Анри Матисс Сюжет Натюрморт — картины

Введение

Основные свойства и особенности стиля автора

Французский художник Анри Матисс занимает одно из главных мест в зарубежной живописи XX века. Изначально Матисс был предводителем группы европейской живописи, которую критики называли фовизм. Изюминкой данного стиля была в абсолютной неограниченности выбора цветов художником, стремление к более минималистичному виду написанного. Это был некий вызов устоявшейся, более сдержанной в своих эмоциональных порывах, живописи. В те времена такие эксперименты в живописи шли против представлений людей об эстетике, из-за чего, со стороны консервативных критиков шли нападки в адрес Матисса и его последователей. Появляется вопрос, что же такого было в живописи Анри и его последователей, что приковывали столь много внимания? Интеллигенции просто – просто-напросто надоело каноническое искусство с его выверенностью и реализмом, в котором основная цель была лишь для украшения салонов и знатных домов. Это навело некоторых живописцев на мысль о нужде в кардинальных переменах живописи. Первый «художественный переворот» был начат еще во время импрессионизма. Между прочим, Анри сам иногда пробовал писать в стиле импрессионизма. В некоторых его творениях присутствует техника, присущая импрессионистам: основа у которой была раздельные и точечные мазки «Натюрморт с посудой», «Натюрморт с букетом», «Роскошь, покой и наслаждение».

Через какое-то время группа фовистов распалась, а Матисс решил идти уже по своему пути, даря зрителям теплые и яркие эмоции через свои произведения, так как атмосфера XX века была довольно тяжелой и давящей.Сам Матисс говорил о своем творчестве:«Я стремлюсь к искусству, исполненному равновесия, чистоты; оно не должно беспокоить и смущать. Я хочу, чтобы усталый, измотанный, изнуренный человек, глядя на мою живопись, вкусил отдых и покой.»

С первого взгляда, его картины похожи на набросок, где разнообразные элементы окрашены густым ярким цветом. Но при более близком рассмотрении может открыться необычайный уют и тепло. Картины Матисса всегда изображают мирные моменты жизни. Стараясь идти наперекор напряженности в XX веке и канонической живописи, он избавляется от теней в своих произведениях, создает атмосферу праздника и радости, покой идиллических сцен, яркие и интересные узоры на тканях. Своей главной целью Анри считал показать зрителю красивые образы и грезы. Такого хорошего эмоционального эффекта он добивается за счет насыщенности цветовой гаммы, линейных ритмов, которые создают что-то вроде эффекта движения форм, ну и конечно, полностью соподчиненная каждого элемента входящего в картину.

Матисс использует в своем творчестве резкий, гибкий рисунок, полный контраста ярких локальных цветов( в редких случаях все — таки присутствуют оттенки одного основного тона). Матисс в основном работает чистым ,неразбавленным цветом, строит картины на трех основных цветах, «Сатир и нимфа» — гармония зеленого, розового и голубого, «Танец»- синего зеленого и красного. Позже переходит к созвучию четырех цветов, правда, одному из цветов на картине всегда выделяется меньшее место «Танжер»- синий, оранжевый, розовый и красный, «На террасе»- лиловый, зеленый, розовый и синий».Работая с чистым цветом, Матисс старается избегать однообразия в своих творениях, но к сожалению, избежать монотонности ему удавалось не всегда. Пытаясь не смешивать красок, он пользуется приемами, похожими на лессировки старых мастеров, прокладке более светлой, пример: на розовой — белой, на синей – лиловой.

Анри Матисс был преимущественно колористом, добивавшимся эффекта согласованной композиции за счет многих интенсивных цветов. Матисс был новатором с огромным количеством фантазии и идей, который в то же время, переосмыслял прошлое.

Мастерская художника (1911)

Благодаря заказам и покупкам Сергея Ивановича Щукина (1854-1936) Анри Матисс уже в 1909 году смог стать полноправным владельцем дома в Исси-ле-Мулино над Парижем, где и было создано произведение «Мастерская художника». Историк, изучая работы Матисса, назвал картину «симфоническим интерьером».

Помимо «Мастерской художника» (или по-другому «Розовая мастерская») в сюиту Анри Матисса вошли работы «Семейный портрет», «Интерьер с баклажанами», «Красная мастерская». Все работы схожи культурой Востока и кричащей декоративностью. Ведущая роль в полотне Матисса отводится розовому цвету – он занимает почти все пространство интерьера.

Пикассо: дружба или конкуренция?

Познакомившись в парижском салоне Стайн, Матисс и Пикассо поняли, что никто другой не понимает так друг друга, как они. Матисс был старше Пикассо на двенадцать лет и к тому моменту его имя гремело на всю Францию. Испанский молодой художник был лишь в начале своего пути, плохо говорил по-французски и увидел в Матиссе соперника за звание главного художника современности.

Несмотря на разный подход в живописи — Пикассо был увлечен формой, а Матисс — цветом — каждый был способен подтолкнуть друг друга к неожиданному решению. И это неудивительно: их объединяло то, что искусство обоих выходило за рамки. Пикассо говорил: «Мы должны как можно больше общаться друг с другом. Когда кто-то из нас умрет, другой просто не сможет обсудить некоторые вопросы больше ни с кем». Они не только анализировали картины друг друга и дискутировали насчет преимуществ и недостатков, но и обменивались полотнами.

Красные рыбки (1912)

Сокращая пространство до пределов, Анри Матисс изображает на холсте круглый стол с рыбками в аквариуме. Кажется, что рыбки двигаются, плывут одна за другой. Растения тоже выглядят оживленными. Фоном для картины служит сад, а центральная роль достается столу и рыбкам. Отражение рыбок в воде было несложно изобразить расплывчатыми пятнами. Стол изображен на картине так, будто бы художник рисует его сверху, но ножка, пририсованная к нему, в то же время создает ощущение, что рисование происходило сбоку. В картине преобладает круглая фигура, что задает полотну определенный ритм и вызывает умиротворение.

Аквариумные темы

В своих полотнах живописец сознательно упрощал композиции, считая, что пространство вокруг перенасыщено пищей для глаз, поэтому человеку часто не хватает времени, чтобы его вкусить. Отказываясь от смешанных цветов, мельчайших детализаций, переходов тональностей, ему удавалось превращать фигуры женщин и рыб практически в знаки.

У живописца в этом направлении написана целая серия картин:

1. «Арабская кофейня». Наиболее значительная работа марокканского периода. Сюжет картины представлен двумя людьми, медитирующими перед аквариумом с золотыми рыбками.
2. «Зора на террасе». Не менее знаменитое произведение, написанное в Марокко.
3. «Золотые рыбки в скульптуре», 1911 г.
4. «Красные рыбки в интерьере», 1912 г.
5. «Интерьер, аквариум с красными рыбками», 1914 г.
6. «Красные рыбки и палитра», 1914−1915 гг.

https://youtube.com/watch?v=zru_-P9DOxA

Аквариумная тематика продолжалась в 1914—1915 гг., тогда было написано два произведения из этой серии. В 40-х годах здоровье художника значительно ухудшилось, в то время он обратился к технике декупаж. Автор вырезал фигуры рыб, цветов, водорослей из раскрашенной гуашью бумаги и составлял композиции полотен большого формата.

Как Матисс стал пуантилистом

В 1904 году прошла первая выставка Анри Матисса, однако в художественном сообществе она осталась незамеченной. Но не для Анри — там он познакомился с пуантилистом Полем Синьяком. Вскоре они вместе уехали  в Сент-Тропе за свежими идеями и новыми впечатлениями. Стиль пуантилизма, для которого характерны яркие точечные мазки, вдохновил Матисса. Из поездки он вернулся со своим первым шедевром «Роскошь, покой и наслаждение»

Однако примкнуть к направлению пуантилистов Матиссу было не суждено: довольно скоро он отказался от этой техники в пользу энергичных мазков и смелых цветов.

Уже тогда Анри осознал: цвет совсем не обязательно использовать, чтобы выразить действительность наиболее реалистично.. Он способен выразить отношение, состояние, образ и чувства, которые испытывает сам художник. Матисс говорил: «если бы я хотел получить точное изображение, я позвал бы фотографа». В его палитре появились бирюзовый, красный, оранжевый — все те цвета, которые художники не рисковали использовать и прятали за тщательной растушевкой. Краски на его полотнах наконец начали обретать голос.

Роскошь, покой и наслаждение, 1904 Попугайные Тюльпаны, 1905

Важным моментом в становлении Матисса как независимого художника стала его встреча с женой. Анри и Амели познакомились на свадьбе у друга. Уже тогда молодые люди поняли, что влюбились друг в друга. Трогательные письма, долгожданные встречи, букеты фиалок. Амели первая поверила в талант Матисса и убедила его в том, что он должен продолжить заниматься искусством, искать свой стиль. Матисс перед свадьбой признался Амели, что хотя он и любит ее, живопись он всегда будет любить больше. Она приняла эту правду, став его главной музой жизни. Амели родила ему двоих сыновей и воспитала его внебрачную дочь, которая была у Матисса от его модели Каролины Жобло.

Анри Матисс. Анри и Амели Матисс, 1913

В трудные периоды, когда заработка едва хватало на обеспечение семьи, жена открыла свой салон шляпок, на заработок с которого они долгое время существовали. Терпеливая, сочувствующая и бесконечно верящая в своего мужа — такой была Амели.

Роскошь, покой и наслаждение (1904)

Удивительно бережно относился Матисс к будущим зрителям. Его полотно «Роскошь, покой и наслаждение» будто бы призывает зрителя остановиться, расслабиться и получить наслаждение от увиденного. Картина относится к тому периоду, когда Матисс еще искал себя, тем не менее уже хотел дарить утешение через свои полотна. Однако в жизни характер художника сложно было назвать милым, особенно если работа шла не так, как планировалось. Но целью искусства он видел радовать зрителей. Полотно написано в духе пуантилизма, и его приобрел Поль Синьяк (1863-1935), который и стал основоположником направления. На картине изображены популярные в художественных кругах того времени купальщицы.

Танец (1910)

Матисс считал, что для понимания живописи не требуется специальное образование или соответствующий кругозор. В его картинах делается упор на простые формы. По его мнению, глядя на картину, зритель должен испытывать покой и расслабление. Картина «Танец» была написана от впечатлений художника от национальных танцев.

Однажды воскресным днем художник отправился в Мулен де ла Галлет. «Я просто смотрел, как танцуют. Особенно мне понравилась фарандола (хоровод). К слову говоря, художник часто изображал на своих полотнах хороводы. Вернувшись домой, Матисс повторил увиденный танец на картине 4-метровой длины.

Фовистский период

Лето 1905 года Матисс провёл с Андре Дереном и Морисом де Вламинком в Кольюре, рыбацкой деревне на Средиземном море. Это время ознаменовало значительный поворот в творческой деятельности художника. Вместе с Андре Дереном, Матисс создал новый стиль, вошедший в историю искусства под названием фовизма. Его картинам того периода характерны плоские формы, чёткие линии и менее строгий пуантилизм.

Фовизм, как направление в искусстве, появился в 1900 году на уровне экспериментов и был актуален до 1910 года, само же движение длилось всего несколько лет, с 1904 по 1908 год, и имело три выставки. Движение фовизма получило своё название от небольшой группы единомышленников, художников Анри Матисса, Андре Дерена и Мориса де Вламинка.

Матисс был признан лидером фовистов, наряду с Андре Дереном. Каждый из них имел своих последователей. Другими значительными художниками в движении были Жорж Брак, Рауль Дюфи, Кеес ван Донген и Морис де Вламинк. Все они (кроме Кееса ван Донгена) были учениками Гюстава Моро, подтолкнувшего учеников думать вне формальных рамок и следовать своему видению.

Снижение роли фовизма после 1906 года и распад группы в 1907 году никоем образом не повлияли на творческий рост самого Матисса. Многие из его лучших работ были созданы им в период между 1906 и 1917 годами.

Когда осенью 1905 года будущие фовисты впервые представили широкой публике свои работы на Осеннем салоне в Париже, их резкие, энергичные краски буквально потрясли зрителей и вызвали негодование у критиков. Камиль Моклер (англ.)русск. сравнил выставку с горшком краски, брошенным в лицо общественности. Другой критик, Луи Воксель, в рецензии Донателло среди дикарей! (фр. Donatello parmi les fauves!), опубликованной 17 октября 1905 года в газете Жиль Блаз, дал художникам ироничное прозвище «фовистов», то есть «дикарей» (фр. fauves).

Матисс представил на выставке две работы, Открытое окно и Женщина в зелёной шляпе. Критика Луи Вокселя была направлена прежде всего на картину Женщина в зелёной шляпе. Коллекционер из США Лео Стайн , брат известных коллекционеров, Майкла Стайна и Гертруды Стайн, купил у художника эту картину за 500 франков. Скандальный успех повысил рыночную стоимость работ Матисса, что позволило ему продолжить занятия живописью.

После выставки в начале 1906 года в галерее Берней-Жён (фр.)русск., 20 марта 1906 года в Салоне Независимых художник представил свою новую картину Радость жизни, в сюжете которой сочетались мотивы пасторали и вакханалии. Реакция критиков и академических кругов на произведение была крайне раздражительной. Среди критиков оказался и Поль Синьяк, вице-президент «независимых». Пост-импрессионисты отошли от Матисса. Однако, Лео Стайн приобрел и эту картину, увидев в ней важный образ современности.

В том же году Матисс познакомился с молодым художником Пабло Пикассо. Их первая встреча состоялась в Салоне Стайн на улице Рю де Флёрю в Париже, в котором Матисс регулярно выставлялся в течение года. Творческая дружба художников была полна и духа соперничества, и взаимного уважения. Гертруда Стайн, вместе с друзьям из Балтимора в США, сёстрами Кларабель и Эттой Коэнами (англ.)русск., были меценатами и коллекционерами Анри Матисса и Пабло Пикассо. Ныне Коллекция сестёр Коэн является ядром экспозиции Музея искусств в Балтиморе (англ.)русск..

В мае 1906 года Матисс приехал в Алжир и побывал в оазисе Бискра. Во время поездки он не рисовал. Сразу по возвращении во Францию им была написана картина Голубая обнажённая (Сувенир из Бискры) и создана скульптура Лежащая обнажённая I (Аврора). Из двухнедельной поездки, он привёз керамику и ткани, которые затем часто использовал в качестве фона для своих картин.

Под впечатлением поездки Матисс увлекся линейными орнаментами мусульманского Востока в стиле арабесок. В его графике арабеск сочетался с тонкой передачей чувственного обаяния натуры. В это время он открыл для себя скульптуру народов Африки, стал интересоваться примитивизмом и классической японской ксилографией. Тогда же появились первые литографии художника, гравюры на дереве и керамика.

В 1907 году Матисс отправился в путешествие по Италии, во время которого посетил Венецию, Падую, Флоренцию и Сиену.

Автор и идея рыбок в аквариуме

Анри Матисс за свою долгую творческую жизнь всегда учился, не переставая интересоваться новыми направлениями и формами художественного искусства. Как следствие, многие годы искал себя, пробовал творить в разных стилях, создав даже совершенно новый (фовизм). В итоге пришёл к тому, что цвет для него лично важнее линии – именно цветовые пятна наиболее точно и метко передают эмоции и создают настроение.

Анри Матисс «Красных рыбок» задумал, вернувшись в апреле 1912 года из путешествия в Марокко, которое стало первым и очень важным в череде поездок художника по миру за впечатлениями и красками. Особенный эффект на живописца произвёл образ жизни североафриканцев, которые стремились всегда и везде окружать себя невероятно красивыми и яркими вещами и предметами ручной работы, расцвечивать свою жизнь, при этом оставаясь внутренне собранными, сдержанными и исполненными мудрости. Одним из удививших и покоривших Матисса занятий марокканцев было длительное созерцание ими жизни в аквариумах, спокойное, умиротворённое и медитативное лицезрение.

Навряд ли Матисс красных рыбок видел где-нибудь раньше – путешествия наряду с любознательностью художника и стремлением к знаниям расширяли его кругозор, давали пищу для ума и сердца, снабжали великолепными идеями для творчества. Одно из самых ярких воплощений сочетания фантазии с явью – это картина «Золотые рыбки» Матисса.

Грусть короля (1952)

В российских источниках картина носит немного другое название «Грустный король», но от этого она не меняется. Для создания полотна «Грусть короля» Матисс вырезал кусочки бумаги, а его ассистенты придали им более благородный вид, покрасив гуашью. Затем он придал этим кусочкам необходимые формы, которые послужили сюжетом для картины.

Анри Матисс всегда говорил о необходимости эмоций за счет простых средств. Одним из таких средств для художника стал цвет, а другим – форма. Картина Матисса напоминает детскую простоту, с которой дети рисуют фигуры. Матиссу, для того, чтобы его картина оказалась лучшей из лучших, не понадобилась даже кисточка.

Красные рыбки (1912)

Сокращая пространство до пределов, Анри Матисс изображает на холсте круглый стол с рыбками в аквариуме. Кажется, что рыбки двигаются, плывут одна за другой. Растения тоже выглядят оживленными. Фоном для картины служит сад, а центральная роль достается столу и рыбкам. Отражение рыбок в воде было несложно изобразить расплывчатыми пятнами. Стол изображен на картине так, будто бы художник рисует его сверху, но ножка, пририсованная к нему, в то же время создает ощущение, что рисование происходило сбоку. В картине преобладает круглая фигура, что задает полотну определенный ритм и вызывает умиротворение.

2.Описание стиля, техника исполнения

Стиль, в котором работал Матисс — фовизм. В начале XX века он как раз появился. Считается, что именно фовизм стал тем жанром, что разрушил традиционную живопись. Фовизм в живописи отличался от других течений тем, что художников не объединяла какая – то обобщенная эстетика. Их творения – это способ утвердить свое видение мира, используя максимально простые формы. Данный жанр можно узнать по отрицанию линейной перспективы в картине, колористические контрасты, примитивизация объекта, нарочитая острота композиционных решений. Художники придерживались таких правил как: картина не должна быть копиркой с действительности, она абсолютно независима от натуры. Главное в творчестве – цвет, чистый и яркий. Накладывание краски мазками разной ширины (иногда – большими пятнами), использование линий. Предметы писались деформированными, а силуэты обобщенными. Вытесненный отчасти кубизмом, отчасти экспрессионизмом, фовизм оставался наиболее радикальным направлением в искусстве на протяжении многих лет. Он оказал влияние на восприятие некоторых ценностей и роль цвета в изобразительном искусстве. Фовизм наставлял на самостоятельность картины и всего искусства от реальности. Матисс учил своих учеников писать картины «невинно» – так, как будто это делают маленькие дети. А именно – переносить на холст свое первое впечатление об изображаемом предмете. Только такой подход, по его мнению, открывал дорогу в «чистое искусство». При всем этом он глубоко уважал старых мастеров и часто использовал их приемы в своих работах. Только в живописи Матисса они становились фовистскими, переделанными по законам его мира. Искусствоведы, а также последователи Матисса выделяют его мазок кисти: художник тщательно сменял густоту нанесения краски, от чего в некоторых местах, в просветах виднелся холст, что создавало эффект того, что цвет на картине как бы «дышит». Анри Матисс видел высший смысл работы художника в том, чтобы творчество стало наслаждением для живописца и зрителя. Он говорил: «Живопись зовет к внутренней сосредоточенности, гармонии и должна действовать успокаивающе». Свою цель в искусстве он определил так: «Моя задача, как я думаю, в том, чтобы дать успокоение. Я мечтаю об искусстве равновесия, чистоты и строгости, лишенном запутанного и унылого сюжета, искусстве, которое было бы для любого, будь он деловым человеком или писателем, чем-то успокаивающим, чем-то вроде хорошего кресла, в котором можно отдохнуть от физической усталости».

Улитка (1953)

Похожая на детскую аппликацию, «Улитка» может показаться несведущему зрителю чем угодно. Название, данное художником, подсказывает, в каком направлении следует мыслить. На самом деле, нет никакой улитки. Это абстрактное изображение призвано для того, чтобы передать сущность предмета, а не его точное изображение.

Вырезанные из цветной окрашенной бумаги прямоугольные фигурки наклеены на базовый фон таким образом, что создаётся впечатление движения по спирали. Это полотно завораживает, его можно рассматривать часами с разных сторон. Самое главное — оно заставляет человека думать и не скрывать свои эмоции.

Грусть короля (1952)

В российских источниках картина носит немного другое название «Грустный король», но от этого она не меняется. Для создания полотна «Грусть короля» Матисс вырезал кусочки бумаги, а его ассистенты придали им более благородный вид, покрасив гуашью. Затем он придал этим кусочкам необходимые формы, которые послужили сюжетом для картины.

Анри Матисс всегда говорил о необходимости эмоций за счет простых средств. Одним из таких средств для художника стал цвет, а другим – форма. Картина Матисса напоминает детскую простоту, с которой дети рисуют фигуры. Матиссу, для того, чтобы его картина оказалась лучшей из лучших, не понадобилась даже кисточка.

«Персики и груши» (Поль Сезанн)

Говоря о творчестве Поля Сезанна, нередко упоминают его слова о том, что природу следует трактовать «посредством цилиндра, шара, конуса». В нашем случае эта идея даже более важна, чем если бы мы говорили о пейзажах: натюрморт включает в себя, помимо объектов чисто природного происхождения, значительное число рукотворных предметов, изначально создававшихся на основе этих фигур

Вероятно, и в силу этих причин, а не только меньшей, чем у пейзажа, изменчивости, позволявшей подолгу дорабатывать картины, Сезанн уделял такое внимание натюрмортам, к числу которых относится и картина «Персики и груши»

С одной стороны — прямоугольный стол, гранёный кувшин, овальное блюдо и почти условные круглые персики, а также прямой бордюр между стеной и полом; с другой стороны — наброшенная неровная полосатая скатерть, чётко выделенные, но неправильной формы груши и сложное основание вешалки в верхнем правом углу; где-то посередине между одним и другим — спрятавшаяся в скатерти круглая сахарница. Основные формы легко считываются и без труда (в отличие от более поздних натюрмортов Сезанна — таких как «Яблоки и апельсины») складываются в совокупность, представляющую сюжет картины и поддержанную более сложными, составными формами, которые придают ей необходимую глубину и основательность, отделяющую постимпрессионистические полотна Сезанна от легковесных, лирических работ импрессионистов.

Следует, однако, обратить внимание на тот факт, что формы считываются нами в основном не из-за точной светотеневой моделировки, а благодаря цветовому контрасту. Действительно, уровень детализации отличается от классического натюрморта, и нам не представляется возможным, допустим, определить точный материал сахарницы, кувшина или блюда, а света и тени порой живут своей не зависимой от законов физики жизнью, порой и вовсе перебираясь за край предмета (исключительно ради выделения его границы)..

Но опять-таки иное, отличное от классического монотонного тёпло-коричневого натюрморта цветовое решение приходит нам на выручку: яркий цветовой контраст между холодной иссиня белой скатертью и тёплыми жёлто-красными фруктами, между скатертью и столом и полом, даже между кувшином и бордюром — всё это помогает нам увидеть природу именно так, как хотел художник, а именно — в виде гармоничного взаимодействия фундаментальных форм во всей его сложности и многообразии.

На донесение той же идеи работают и другие приёмы, не сразу очевидные, но подсознательно ощущаемые, а именно вольное обращение с перспективой. Сперва преодолев религиозную условность перспективы Средневековья и найдя отдушину в линейной перспективе Возрождения, живопись сделала круг и вновь обратилась к условностям древних искусств (не в последнюю очередь — японской графике, демонстрировавшей особый взгляд на мир и оказавшей влияние на художников-постимпрессионистов). И опять-таки, не уходя с головой в плоскостной мир, Сезанн в меру искажает перспективу, чтобы передать нам видение человека, подробно рассматривающего единую сложную сцену с различных точек зрения: передняя часть стола предстаёт во фронтальной плоскости, верхняя разворачивается (хоть и незначительно) в обратную перспективу, а фон — стена под углом к столу, бордюр, пол, основание вешалки — существует отдельно, как нечто, что зритель, несомненно, заметил и запомнил, но с иного отвлечённого ракурса, не связанного с его первостепенным интересом. В итоге диагональ и «сложная» деталь в углу композиционно уравновешивают смещённую от вертикального и горизонтального центра композицию основного «героя» полотна — собственно натюрморта на столе.

Осмелюсь заявить, что по сегодняшним отполированным наукой дизайна представлениям о гармоничной композиции подобная уравновешенность отнюдь не могла бы быть отнесена ни к идеальной, ни к даже приемлемой. Однако такова и была цель работ того периода: с одной стороны, выяснить, насколько «правильны» вековые традиции, в которые насильственно загоняли художников, а с другой — отобразить (несомненно, стремительно меняющуюся) жизнь в её сложном, но естественном движении. В этом контексте неудивительно, что иные натюрморты (и не только) ещё более «грубы» и «негармоничны». Сезанн, опять-таки, довольно сдержан и последователен в своих представлениях об истинном отображении природы, и потому мы и можем наблюдать, как в своих работах он балансирует между привычной естественной классической гармонией и естественной природной изменчивостью и неоднозначностью, оказавшейся в центре внимания самых смелых художников того времени.

Сочинение по картине Красные рыбки — Анри Матисс

Картина «Красные рыбки» находится на стыке двух стилистических течений — импрессионизма и фовизма. Причем, если прировнять полотно к первому, то это скорее гогеновский импрессионизм, а если отнести «Рыбок» ко второму течению, то скорее эта работа лишь предтеча основного художественного движения, ярчайшим представителем которого являлся Анри Матисс.

Кульминационным композиционным центром, ровно как и световым, являются рыбки, организованные в круговом движении. Четыре милые рыбки, отражение которых мы видим сверху прозрачной водной глади, резко контрастируют с зеленью, в избытке окружающей аквариум — автор разместил его на небольшом круглом столике, который перекликается с круговоротом рыбок.

Использование ярких чистых цветов, отказ от полутонов и светотени создает иллюзию чистого взора — так непосредственно и радостно на мир может глядеть только ребенок. Картина отказывается что-либо повествовать, а лишь вызывать светлые эмоции, и с этой задачей она вполне справляется.

Почти реалистичная яркая картина, отличается нестандартным отношением к перспективе — сам аквариум с восхитительными рыбками зритель видит сбоку, в то время как стол показан сверху, и это почти идеальный круг. Однако Матисс уравновешивает эту нелогичность тем, что и тонкую ножку стола представляет нам сбоку, достигнув таким образом гармоничности и стройности общей композиции.

Символисты углядели бы в этой работе один устойчивый лейтмотив — это круг. Круглый стол, круглое основание аквариума, круглые листья большинства зелени вокруг, круглые глаза рыбок и даже их круглы открытые рты, и все это обрамлено круглой парковой оградкой с плавными сильно вытянутыми овальными узорами. Да к тому же и рыбки плавают по кругу!

Что подразумевал под этим автор сложно сказать, однако, вся работа получилась какой-то чистой, светлой, невероятно приятной и гармоничной. Это та восхитительная простота и прозрачность, от которой невозможно отвести взора.

Сегодня подивиться этой несравненной работой можно в Москве в Пушкинском музее, благодаря первому и единственному частному владельцу — меценату С. И. Щукину с которым Матисса связывала теплая дружба. В 1912 году Щукин выкупил «Рыбок» у автора и привез в Россию.

Сочинение по картине Красные рыбки — Анри Матисс« Портрет старика в красном — Рембрандт Харменс Ван РейнПутники — Павел Никонов »

Женщина в шляпе (1905)

На 1905–1906 года пришёлся пик творчества Матисса в стиле фовизма. Смелое сочетание ярких цветов в те времена воспринимались как уродство и что-то несуразное. Особенно негативную реакцию вызвало у публики полотно «Женщина в шляпе». Его назвали «дикостью», по-французски fauve, от чего и произошло название течения — фовизм.

Если вспомнить, как публика принимала первых импрессионистов, то реакция на фовизм была ожидаемой. Публика негодовала, а художники нашли в этом направлении новую свежую струю.

«Женщина в шляпе» — неординарный, по мнению редакции most-beautyt.ru, женский портрет. На зелёном фоне зелёное асимметричное женское лицо смотрит на зрителей вполоборота — абсолютно не человеческий облик. Но художник видел образ по-своему и изобразил его без соблюдения правил и канонов.

4