Гийоме, гюстав ашиль

Облачные ворота

Художник: Аниш Капур

Год: 2006

Облачные ворота (2006) — Аниш Капур

Облачные ворота — это общественная скульптура, которая является центральным элементом площади AT&T в Миллениум-парке, Чикаго, самом густонаселенном городе в американском штате Иллинойс. Она состоит из 168 пластин из нержавеющей стали, сваренных вместе и размещенных на земле. Её размеры 10 на 20 на 13 м и вес около 100 тонн. Скульптура получила прозвище «Боб» из-за ее формы — название, которое Аниш Капур изначально не любил, но позже полюбил. Облачные ворота посещают тысячи посетителей каждый день, наблюдая за скульптурой под разными углами и прогуливаясь под ней. Мэр Чикаго Ричард М. Дейли объявил 15 мая 2006 года днем открытия скульптуры «Днем облачных ворот». С момента установки скульптура стала одним из самых известных общественных произведений в мире. Журнал TIME описывает это как важную возможность для фото и больше как место назначения, чем произведение искусства; New York Times пишет, что она является «туристическим магнитом» и «экстраординарным объектом искусства«; в то время как USA Today описывает скульптуру как монументальное абстрактное произведение. Облачные ворота — самое известное произведение современного художника.

Купить прекрасную картину для интерьера в Санкт-Петербурге можно в нашей галерее!

Дополнение жилища предметами искусства – традиция достаточно древняя.
Изначально единственным вариантом настенных украшений были иконы, но
примерно с 16 века эстампы и картины в богатых золоченых рамах
начали появляться в домах знатных людей. Выйдя за пределы
исключительно церковных стен, изобразительное искусство обрело
собственные модные тенденции и стало важным дизайнерским элементом.
Купить картины превосходных художников для дополнения и украшения
интерьеров своего дома вы можете в галерее «Голубая Гостиная».
Галерея Союза художников Санкт-Петербурга – это настоящий «знак
качества»!

Чудесные картины в вашем доме: создайте чарующую атмосферу с помощью
высокого искусства!

Приобретение картин давно перестало быть уделом сверхбогатых людей.
Талантливейшие современные художники продают свои шедевры по вполне
скромным ценам, при этом у вас есть все шансы спустя годы оказаться
владельцем невероятно дорогой картины – ведь по мере восхождения
живописца к мировой славе его работы ценятся все больше.

Наличие в доме художественных произведений создает особый настрой и
считается уже практически признаком хорошего тона. В «Голубой
Гостиной» вы можете выбрать из множества великолепных картин для
своего интерьера. Желаете купить картину в СПб? Загляните к нам,
истинное искусство ждет вас!

Подбор картин для оформления разных помещений

Выбирая живописное произведение, мы руководствуемся своим вкусом,
душевными порывами, личными предпочтениями. Но существуют и
определенные общие правила, касающиеся расположения картин в той или
иной комнате. Различные размеры и жанры произведений гармонично
смотрятся в разной обстановке.

Так, для кухонь обычно выбирают натюрморты: атмосферу этого помещения
оживит яркая, сочная картина не слишком больших размеров.

А вот в столовую уже можно подобрать вариант покрупнее. Если
желательно визуально чуть расширить комнату – с этой задачей
справится пейзаж, наполненный светом и будто открывающий
своеобразное окно в другое пространство. Помещение в модерновой
стилистике отлично дополнят изысканные, легкие акварели. Современные
абстрактные картины тоже будут прекрасно выглядеть в столовой.

Детскую комнату тоже можно и нужно украшать живописью: малышам
полезно расти в окружении искусства. Сюда лучше подбирать позитивные
картины с яркими красками и интересными сюжетами. В зависимости от
предпочтений и возраста ребенка это могут быть сказочные персонажи
или заманчивые пейзажи заморских стран. Не стоит увлекаться слишком
утомительно-пестрыми произведениями, которые могут чрезмерно
будоражить детей.

В спальне разумно разместить спокойные и неяркие предметы живописи –
изящные, нежные и настраивающие на отдых.

Даже в скромных по размеру холлах и прихожих будут чудесно смотреться
удачно выбранные картины: к примеру, стильная графика.

Разумеется, нужно соотносить стилистику живописных работ с общим
интерьером помещения: так, классический дизайн будет гармонировать
со старинными картинами, а минималистичные и строгие помещения лучше
дополнять авангардным искусством.

Семечки подсолнуха

Художник: Ай Вэйвэй

Год выпуска: 2008

Семечки подсолнуха (2008) — Ай Вэйвэй

Ай Вэйвэй считается архитектором китайского модернизма и он самый известный современный художник из Китая. Он также остается известным активистом, который открыто критиковал позицию китайского правительства в отношении демократии и прав человека. Семечки подсолнуха (Kui Hua Zi) — это художественная инсталляция, созданная Вэйвэем, которая состоит из более чем 100 миллионов фарфоровых семян подсолнуха, покрывающих пол площадью 1000 квадратных метров и глубиной 10 см. Произведение искусства было впервые выставлено в галерее современного искусства Тейт в Лондоне с октября 2010 по май 2011 года. Семена подсолнуха были частой темой китайской политической пропаганды в детстве Гая. В китайском искусстве того периода Мао Цзэдун изображался как солнце, а народ Китая — как семена подсолнуха. Своей инсталляцией художник показывает нам необъятность Китая, где отдельное семя мгновенно теряется среди миллионов. Семечки подсолнуха выставлялись в 12 выставках с 2009 по 2013 годы в музеях и галереях всего мира.

Интересные факты

• Подражавший отцу-коммунисту Дэвид покупал в сэконд-хэнде вещи «под советского пролетария», за что в колледже получил прозвище «Борис»
• Хокни потерял слух в силу наследственности, когда ему было всего 40 лет. У Дэвида есть несколько пар слуховых аппаратов самых ярких расцветок. 
• В 2001 году Дэвид Хокни вместе с физиком Чарльзом М. Фалько выдвинули гипотезу. Основная идея заключалась в том, что прогресс западноевропейской реалистической живописи эпохи Возрождения вызван техническим прогрессом (появлением камеры-обскура и сферических зеркал), а не эволюцией мастерства живописцев. Гипотеза вызвала большой общественный резонанс и не была признана искусствоведами. 
• 15 ноября 2018 года работа Хокни «Портрет художника» («Бассейн с двумя фигурами») 1972 года была продана в Christie’s за 90 миллионов долларов, став самой дорогой работой живого художника, ушедшей с аукциона.
• Дэвид Хокни является автором шестиметрового витража Вестминстерского аббатства, эскиз которого он сделал на Ipad в 2018 году. 
• Ассистент художника покончил с собой в студии Хокни в Бридлингтоне. Под действием наркотиков юноша выпил кислоту и умер в госпитале. Художник тяжело переживал его смерть и в течение нескольких месяцев не мог рисовать.
• В 1990 году Хокни отказался от рыцарского титула, заявив, что он просто не хочет быть сэром Дэвидом
• Хокни не стал писать портрет королевы, аргументировав это тем, что предпочитает рисовать исключительно тех, кого знает лично.
• Хокни известен своими критическим высказыванием о коллеге Дэмиене Херсте. Дэвид упрекает лидера Молодых британских художников в том, что тот отдает доделывать картины своим ассистентам, что по мнению Хокни «оскорбляет искусных ремесленников».
•  Все свои письма художник подписывает фразой «Люблю жизнь, Дэвид Хокни»

Биография

Сын сельского учителя. Детство и юность провёл в Перми. По получении в Перми среднего образования едет в Санкт-Петербург, где заканчивает общеобразовательное отделение Психоневрологического института. Одновременно занимался живописью и рисунком в частной студии. С осени 1910 года Н. Гущин учится в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Занимался у В. А. Серова, С. В. Малютина, К. А. Коровина. Участвовал в выставках МУЖВЗ с 1911 года, в 44-ой выставке Товарищества Передвижных художественных выставок (ТПХВ), Пг. — М., 1915, Второй Весенней выставке молодых художников (М., начало 1917-го года).

В 1917—1918 годах преподавал живопись в Академии изящных искусств в Перми, по его проекту был сооружен памятник Борцам революции, взорванный колчаковцами в 1919-м году.
В 1919 через Сибирь уезжает в Китай. В Китае — ряд персональных выставок в Харбине, Пекине, Тяньцзине и Шанхае.
В 1922-м переезжает в Париж.
С 1934 года живёт в Монако.

Во Франции участвовал во многих групповых выставках в Париже, выставлялся в Лондонской королевской академии, в ряде городов Германии. Не потеряв советского гражданства, участвовал в Международной выставке декоративных искусств в Париже 1925 года (советский павильон), где был отмечен Золотой медалью. Провел персональные выставки в Париже (галерея Кармин, 1927) и Ницце (1926-й, 1943-й годы). Ряд выставок в Монте-Карло.

До возвращения в Россию неизменно имеет успех в художественных кругах и обществе. Состоял в экспертном совете Лувра, участвовал во многих общественных акциях. Его работы приобретают городские музеи Парижа, Гренобля, Монте-Карло, Ниццы.

В период Второй мировой войны — участник Французского движения Сопротивления, награждён медалью.

В 1947 году возвращается в СССР. Из-за официального запрета на место жительство в Москве и Ленинграде, выбирает для жизни город на Волге — Саратов. Работает реставратором в СГХМ им. Радищева. Несмотря на официальный запрет на преподавательскую деятельность — был объявлен «идейно чуждым», стал духовным лидером и сформировал вокруг себя группу молодых художников, которых впоследствии условно стали называть «художниками круга Гущина»: М. Аржанов, В. Чудин, В. Солянов, В. Лопатин, Л. Перерезова, Ю. Машков.

Большая часть его картин «советского» периода попала после смерти художника в собрание СГХМ им. Радищева, портрет Махатмы Ганди (х., м.; 1958 г.) был передан Министерством Иностранных дел СССР в дар Джавахарлалу Неру в 1961 году. Картина «С тобой, Лумумба!» приобретена Университетом Дружбы народов в Москве. Персональные выставки стали возможны только с периода перестройки, первая прошла в СГХМ в 1987 году.

В 1910-х годах был близок к кругу футуристов (дружба с Маяковским, Бурлюками, В. Каменским и др.), однако в живописи сформировал свою собственную стилистику, сочетающую изысканность модерна и символизма с энергией экспрессионизма и яркостью фовизма. К стилистическим особенностям пластического языка Гущина можно отнести и редкое для двадцатого века соединение классического ясного и чёткого рисунка с большой свободой цветотональных решений. Фактура живописи (особенно произведений последнего, российского периода) богатая, пастозный мазок может соседствовать с гладким, пейзажи по фактуре обычно более однородны, чем портреты и композиции. Цвет в работах последнего периода форсированный, интенсивный, при этом каждый миллиметр полотна содержит огромное количество оттенков. В Европе был славен как блестящий портретист, в прессе акцентировалась самобытность художника, живописца называли гениальным.

Дочь об отце

Так пишет о своем отце Екатерина Двигубская — режиссер, актриса и писательница. Отцу было всего семьдесят лет. До конца никто не знает, почему он так поступил. А за десять лет до этого Екатерина написала рассказ, где описала все, что произойдет с Николаем Двигубским в течение последних десяти лет, вплоть до смерти.

В последние годы Двигубский Николай Львович — художник-постановщик — писал такие полотна, от которых хотелось плакать. Художник страдал от рака, но известно, что вылечился от него. Изображал мать и дитя, покаяние человека, крик больного человека и так далее, причем полотна были огромные, не для продажи. Видимо, художник сам себя загнал в невыносимые страдания, которые пожирали его изнутри, и не выдержал подобной жизни. Есть мнение, что художник не хотел стареть, быть немощным, обузой для кого-то. Решив, что на этом свете он сделал все что смог, Николай Двигубский свел счеты с жизнью.

Награды

• 1950: Приз за натюрморт в Salon des Femmes Painter et Sculpteurs
• 1953: Гран-при Союза женщин-художников и скульпторов
• 1957: Серебряная медаль на Ментонской биеннале. Гран-при Vichy International Painting
• 1958: Prix Poussielgue du Nu в салоне Национального общества изящных искусств
• 1959: Приз города Фонтенбло
  
• 1960: Премия Фармана за натюрморт в салоне Национального общества изящных искусств .
• 1961: Бронзовая медаль Генерального совета Сены на Ярмарке современного искусства в Монруж
• 1962: Гран-при Шарля Котте в Национальном обществе изящных искусств
• 1963: Гран-при Генерального совета Сены и Марны в Салоне Фонтенбло . Золотая медаль на Ментонской биеннале
  
• 1965: кавалер ордена Академических пальм
• 1976: Серебряная медаль Салона французских художников.
• 1979: Премия Finez Planard от Фонда Тейлора в Salon des Artistes Français
• 1980: Премия за европейские художественные заслуги. Приз города Фонтенбло
  
• 1986: Золотая медаль Салона Фиолетовый и Серебряная медаль города Парижа .

«Наследие Югры». Выставка произведений Галины Визель в г.Ханты-Мансийск.

Другие выставочные залы

Дата проведения: 11 марта — 17 апреля 2016 года

Место проведения: Государственный художественный музей, г. Ханты-Мансийск, ул. Мира, д.2

Галина Михайловна Визель – народный художник Российской Федерации, член-корреспондент Российской академии художеств, член Союза художников России, член Союза дизайнеров России, преподаватель Центра искусств для одаренных детей Севера (г. Ханты-Мансийск). Автор более 500 произведений в жанре анималистики, декоративной скульптуры, настенных панно. Галина Михайловна ведет активную выставочную деятельность, является лауреатом выставок регионального, всероссийского и международного, масштаба.

Предания и мифы народов ханты и манси с легкой руки талантливого художника становятся осязаемыми и словно незримой нитью связывают современных жителей Югры с далекими предками. Работы Галины Визель звучат так ярко и правдиво, как будто автор сама побывала в прошлом и принимала участие в празднествах, посвященных различным божествам.

Вниманию зрителей представлены декоративные композиции из циклов «Наследие Югры», «Боги и духи» и др., в которых органично переплелись реальность и вымысел художника, его способность через форму, обобщенную до знакового символа, передать философские и религиозные верования коренных народов Севера.

Светлана Зонина, директор Государственного художественного музея:

«Художник, обладающий талантом, должен еще и уметь много трудиться. И Галина Михайловна Визель – это пример того, что великий труд и творчество дают плоды. Сегодня на юбилейной выставке «Наследие Югры» сразу в двух залах представлено удивительное искусство керамиста и живописца Галины Визель. Это более 150 работ, выполненных из шамота и фаянса, соединяющих в себе традицию и современное авторское решение».

В многочисленных поздравлениях, прозвучавших в адрес Галины Михайловны, отмечались не только ее талант художника и колоссальное трудолюбие, но и талант педагога, наставника молодых художников-керамистов. «Мы ценим ваш труд, вложенный в нас» – такими словами закончили свое поздравление ученики Галины Михайловны. Поздравить Галину Визель пришла и губернатор Югры Наталья Комарова.

Всего в день открытия выставку посетили почти 500 человек.
Выставка «Наследие Югры» продолжит работу до 17 апреля 2016 года. Вход свободный.
Подробнее: www.ghm-hmao.ru

версия для печати

Примечания и ссылки

Рекомендации

1. Цихай: Стр. 452
2. ↑ и , стр.  135
3. ↑ и , стр.  35 год
4. Если в старых каталогах упоминаются сотни пейзажей Го Си, до нас дошло всего около двадцати работ более или менее сомнительной атрибуции. , стр.  600 Но исчезновение картин великих художников — это общий факт в истории китайского искусства, и это не означает, что эти картины были бы уничтожены после смерти Шэньцзуна.
5. ↑ и , стр.  601
6. ., , с.  118
7. ., , с.  119
8. ., , с.  116
9. , стр.  40
10. , стр.  278
11. ↑ и , стр.  36
12. , стр.  39
13. ↑ и , с.  106
14. , стр.  34: История признательности скал.
15. , стр.  31 год
16. , стр.  32
17. , стр.  122
18. , стр.  140
19. , с.  106-107
20. , стр.  374
21. , с.  107
22. , с.  108
23. ↑ и , с.  109
24. , с.  103
25. , с.  105
26. , с.  149
27. , стр.  439
28. , стр.  68
29. , стр.  73
30. , стр.  85
31. , стр.  87
32. , стр.  80
33. , стр.  107
34. , стр.  109
35. , стр.  127

Заметки

1. Эти независимые люди будут идентифицироваться и цениться на Западе больше, чем в Китае, как «чудаки».
2. Те из Ван Анши .
3. Янчжун  : Серьезный и суровый
4. yi  : Идея
5. июл  : Секреты
6. Ширина: ширина тканого материала между двумя краями (краями тканого материала).
7. Ян су  : Воспитывайте в себе изначальную природу в ее простоте.
8. О Дао, слове и его использовании в даосизме, прочтите точный синтез Сирилла Ж.-Д. Javary в 100 словах для понимания китайского языка , Альбин Мишель 2008, ( ISBN  978-2-286-04154-0 ) , страницы 299-305. В частности, « спонтанное движение, которое оживляет все, что существует»
9. junchen Vassals : ср. Лиджи , гл. И. и Ф. С. Куврёр, Ли Ки или воспоминания о приличиях и церемониях , I, Ho Kien Fou, 1899, гл. I, стр.  5

1. Ли-Го (Школа, Манеры, Традиции -): Эти жанры обычно относятся к картинам в стиле Ли Чэна и Го Си, двух талантливых и влиятельных пейзажистов периода Пяти династий и Северной Сун. Они известны своими большими картинами, на которых изображены речные долины с редкой растительностью на севере, горы, которые приобрели странные формы, и скопления голых деревьев или хвойных пород. Картины в стиле ли-го выражают холодное величие и ощущение борьбы живых существ за выживание в суровых условиях.
2. Ши  : Линии силы
3. чжи  : Вещество
4. синь и  : «зарождать новые идеи».
5. инби  : «отбрасывать тени»
6. Даосюэ цзя  : Школа изучения Дао
7. Тайхэ  : Великая гармония
8. caocao  : Быстро и небрежно или (набросок)
9. Юнтоу цунь  : Едет «Свернувшиеся облака»
10. См. Ryckmans, 1970, стр.  74
11. Приписывается Го Си (ок. 1020-1090): Рождение весны . Приход и уход тумана создают атмосферу рассветной весны. Это туман формирует измученный лик горы. «Движение жизни», создающее и разрушающее формы, передается здесь с силой как энергичной работой кисти, так и непрерывным изменением значений чернил.
12. Отрезок рулона по длине оказался неполным. В этом туманном горном и водном ландшафте влияние Ли Чэна проявляется в обработке деревьев и горных массивов, вызванных эрозией. Подобно сети вен в человеческом теле, очертания линий, которые закручиваются, переплетаются и закручиваются по спирали (так называемая морщинка: сплетенная веревка), открывают тело ландшафта движению жизни. Для моделирования форм Го Си также использует линию, называемую юнтоу цунь (голова облака). Взору смотрящего предлагается проследить за пешеходами, отдыхающими под деревьями у кромки воды. Ученый подходит к гостинице. На другом берегу нарисованы горные образования, и взгляд уводится вдаль из-за мутаций значений чернил, смывы будут светиться с расстоянием в соответствии с принципами атмосферной перспективы.

Примечания

«Уральская жизнь» Екатеринбург. 1919 № 30 9 февраля С.3 «Лекции футуристов»;

«Наш Урал» Екатеринбург. 1919 № 32 12 февраля с. 3 “Вечер футуристов»;

«Сибирская жизнь» Томск. 1919 № 51 14 марта С. 3 «Лекции и выставка футуристов»;

«Сибирская жизнь» Томск. 1919 № 55 19 марта с.3 «Вечер футуристов в университете»;

«Сибирская жизнь» Томск. 1919 № 60 25 марта «Лекция поэзо-вечер»;

«Сегодня» Томск. 1919 № 19 27 марта с.2 Статья: Менестрель «Беременные мужчины»;

«Уральская жизнь» Екатеринбург. 1919 № 29 8 февраля с. 2 «Выставка Гущина»;

«Уральская жизнь» Екатеринбург. 1919 №. 31 11 февраля с. 2 «Бал-маскарад футуристов»

Он просто устал от суеты

Устроив ещё пару выставок своих картин в 1881 и 1882 годах, Куинджи на двадцать лет ушел от всеобщего лицезрения и уединился для спокойной работы в своей мастерской. В 81-м году художник выставлял «Берёзовую рощу», также в моноформате, как и «Ночь на Днепре». Про «Берёзовую рощу» Иван Шишкин сказал однажды:

Об этой картине восхищенно отзывался непревзойденный мастер пейзажа И.И.ШишкинА.И.Куинджи «Берёзовая роща», 1879 годМестонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия

В адрес Архипа Ивановича, вместе с большим количеством похвалы, поступало и множество критических оценок его творчества. Некоторые коллеги и критики считали, что его великолепная техника – это как пыль в глаза, напускное и пишет он свои картины не ради глубины искусства, а чтобы шокировать публику, нравиться, быть особенным.

Куинджи тяготился негативными отзывами о своих творениях, он устал от суеты выставок и внимания к своей персоне, поэтому просто закрылся от общества и продолжил творить в уединении, в мастерскую он больше никого не пускал.

В Академии художеств, которую так и не окончил мастер ночного пейзажа, он вел теперь свой класс пейзажной живописи. Куинджи к тому времени стал достаточно обеспеченным человеком, теперь он мог помогать другим и с радостью это делал. Архип Иванович материально поддерживал студентов, которые испытывали нужду. При этом сам художник живет просто и скромно, всё хозяйство ведет жена, прислуги в семье никогда не было.

А.И.Куинджи «Горы», между 1890 и 1895 годамиМестонахождение: Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань, Россия

Живописец кормил птиц на крыше своего дома каждый день, когда птице нужна была помощь, Куинджи сам лечил её, за это художника даже прозвали «птичий доктор». Не бросает в беде он и своих учеников, его лишают звания профессора за поддержку студенческой забастовки.

Архип Иванович продолжает заниматься с юными художниками и даже возит их на свою дачу в Крыму, именно там появилась картина «Радуга».В конце 19-го века Куинджи напишет ряд картин, изображающих горные пейзажи. Этому поспособствовала поездка на Кавказ с приятелем-художником Ярошенко.

Среди гор они увидели Брокенского призрака – редкое и удивительное природное явление. Говорят, что эти горные картины Куинджи вдохновили Николая Константиновича Рериха на создание его гималайской серии. Кисти трех замечательных живописцев – современников Куинджи, принадлежат его портреты. Васнецов Виктор Михайлович, Крамской Иван Николаевич и Репин Илья Ефимович запечатлели Архипа Ивановича для будущих поколений.

В 1910 году художник заболел воспалением легких, к сожалению, из-за больного сердца живописец не пережил болезни и скончался 11 июля.

Архип Куинджи стал признанным мастером ночного пейзажа

Кадр из фильма без названия # 21

Художник: Синди Шерман

Год: 1978

Без названия Кадр из фильма # 21 (1978) — Синди Шерман

Синди Шерман — одна из самых революционных современных художников, которая занимается исключительно фотографическими автопортретами. Для создания своих фотографий Шерман снимает одна в своей студии. Она берет на себя несколько ролей одновременно: автора, режиссера, визажиста, парикмахера, гардеробщицы и модели. Серия кадров из фильма «Без названия», состоящая из 69 ее черно-белых фотографий, стала прорывной работой Шерман, которая принесла ей признание критиков и публики. На этих фотографиях она изображает себя женской героиней в сценах, похожих на голливудские фильмы 1950-х годов. Кадр из фильма «Без названия» № 21 — пожалуй, самая известная фотография из этой серии. Она напоминает хичкоковскую «карьеру» в одиночестве на улицах большого города.

Биография[править | править код]

Гюстав Гийоме родился 26 марта 1840 года в городе Пюто, близ французской столицы. Сперва был учеником Франсуа Эдуара Пико и Феликса-Жозефа Барриа. В 1857 году он поступил в Высшую национальную школу изящных искусств Парижа, где стал учеником Абеля де Пюжоля.

Гюстав Ашиль Гийоме

После нескольких путешествий на Ближний Восток и в Алжир (1861—1867 гг.) Гийоме писал почти исключительно пейзажи с фигурами и жанры с сюжетами, взятыми из природы и народного быта этих стран, — картины, акварели и пастели, которые принесли ему славу, как одного из лучших художников-opиeнталистов. Влиянием Востока объясняется спокойное величие линий в сценах из обыденной жизни на его картинах с восточными сюжетами. В то время как ориентализм обычно давал преднамеренно идеализированную или анекдотичную картину Северной Африки, работы Гийоме отличались изображением суровости жизни и природы в этом жестоком пустынном регионе. Во время одного из путешествий он заразился малярией и три месяца находился на грани жизни и смерти в военном госпитале в Бискре.

С 1861 года Гийоме стал выставлять свои полотна в различных галереях, включая Парижский салон. Наиболее известные из них: «Вечерняя молитва в Сахаре»; «Вид Лагуата, в Северной Африке»; «Донарские женщины у реки»; «Арабский рынок», «Бивуак верблюжьего каравана», «Зимний вечер в Марокко». В настоящее время картины художника находятся в ряде известнейших галерей планеты.

Памятник на могиле Гийоме. Скульптор Луи-Эрнест Барриа изобразил девушку из Бу-Саада роняющую лепестки на медальон с профилем Гийоме.

В области литературы он известен серией «Алжирских набросков», напечатанных в «Nouvelle Revue» и в 1888 вышедших отдельной книгой с предисловием французского писателя Эжена Мутона о жизни художника.

Гюстав Ашиль Гийоме скончался 14 марта 1887 года и был погребён на кладбище Монмартр. Расследование обстоятельств его смерти, предположительно от перитонита, были опубликованы в американской газете «Нью-Йорк Таймс» 6 апреля; в статье утверждалось, что Гийоме оставил жену и сына, чтобы жить с «дамой, которая была его старше на много лет» и что за несколько недель до смерти он выстрелил себе в живот после ссоры с любовницей.

В 1888 году состоялась его посмертная выставка при Художественной школе.

Заслуги Гийоме перед отечеством были отмечены орденом Почётного легиона.

Его сын Гюстав (1883—1960) немного изменил фамилию и стал известным во Франции лингвистом и филологом, создателем лингвистической теории (известной как «психомеханика»).

Большой всплеск

Художник: Дэвид Хокни

Год: 1967

Большой всплеск Дэвида Хокни

Самая известная работа Хокни «Большой всплеск» — это большая картина в стиле поп-арт размером 242,5 × 243,9 см. На ней изображен залитый солнцем бассейн в Лос-Анджелесе. Помимо бассейна, на картине изображено розовое модернистское здание, пустой стул и тонкие пальмы. Кроме того, отражение соседнего дома можно увидеть на стекле окна розового дома. Однако что делает работу интересной, так это то, что она лишена человеческого присутствия. Показан всплеск, но зритель остается в недоумении, кто нырнул в бассейн. Большой всплеск был создан с тщательностью Хокни, расширяя его более ранние картины под названием «Маленький всплеск» (1966) и «Всплеск» (1966). Хокни позже сказал о картине, что он «понял, что всплеск никогда не мог быть таким в реальной жизни, это происходит слишком быстро. Его это позабавило, поэтому он нарисовал этот момент замедленным».

История жизни Го Си

О творческом методе художника рассказал его сын Го Сы «В те дни, когда мой отец брался за кисть, он непременно садился у светлого окна, за чистый стол, зажигал благовония, брал тонкую кисть и превосходную тушь, мыл руки, чистил тушечницу. Словно встречал большого гостя. Дух его был спокойный, мысли — сосредоточенными. Потом начинал работать». 

Из произведений Го Си сохранились двенадцать свитков и знаменитый трактат «О высокой сути лесов и потоков», который после смерти художника составил Го Сы, собрав высказывания отца об искусстве живописи. Сыну принадлежит введение и последний раздел, отцу — три основные части, куда вкраплены комментарии Го Сы. Трактат этот — лучшее, что было написано в Китае об искусстве пейзажной живописи. 

Го Си в своем трактате требует от современников умело и точно воспроизводить реальную действительность, настойчиво изучать природу, порицая тех, кто, не имея длительной теоретической и практической подготовки, считает себя живописцем. 

Го Си. Осень в долине реки. Фрагмент свитка. 11в. Галерея Фрир, Вашингтон.

Живописец должен быть хорошо знаком с правилами перспективы «Гора вблизи имеет определенную форму. Если смотреть на расстоянии нескольких ли, гора имеет другую форму; если смотреть на расстоянии нескольких десяткой ли — опять иную. Каждое удаление вносит различие. Вот почему говорят, что форма горы с каждым шагом другая». 

Мало увидеть, надо уметь видеть, уметь выбрать «существенные темы» «Тысячи ли гор не могут быть всюду одинаково прекрасными, а разве могут быть везде красивы десять тысяч ли вод!» 

Проводя ряд философских идей своего времени, Го Си сопоставляет природу с человеком, одухотворяет ее, наделяет ее человеческими качествами «Природа живая, как человек. Отдельные ее органы имеют свои функции. Камни — кости природы, они должны быть сильными, вода — кровь природы, она должна быть текучей». 

Дошедшие до нас немногие картины — величественные монохромные пейзажи Го Си, написаны черной тушью. «В качестве примера можно привести картину Го Си «Осенний туман рассеялся над горами и равнинами». На длинном горизонтальном свитке шелка художник располагает фантастические причудливые горы, поднимающиеся бесконечно высоко, так, что самые высокие вершины уходят за пределы картины. Горы окаймляют широкие водные пространства.

Го Си. Деревья и ровная даль. Деталь. 11в. Нью-Йорк, музей Метрополитен.

Основное внимание Го Си уделяет передаче воздушной среды, в изображении которой художники сунского времени достигли высокого совершенства. Неясные и нечеткие горы, несколькими планами расположенные в глубине картины, словно вырастают из тумана, скрадывающего их очертания у подножия и отдаляющего их на гигантское расстояние от первого плана. Грандиозность просторов Го Си подчеркивает сопоставлением масштабов

Грандиозность просторов Го Си подчеркивает сопоставлением масштабов.

Сосны, расположенные у самого края свитка, являются как бы единицей измерения; с ними соотносятся масштабы всех остальных предметов. Цветовая гамма, построенная на тонкой вибрации тонов черной туши, мазки которой подчас еле уловимы для глаза, подчас сочны и смелы, способствует большой цельности картины», — пишет Н.А. Виноградова. 

Впечатление от другой картины художника «Осень в долине Желтой реки» хорошо передает высказывание самого Го Си «Виденное чередой проходит в груди, так что глаза не видят шелка, руки не чувствуют кисти и туши; громады камней катятся лавиной, таинственное и безбрежное — на моей картине!» 

Го Си. Осень в долине реки. деталь. 11в. Галерея Фрир, Вашингтон

В «Ранней весне» Го Си изображает одну гору, возносящуюся над водой. Как пишет художник, «горы без светлого и темного лишены солнца и тени. Где есть солнце — светло, где нет солнца — мрачно, поэтому светлое и темное — обычное состояние гор. Как же можно не различать светлое и темное!» 

Го Си в китайской живописи под песней

Под 18-летнего правления Shenzong и 25 лет царствования Huizong из песни Северного, примерно в середине XI — го начале XII — го  веков, а точнее, от 1067 до 1125, все художественные мероприятия , такие как ум, все поля певческой культуры очень активны. Разнообразие, которое проявляется в области живописи, таким образом, раскрывает столько архаичных художников, сколько художников-новаторов, традиционалистов, близких к власти, так и независимых. Одним из самых популярных художников этого периода, но уже предшествующего поколения, является профессиональный пейзажист Сюй Даонин (ок. 970–1051 / 53). В центре этой системы, максимально приближенной к власти, находится группа ученых, членом которой является Го Си. Эта группа ученых, становящаяся все более и более образованной, во времена Го Си составляла большинство грамотных, но не все были грамотными. Но эти академики умеют ценить ноу-хау профессионалов, и они сами должны обладать ноу-хау, как в каллиграфии, музыке, так и в живописи и поэзии. Нельзя исключать новое прочтение этих картин, менее формальное и более политическое. В этом случае художники Академии Ханьлинь должны создавать модельные изображения для мира и людей во времена правления императора и навязанных им реформ. Перед художниками Академии: литераторы, более или менее независимые. Выпускники с административными обязанностями или нет, простые любители рисования на досуге, они меньше привязаны к точному изображению империи, к деталям, чем к образу, идущему от «сердца», то есть — то есть, внутренняя энергия по отношению к универсальной энергии.

Первые моменты жизни Го Си до сих пор неизвестны. Го Си известен нам при дворе только как художник, которому поручили делать ширмы и фрески. Период его активности приходится в основном на время правления Шэньчжун. Он ценит это до такой степени, что в его дворце оборудована специальная комната для работ художника. Го Си не новатор. Здесь использованы ландшафтные решения, построенные традиционным способом. Поэтому он организовал представление пространства в его живописи в трех уровнях: первый уровень, средний уровень и фон в соответствии с правилами qu’appliquaient перед ним всеми живописцами Пяти династий, в X — го  века, в том числе вентилятора Куан и Ли Ченг

Но он отличается от него большим вниманием к проявлению «дыханий», которые пересекают деревья и их крючковатые ветви, а также скалы или далекие горы. Таким образом, мы могли видеть в его « Начало весны » метафору страны в полном возрождении, благодаря реформам Ван Анши , также находящегося на службе у императора. Благодаря своему мастерству Го Си стал одним из самых почитаемых художников Академии Ханьлинь

Тогда его трактат о пейзаже, очень важная работа на эту тему, по-прежнему обеспечит ему успех, когда его картины по большей части исчезнут. После смерти императора, работа Го Си снесена: говорят , что в начале XII — го  века, слуги будут использоваться в качестве пыли тряпок! Этот поворот можно объяснить участием Го Си в реформаторском движении Ван Анши , которое затем было отброшено обратным движением — традиционалистами.

Благодаря своему мастерству Го Си стал одним из самых почитаемых художников Академии Ханьлинь. Тогда его трактат о пейзаже, очень важная работа на эту тему, по-прежнему обеспечит ему успех, когда его картины по большей части исчезнут. После смерти императора, работа Го Си снесена: говорят , что в начале XII — го  века, слуги будут использоваться в качестве пыли тряпок! Этот поворот можно объяснить участием Го Си в реформаторском движении Ван Анши , которое затем было отброшено обратным движением — традиционалистами.

Благодаря оригинальности своих пейзажных картин Го Си оказал огромное влияние на искусство Императорской Академии в течение следующих двух столетий.

Примечания[править | править код]

1. ↑ Гильоме, Гюстав Ашиль // Большая советская энциклопедия
2. ↑
3. ↑
4. ↑
5. ↑
6. ↑
7. ↑
8. Гильоме, Густав-Ашиль // Энциклопедический словарь
9. ↑ Гильоме, Густав-Ашиль // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
10. ↑ Гильоме, Гюстав Ашиль // Большая советская энциклопедия : в 66 т. (65 т. и 1 доп.) / гл. ред. О. Ю. Шмидт. — М. : Советская энциклопедия, 1926—1947.
11. ↑ Gustave Guillaumet. In ‘Art Experts, Inc.’. Retrieved 08:54, April 2, 2012
12. ↑ Gustave Achille Guillaumet. In ‘Art Renewal Center Museum’. Retrieved 09:04, April 2, 2012
13. Gustave Guillaumet. In ‘The National Gallery’. Retrieved 19:13, April 1, 2012
14. «The New York Times», 6 апреля 1887.