Джексонполлок

Путь к успеху[править | править код]

В 1941-м году на выставке «Индейское искусство США» в Музее современного искусства Поллок впервые увидел как индейцы навахо создают картины из песка прямо на полу, и был потрясен этой техникой. Тогда же он познакомился с художницей Ли Краснер, ставшей в 1945 году его женой. Стараниями Краснер Поллок вошел в авангардные творческие круги Нью-Йорка и в 1942 году состоялось его первое участие в значимой большой выставке «Американская и французская живопись». В 1943 году произошла знаменательная для Поллока встреча с галеристкой и меценаткой Пегги Гуггенхайм, с которой у него возник особый тип отношений — заказчика и творца. Именно Пегги Гуггенхайм выставила в своем Музее современного искусства работу Поллока «Стенографическая фигура», которую критики восприняли благосклонно. В результате Поллок заключил контракт с Пегги, которая организовала несколько персональных выставок Поллока в последующие четыре года и во многом способствовала его известности. Пегги же заказала Поллоку работу для своего дома в Нью-Йорке, что было актуально для него, так как, несмотря на все пришедшую известность, для большинства коллекционеров работы Поллока оставались непонятными и они не торопились их покупать. Первой работой, которую Поллоку удалось продать, была «Волчица» и приобрел ее Нью-Йоркский музей современного искусства в 1944 году.

Файл:Алхимия.jpg Алхимия. 1947

В конце 40-х годов Поллок практически отказался от кисти, создавая работы в технике дриппинга, в 1948 году состоялась его первая выставка в галерее Бетти Парсонс, а затем работы художника были успешно выставлены на Венецианской биеннале. В 1949 году Поллок принял участие в знаковой выставке «Интерсубъективность», которая имела огромное значение в развитии американского абстракционизма. В галерее Самюэля Кутца в Нью-Йорке помимо Поллока участвовали представители нового американского искусства — Арчил Горки, Виллем де Кунинг, Марк Ротко и другие. Популярность художника быстро росла, работы выставлялись в Париже, Цюрихе, Дюссельдорфе, Хельсинки и Осло, в 1950 году фотограф Ханс Намут создал серию фотографий Поллока на разных стадиях работы художника, двигающегося с невероятной силой и изяществом отрешенного шамана вокруг холста, на который он изливает свои краски, и презентовал фильм о нем в Музее современного искусства.

С 1954 года Поллок прекратил писать картины, находился в перманентном запое. Этот период до самой смерти художника в 1956 году стал периодом необратимой деградациеи и завершился гибелью Поллока, который не справился с управлением автомобиля в нетрезвом состоянии.

Капельный период (1947-1950): стремительный взлёт, журнал Life и фотограф

Среди исследователей и поклонников творчества Поллока существует красивая история, что художник придумал «капельную технику», случайно пролив краску на разложенный на полу холст. Неизвестно, насколько это правдиво, но картины этого этапа действительно выглядят так, будто бы на них кто-то ненароком разбрызгал краски. Как ни странно, это стало прорывом.

Номер 8, 1948

Первая же выставка картин, выполненных в«капельной технике», привлекла колоссальное внимание публики. Творческое сообщество Америки не могло понять, что это: гениальность или шарлатанство?

Переломным моментом, после которого Джексон Поллок стал всемирно известен, стала статья журнала Life, вышедшая в 8 августа 1949 года под вопросом «Является ли Джексон Поллок величайшим ныне живущим художником Америки?»

Переломным моментом, после которого Джексон Поллок стал всемирно известен, стала статья журнала Life, вышедшая в 8 августа 1949 года под вопросом «Является ли Джексон Поллок величайшим ныне живущим художником Америки?».

Журнал Life, 8 августа 1949 года

Кажется, судьба решила ответить на этот вопрос положительно — Джексон Поллок получил славу, деньги и признание. Его обсуждали на всех модных тусовках, картины продавались за большие деньги, а все, кто раньше смотрел на него свысока, хотели стать его близкими приятелями. В какой-то степени Поллоку повезло родиться в нужное время в нужном месте: подъём его карьеры совпал с подъёмом США как великой державы после Второй мировой войны. Стране был нужен художник, который смог бы вывести национальное американское искусство на мировой уровень и соперничать с европейскими признанными мастерами. Им стал Джексон Поллок и его абстрактный экспрессионизм.

В июле 1950 года в дом Поллоков приехал немецкий фотограф Ганс Намут, чтобы снять фильм о популярном художнике. Джексон согласился под влиянием Ли, которая понимала значимость СМИ для дальнейшей популярности своего мужа. Намут снял около 500 черно-белых фотографий, а также небольшой документальный фильм, который в будущем детально изучался исследователями искусства и критиками.

Джексон Поллок за работой, фотография Ганса Намута

Отношения между фотографом и художником не ладились, потому что первый часто командовал, чтобы поймать хороший кадр. Поллок говорил, что ощущал искусственность происходящего и не мог в полной мере сосредоточиться на процессе, потому что был вынужден постоянно подчиняться приказаниям Намута. Напряжение достигло кульминации, когда холодным ноябрьским вечером Джексон и Ганс вернулись домой после особенно неудачной съёмки. Поллок, который полностью бросил пить после переезда в Спрингс, налил себе стакан бурбона. После этого художник выпил ещё и начал спорить с фотографом. Каждый из них назвал другого фальшивым, после этого пьяный Джексон опрокинул стол с едой на глазах гостивших у Поллоков друзей.

Особенности полотна

Но что же можно увидеть на картине? «Номер 5, 1948» написан в серо-коричневых тонах. К ним примешиваются брызги белого и жёлтого цветов, в хаотичном порядке оставленные на фиброкартоне.

Мне сложно представить, что на полотне могут увидеть ценители абстракционизма, однако, глядя на творение Поллока, перед глазами невольно возникает образ художника, поливающего краской основу, лежащую у его ног.

Картины Поллока могут просто заворожить зрителя / focus.ua

Брызги и линии выдавленных красок настолько причудливо переплетаются, что невольно напоминают некую паутину, сумятицу, хаос. А может, именно это и хотел нам показать несчастный Поллок, страдающий от безумия?

Поразительным образом “суть” картины подчёркивает её название. Автор не открывает нам, что сам видит в этом абстрактном цветовом мире, а просто указывает номер и год написания полотна.

Так рождались картины Джексона Поллока

В заключение я бы хотела сказать пару слов о судьбе самого художника. Проявившееся безумие Джексона Поллока постепенно усугублялось частыми запоями. Сделать написание картин своим регулярным занятием ему посоветовал личный психотерапевт. Увы, это не спасло его от алкоголизма и автокатастрофы, в которую он попал из-за пагубной привычки. Но и после смерти Поллока его картины не были забыты. И одна из самых известных среди них – «Номер 5, 1948».

Черно-белый период (1951-1954): попытка, провал и творческий кризис

Джексон сомневался в «капельной технике» и не мог даже для себя ответить на вопрос, не является ли его творчество шарлатанством. В 1951 году на пике своей популярности Поллок отказался от яркой «капельной техники» и начал писать тёмные чернильные работы, которые отражали его внутреннее состояние. Он словно пытался доказать, что его творчество не должно восприниматься как поверхностное, легкое, декоративное и приносящее только удовольствие.

Джексон Поллок, осенний ритм, номер 30

Первая же выставка провалилась — лишь одна работа была продана, но и то за полцены. Все спрашивали: почему же Поллок отказался от черты, которая делала его уникальным и успешным?

Джексону ничего не оставалось, как отказаться от неудачных черно-белых попыток и вернуться к яркости. Начиная с 1952 года, он экспериментирует с цветами, балансируя между абстракционизмом и «капельной техникой». Но кажется, он исчерпал своё вдохновение. За последние пять лет своей жизни Поллок так и не создал каких-либо значимых полотен. Последней крупной работой считается написанная в 1953 году картина «Портрет и сон».

Портрет и сон, 1953

Левая часть представляет собой сон, сквозь чернильные линии изображения можно разглядеть намёки на женскую обнаженную фигуру. Справа изображён портрет в черном цвете с добавлением агрессивной оранжево-красной гаммы. Комментируя эту работу, Ли говорила, что «сон» представляет «обратную сторону луны», то есть светила, традиционно воплощающее женскую энергию. Поллок, увлекавшийся фрейдизмом, не мог не знать значение этого символа. В статье the Guardian утверждается, что в этом полотне Поллок отвечает на фундаментальный для себя вопрос: как соотносятся секс («сон») и гений («портрет»)? Может ли творец поддаваться страстям и плотскому удовольствию? Судя по тому, что два символа разведены по разным краям, ответ отрицателен — не является ли это манифестом о завершении творческого пути? Поллок, отказавшийся от сексуальной энергии, экстаза и чувств, — как он может что-то создавать?

Скульптор Рувим Кадиш, студенческий друг Джексона, говорил, что «Поллок не мог работать по принуждению, поэтому так мало картин он написал на заказ и так мало работал в последние годы».

Человек-открытие

В 1945 году Джексон и Ли поженились и решили уехать из Нью-Йорка. Они переселились в небольшой дом в Спрингс на Лонг-Айленде. Художник оборудовал себе студию в сарае, где и трудился до самой своей смерти. Студия Краснер располагалась в одной из комнат в самом доме, но после гибели Поллока она перенесла ее в тот же сарай.

После переезда из Нью-Йорка Джексон почти перестал пить, жизнь вдали от постоянных вечеринок и друзей-собутыльников пошла художнику на пользу. Вплоть до того, что в течение двух лет Поллок вообще не прикладывался к бутылке. В эти же годы Джексон начинает больше писать, постоянно оттачивая и совершенствуя свою технику. Он не делал набросков, не устанавливал холсты на мольберте, а позже отказался даже от кистей, пользуясь при создании картин лишь подручными средствами. Поллок предпочитал прибивать холст к стене или расстилать его на полу: «Когда холст на полу, я чувствую больше свободы. Я чувствую себя ближе, становясь частью картины, я могу ходить вокруг нее, работать со всех четырех сторон и буквально находиться внутри картины».

Mural

• Date created: 1943
• Dimensions: 2.43 x 6.04 meters (8 feet × 19 feet 10 inches)
• Location: University of Iowa Museum of Art, Iowa City, United States

Mural is another work that was produced during the early phase of Pollock’s career. It was probably produced around 1943 although the artist didn’t add his signature to the work until the year 1947.

It’s a remarkable Jackson Pollock painting because it’s the largest canvas painting he ever produced. It’s considered to be a pivotal work in his oeuvre as well as it marked the transition from the Surrealist abstract paintings he produced to the action painting that made him world-famous.

Кризис личности

Не желая забрасывать рисование Поллок отправляется в Нью-Йорк, в котором уже некоторое время жил его брат. Вместе с ним он берет уроки у Томаса Бентона и перенимает от него криволинейные и волнистые линии. Во многих полотнах которые он написал в ранний период своего творчества чувствуется влияние мексиканских рисовальщиков. Бентону искренне нравился Джексон, и он посоветовал ему изменить свой стиль и отношение к работе. Из застенчивого паренька он превратился в грозного ковбоя. Не только хорошие уроки мастер преподал своему ученику, будучи зависимым от алкоголя он напомнил юноше о старых привычках и тот снова начал злоупотреблять выпивкой.

В 1935 году наставник покинул Нью-Йорк потеряв поддержку близкого человека художник уходит в запой. Его состояние настолько ухудшилось что все деньги, на которые он жил были социальной помощью для бедных художников. Пытаясь улучшить свое материальное положение, он расписывает стены подъездов, моет музеи и памятники. Берется за помощь другим художникам в качестве подручного. Но в один день администрации социального проекта надоело его постоянное пьянство и от его помощи отказались. Это привело к тому что художник попал в больницу с алкогольной интоксикацией, после чего его перевели в лечебницу для зависимых от алкоголя.

Формирование стиля[править | править код]

Фигуративность. 1934—1940

С юности Поллок увлекался творчеством мексиканских художников-революционеров, и, несмотря на то, что многое преподаватели и однокашники подвергали сомнению его талант рисовальщика, продолжал упорные штудии и создавал фигуративные работы. Ранние картины Поллока — импрессионистические и экспрессионистские пейзажи и графика разных стилей, художник находился в поиске, не останавливаясь ни на фресках, ни на абстракции. В это же время Поллок изучал акварель и литографию. Находясь под влиянием своего учителя Бентона, Поллок все же осознавал, что фигуративная живопись не в состоянии передать процессы, происходившие в мире и в нем самом и постепенно отошел в сторону от понятия реальной формы. Художник, изучавший мифы индейцев, не раз использовал архетипы в своем творчестве периоде 30-х-40-годов, которое напоминало мандалы — перспективой, четкими контурами, цветовой гаммой, при этом брал на вооружение кубизм Пикассо, абстракции Миро, но искал собственный новаторский стиль выражения бессознательного. Характерная работа для этого периода «Маска» 1941 года — все в ней сакрально и полно выражения сверхъестественного и архетипического — вихри, спирали, символика аборигенов.

Абстракции и синтетизм. 1940—1947

В 40-е годы художник продолжил искать свой путь в стиле и технике, в его работах все меньше конкретности, все больше легкости. Например, работе «Стенографическое число» 1942 года использовал под влиянием Матисса редкую для своей палитры гамму — доминирующую нежную голубую, в контрасте с красным и желтым. В то же время все больше склоняется к абстракции и синтетизму, характеризующимися неистовостью энергии, рефлексией, мистикой и примитивизмом, но все еще под влиянием футуризма и кубизма — в 1944 году создает «Тотемный урок 1» как отклик на войну и Пикассо, в 1944 — «Ночные звуки» — как отклик на живопись Миро. Но уже «Мужское и женское», «Фреска», «Готика» — квазиабстрактные работы, нет никаких намеков на фигуративность, переход от к новой технике — последовательные черные динамичные мазки, деструктурирующие композиционный центр. Эти же опыты продолжились в серии картин под названием «Звуки в траве», начатой в 1946 году — художник, экспериментируя в стиле линейной абстракции, ввел в свою живопись эффект получения образа от наложения друг на друга беспорядочных мазков, сливающихся в дрожащие клубки цвета.

Живопись действия 1947—1956

К 1947 году относятся первые опыты с «живописью действия», которая прославила Поллока и изменила представления как об авангарде, так и о живописи в целом. Поллок впервые в живописи применил технику дриппинга — особый вид нанесения краски путем разбрызгивания. Художник предпочитал работать на твердом основании, чтобы чувствовать сопротивление холста, полностью отказался от работы кистью — в ход шли мастихин, стек, нож, зачастую использовал нехудожественные краски, а автомобильные, распыляя их на холст пульверизатором. Поллоок избегал эскизов к работам, считал, что чистое искусство рождается спонтанно и его невозможно домыслить. Техника дриппинга дала Поллоку возможность достичь границ чистой живописи, бессознательное диктовало форму произведения, при этом процесс полностью контролировался художником.

Number 1, 1950 (Lavender Mist)

• Date created: 1950
• Dimensions: 221 x 299.7 centimeters (87 x 118 inches)
• Location: National Gallery of Art, Washington D.C., United States

While Mural was important in the transition of the painting technique Pollock developed, Number 1, 1950 (Lavender Mist) was important in his recognition as an artist to the general public.

The initial reactions to his works were mixed, to say the least, but when this particular work went on public display, the overall opinion about his art had already shifted. It’s therefore, one of the first works that were received well by critics.

Number 1, 1950 (Lavender Mist) / Wiki Commons

Творчество

До встречи Йоко с Джоном Ленноном ее творчество не было оценено критиками. Художница организовывала странные перформансы, например Cut a Piece («Отрежь кусок»). Она неподвижно сидела на сцене, а зрители должны были по очереди подниматься на сцену и отрезать кусочек от ее одежды. Представление длилось до тех пор, пока Йоко не оставалась голой. Этот перформанс женщина исполняла не единожды. В последний раз она предстала перед публикой в таком образе в 2003 году в Париже, на тот момент ей было 70 лет.

Но Оно не ограничивалась исключительно рамками художника. В 1964 году авангардистка издала сборник поэтических миниатюр «Грейпфрут». По ее словам, именно он определил ее дальнейший творческий путь. Эти миниатюры художница воплотила в инсталляциях, фильмах и перформансах.

Знакомство с Джоном Ленном изменило их обоих. Если сначала музыкант лишь изредка помогал устраивать выставки художницы, то вскоре он понял, что они — две половины одной души. Многие поклонники The Beatles обвиняют именно Йоко в распаде легендарной группы. В одном из интервью Пол Маккартни заявил, что никакой вины женщины в этом нет. По его словам, никто не вдохновлял Леннона так, как эта японка. И если бы не она, то мир никогда бы не услышал великий хит Imagine.

Художница всегда отличалась своей эпатажностью. Пожалуй, самой знаменитой акцией Джона и Йоко стала Bed-In For Peace. Десятки журналистов собрались в отеле Hilton, чтобы увидеть рождение нового направления в искусстве. Это был мирный протест против войны — неделю Леннон и Оно лежали в постели, отвечали на вопросы репортеров, фотографировались. Вторая половина акции прошла в Монреале. Благодаря двум знаменитостям на первых полосах газет появились лозунги за мир.

В 1969 году Йоко Оно и Джон Леннон организовали собственную группу Plastic Ono Band. Совместно пара выпустила семь альбомов. Самым странным и провокационным стал их первый сборник Unfinished Music No.1: Two Virgins («Незавершенная музыка № 1. Два девственника»). По словам Леннона, он был записан за одну ночь. Но, как оказалось, музыкальных композиций на нем не было, вместо них — какие-то шумы, крики, стоны. А на обложке было размещено фото обнаженных звезд.

Но, пожалуй, самой известной их совместной фотографией стала работа Энни Лейбовиц для обложки Rolling Stone. На снимке голый Джон Леннон обнимает и целует лежащую рядом с ним одетую Йоко Оно. Эта фотография была сделана 8 декабря 1980 года всего за пять часов до убийства музыканта.

Уже после смерти исполнителя, в 1984-м, вышел диск Milk and Honey с песнями Йоко и Джона, записанными в последние месяцы жизни Леннона. Далее певица начала сольную карьеру: в 1985-м она записала сборник Starpeace с популярным синглом Hell in Paradise. Артистка поддержала диск гастрольным туром по странам Восточной Европы.

В 2007 году художница посетила Москву. В ЦУМе в рамках 2-й Московской биеннале проходила ее выставка «Одиссея таракана». Во время этой поездки авангардистка, специально распорядившись об отсутствии прессы, побывала в доме-музее Александра Пушкина в усадьбе братьев Вульф в деревне Берново Тверской области. Анна Бубнова-Оно, тетя артистки, была дальней родственницей матери Пушкина, что делает японскую художницу свойственницей русского поэта.

Будучи активистом за мир и права человека, Йоко нередко направляла доходы от перформансов и выступлений на благотворительность. Художница собирала деньги жертвам терактов 11 сентября на концерте Come Together: A Night for John Lennon’s Words and Music, нарисовала каллиграфическую работу под названием «Мечта» для сбора средств на строительство дома для сирот Великого восточно-японского землетрясения и пр.

В 2016 году 83-летняя Йоко Оно снялась для ежегодного календаря Ріrеllі. Для фотосессии художница надела мини-шорты, короткий пиджак и цилиндр, став похожей на танцовщицу кабаре.

В 2021-м, по данным The New Yorker, Оно «ушла из общественной жизни», а представителем интересов семьи в бизнесе Beatles стал ее сын Шон Леннон.

Начало (1930-1937): Нью-Йорк, Великая депрессия и риджионализм

В 1930 году Джексон переехал в Нью-Йорк, поддавшись уговорам двух старших братьев, которые там жили. Будущий художник поселился в квартире своего брата Чарльза и его жены Элизабет. Тем временем в стране царила Великая депрессия: рынок обвалился, денег катастрофически не хватало, многие люди голодали. Однако Поллоки восторгались мегаполисом и строили планы по его завоеванию.

Вот, что вспоминает Элизабет: «Это был период Великой депрессии. Мы были очень бедны, но абсолютно счастливы! Когда я впервые увидела Джексона, то подумала, что он самый привлекательный среди всех братьев Поллоков: его улыбка ослепляла. И хоть оказалось, что это был лишь способ манипулировать людьми, поначалу я заискивала перед ним. Лишь позже я поняла, что Джексон — эгоист, баловень и лентяй».‎

Джексон (слева) и Чарльз (справа) Поллоки

Джексон действительно отличался скверным характером: высокомерный, гордый и заносчивый. К тому же молодой человек злоупотреблял алкоголем и курением, что лишь усугубляло эти черты. Он искал сильного человека, который мог бы стать для него авторитетом и указать нужное направление.

Такой опорой стал художник Томас Харт Бентон, у которого учились Джексон и его брат Чарльз в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. Бентон писал в стиле риджионализма (англ.regionalism) и мексиканского мурализма (англ.muralism), то есть реалистично изображал повседневную жизнь американцев и индейцев Среднего Запада, стремясь сделать сюжеты понятными и близкими как можно большему количеству людей.

Несколько ранних картин Поллока выполнены в схожем стиле, но влияние учителя не было существенным — преимущественно Джексон работал в своём направлении. Однако он перенял у Бентона ритмичность композиции и стремление к художественной независимости.

Работа Поллока в стиле риджионализм и мурализм Пейзаж с быком, 1937

Скульптор Рувим Кадиш, студенческий друг Поллока, вспоминал: «Когда я впервые увидел работы Джексона, то подумал, что они энергичные и кипучие, словно разговаривают со зрителем. Часто мы с ним посещали выставки по этнической графике и ходили в походы, где изучали национальное искусство».

С 1935 года Джексон часто проводил время в экспериментальной мастерской, где познакомился с художниками, которые работали в свободном стиле и стремились уйти от преобладающего в США академизма. Поллок был очарован сюрреализмом, в частности Пикассо, и его картины стали смелее и провокационнее.

Full Fathom Five

• Date created: 1947
• Dimensions: 129.2 x 76.5 centimeters (50 7/8 x 30 1/8″)
• Location: MoMA, New York City, United States

Full Fathom Five was one of the first experimental paintings in which Pollock used his distinctive drip-feeding technique. This is emphasized by the notion that he first prepared the canvas with a brush to produce an underlayer.

Another remarkable fact about this painting is that several elements are included on the surface. Some of these are cigarette butts, thumbtacks, buttons, coins, and a key. They are completely covered in paint and indistinguishable by the naked eye.

Full Fathom Five / Wiki Commons

Значимые работы[править | править код]

• 1942 — «Мужское и женское» («Male and Female»)
• 1942 — «Стенографическая фигура» («Stenographic Figure»)
• 1943 — «Фреска» («Mural»)
• 1943 — «Женщина-луна разрезающая круг» («Moon-Woman Cuts the Circle»)
• 1943 — «Волчица» («The She-Wolf»)
• 1943 — «Голубое (Моби Дик)» («Blue (Moby Dick)»)
• 1946 — «Глаза в жару» («Eyes in the Heat»)
• 1946 — «Ключ» («The Key»)
• 1946 — «Чайная чашка» («The Tea Cup»)
• 1946 — «Мерцающая субстанция» («Shimmering Substance»)
• 1947 — «Full Fathom Five»
• 1947 — «Собор» («Cathedral»)
• 1947 — «Сближение» («Convergence»)
• 1947 — «Зачарованный лес» («Enchanted Forest»)
• 1948 — «№ 5, 1948»
• 1948 — «Живопись» («Painting»)
• 1948 — «Номер 8» («Number 8»)
• 1948 — «Лето: номер 9А» («Summertime: Number 9A»)
• 1950 — «Номер 1» («Number 1, 1950 (Lavender Mist)»)
• 1950 — «Осенний ри)
• 1950 — «Один: номер 31» («One: № 31, 1950»)
• 1951 — «Номер 7» («Number 7»)
• 1952 — «Синие столбы» («Blue Poles: № 11, 1952»)
• 1953 — «Портрет и мечта» («Portrait and a Dream»)
• 1953 — «Пасха и тотем» («Easter and the Totem»)
• 1953 — «Серость океана» («Ocean Greyness»)
• 1953 — «Глубина» («The Deep»)

Номер 5

В 2006 году на аукционе «Сотбис» за картину «№ 5, 1948» была предложена сумма 140 млн долларов. Купленное полотно стало на тот момент самой дорогой картиной в мире. Дэвид Гиффен, знаменитый кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

В кинематографе

В фильме «Контрабанда» герои случайно крадут картину «№ 5, 1948», не предполагая её истинной стоимости и принимая за тряпку. Только в конце фильма они случайно узнают о её стоимости в 140 миллионов долларов. Напрямую название картины не упоминается, только имя автора — Джексон Поллок.

Фильм «Поллок», где Джексона Поллока играет Эд Харрис.

В фильме «Из машины» на примере картины «№ 5, 1948» создатель искусственного интеллекта объясняет принцип, который он использовал для создания искусственного интеллекта.

В кинематографической картине «Расплата» фигурирует знаменитое полотно Поллока «Free Form»,

выдаваемое за подлинное. Впервые встречается в трейлере над постелью главного героя.

В кинофильме Дэвида Кроненберга «Космополис» начальные титры стилизованы под Поллока, а главный герой упивается полотнами абстракционистов.

Blue Poles

• Date created: 1952
• Dimensions: 212.1 × 488.9 centimeters (83.5 × 192.5 inches)
• Location: National Gallery of Australia, Canberra, Australia

Blue Poles is an enormous work of art that Pollock originally named “Number 11,” a name it went by for 2 years. This was not unusual because the artist refused to assign a proper name to his works.

Because of the distinctive blue paint which appears to take on the shape of poles, the painting was referred to as “Blue Poles” by 1954. It was purchased by the National Gallery of Australia (NGA) for the large sum of A$1.3 million in 1973, a controversial acquisition at the time.

Blue Poles / Wiki Commons

Абстракционизм (1942-1945): Ли Краснер, первый успех и эксперименты

В 1942 году в студию Джексона без предупреждения пришла девушка со словами: «Я знаю всех абстрактных художников Нью-Йорка, кроме тебя!» Это был Ли Краснер, русский еврейский художник, когда-то переехавший из Украины в Америку. Джексон и Ли поженились три года спустя.

Ли Краснер, художник и жена Джексона Поллока
Джексон Поллок и Ли в студии

Как художник Ли понимал страсть Джексона к искусству как никто другой. Для мужа она стала верным другом и опорой, продвигала его и верила в его талант. Его карьера не была столь успешной, потому что успех Джексона был на первом месте: «Он может дать гораздо больше искусства, чем я!». Однако на протяжении всей своей жизни Ли продолжал писать и экспериментировать с живописью.

После начала отношений с Ли бизнес Джексон пошел в гору: во многом благодаря ей, в 1943 году он подписал контракт со знаменитой коллекционером произведений искусства Пегги Гуггенхайм. В этом же году проходит его первая персональная выставка. На протяжении своей дальнейшей карьеры Джексон сотрудничал с Пегги, которая продвигала работы Поллока и других известных художников-абстракционистов. По Нью-Йорку ходили слухи, что Гуггенхайм имел интимные отношения с большим количеством мужчин, в том числе из богемных кругов. Многие приписывают ей роман с Джексоном.

Пегги Гуггенхайм, агент Джексона Поллока

Работы Джексона этого периода выполнены по классическим канонам абстрактного искусства: отказ от изображения реальных предметов, нарушение формы и перспективы, эксперименты с цветом.

Поллок начинает создавать свои работы на необычно больших полотнах. Его работа «Affresco» имеет шесть метров в длину и почти два метра в ширину.

Джексон Поллок, фреска, 1943 год

Между прочим, «Фреска» была создана при необычных обстоятельствах: Пегги Гуггенхайм заказала ее у Джексона для своего дома на Манхэттене. Сама арт-дилер не была полностью уверена в таланте Поллока и уступила уговорам своего ассистента Говарда Путцеля и художника Марселя Дюшана, которые видели потенциал в начинающем абстракционисте. Зарплата составляла 150 долларов в месяц, что по тем временам было огромной суммой. Деньги были нужны больше, чем когда-либо, поскольку Джексон и Ли едва сводили концы с концами, часто отдавая последний за квартиру и не имея денег на еду и краски.

Но оказалось, что Поллок не может начать рисовать. Как сказал Ли, он смотрел на чистый холст дни, дни, недели, недели, месяцы. Гуггенхайм становился все более раздраженным и в конце концов выдвинул ультиматум: либо Джексон закончит работу до января, либо он может попрощаться со своей карьерой. В ночь перед назначенной датой холст все еще оставался нетронутым, но когда Пегги проснулась утром, Джексон стоял в дверном проеме со сложенным холстом в руках — работа была создана за ночь.

Эта красивая история нашла отражение в одной из самых известных биографий Поллока, лауреата Пулитцеровской премии: «Джексон Поллок: американская сага» (Стивен Нож и Грегори Уайт Смит, 1989). Однако в 2014 году Американский музей Гетти и Институт охраны природы Гетти развенчали этот слух, опубликовав исследование, которое показало, что между нанесением различных слоев на холст прошло не менее нескольких недель. Однако большая часть работы — последний слой — скорее всего, будет завершена в одночасье.

Абстракционизм (1942-1945): Ли Краснер, первый успех и эксперименты

В 1942 году в студию к Джексону без предупреждения заявилась девушка со словами «Я знаю всех абстракционистов Нью-Йорка, кроме Вас!». Это была Ли Краснер — художница из русско-еврейской семьи, когда-то переехавшей из Украины в Америку. Через три года Джексон и Ли поженились.

Ли Краснер, художница и жена Джексона Поллока Джексон Поллок и Ли в студии

Будучи художницей, Ли понимала тягу Джексона к искусству как никто другой. Для мужа она стала настоящим другом и поддержкой, занималась его продвижением и верила в его талант. Её собственная карьера не была такой удачной, потому что успех Джексона стоял на первом месте: «Он может дать искусству гораздо больше, чем я!». Тем не менее на протяжении всей своей жизни Ли продолжала писать и экспериментировать в живописи.

После начала отношений с Ли дела у Джексона пошли в гору: во многом благодаря ей в 1943 году он подписал контракт с известным коллекционером искусства Пегги Гуггенхайм. В том же году состоялась его первая персональная выставка. Всю свою дальнейшую карьеру Джексон сотрудничал с Пегги, которая продвигала творчество Поллока и других известных абстракционистов. По Нью-Йорку ходили слухи, что Гуггенхайм состояла в интимных отношениях с большим количеством мужчин, в том числе и из богемных кругов. Многие приписывали ей интрижку и с Джексоном.

Пегги Гуггенхайм, агент Джексона Поллока

Работы Джексона этого периода выполнены по классическим канонам абстракционизма: отказ от изображения реальных предметов, нарушение формы и перспективы, эксперименты с цветом.

Поллок начинает создавать свои работы на холстах непривычно больших размеров. Его работа «Фреска» имеет шесть метров в длину и почти два в ширину.

Джексон Поллок, «Фреска», 1943

Кстати, «Фреска» была создана при необычных обстоятельствах: Пегги Гуггенхайм заказала её у Джексона для своего таунхауса на Манхэттене. Сама арт-дилер не была до конца уверена в таланте Поллока и поддалась уговорам своего помощника Говарда Путцеля и художника Марселя Дюшана, которые видели потенциал в начинающем абстракционисте. Зарплата составляла 150$ в месяц, что на те времена было большой суммой. Деньги были нужны как никогда, потому что Джексон и Ли едва сводили концы с концами, часто отдавая последнее за квартиру и не имея средств на еду и краски.

Но оказалось, что Поллок не мог начать рисовать. Как говорила Ли, он смотрел на пустой холст днями, дни складывались в недели, а недели в месяцы. Гуггенхайм всё больше раздражалась и в итоге выдвинула ультиматум: либо Джексон заканчивает работу до января, либо он может распрощаться со своей карьерой. Вечером перед установленной датой холст всё так же оставался нетронутым, но когда Пегги проснулась утром, то на пороге стоял Джексон со свёрнутым полотном в руках — произведение было создано за ночь.

Эта красивая история была отражена в одной из самых известных биографий Поллока, выигравшей Пулитцеровскую премию: «Джексон Поллок: Американская сага» (Стивен Найфе и Грегори Уайт Смит, 1989). Однако в 2014 году американские Музей Гетти и Институт Сохранения Гетти опровергли этот слух, опубликовав исследование, в котором показали, что между нанесением различных слоёв на холст прошло минимум несколько недель. Тем не менее вполне вероятно, что большая часть работы — финальный слой — была создана за сутки.