семье. Именно в начальной школе в своем родном городе он изучил основы живописи и рисунка. Осиротев в 12 лет, его воспитывал дед. Чтобы заработать на жизнь, молодой Фортуни начал лепить терракотовые статуэтки и подношения по обету, прежде чем отправиться пешком в 14 лет в Барселону, где он бесплатно поступил в Академию .
Блестящий ученик Клауди Лоренцале , он выиграл Римскую премию в 1857 году . Он провел там два года, копируя работы назареев , но быстро устал от них и явно предпочел картину Диего Веласкеса .
Когда в 1859 году разразилась война между Испанией и Марокко ( африканская война ), испанское правительство послало его в Северную Африку, чтобы описать важные события конфликта. Его назначили летописцем экспедиции, во время которой он попал в плен. Краски Марокко (куда он вернулся в 1862 году) по-настоящему очаровали его яркостью африканских красок. После этого пребывания в Марокко его темы развиваются в сторону востоковедов, которые критики того времени считают, «… что это не вопрос древнего Востока, как его видел Эжен Делакруа , а скорее« восток базара, мишура » и мерцающий » .
Битва Тетуана , Мариано Фортуни.
Он отправился в Париж в 1866 году , где он учился с Жером и начал работать в арт — дилера Adolphe Goupil . В 1860 году, во время своего первого пребывания в Париже, он изучал батальные картины Горация Верне в Версале, где он встретил Анри Реньо . Он был вдохновлен этим для большой картины Bataille de Tétouan, которая, тем не менее, так и останется незавершенной.
Вернувшись в Мадрид, он женился на дочери Федерико де Мадрасо , директора Королевского музея Мадрида . От этого союза родятся двое детей: Мария Луиза и Мариано (1871-1949), будущий светский художник и дизайнер тканей (ему посвящен музей в Венеции) .
После нового пребывания в Париже в 1870 году и двух лет, проведенных в Гранаде , он вернулся в Рим, где умер в возрасте 36 лет.21 ноября 1874 г.от малярии , контракт прошлым летом в то время как живопись на открытом воздухе в Неаполе и Портиси .
Сальвадор Дали
Экстравагантный Сальвадор Дали по праву считается самым знаменитым художником-сюрреалистом в мире. Будучи весьма неординарной творческой личностью, Дали всю жизнь поражал окружающих эпатажными поступками, легко увлекался новыми идеями и всегда находился в гуще событий. Помимо живописи, он прославился интересными графическими работами, скульптурами и фотографиями, успешно пробовал свои силы в качестве режиссера, дизайнера, сценариста и литератора. Образ Дали до сих пор вызывает жаркие дискуссии знатоков искусства и часто становится объектом воплощения в кинематографе.
Дарио де Ригойос
Дарио де Ригойос вырос в Мадриде в семье архитектора , которого пригласили из Валенсии отстраивать и модернизировать столичные кварталы. Для студента Ригойоса , который успел отучиться 2 года в Мадридской школе живописи , скульптуры и гравюры , поворотным событием в карьере и в жизни стало путешествие в Брюссель. Оно затянулось надолго.
Музей русского импрессионизма совместно с фондом культуры Aurea Cultura I Art осенью 2019 года презентовал выставку « Импрессионизм
Об импрессионизме вы наверняка знаете очень много: и фамилии художников-корифеев назовете, и в музее запросто отыщете зал, где мерцает водная гладь и один и тот же мотив написан в разное время суток, и про скандал на первой выставке наверняка вспомните, и даже Моне от Мане отличите. А значит, пора переходить на следующий уровень: все, что вы еще хотели узнать об импрессионизме. Читать дальше
-
Сообщение культура исчезнувших цивилизаций
-
Сообщение на тему русские былины илья муромец и святогор
-
Сообщение о кикины палаты
-
Сообщение о животном и растительном мире морей и океанов
- В ответ на ваше сообщение
Первые рисунки Пикассо — это… лапки голубей
Отец Пикассо дон Хосе был художником, специализировавшимся на росписи столовых комнат. Его излюбленные мотивы — перья, листья, попугаи, сирень, а главное — голуби. Площадь Мерсед, где жила семья, обрамляли платаны, на которых гнездись тысячи этих птиц. Дон Хосе без устали рисовал их, заполнял ими картины, гармонично включал в свои композиции.
Первые рисунки голубей сделаны Пабло в 9 лет (1890)
Спустя несколько лет, когда дон Хосе, очарованный талантами Пабло, постепенно передавал ему свои кисти, он первым делом уступил сыну… лапки своих голубей. Однажды вечером дон Хосе ушел, оставив сына заканчивать натюрморт. Вернувшись, он увидел завершенную работу. И птичьи лапки выглядели так живо, что взволнованный отец отдал Пабло свою палитру, кисти и краски. Решил: сын талантливее, поэтому сам он больше не будет рисовать.
Диего Веласкес
Судьба Диего Веласкеса сложилась намного удачнее, чем у его близкого друга Сурбарана. Он большую часть жизни был самым успешным испанским живописцем и по праву считается величайшим мастером Золотого века испанского изобразительного искусства. Уже в 24 года Веласкес получил титул придворного художника короля, что вызвало зависть многочисленных коллег. Творческое наследие мастера включает картины бытового, исторического, мифологического и портретного жанров. Его работы высоко ценили современники, а через несколько столетий наследие живописца стало источником вдохновения для многих представителей романтизма и импрессионизма.
Мариано Фортуни и его дельфийское платье
Мариано Фортуни-и-Мадрасо (исп. Mariano Fortuny y Madrazo; 11 мая 1871, Гранада — 3 мая 1949, Венеция) — испанский дизайнер одежды, владелец собственного модельного дома (1906—1946).Фортуни и Мадрасо, Мариано (1871, Гранада — 1949, Венеция) вдохновил своими творениями мир дамской моды начала XX в. Он был сыном художника Мариано Фортуни и Карбо (1838—1874), который благодаря своим роскошным салонным картинам принадлежал к числу самых известных испанских художников XIX в., заработав большое состояние.
Мариано остался без отца в трёхлетнем возрасте, в детстве жил с матерью в Париже и Венеции, много путешествовал по Европе, был подающим надежды художником, скульптором, архитектором, фотографом, но предпочёл стать дизайнером. В 1897 году женился на Анриэтте Негрин.
В конце 1890-х Фортуни увлекся набойкой тканей и создал коллекции парчи, бархата и гобеленов в венецианской технике XIV—XV веков, а в 1901 году представил сшитые из этих материалов модели в Париже. Немного позднее он запатентовал способ плиссировки шёлка, которая с тех пор носит название «плиссировка Фортуни». Еще несколько патентов принесли ему разработки в сфере декоративного и театрального освещения.
Абажуры для светильников Фортуни создавал из шёлка собственного изготовления — он производил его на специально открытой для этих целей в 1919 году на одном из венецианских островов фабрике. Вскоре в Париже и Лондоне появились шоу-румы Фортуни, в которых выставлялись ткани, одежда и светильники. Их невозможно ни с чем перепутать до сих пор — благодаря «фирменному» опаловому цвету абажуров, узнаваемым узорам и шёлковым шнурам с кистями и стеклянными бусинами.
Производство оригинальных ламп, к созданию которых приложил руку сам мастер, закончилось в конце 1920-х. До начала 1980-х, когда стали появляться первые реплики, ни одна из венецианских мастерских не решалась повторить «Фортуни» — из-за технической сложности и проблем с патентами.
Фортуни известен прежде всего как создатель так полюбившихся Саре Бернар и Айседоре Дункан «дельфосов» — длинных шёлковых платьев в античном стиле, подчёркивающих линии тела.
Умер в своем доме в Венеции в 1949 году, похоронен в Риме на кладбище Кампо ди Верано.
Жизнь Мариано Фортуни описана в романе Пере Жимферрера «Фортуни». Его работы были источником вдохновения для Марселя Пруста.
Его сын, несмотря на то, что получил образование художника, не пошел по стопам отца, посвятив себя дизайну и моде, где он утвердил свой статус художника росписями и набивкой на тканях.
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D0%BE%D1%80%D1%82%D1%83%D0%BD%D0%B8-%D0%B8-%D0%9C%D0%B0%D0%B4%D1%80%D0%B0%D1%81%D0%BE,_%D0%9C%D0%B0%D1%80%D0%B8%D0%B0%D0%BD%D0%BE
Актриса Лилиан Гиш в платье от Фортуни
Модель Конде Наст позирует в шелковом платье, созданном Мариано Фортуни
Живопись Мариано Фортуни — Михаил Шагурин
Испанский художник. Сирота с детства, воспитанный дедом, формовщиком терракотовых статуэток, Фортуни учился живописи у местного художника и писал обетные картины. В возрасте 14 лет он пешком отправляется в Барселону; к нему проявляет интерес скульптор Таларн, благодаря которому Фортуни получает возможность бесплатного обучения в Школе изящных искусств. Блестящий ученик академического живописца Лоренсале, в 1857 он получает стипендию для поездки в Рим, показавшийся ему . В Риме Фортуни больше привлекают не назарейцы, восхваляемые его учителем, а портрет папы Иннокентия Х работы Веласкеса. В 1860 он отправляется в Марокко в качестве хроникера при штабе испанской экспедиции, возглавляемой каталонским генералом Примем; здесь художник открывает для себя новый мир света и красок. В Марокко он создает множество этюдов и пишет картины на арабские сюжеты (, 1861, Барселона, Музей современного искусства; , там же). После второго путешествия в Марокко в 1862 Фортуни начинает работу над грандиозной и пылкой панорамной картиной (там же), так и оставшейся незаконченной. Между тем, он совершает поездку в Париж, где знакомится с Орасом Берне и Анри Реньо. В 1867 в Мадриде он женится на дочери модного портретиста, Федерико де Мадрасе, и тем самым укрепляет свое социальное положение. Позже он пишет картину (там же), изображающую подписание брачного договора в сакристии, однако действие здесь перенесено в Испанию времен Гойи; эта картина была выставлена в Париже в 1871 и имела огромный успех. Живя то в Париже, то в Риме, то в Гранаде, Фортуни использует эту удачную творческую находку в своих жанровых картинах, написанных в духе Мейссонье, но в более свободной манереи ярком, сверкающем колорите (, Бостон, музей Гарднер; , Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина). В 1874, когда в своем творчестве он приблизился к импрессионизму, Фортуни скоропостижно умирает. Фортуни интересовался всеми формами искусства (так, он собирал японские гравюры и испано-мавританскую керамику). Не желая растрачивать свой талант понапрасну, этот большой виртуоз делал в основном этюды и акварели, часто исключительные по качеству (многие из них хранятся вПрадо, переданные сюда по завещанию Эррасу). Его живопись, отмеченаявкусом к старине, к и милой бравурности, не может оставить зрителя равнодушным. Фортуни оказал значительное влияние на развитие американской живописи (благодаря коллекционеру Стюарту). В Европе его искусство также было оценено очень высоко. Произведения Фортуни представлены в Нью-Йорке (музей Метрополитен и Музей Испанского общества), Балтиморе (Художественная гал. Уолтерса), Бостоне (Музей изящных искусств), а также Москве (Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина) и Санкт-Петербурге (Гос. Эрмитаж).
«Авиньонские девицы»: вызов, провокация, скандал
В конце лета 1907 года Пикассо завершил огромное полотно, начатое несколькими месяцами ранее. Почти шесть квадратных метров, сотни подготовительных рисунков и этюдов. Пабло заперся в мастерской, чтобы писать картину. И в один прекрасный день открыл двери перед близкими друзьями. Изумление, шок, потрясение… Нет таких слов, чтобы передать их реакцию.
Для многих историков искусства «Авиньонские девицы» послужили символом начала современного искусства
А ведь они привыкли к живописи Пабло и всегда первыми отстаивали ее. Но даже для них это было чересчур: они категорически осудили увиденное.
Матисс, великий художник, был в ярости! Сам Жорж Брак, с недавних пор друг Пабло, говорил: «Это как если бы ты хотел накормить нас паклей или напоить керосином!»
Даже Аполлинер, обычно безоговорочно принимавший сторону друга, осудил его. В этом хоре порицателей нашлось одно исключение — молодой немецкий коллекционер Даниэль-Анри Канвейлер. Ему картина понравилась с первого взгляда, и он сразу подружился с Пикассо. Эта дружба продлилась всю жизнь.
«Розовый» период
«Розовый» период пришелся на 1904 — 1906 годы. Он получил это название из‑за охристого и бледно-розового цветов, доминировавших в полотнах художника, и хрупкости, характерной для его персонажей. Чаще всего это акробаты и бродячие актеры, беззащитные обитатели обочины жизни, каждый жест которых говорит о грации и смирении.
Портрет Гертруды Стайн
В это же время был написан «Портрет Гертруды Стайн». Гертруда Стайн позировала на протяжении длительного времени. Весной 1906‑го Пикассо смыл лицо, потому что был им недоволен. Осенью, вернувшись из Го́соля, он вновь взялся за него, придав ему вид маски. Гладкий, выпуклый лоб, обезличенные, правильные и схематичные черты. «Это единственный мой портрет, который всегда остается мною», — сказала модель.