Биография и творчество[править | править код]
Молодость
Жорж Брак родился в Аржантёе, департамент Валь-д’Уаз. Происходил из семьи ремесленников. Вырос в Гавре и учился на маляра и декоратора, как его отец и дед. Тем не менее он также серьёзно изучал живопись по вечерам в Школе изящных искусств (у Шарля Луйе), примерно с 1897 по 1899 год.
В Париже, куда Брак переехал в 1900 году, он выучился на декоратора и был награждён в 1902 году сертификатом. Позже он поступил в академию Эмбера в Париже и творил там до 1904 года. Именно здесь он встретил Мари Лорансен и Франсиса Пикабиа.
Фовизм
Ранние работы Брака были импрессионистскими, но после просмотра выставки работ фовистов в 1905 году он перенял их стиль. Фовисты были группой, которая включала, в частности, Анри Матисса и Андре Дерена. Они использовали яркие цвета и упрощённые формы, чтобы добиться максимально сильной эмоциональной реакции. Брак также тесно сотрудничал с художниками Раулем Дюфи и Отоном Фризом.
В мае 1907 года он успешно выставляет работы в стиле фовизма в Салоне Независимых. В том же году стиль Брака постепенно начал эволюционировать под влиянием творчества Поля Сезанна. Ретроспективная выставка Сезанна, умершего в 1906 году, в Осеннем салоне значительно повлияла на направление авангарда в Париже.
Кубизм
В 1907 году Брак также посетил мастерскую Пабло Пикассо. После встречи с ним он резко изменил художественную манеру, стремясь к лаконизму живописных средств и геометризации предметов. В 1909—1912 гг. Брак работал вместе с Пикассо над теоретическим обоснованием кубизма и стал одним из основателей этого течения. В то время Пикассо находился под влиянием Гогена, Сезанна, масок африканских племён и иберийской скульптуры, а Брак в основном был заинтересован в развитии идеи Сезанна — множества перспективных точек зрения.
Картины Брака в 1908—1913 годах начали отражать его новый интерес к геометрии и перспективе. Он интенсивно изучает эффекты света и перспективы. В картине «Дома в Эстаке» (фр. Maisons à l’Estaque, 1908) Брак сводит архитектурную структуру в геометрическую форму, приближенную к кубу. Но он вынес затенения так, чтобы она выглядела плоской и трёхмерной
Таким образом, Брак обратил внимание на саму природу зрительных иллюзий и художественные представления.
Послевоенное творчество
Брак участвовал в Первой мировой войне, в 1915 году был тяжело ранен и смог вернуться к живописи только в 1917 году. В это время в его творчестве почти исключительно преобладали натюрморты.
Художник оформил по заказу С. П. Дягилева декорации и костюмы для балета «Зефир и Флора» в постановке Л. Ф. Мясина на музыку В. А. Дукельского для труппы Русский балет Дягилева ().
В дальнейшем искал большей просветлённости и гармоничности изображения, его известной декоративности. Создал несколько живописных серий («Купальщицы» и др.). В 1934 г. вышла первая монография о художнике — книга Карла Эйнштейна.
Брак тяжело пережил Вторую мировую войну, в 1945 г. долго болел. В 1949—1956 гг. создал цикл из восьми больших полотен «Мастерские», ставший вершиной его творчества. В 1950-х гг. исполнил ряд декоративных работ: занимался церковными витражами, оформил потолок в этрусском зале Лувра. Сквозной мотив позднего творчества Брака — летящая птица.
Брак создал много рисунков, гравюр и скульптурных произведений, но главное место в его творчестве занимала живопись. Умер Брак в Париже 31 августа 1963 года.
Признания
Брак получил премию Фельтринелли еще при жизни в 1958 г. Эта награда является самым важным признанием в Италии в области науки и культуры. Премия составила 20 тысяч лир для французов.
В 1951 году он также получил Национальный орден Почетного легиона. Это самое главное украшение, которое можно получить во Франции. Всего существует шесть категорий, и Брак получил третью по значимости, когда был назначен командующим.
К 1961 году, за два года до своей смерти, Брак стал первым художником, чьи работы были выставлены в Лувре при его жизни. В этом отношении он обыграл Пикассо. Выставка представляла собой собрание его работ.
Во Франции есть несколько академических институтов, носящих имя художника.
Когда в 1963 году умер Жорж Брак, его устроили государственные похороны. Церемония была предложена и организована министром культуры Франции Андре Мальро. Министр даже выступил с речью перед присутствующими и сравнил Брака с Виктором Гюго.
Различия
Как они сами признали, характер у обоих был очень разным. Несмотря на то, что они были теми, кто продвигал кубизм, они также имели некоторые различия на художественном уровне. Работы Брака были более репрессивными, с меньшей тенденцией затрагивать вопросы, связанные с сексуальностью.
Они также сильно различались по уровню производства. Пикассо был намного быстрее Брака, для которого работа могла занять годы. Подсчитано, что между 1912 и 1914 годами Брак выполнил чуть более 50 работ, а Пикассо — более трехсот.
Считается, что наиболее элитные слои французского общества были более склонны к творчеству Брака. Историки говорят, что причина в том, что Брак был гораздо более сдержанным художником.
2010 кража
20 мая 2010 г. Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris сообщила о ночной краже пяти картин из его коллекции. Взятые картины были Le pigeon aux petits pois (Голубь с горошком) к Пабло Пикассо, La Pastorale к Анри Матисс, L’Olivier Près de l’Estaque (Оливковое дерево возле Estaque) Жоржа Брака, La Femme à l’Eventail (Женщина с веером) к Амедео Модильяни и Люстры Nature Morte aux (Натюрморт с люстрами) к Фернан Леже и были оценены в 100 миллионов евро ( 123 миллиона долларов США). Окно было разбито и Кабельное телевидение На видеозаписи видно, как мужчина в маске берет картины. Власти считают, что вор действовал в одиночку
Мужчина осторожно вынул картины из рам, которые оставил
Лучшие работы
Брюллов был знаком с Пушкиным. При жизни поэта они достаточно часто встречались. А после гибели Александра Сергеевича художник изъявил желание принять участие в издании собрания сочинений поэта. В это же время Карл начал работать над «Бахчисарайским фонтаном». Художнику пришлось выполнить массу эскизов, чтобы отыскать правильную композицию картины. Он изучал одежду восточных красавиц. Перед художником стояла задача не показать драму Марии и Заремы, а продемонстрировать романтическую строну обитателей гарема. В итоге на картине мы видим безмятежных женщин, томное однообразие и сонную лень.
Смерть композитора
Почему Бизе умер — остается загадкой до сих пор. Кончина настигла музыканта в пригороде Парижа, Буживале, где он с семьей остановился на лето.
29-го мая 1875 года мужчина, будучи на прогулке, решил поплавать в холодной воде. На следующий день композитора свалил страшный приступ ревматоидной болезни. Он страдал сильными болями в суставах.
Очень скоро начались проблемы с движениями. Бизе не мог нормально контролировать руки и ноги. Еще через некоторое время начались боли в груди. Прибывший врач диагностировал сердечный приступ.
Постепенно состояние мужчины стало стабилизироваться. Однако не прошло и суток, как оно вновь ухудшилось. Так продолжалось до 3-го июня, когда мужчина скончался.
Официальной причиной смерти автора оперы «Кармен» считают сердечную недостаточность на фоне острого ревматоидного артрита. Однако эта версия вызывает много вопросов.
Прибывший на место друг композитора Бизе, Антони де Шудан заметил на шее музыканта резаную рану. На момент гибели мужчины, рядом с ним находился Делаборд. Это и натолкнуло Шудана на мысль о причастности любовника жены Бизе к смерти композитора. Тем более, что у того был мотив. Он долгое время добивался руки и сердце Женевьевы, а живой муж той был для него ненужным препятствием.
Была версия и о самоубийстве Бизе, который пытался перерезать себе горло. Под этим представлением также была рациональная почва. Поскольку Бизе перед отъездом в пригород Париже привел в порядок бумаги и имущественные дела. К тому же, находился в сильной депрессии.
Как бы то ни было, точная причина смерти не известна до сих пор. Свет на произошедшее могли пролить записи родного дяди Женевьевы, Людовика Галеви. Но свой дневник он сжег.
Подозрительным был и тот факт, что жена Бизе, потребовала уничтожить все письма, которые друзья ее дяди получили за несколько лет. Загадка кончины известного музыканта остается нераскрытой до сих пор.
Последним пристанищем именитого композитора стало кладбище Пер-Лашез в Париже.
Могила Жоржа Бизе на кладбище Пер Лашез
Слайд 6Послевоенный период, натюрмортыВ 1914 Брак был мобилизован, а в 1915
тяжело ранен на фронте. В 1917 он вновь принимается за
работу и сразу по окончании войны пишет натюрморты, задуманные как микрокосм терпения и наслаждения, в которых вкус и достоинство проявляются больше, нежели смелость и творческая изобретательность предшествующего периода. Видение Брака остается кубистическим — он разлагает предметы на элементы и планы, перекомпанованные и словно стиснутые строгими, пластичными и декоративными ритмами; он использует возможности тактильного пространства, почти всегда ограниченного стеной, ширмой и очень редко открытого в глубину. Иногда он изображает и пейзаж. Он пишет в основном большие марины и сушащиеся на берегу лодки («Утесы», 1938, Чикаго, частное собрание) — воспоминания художника о прогулках около его дома в Варанжевиле, близ Дьеппа. Человеческие фигуры почти отсутствуют, за исключением прекрасной серии фарфоровых фигурок, исполненных в 1922-1927 и являющихся, возможно, репликой художника на «великанш» Пикассо или его данью неоклассической атмосфере эпохи.
Фовизм
Жорж Брак, 1906 год, L’Olivier pres de l’Estaque (Оливковое дерево возле Л’Эстака). Брак нарисовал по крайней мере четыре версии этой сцены, одна из которых была украдена из Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris в мае 2010 г.
Жорж Брак, 1907–08, Виадук в Л’Эстаке (Le Viaduc de l’Estaque), холст, масло, 65,1 х 80,6 см, Институт искусств Миннеаполиса
Жорж Брак, 1908 год, Maisons et arbre (Дома в l’Estaque), холст, масло, 40,5 х 32,5 см, Lille Métropole Museum of Modern, Contemporary and Outsider Art
Жорж Брак, 1908 год, Le Viaduc de L’Estaque (Виадук в Л’Эстаке), холст, масло, 73 х 60 см, Тель-авивский художественный музей
Жорж Брак, 1908 год, Baigneuse (Le Grand Nu, большая обнаженная кожа), холст, масло, 140х100 см, Musée National d’Art Moderne, Центр Помпиду, Париж
Самые ранние работы Брака были импрессионистический, но увидев работы, выставленные художественной группой, известной как «Фов«(Звери) в 1905 году он принял стиль фовизма. Фовисты, группа, в которую входили Анри Матисс и Андре Дерен среди прочего, использовались яркие цвета для выражения эмоциональной реакции. Брак наиболее тесно сотрудничал с художниками Рауль Дюфи и Отон Фриес, который разделял родной город Брака Гавр, чтобы развить несколько более сдержанный фовистский стиль. В 1906 году Брак отправился с Фризом в L’Estaque, к Антверпен, и домой в Гавр, чтобы рисовать.
В мае 1907 года он успешно выставил работы в стиле фов в Салон независимых. В том же году стиль Брака начал медленную эволюцию, поскольку на него повлияли Поль Сезанн который умер в 1906 году и чьи работы были впервые выставлены в Париже на крупномасштабной музейной ретроспективе в сентябре 1907 года. Ретроспектива Сезанна 1907 года в музее Осенний салон сильно повлиял на авангард художники Парижа, что привело к появлению кубизма.
Встреча с Пикассо
В 1907 году Брак смог посетить ретроспективу Поля Сезанна, устроенную для Осеннего салона: в этом случае у него была возможность связаться с Пабло Пикассо, что делает “Les demoiselles d’Avignon“. Эта встреча глубоко повлияла на него, до такой степени, что он заинтересовалсяпервобытное искусство.
Устранение уловок, таких как светотень и перспектива, в его более поздних работах Жорж Брак он сокращает палитру, используя только оттенки коричневого и зеленого, используя геометрические объемы. В “Grand Nu”, например, короткие и широкие мазки создают анатомию и предполагают объемы, заключенные в толстую черную контурную линию: эти принципы геометрического построения применяются как к натюрмортам, так и к пейзажам.
Жорж Брак
| О модерне — Художники модернисты |
Жорж Брак (1882-1963) – французский живописец, скульптор, гравер, один из основоположников кубизма. Ж.Брак родился в Аржантее. Изобразительному искусству учился сначала у отца, потом в мастерской художника декоратора. В 1902 г. поступил в академию Эмбера в Париже.
В начале своего творчества Брак был связан с фовизмом, писал в основном пейзажи, используя сложные цветовые гаммы. Работы этого периода: «Гавань в Антверпене»(1906), «Пейзаж в Эстаке»(1906), «Оливы близ Эстака»(1907). В 1907 г. под влиянием П.Пикассо и творчества П.Сезана художник выходит из группы фовистов.
Ранний период его творчества совпадает с периодом аналитического кубизма. Он работает над натюрмортами и пейзажами, используя практически одноцветную гамму. В его картинах «Женщина с мандолиной»(1910), «Скрипка и палитра»(1909-1910), мы видим, как форма предметов рассечена на множество геометрических фигур, образующих подвижную структуру, сюжет прослеживается, но сходства с реальным объектом уже нет.
В своем творчестве Брак редко обращается к изображению человека, его больше интересовала сама композиция и её декоративность. В картине «Кларнет и бутылка рома на камине (1911) через ломаные линии, геометрические формы он стремиться предать музыкальные ритмы. К следующему, синтетическому этапу кубизма можно отнести картины «Бокал, скрипка и нотная тетрадь», «Стол музыканта», «Гитаристы». Предметы расчленены на отдельные части. Цвет, рисунок, фактура приобретают самостоятельность и существуют как бы отдельно от изображаемых форм. В этих работах художник прибегает к помощи коллажа.
Во время Первой мировой войны Брак был призван на фронт, получил ранение, перенес тяжелую операцию. После выздоровления он вновь возвращается к творчеству.
В период заката кубизма в 1915 г., художник меняет технику написания картин, композицию, цвет. Он пишет циклы работ, в которых изображает один и тот же мотив в разных вариантах. В полотнах «Натюрморты на круглом столе», «Бильярды» цветовая палитра сочетает в себе голубой, серовато-коричневой, бледно-желтой цвета. Предметы располагаются параллельно, близко друг к другу и, не смотря на статичность композиции, у зрителя возникает ощущение их движения.
Постепенно Брак отходит от кубизма, переключаясь на создание плоскостных картин более разнообразных по цвету. С 1930 г. художник начинает использовать в композициях человеческие фигуры в интерьере, очень близкие по стилю к абстракционизму. Поздние картины Ж.Брака становятся лаконичными. Сюжеты пустынных равнин и морского побережья Нормандии гармонично соединяются с мотивами заброшенной лодки и плуга на осеннем поле. Композиции гармоничны и очень близки к классицизму.
В 1949-1956 гг. Брак создал серию «Мастерские», одно из самых своих значимых произведений, куда вошли восемь полотен крупного формата с изображением предметов искусства, где присутствует сверкающее изображение белой птицы – символ творческого полета. Предметы становятся более узнаваемыми, стала более разносторонней цветовая гамма. Позже образ птицы развивается в его творчестве в самостоятельную тему («Черные птицы», 1956-1957гг.)
В поздних работах Брак использует повышенную декоративность, расположение предметов в необычном ракурсе с целью создания условий для любования ими.
| Читайте: |
|---|
|
Театральные работы
Своевольность фантазии Бориса Мессерера всегда удостоверяла реальность. В его работах для театра уживалось одновременно всё: архитектура и дизайн, живопись и графика, причём — не просто уживались, а дружно взаимодействовали, объединялись и противопоставляли себя остальным, приобретая всё новые и новые возможности, раскрывая неведомый пока и кажущийся парадоксальным язык искусства.
Здесь соединились вековые традиции и современный мир, театральная архитектура сформировала ясные и полностью завершённые пластические решения. Соединяясь, а порой и сталкиваясь в единой композиции, примиряются предметы контрастного цвета и разного масштаба, отличных друг от друга фактур, и в этом взаимодействии наполняются иным, но единым смыслом.
Кубизм
Картины Брака 1908–1913 годов начали отражать его новый интерес к геометрии и одновременной перспективе. Он провел интенсивное исследование эффектов света и перспективы, а также технических средств, которые художники используют для изображения этих эффектов, что, казалось, ставит под сомнение самые стандартные художественные условности. Например, в своих деревенских сценах Брак часто приводил архитектурную структуру к геометрической форме, приближенной к кубу, но при этом отображал ее затенение так, чтобы она выглядела как плоской, так и трехмерной
Таким образом Брак обратил внимание на саму природу визуальной иллюзии и художественного изображения
Начиная с 1909 года Брак начал тесно сотрудничать с Пабло Пикассо, который разработал аналогичный подход к живописи. Оба художника создавали картины нейтрализованного цвета и сложные узоры граненой формы, которые теперь называются аналитическим кубизмом. В 1912 году они начали экспериментировать с коллажем и папье колле. Хотя некоторые из папье-колле Пикассо сохранились, все работы Брака были потеряны или уничтожены. Сам Брак признал, что многие из его начинаний в скульптуре и других средах были просто перерывами с его истинной работой и изучением формы, которые позже помогут вдохновить его картины.
Биография Жоржа Брака
Жорж Брак был погружен в творческие техники рисования с детства. Его отец руководил компанией по декоративной живописи, и интерес Брака к текстуре и осязанию, возможно, пришел от его работы декоратором.
В 1899 году Брак в возрасте семнадцати лет переехал из Аржантиля в Париж, сопровождаемый своими друзьями Отоном Фризом и Раулем Дюфи.
Ранние работы
Ранние картины Брака были выполнены в стиле фовизма. С 1902 по 1905 год, после того, как он бросил работу декоратора, чтобы полностью посвятить себя живописи, он следовал фовистским идеям и сотрудничал с Анри Матиссом. В 1906 году он представил свои яркие фовистские картины на своей первой выставке в Салоне Независимых.
После посещения ателье Пикассо в 1907 году Брак был глубоко впечатлен. Пикассо показал ему свою прорывную работу «Девушки из Авиньона», которую он некоторое время скрывал от публики. После этой встречи между двумя художниками завязалась тесная дружба и художественное товарищество. «Мы встречались каждый день», говорил Брак, «чтобы обсудить и анализировать возникающие идеи, а также сравнивать наши работы».
Развитие сильно изменившегося стиля живописи Брака напрямую связано с Пикассо. Поняв цели Пикассо, Брак направился на то, чтобы «усилить конструктивные элементы в своих работах и отказаться от экспрессивных эксцессов фовизма».
Его пейзажи, в которых сцены были упрощены до основных форм и цветов, вдохновили французского художественного критика Луи Вокселя на установление термина «кубизм», обозначив работы Брака как «бизар cubiques».
Средний период творчества
Брак и Пикассо почти одновременно работали вместе до возвращения Брака из войны в 1914 году.
Однако, когда Пикассо начал рисовать предметы, Брак почувствовал себя преданным. Он считал, что его друг обманул их кубические системы и правила, и продолжил работать в этом стиле в одиночку. Тем не менее, он и дальше был влиянием творчества Пикассо, особенно в отношении папье-колле, техники коллажа, разработанной обоими художниками с использованием только клееной бумаги.
Его коллажи показывали геометрические формы, прорезанные музыкальными инструментами, виноградом или мебелью. Эти работы были настолько объемными, что их считают важными для развития кубистической скульптуры. В 1918 году Брак почувствовал, что он достаточно изучил коллажи и, наконец, вернулся к натюрмортам в своем творчестве.
На первой сольной выставке Брака после войны в 1919 году зрители обратили внимание на ограниченный выбор цветов. Тем не менее, он последовательно придерживался кубистических принципов геометрического изображения объектов с разнообразных перспектив
Он оставался более чистым аналитическим кубистом, чем Пикассо, чей стиль, темы и выбор цветов постоянно менялись. Брак интересовался прежде всего тем, как объекты выглядят в различных периодах времени и на разных плоскостях изображения
В результате его преданности различным способам изображения пространства он, естественно, уделил внимание созданию декораций и костюмов для театральных и балетных представлений на протяжении всего 1920-х годов
Поздние годы и смерть
В 1929 году Брака снова начал заниматься живописью пейзажей, используя новые, яркие цвета, которые были вдохновлены Пикассо и Матиссом. В 1930-х годах Брака начал изображать греческих героев и богов, хотя он утверждал, что символика этих мотивов была лишена, и их следует рассматривать сквозь призму чисто формальной линзы.
Он назвал эти работы упражнениями каллиграфии, возможно, потому что они не были ограничены только персонажами, а были скорее о чистых линиях и формах. Во второй половине 1930-х годов Брака начал создавать серию ванитасов, в которых он рассматривал смерть и страдание на экзистенциальном уровне. Все больше погружаясь в материальность своих картин, он исследовал возможности, как мазки кисти и качество цвета могут обогатить его мотивы.
В его натюрмортах использовались объекты, которые были очень личными для Брака, однако он не раскрывал эти значения. Например, черепа были объектами, которые он часто изображал в начале Второй мировой войны. В 1944 году, когда Вторая мировая война закончилась, Брак начал заниматься более легкими темами, такими как цветы, бильярдные столы и садовые стулья.
Его последняя серия, состоящая из восьми полотен за период с 1948 по 1955 год, показывала изображения, которые выражали внутренние мысли художника о каждом объекте, а не указывали на внешний мир. В конце своей жизни Брак многократно изображал птиц, как идеальный символ своего восприятия пространства и движения.
Любимая натурщица и муза
Картина «Всадница» была написана в 1832 году. На ней изображены воспитанницы Самойловой – Джованина и Амация. Поскольку Брюллов любил графину, он не мог не полюбить ее девочек. Они были частью мира художника. По задумке Карла, «Всадница» должна была стать большим портретом, который должен был украсить парадный зал. Картину заказала сама графиня. Она часто говорила, что хочет украсить работами любимого все стены.
Графиня Самойлова сыграла важную роль в жизни Брюллова. Их даже можно было бы назвать идеальной парой. Художник был для нее идеалом для преклонения, а она для него – музой. Познакомились они в Италии. В то время они уже были состоявшимися людьми. Самойлова была аристократкой, а Брюллов – художником. До этой встречи графиня регулярно увлекалась мужчинами и нисколько не стеснялась этого. Но Брюллов стал для нее особенным человеком. Пара хоть и расставалась несколько раз, но потом вновь возобновляла отношения.
Маленький ребенок кубизма
В XNUMX-е годы дружба с Пикассо развивается, и этот прогресс проявляется также в совершенствовании пластического искусства. Брак, который начинает воспринимать живописное пространство на основе нового видения: вот где аналитический кубизм, с гранями и расчлененными и фрагментированными объектами на разных плоскостях.
Это можно увидеть, например, в “Скрипка и палитра«, Где скрипка представлена во всех плоскостях перспективного вида, распределенного по поверхности. Более того, с течением времени работы художника из Аржантея становятся все более непонятными (несмотря на то, что в прошлом он отвергал абстракцию): это следствие желания представлять все более сложные объемы, чтобы показать все. их грани.
Начиная с осени 1911 года, Жорж Брак ввел в свои работы узнаваемые знаки (которые можно увидеть в «Португалии»), такие как напечатанные цифры и буквы, а в следующем году он даже зашел так далеко, что поэкспериментировал с техникой коллажа, с помощью которой он объединяет различные элементы для создания синтеза, описывающего объект, разделяя цвета и формы.
Как раз 1912 год оказался очень прибыльным: собственно, «Натюрморт с гроздью винограда Сорг», «Ваза с фруктами и бокал», «Скрипка: Моцарт / Кубелик», «Человек со скрипкой», «Человек с трубкой». «И« Голова женщины »; в следующем году, однако, «Ежедневное, скрипка и свирель», «Скрипка и стакан», «Кларнет», «Женщина с гитарой», «Гитара и программа: Статуи эпуванта» и «Натюрморт с карточками из игры».
Ранние Годы
Жак-Луи Давид родился 30 августа 1748 года, в Париже, Франция. Его отец был убит на дуэли, когда Давиду было 9 лет, и мальчик был впоследствии оставлен своей матерью на воспитание двух дядек.
Когда Давид проявил интерес к живописи, дядя отправил его к Франсуа Буше, ведущему художнику того времени и другу семьи. Буше был художником в стиле рококо , но эпоха рококо уступает место более классическому стилю, так Буше решил послать Давида к своему другу Жозеф-Мари Вьену, художнику в большем согласии с неоклассической реакцией на рококо.
В возрасте 18 лет одаренный молодой художник был зачислен в Академию Рояль (Королевская академия живописи и скульптуры). После нескольких неудач в соревнованиях и найдя больше разочарования, чем поддержки, в течение периода, который включал в себя попытки самоубийства, в 1774 году, он, наконец, получил Гран-при «Рим», государственную стипендию, которая обеспечивала оплачиваемые заказы во Франции. Также в стипендию была включена поездка в Италию, и в 1775 году, он и Буй побывали в Риме, где Давид учился рассматривая итальянские шедевры и развалины Древнего Рима.
Перед тем, как покинуть Париж, он провозгласил: «Искусство древности не соблазнит меня, потому что ему не хватает живости». Вместо этого он заинтересовался неоклассическими идеями, возникшими в Риме, среди прочего, немецким художником Антоном Рафаэлем Мэнсом и историком искусства Иоганном Иоакимом Винкельманом.
Вернувшись в Париж в 1780 году с большим признанием, Давид выставил «Велизарий просит милостыню», в котором он объединил свой подход к древности с неоклассическим стилем, напоминающим Никола Пуссена. В 1782 году Давид женился на Маргарите Пьюку, отец которой был влиятельным строительным подрядчиком и смотрителем строительства в Лувре. Давид начал процветать в этот момент, и он был избран в Академию Рояль в 1784 году по пятам своего «Андромаха Траурного Гектора».
Начало Карьеры
В 1827 г. «Парижский мост в Нарни» Камиля Коро был показан на Парижском салоне (престижная художественная выставка). Коро продолжал отправлять картины в Салон и был награжден медалью Салона в возрасте 37 лет. Он стал постоянно выставляться в 1830-х годах с такими картинами, как «Агарь в пустыне» (Салон 1835 года).
Коро вернулся в Италию в 1834 году, где рисовал и рисовал такие места, как Флоренция, Пиза, Генуя и Венеция. Он будет продолжать путешествовать на протяжении всей своей жизни, посетит Авиньон на юге Франции, а также Швейцарию и другие европейские места.
В поездках за границу и во Франции во время теплых месяцев Коро работал на открытом воздухе, пытаясь захватить виды и пейзажи. Эти эскизы не предназначались для показа или продажи —большие картины, предназначенные для выставки были изготовлены в его мастерской.