Иван айвазовский

Ара Гюлер

Ара Гюлер, знаменитый турецкий художник, умело воплощал свои видения на холсте. Его творчество вдохновлено богатой культурой и историей Турции. Взглянув на его работы, вы погрузитесь в мир изящных красок, улавливая каждую ноту его гармонии. Вот некоторые из его наиболее известных работ:

«Синий Мрамор»: Величественный портрет Священной Софии, олицетворяющий древнюю прочность и красоту.
«Волшебные лабиринты»: В этом полотне Гюлер исследует таинственные узоры и символы, создавая загадочный мир фантазии.
«Золотые века»: Расписывая жизнь великих османских султанов, художник передает благородство и могущество этой эпохи.
«Зарево Босфора»: Романтический пейзаж, отражающий великолепие заката над берегами Босфора, придающий картине неповторимый шарм.
«Турецкие головы»: Серия портретов известных турецких личностей, олицетворяющая их индивидуальность и влияние на историю страны.

Каждое произведение Ара Гюлера — это история, рассказываемая кистью и красками, приносящая радость и восторг всем, кто ее видит.

История создания полотна

В первой части сочинения приводится история создания картины «Аисты» Тихого, а также краткая биография живописца. Иван Антонович Тихий (10.01.1927−27.06.1982) — знаменитый советский художник. Родился в Харьковской области Украины. Окончил Киевский художественный институт, где в дальнейшем преподавал. Писал портреты и пейзажи в жанре реализма, которые выставлены в Художественном музее Луганска.

Многие работы живописца посвящены красоте украинской природы. И. Тихий мог часами гулять или работать в лесу и наслаждаться пением птиц. Наибольшую известность принесла ему картина «Аисты». Она была написана в 1960 г. и имела колоссальный успех. Другие известные работы:

«Счастливый отец»;
«Материнство»;
«Горсть земли».

Личная жизнь – источник счастья, грусти и мастерства

Женатый с 1868 года на Евгении Александровне, сестре своего друга, художника Фёдора Васильева, Шишкин стал нежным и заботливым мужем и отцом (родилось трое детей: в 1869-м дочь Лидия, единственная, пережившая отца, и в 1871-м и 1873-м два сына). В 1873 году умер старший сын, за ним в 1874-м жена. Смерть супруги выбила художника из колеи, он замкнулся, топя горе в спиртном. В 1875 году умер второй сын. Характер Шишкина стал несносен, он беспрестанно ссорился с близкими и друзьями, разогнав всех, забросил работу. К счастью, это продолжалось недолго – победила привычка трудиться, получать результат, похвалы и награды. Она заставила художника вернуться к деятельной жизни. Произведения Ивана Ивановича Шишкина этого периода обрели популярность на передвижных выставках («Первый снег», «Рожь» и другие).

В 1880-м венчался со своей ученицей, Ольгой Лагодой. Летом 1881 года она родила дочь Ксению, но насладиться счастьем материнства ей было не суждено, в этом же году молодая супруга Шишкина (1850 г.р.) умерла.

Дочерей (от первого и второго брака) взяли на воспитание родственники.

Работа и только работа спасли художника. Наблюдения за природой, вдумчивые и длительные, позволяли притуплять боль потерь и переносить свои чувств и мысли на холсты, вновь и вновь оттачивая мастерство. Применение в одной работе разных кистей, непохожих мазков, неожиданные формы и решения делали пейзажи Шишкина совсем недосягаемыми для понимания способов передачи потрясающей реалистичности.

Произведения конца 1880-х, «Дубы. Вечер», «У берегов Финского залива» и другие, служат подтверждением достижения мастером удивительной лёгкости и свободы. Картины Шишкина словно наполнены воздухом, ветром, влагой, они шуршат, трещат и шелестят, как те исполины-деревья, что изображены на них.

Позднее творчество и последние годы

Конный портрет императора Карла V 1548 г.

Высочайшим мастерством веет от полотен Тициана зрелого и позднего периода. Опыт прошлых лет позволяет художнику виртуозно играть тонами и оттенками, создавая живые и воздушные полотна, на которых словно оживают сцены с подмостков самых лучших театров. Художник пишет легко и свободно, подчиняясь только внутреннему чутью, основанному на колоссальном багаже знаний и умений. Кисти, пальцы, ребро ладони, шпатель – всё используется для нанесения красок. Результат ошеломлял современников, теперь поражает потомков.

1575 год снова принёс в Венецию эпидемию чумы. 27 августа 1576 года Тициан умер, заразившись от сына. Он скончался, держа в руке кисть. Тело его, несмотря на закон, не было сожжено – такое было поклонение мастеру. Могила художника находится в соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари (Венеция, Италия).

Работы Тер-Оганьяна на выставке «Русский контрапункт» в Лувре[править | править код]

В сентябре 2010 года работы Авдея Тер-Оганьяна из серии печатных работ «Радикальный абстракционизм» (2004) были исключены из программы выставки «Русский контрапункт»/«Le contrepoint Russe» в Лувре, готовящейся в рамках Года России во Франции. Со слов представителя ГЦСИ работы Тер-Оганьяна решили не отправлять за рубеж, так как они «содержат призыв к насильственному изменению конституционного строя РФ, а также призыв, направленный на разжигание межрелигиозной ненависти и вражды». «Эти работы из серии „Радикальный абстракционизм“ не получили разрешение от Росохранкультуры на вывоз, поэтому остались в Москве». 26 сентября 2010 года Тер-Оганьян выступил с открытым письмом, в котором отказался принимать участие в выставке, если не будут выполнены два условия: 1. Его работы для выставки должны быть официально выпущены из Москвы; 2. Должен быть продлён российский паспорт художнику Олегу Мавроматти, преследуемому по ст. УК РФ 282, и которому грозит экстрадиция в Россию. После ряда протестных мероприятий со стороны художников и общественности, Минкульт РФ разрешил вывоз работ из России. Поскольку не был выполнен пункт 2 ультиматума (касательно Олега Мавроматти), Тер-Оганьян объявил выставке бойкот и призвал остальных участников выставки к нему присоединиться. Однако организаторы выставки, несмотря на официальный отказ Авдея Тер-Оганьяна от участия в выставке, разместили в экспозиции все четыре его работы, заявленные ранее. Сам Тер-Оганьян даже не получил приглашения на открытие выставки, но прибыл на неё с целью дальнейшего бойкотирования и выступления в поддержку Мавроматти — за свой счёт.

Туржанский Леонард Викторович (1875-1945)

Л. В. Туржанский родился на Урале, в семье врача.
С юных лет увлекся живописью, и вопрос о выборе жизненного пути был
решен однозначно.

В 1898 г. он поступил в МУЖВЗ, где занимался у
В.
Н. Бакшеева, В. А. Серова,
К. А. Коровина. Испытав
поначалу влияние своих именитых учителей, Туржанский ушел от
простого подражания их манере и сумел выработать собственный стиль.
Среди его ранних работ есть и портреты (артистки М. Петровой,
писателя И. А. Бунина, оба 1905), и жанровые полотна («В провинции»,
1910), но творческое лицо живописца наиболее ярко проявилось в
пейзаже.

Еще в годы учебы он показал на выставке ТПХВ цикл работ, написанных во время путешествия по Русскому Северу
(«Север. Тихий вечер», «Поморы на промыслах», «У северного берега
Мурмана» и др., все 1905), и предстал в них как вполне сложившийся,
смелый мастер, по-своему воплощающий поэтическое начало природы.
Недаром лучшие из этих пейзажей сразу были приобретены для
Третьяковской галереи.

Постоянным источником творческого вдохновения для
художника была природа родного Урала. Милая его сердцу деревня Малый
Исток под Екатеринбургом не отличалась оригинальной красотой, но
именно здесь Туржанский черпал свои излюбленные мотивы, питавшие его
искусство долгие годы (даже поселившись с 1920 г. в Москве, он
каждую весну приезжал в родные края).

Художник любил изображать мирную жизнь земли,
тишину, в которой слышатся привычные деревенские звуки: «Пашня»
(1910), «Осень. Солнце», «К вечеру» (обе 1912), «Этюд. Средний
Урал», «Деревенская улица» (обе 1930-е), «Осенняя ночь. Тихо» (1935)
и др. Обладая великолепным даром анималиста, Туржанский почти каждый
свой пейзаж одушевляет присутствием домашней живности — это куры,
телята, козы, а чаще всего — лошади, наделенные каждая своим
характером, настроением («Желтый жеребенок», 1914; «Ранняя весна»,
«Деревенские лошадки», обе 1910-е; «Вечер. Старая лошадь», б. г., и
др.).

Картины Туржанского немногословны, бесхитростны,
лишены каких-либо эффектов, просты и цельны по композиции. Главное
содержание его полотен заложено в колористическом решении.
Прирожденный живописец, он мыслит и чувствует цветом, причем его
гамма построена не на богатстве палитры, а на возможностях избранных
красок. В картинах мастера преобладают насыщенные «земляные» тона —
красно-коричневые, зелено-желтые. Его дар колориста, тонкое чувство
декоративности цвета с впечатляющей полнотой проявились в таком
специфическом жанре, как изображение интерьеров.

Подобно другим представителям СРХ, членом
которого Туржанский стал с 1912 г., он увлекся мотивами
патриархальной старины. Но не тоска об ушедшей в прошлое жизни
усадьбы (как, например, в интерьерах И. П. Петровичева или С. Ю.
Жуковского), а восторг перед красотой предметов, их живописным
бытием отчетливо выражен в работах Туржанского «Интерьер. Красный
ковер» (1921), «Интерьер. Большая Никитская» (1928) и др. Вклад
Туржанского в развитие русской живописи и особенно пейзажа
неоспорим. Творчески связанный с традициями, он вместе с тем
решительнее, чем кто-либо из мастеров СРХ, обогащал их новыми
приемами живописного обобщения.

Самые знаменитые картины Тициана

К счастью, в музеях сохранилось немало работ мастера, позволяющих сегодняшнему зрителю прикоснуться к искусству великого мастера, шедеврам которого около пяти столетий.

Наиболее известны картины Тициана под названиями:

«Вознесение Девы Марии» (1516-1518);
«Вакх и Ариадна» (1520-1523);
«Венера Урбинская» (1538);
«Даная» (1554);
«Мученичество святого Лаврентия» (1559);
«Похищение Европы» (1560-1562);
«Аллегория благоразумия» (1565-1570);
«Положение во гроб» (1566);
«Портрет Якопо Страды» (1567-1568);
«Пьета» (1575-1576) – последняя работа живописца.

Король живописцев и живописец королей, как называли Тициана, оставил великолепное и объёмное наследие – ведь он прожил более 80 лет (что уже удача, ведь тогда жили 35-40). Благодаря настоящему долгожительству мастера ему удалось достичь высшего совершенства в художественном искусстве.

Краткая биография художника Сурикова Василия Ивановича

Биография художника Тропинина и его «счастливое дарование»

«Венера Урбинская» Тициана – вечное совершенство

Краткая биография

В 1852 г. молодой человек отправился в Москву поступать в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1853 г. он был принят, но из-за финансовых трудностей чуть было не бросил учёбу. Помог преподаватель Егор Яковлевич Васильев, приютивший талантливого ученика у себя дома.
В 1856 г. за портрет двоюродного брата Василий был награждён малой серебряной медалью Академии художеств.
Через год картина «Приезд станового на следствие» была отмечена большой серебряной медалью.
В 1860 г. молодой художник получил малую золотую медаль за работу «Первый чин», после чего переехал в Петербург, чтобы принять участие в конкурсе на большую золотую медаль.
Год спустя Перов закончил работу над 2-мя картинами. Первая, «Проповедь в селе» принесла автору большую золотую медаль и возможность продолжить обучение за границей. Вторая, «Сельский крестный ход на Пасхе», была встречена неоднозначно. Картина вызвала большие споры в обществе и была запрещена к показу в России. Её приобрёл для своей коллекции Павел Третьяков.
В 1862 г. Перов окончил училище. В этом же году он написал своё знаменитое полотно «Чаепитие в Мытищах».
В декабре того же года художник отправился поездку за границу в качестве пансионера Императорской Академии художеств. Сначала он посетил несколько немецких городов, познакомился с коллекциями их музеев, потом прибыл в Париж, где прожил до 1864 г. Там он написал ряд интересных картин со сценами европейской уличной жизни. Но художник очень тосковал по родине, поэтому досрочно вернулся в Москву.
На родине Перов много и плодотворно работает, создавая картины на социальные темы. В работах середины 60-х гг. художник с глубоким сочувствием показывает несчастную жизнь бедняков. В 1865 г. появляется полотно «Проводы покойника», завоевавшее первую премию на московском конкурсе Общества любителей художеств.
За картины «Тройка» и «Приезд гувернантки в купеческий дом», написанные в 1866 г. Василий Григорьевич был удостоен звания академика.
В 1867 г. несколько полотен Перова было представлено на Всемирной выставке в Париже. Они получили высокие оценки критиков и публики.
В 1868-1869 гг. живописец много работал в портретном жанре, стараясь передать особенности характера и духовного мира своих героев.
В 1869 г. вместе с Григорием Мясоедовым Перов основал Товарищество художественных передвижных выставок и стал членом его правления. Эту должность он занимал 7 лет.
В 1870 г. картины «Странник» и «Птицелов» принесли своему создателю звание профессора.
В 1871 г. была написана и представлена на 1-й выставке передвижников картина «Охотники на привале». Вообще в 70-е гг. Перова больше занимают бытовые сцены, он показывает людей, увлечённых любимым делом.
В том же году художник становится преподавателем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.
По заказу Павла Третьякова мастер в 1871-1872 гг. создаёт ряд портретов русских литераторов и научных деятелей. Среди них выделяется портрет Ф. М. Достоевского, А. Н. Островского, И. С. Тургенева, В. И. Даля и др.
В 1873 г. живописец участвует в венской Всемирной выставке. В том же году он начинает писать этюды к работе «Суд Пугачёва». Он создаст 3 варианта этой картины, но ни один автора не удовлетворит.
В 1874 г. по мотивам романа Тургенева «Отцы и дети» художник написал картину «Старики-родители на могиле сына».
В 1875 г. Василий Григорьевич пробует себя в роли писателя. Некоторые его статьи печатаются в журналах.
В 1877 г. Перов покинул Товарищество передвижников.
В 1878 г. он снова участвовал во Всемирной парижской выставке, представив на ней 6 работ.
Последней работой художника стало большое полотно «Никита Пустосвят. Спор о вере». Картина осталась незаконченной.
29 мая (10 июня по новому стилю) 1882 г. в возрасте 48 лет Василий Григорьевич Перов умер от чахотки.

Автопортрет. 1870 г.

Художественные приёмы, использованные автором

При написании картины автором использовались необыкновенные сочетания цветов. Применённые им технические приёмы подчёркивают эмоциональный фон полотна, придают работе выразительности.

На полотне преобладают различные оттенки синего цвета. Они играют важную роль в общей композиции. Нежный голубой оттенок неба контрастирует с насыщенным тёмно-синим окрасом леса на горизонте. Эта тёмная полоса придаёт работе некоторую таинственность.

В цветовой палитре произведения преобладают холодные оттенки:

синий;
голубой;
белый;
малахитово-зелёный.

При ближайшем рассмотрении видно, что картина написана крупными мазками масла по холсту. Таким образом художник придаёт свей работе рельефность и выразительность. Ему удалось добиться эффекта присутствия. Зритель как бы попадает на ту поляну, где расправили крылья гордые белоснежные птицы.

Семья, дети

О личной жизни Тициана известно немного. По легенде у мастера был роман с Виолантой, любимой натурщицей. Но женился он на другой (о чём сохранились юридические документы) – в 1525 году, на женщине, к тому времени родившей ему двух сыновей, Помпонио и Орацио. Имя её Чечилия Сольдано. В 1530-м она умерла при родах вместе с ребёнком, девочкой.

Женился снова или нет, доподлинно неизвестно, но дочь Лавиния у художника появилась. Она стала излюбленной моделью талантливого отца. Когда Лавиния стала невестой, Тициан несколько лет подбирал кандидатуру жениха, одобрив в конце концов порядочного дворянина.

Халима Каролина Берекет

Халим Каролина Берекет — талантливый турецкий художник, чья уникальная творческая визия завораживает зрителей по всему миру. Его искусство выражается в разнообразных формах, включая живопись, скульптуру и фотографию. Вот несколько фактов о его творчестве:

Халим Каролина Берекет восхищает публику своей мастерской игрой светом и тенями, создавая эффекты глубины и объема на своих картинах.
Он экспериментирует с различными техниками и материалами, от классического масляной живописи до современного цифрового искусства.
В его работах часто присутствуют символы природы и геометрические узоры, создающие гармоничное сочетание абстракции и реализма.
Художник стремится передать свои эмоции и мысли через каждую работу, вдохновляя зрителей задуматься над глубинными смыслами искусства.
Халим Каролина Берекет активно выставляет свои произведения в галереях и музеях по всему миру, привлекая внимание искусствоведов и коллекционеров.

Творчество Халима Каролина Берекета является ярким примером его инновационного подхода к искусству и великолепной способности переносить свои идеи на холст, создавая неповторимые произведения искусства.

Часто задаваемые вопросы

Какую известную фотографку можно найти среди турецких художников?
Ара Гюлер — турецкая фотограф и художница, известная своими яркими и динамичными фотографиями, отражающими культуру, историю и природу Турции.

Персональные выставки[править | править код]

2019 — «Хорошо-Плохо. Ретроспектива». Галерея «VS unio», Москва.
2013 — «Fucked or Museum of Russian Futurists. 1978—2013». Галерея «Tranzit Display», Прага.
2009 — «SHIT IN ART» (совм. с Иварсом Гравлейсом). Галерея «36», Оломоуц.
2008 — «The Medium is the Message 2008» (совм. с Иварсом Гравлейсом). Галерея «Ateliér Josefa Sudka», Прага.
2008 — «Лица искусства XX века» (совм. с Вацлавом Магидом). Галерея «Футура», Прага.
2008 — «Ольга Свиблова — говно, или Конец критического дискурса» (совм. с Зоей Черкасской). Галерея М. и Ю. Гельман, Москва.

2006 — «Школа Авангардизма». Галерея М. Гельмана, Москва.
2006 — «Telefonrechnung». Галерея «Вперед!», Берлин.
2006 — «Rot» (совместно с Е. Колбасиной). Галерея «Вперед!», Берлин.
2006 — «After Kitup». Галерея «Вперед!», Берлин.
2006 — «Голоса» (аудио реди-мейд, совм. с Алексеем Булдаковым). Галерея «Вперед!», Берлин.
2006 — «Avdey Ter-Oganian. Retrospective» / Авдей Тер-Оганьян. Ретроспектива. Ставангер, Норвегия.

А. Тер-Оганьян, (совм. с Ильёй Китупом), «Карлики», 1992

2005 — «Luftfolie». Галерея «Вперед!», Берлин.
2005 — «Левый Марш». Перформанс-Интервенция на вернисаже 2-й Пражской биеналле. Display — Space for Contemporary Art, Прага.
2005 — «Школа Авангардизма». Галерея «Вперед!», Берлин.
2005 — «Project of the assertion of the new. Avdey Ter-Oganian 1982—2005. Retrospective» / «Авдей Тер-Оганьян. Ретроспектива». Kulturhus Stavanger, Норвегия.
2004 — «Ready-made now». Галерея «Вперед!», Берлин.
2004 — «Хорст Ебауер — чемпион мира» (совм. с Ильёй Китупом), Галерея «Вперед!», Берлин.
2004 — «Полосочки». Галерея М. Гельмана, Москва.
2003 — «Ненормативная живопись». Галерея М. Гельмана, Москва.
2003 — «Yves Klein, Exercise». Display — Space for Contemporary Art, Прага.
2000 — Галерея «Вперед!». Галерея NoD, Прага.
1999 — «Работы Авдея Тер-Оганьяна из коллекции галереи М. Гельмана». Галерея М. Гельмана, Москва.
1999 — «10 лет в искусстве». Центр современного искусства, Москва.
1998 — «Вон из искусства!». Галерея М. Гельмана, Москва.
1996 — «Солнце в бокале». Галерея М. Гельмана, Москва.
1993 — «Некоторые проблемы реставрации произведений современного искусства». Галерея в Трёхпрудном переулке, Москва.
1992 — «Натюрморт с подсвечником». Галерея М. Гельмана, Москва.
1992 — «L.H.O.O.Q.» — Галерея в Трёхпрудном переулке, Москва.
1992 — «Из нового». — Галерея в Трёхпрудном переулке, Москва.
1992 — «В сторону объекта». — Галерея в Трёхпрудном переулке, Москва.
1992 — «Вперед». — Галерея в Трёхпрудном переулке, Москва.
1992 — «Карлики». (совм. с Ильёй Китупом) — Галерея в Трёхпрудном переулке, Москва.
1991 — «Плохая живопись» (Совместно с В. Ситниковым). Галерея М. Гельмана, Москва.
1981 — «Авдей Тер-Оганьян». Городской психиатрический диспансер, Ростов-на-Дону.
1980 — «Авдей Тер-Оганьян». Молодёжный центр «ЭТО», Ростов-на-Дону.

Леон Бакст

Леон Бакст: магия цвета, движения и эмоций.

Изящность: каждая его кисть призывает к жизни элегантные образы.
Призма стилей: от впечатляющего русского искусства до экзотической турецкой культуры.
Костюмы, оживающие на сцене: его дизайны переносят зрителей в волшебные миры.
Отражение души: он умел захватывать эмоции и отображать их на холсте.
Стремление к совершенству: его работа вдохновляет на смелые исследования и творческие риски.
Звезда в искусстве: его имя стало неизбежным в рассказах о великих художниках.
Бесконечная легенда: его наследие продолжает вдохновлять и восторгать поколения.

Творчество

Первой книгой, проиллюстрированной Евгением Чарушиным, стал «Мурзук» Виталия Бианки. В дальнейшем художник создавал иллюстрации для произведений Михаила Пришвина, Корнея Чуковского и Максима Горького, русские сказки. Наибольшее признание получили портреты героев произведения Самуила Маршака «Детки в клетке».

Иллюстрации Евгения Чарушина к книге Самуила Маршака «Детки в клетке»

Любимой техникой Евгения Ивановича являлась литография. Иллюстратор обычно пренебрегал изображением среды, в которой находились медвежата и волчата, его мышление сопротивлялось изображению пространства.

Во время войны художник, находившийся с семьей в эвакуации в родном городе на берегу Вятки, был вынужден отойти от любимой тематики и техники. Среди работ Чарушина того времени – оформление спектаклей драматического театра, создание плакатов, иллюстрирование сборников «Наука ненависти» и «Боевые дни», роспись общественных помещений города Кирова – от Дома пионеров до заводской столовой.

Художник и писатель Евгений Чарушин

Евгений Чарушин неоднократно сотрудничал с фарфоровым заводом, расположенным в городе на Неве. До войны создавал рисунки для росписи фарфора и разрабатывал способы их нанесения на сервизы, а в послевоенные годы лепил миниатюрные фигурки животных.

Писать прозу Чарушин начал по совету Маршака, дебютировав произведением «Щур». Почти все рассказы и сказки Евгения Ивановича повествуют о животных, произведения благополучны по тональности и финалам – персонажи не становятся ни убийцами, ни жертвами. Постоянный спутник Чарушина-рассказчика – юмор, частый художественный прием – звукоподражание (Например, «Фить-пирю» в «Перепелке»).

Иллюстрации Евгения Чарушина к книге «Никитка и его друзья»

В прозе художника много оборотов устной речи – вульгаризмов и жаргонизмов. Благодаря этому у читателя создается впечатление, что писатель не сочинил истории, а пережил их (как выбор щенка в рассказе «Про Томку») или подслушал и записал. Художник и писатель почти никогда не прибегал к умилительному антропоморфизму – изображению мира животных аналогичным миру людей, и, следовательно, постижимому для двуногих.

В каждой живой твари Чарушину виделась загадка, а таинственность жизни животного отлично передавалась отсутствием контурного рисунка – рисованием «пятнами» и «штрихами», своеобразным анималистическим импрессионизмом. Наиболее интересными Евгения Ивановича считал зверят – ведь в будущих Топтыгиных и Патрикеевных сочетались черты ребенка и зверя. Об этом свидетельствуют сами названия произведений анималиста («Медвежата», «Мохнатые ребята», «Волчишко»).

Творчество Ивана Ивановича Шишкина

Раннее творчество

Для ранних работ мастера («Вид на острове Валааме», 1858, Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867, Третьяковская галерея) характерна некоторая дробность форм; придерживаясь традиционного для романтизма «кулисного» построения картины, четко размечая планы, он не достигает еще убедительного единства образа.

В таких картинах, как «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869, там же), это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе равных в русском пейзажном искусстве).

Зрелость

В 1870-е гг. Иван Шишкин входил в пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872) и «Рожь» (1878; обе — Третьяковская галерея).

Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник Иван Шишкин фиксирует ее высший летний расцвет, достигая впечатляющего тонального единства именно за счет яркого, полуденного, летнего света, определяющего всю колористическую шкалу. Монументально-романтический образ Природы с большой буквы неизменно присутствует в картинах. Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева.

Иван Шишкин — замечательный поэт не только почвы, но и дерева, тонко чувствующий характер каждой породы .

С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа дубов и сосен — в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе. Классические произведения Ивана Ивановича — такие, как «Рожь» или «Среди долины ровныя…» (картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова; 1883, Киевский музей русского искусства), «Лесные дали» (1884, Третьяковская галерея) — воспринимаются как обобщенные, эпические образы России.

Художнику Ивану Шишкину одинаково удаются и далевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем», 1886; «Утро в сосновом лесу» где медведи написаны К. А. Савицким, 1889; обе — там же). Самостоятельную ценность имеют его рисунки и этюды, представляющие собой детализованный дневник природной жизни.

Другой вариант сочинения

Текст сочинения по литературе для 9 класса может быть составлен в форме рассуждения или отзыва о картине И. Тихого «Аисты».

На переднем плане композиции видна густая высокая луговая трава. Она переливается желтовато-зелёными красками. Внизу справа изображены заросли камышей. Вероятно, в этом месте находится небольшой пруд или берег реки. Если присмотреться сюда повнимательнее, можно заметить узкую полоску воды за этими зарослями. Слева художник изобразил небольшой лесок. Деревья и кустарники имеют насыщенную темно-зелёную окраску и образуют контраст со светлым фоном.

Центр композиции и наиболее важная её часть — взмывающие в небо аисты. Их движения легки и грациозны. В расправленных крыльях чувствуется мощь и свобода. Вероятно, птицы расположились отдохнуть в жаркий день возле пруда или озера. Однако их кто-то спугнул, и стая устремляется ввысь.

Птица, которая расположена ближе всех к зрителям, только собирается взлететь в небеса, поэтому можно подробно рассмотреть её изображение. Художнику удалось великолепно изобразить длинную гибкую шею птицы, стройные ноги и широкие крылья, раскинутые в стороны. На первый взгляд аист выглядит белоснежным. Но если присмотреться, можно заметить множество оттенков:

В нижней части крыльев отражается луговая трава, поэтому они имеют желтоватый оттенок.
Сверху оперение птиц имеет голубоватый отлив — отражение небесной лазури.
Белизна птиц выглядит особенно яркой благодаря тёмной кайме по краям крыльев.
Белые мазки, которыми выполнены взлетевшие птицы, подчёркивают их лёгкость и воздушность. Стая как будто устремляется вслед за облаками и сливается с ними.

Особого внимания заслуживает прекрасное лазурное небо. Оно занимает бо́льшую часть картины и написано несколькими оттенками голубого цвета. На этом чистом фоне особенно гордо и грациозно выглядит птичья стая. Ощущение свободы и полёта передаётся и зрителю.

Хотя на картине нет видимого изображения светила, но яркое небо и сияющие белые облака создают ощущение солнечного ясного дня. Лучи солнца отражаются и от белоснежных крыльев, придавая им ещё больше сияния.

На заднем плане изображено несколько деревьев с пышными кронами. Их тёмная зелёная окраска создаёт контраст с белоснежными птицами и небесной лазурью. Это придаёт изображению глубину и выразительность. Другое контрастное изображение — тёмно-синие холмы, изображённые на горизонте.

Личная жизнь

Со своей женой Корней Чуковский познакомился, когда ему едва исполнилось восемнадцать лет. Его супруга, Мария Борисовна, была дочерью бухгалтера Арона-Бера Рувимовича Гольдфельда и домохозяйки Тубы. Родители жены были против брака с Чуковским, поэтому молодые люди даже думали о том, чтобы сбежать из Одессы на Кавказ. Побег не удался, а в 1903 году они все-таки смогли обвенчаться.

Сразу после венчания супруги уехали в Англию. Но когда через несколько месяцев Корней Чуковский узнал, что супруга беременна, то тут же вернул ее домой на родину. В начале июня 1904 года он получил телеграмму о рождении сына. В Лондоне писатель смог получить не только жизненные впечатления, но и знания, которые позволили ему стать петербургским критиком. Вскоре в его семье родились еще двое детей.

Пока Чуковский читал лекции, разъезжая по стране, его жена воспитывала трех детей: Николая, Лидию и Бориса. В 1920 году рождается дочь Мария, которую в семье называли Мурочкой. Именно она станет героиней многих произведений Чуковского. Но в 1931 году от туберкулеза она умирает. Через десять лет погибает на войне младший сын Борис. А через четырнадцать лет умерла и жена Чуковского.

Личная жизнь Дениса Фонвизина

О любовных чувствах Фонвизина известно немногое – только то, что он отразил в своем автобиографическом произведении. По словам самого писателя, влюблен он был единожды (еще будучи юным молодым человеком 23-х лет) – в Анну Приклонскую. Женщина была очень умна, начитана, обаятельна и хороша фигурой. Интересно, что она отвечала драматургу взаимностью. Но союз Фонвизина и Приклонской был обречен – Анна уже была замужем и не могла предать своего мужа.

Несмотря на то, что до конца своих дней Денис Иванович любил лишь Анну, он все же женился на другой женщине. Избранницей писателя стала Катерина Хлопкова, с которой они познакомились на службе. Жена стала для драматурга лучшим другом, поддержкой и опорой. Она была в него безумно влюблена (что замечали даже окружающие). А он – относился к ней с теплом, добротой и нежностью (все еще храня в сердце Анну).

Именно Катерина Хлопкова помогала Денису Ивановичу, когда его тело было скованно параличом. Сперва у драматурга отнялась речь и возможность управления рукой. После – тело было охвачено уже более серьезно. Жена при этом была для него единственной нянькой и оставалась рядом со своим возлюбленным до конца его дней. Увы, наследников у знаменитого писателя и публициста нет. У Катерины и Дениса не было детей.

Некоторые групповые выставки[править | править код]

2023 — «Выставка с глубоким смыслом». Новое крыло Дома Гоголя, Москва.

— «Самая плохая выставка на свете». Галерея XL, Москва.

— «Великие чародеи живописи — 2». Галерея «Пересветов переулок», Москва.

— «Шарики и кружочки». Галерея XL, Москва.

— «Энди Уорхол и русское искусство». Фонд Артсолус, Севкабель Порт, Санкт-Петербург.

— «Против Навального». Галерея «Пальто», Москва.

— «Против Навального». Институт горючих ископаемых, Москва. Выставка отменена администрацией института.

— «Против Навального». Зверевский центр современного искусства, Москва. Выставка отменена Зверевским центром.
2014 — «Цензура шлю-ха-ха». Галерея «Культурный Альянс» (проект Марата Гельмана), Москва.
2010 — «Контрапункт: современное русское искусство». Лувр, Париж. Выставка была бойкотирована А. Тер-Оганьяном.

2010 — «Свободы!..». Квартирная выставка, Москва.
2009 — «Ночь в музее». Пермский музей современного искусства, Пермь.
2009 — «Товарищество „Искусство или смерть“». Государственный музей современного искусства, Москва.
2009 — «Видение». Пермский музей современного искусства, Пермь.
2009 — «Ремейк». М-галерея, Ростов-на-Дону.
2009 — «МосквАполис». Пермский музей современного искусства, Пермь.
2008 — «Русское бедное». Речной вокзал, Пермь.
2008 — «О смертном в искусстве. Памяти Николая Константинова». М-галерея, Ростов-на-Дону.
2007 — «Запретное искусство — 2006»

Музей А. Д. Сахарова, Москва.
2003 — «Осторожно, религия!». Музей А. Д. Сахарова, Москва.
1994 — «Майская выставка»

Московский дом художника на Кузнецком мосту, Москва.
1991 — «В субботний вечер». Бывший музей Ленина, Львов.
1990 — «За культурный отдых» (совм. с Ильёй Китупом). Выставочный зал «На Каширке», Москва.
1990 — «В ожидании отдыха». (совм. с Ильёй Китупом) Культурный центр на Петровских линиях, Москва.
1990 — «Великие чародеи живописи». Выставочный зал «Пересветов переулок», Москва.
1989 — «Выставка, которая не считается, потому что все очень плохо». Гостиница «Юность», Москва.
1989 — «Италия имеет форму сапога». Выставочный зал Союза художников, Ростов-на-Дону.
1988 — «Провинциальный авангард». Кооперативный туалет «Прогресс», Ростов-на-Дону.
1988 — «Жупел». Выставочный зал Союза художников, Ростов-на-Дону.
1988 — «Однодневная выставка». ДК завода «Прибой», Таганрог.