По пути импрессионизма
Смелая выставка не оправдала надежд, люди не поняли нового направления в искусстве, и общество было распущено уже к концу 1874 года. Отличительной особенностью картин, написанных в духе импрессионизма, является то, что на полотно следует смотреть с некоего отдаления, а не подходя к нему вплотную.
Городские обыватели не понимали этого, а поэтому и не постигли всей сути нового направления, картины казались им размазанными и нечеткими. Картину Моне «Бульвар Капуцинок» на той выставке даже продырявили тростью прямо на глазах у автора. Казалось бы, трость должна быть атрибутом джентльмена, и предназначена она вовсе не для порчи картин. Возможно, дело в том, что на выставку пришли не только джентльмены.
Клод Моне «Бульвар Капуцинок», 1873 годМестонахождение: Художественный музей Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити, США
Стоит напомнить читателям, что название «импрессионизм» происходит от английского слова «impression», что означает «впечатление». Кстати, французский репортер Луи Леруа, который написал разгромную статью о прошедшей выставке импрессионистов, а в особенности об одной из моих любимых картин Моне «Впечатление. Восходящее солнце» высказался так :
Возможно, ему стоило писать статьи на другие темы, а не браться за роль искусствоведа, если он не мог увидеть очевидного. На мой взгляд простого любителя красоты, на картине Моне можно увидеть не только нежный рассвет, но, если приглядеться, ещё много интересного. Тем не менее, именно благодаря Луи Леруа импрессионизм стал называться импрессионизмом и уже без негативного окраса.
Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце», 1872 годМестонахождение: Музей Мармоттан-Моне, Париж, Франция
Моне сочетал цвета на своих полотнах не просто по наитию, он изучил вдоль и поперек оптическую теорию немецкого физика-оптика Германа Гельмгольца. Эта теория заключается в том, что чисто белого и черного цвета нет в природе, но существуют 7 главных цветов и тысячи их оттенков.
Этим и пользовался Моне при написании своих полотен. Он ловил определенный свет в определенный сезон года, поэтому мог создавать одну картину в течение нескольких лет, работая, например, по полчаса в день летом, так как осенью свет падает на холст уже не так.
Клод Моне «Вид на равнину Аржантёя», 1872 годМестонахождение: Частная коллекция
Описание полотна
Картина известного художника Клода Моне «Подсолнухи» выполнена маслом на холсте, имеет размер 10181 см. Она представляет собой букет подсолнухов, помещенный в узкую вазу. Фон нечеткий, имеет размытые очертания.
Клод Моне не рисует резких линий, предпочитая изогнутые и волнистые мазки, придавая форму силе цвета. Этот стиль живописи создает бесконечную динамику, делая изображение ярким и реалистичным. Натюрморт выглядит живо, выразительно. Когда смотришь на картинку, создается впечатление, что подсолнухи притягиваются к солнечному свету, а их нежные лепестки колышутся на ветру.
Стиль художника проявляется в использовании различных цветов, которые вместе придают необходимый оригинальный колорит. Цветки подсолнечника окрашены в красный, оранжевый и желтый цвета, которые сливаются в яркую, яркую палитру. Каждый цветок, помещенный в вазу, уникально изображен, имеет свою форму, контур головы, объем и размер.
«Пруд с кувшинками» (1899)
Эта картина продолжает цикл «Японского мостика» из дивного сада в Живерни. Пруд с лилиями и кувшинками, над которым раскинулся дивный голубой мостик написан в холодной сине-зелёной гамме. Лишь охристые проблески солнечных пятен на траве и листьях кувшинок говорит о тёплом летнем вечере. Прозрачная вода отражает растения сада — плакучие ивы, густые кроны яблонь, заросли камыша. Кувшинки жемчужной розовой россыпью качаются на воде, контрастируя с изумрудной листвой. Моне обожал свои кувшинки, которые растил сначала для красоты. А потом он стал писать целые полотна, посвящённые только этим растениям.
Драматургия жизни и творчества
Советы по написанию картины
Привет, Алика, в творчестве Клода Моне я не специалист, как хотелось бы. С Ван Гогом я его очень хорошо «знаю» на практике, потому что несколько лет назад я создал серию копий его картин. Постараюсь помочь, и скажу только то, что вижу и точно понимаю по фото.
Холст
Для этой работы я бы не советовал брать квадратный холст, гармонично вписать эту композицию в холст 60х60 будет сложно. Лучше использовать прямоугольные и вертикальные. Например: 60×45 или 75×60.
лучше брать льняное полотно средней зернистости, может быть, даже большое, на него нужно смотреть, чтобы на ткани не было слишком крупных узлов. Льняные полотна в таких работах смотрятся намного лучше, они помогают придать работе необходимую фактуру.
Фон
В работе видно, что художник использовал теплую подложку, некоторые цвета охры. Это очень очевидно, если вы посмотрите на края картины, особенно наверху. Между голубоватыми мазками появляется совсем другой цвет, если бы эти краски наносили одновременно, это была бы грязь. Возможно, перед работой стоит грунтовать холст охрой с разбавителем такой консистенции, чтобы краска быстро высыхала, а следующий слой можно было наносить, чтобы краски не смешивались.
Пастельные мазки говорят о том, что художник использовал минимальное количество разбавителя при смешивании и нанесении красок; когда он наносил последние штрихи, акценты, он, вероятно, вообще не использовал разбавитель. Это позволяет создавать «фигурные» штрихи, которые отлично видны «отдельно» и отличаются друг от друга. 
Палитра
Вам понадобятся краски:
- белый цинк или титан-цинк — потребуется большая трубка.
- В качестве фона я бы взял: FC синий и салатовый. Также на заднем плане присутствует несколько оттенков — розовый, желтый и т.д. Мне кажется, что это вызвано теплой краской для фона, а также намеренно или, в редких случаях, случайным смешиванием цветов скатерти и цветов.
Зелень
- виридиановый зеленый, но не болотистый, сине-зеленый. Также подойдет темно-зеленый кобальт или зеленый FC. Вам нужен один из этих цветов, холодный голубовато-зеленый.
- Чтобы получить разные оттенки в верхней части, где есть свет, нужно смешать желтый и белый; в нижней части разные пропорции смешанные с лаймом и лаймом и с каплей синего; или капля желтого (светящиеся кончики листьев). Чтобы показать оттенок внутри букета, краску вообще нельзя разбавлять или смешивать, а наносить тонким, не пастообразным слоем.
Скатерть
- кадмиевый красный свет (A) — светятся верхние секции.
- для росписи фона под скатертью можно взять смесь этого красного с добавлением жженой умбры. Слой грунтовки очень тонкий, легкий, так что краска сверху почти не смешивается. Если честно, я не знаю, какую краску здесь лучше использовать.
- красный или карминовый краплак, чтобы выделить на скатерти оттенок букета.
- мотивы на скатерти такие же синие и зеленые с примесью белого.
Ваза
- белая основа с примесью синего в теневой части;
- белый с примесью желтого, красный в освещенной части и особенно ближе к скатерти.
ЧТО ВИДИТ ГЛАЗ НА САМОМ ДЕЛЕ
Моне узнал, что картина, написанная на открытом воздухе, обладает уникальной свежестью и жизненностью, которых невозможно достичь, работая в мастерской, где художник заранее представляет себе то произведение, которое он собирается создать. Совет, данный Моне художникам, четко раскрывает его собственный подход к картине: «Старайтесь забыть о том, что вы видите перед собой, — о дереве, доме, о поле, о чем угодно. Просто думайте, что в этом месте — маленький синий квадрат, там — продолговатая розовая фигура, и продолжайте до тех пор, пока у вас не возникнет наивного впечатления от картины, которая находится перед вашими глазами». Таким образом, впечатление представляет собой зрительный импульс, создаваемый увиденным в данный конкретный момент.
Терраса в Сент-Адрес
К самым известным картинам Клода Моне относится «Терраса в Сент-Адресс», написанная в 1867 году. Это один из ранних шедевров художника. Картина отражает один из моментов жизни художника. Моне из-за финансовых проблем пришлось вернуться домой. На полотне изображены художник и его отец – они сидят в креслах. Чуть дальше стоит кузина Моне с кем-то неизвестным.
Картина написана в том период, когда художник еще не увлекся импрессионизмом – ей свойственны выверенная композиция и тщательное изображение деталей.
Картину можно увидеть в нью-йоркском Музее Метрополитен.
Это интересно: Моне начал зарабатывать на карманные расходы в 14 лет, рисуя карикатуры. Его рисунки пользовались огромной популярностью у местных жителей.
Впечатление. Восходящее солнце (1872)
Это произведение славится тем, что дало название импрессионистическому движению и теперь стало квинтэссенцией символа импрессионизма. Критики не очень восприняли её, а термин «Импрессионист» был придуман в сатирическом обзоре Луи Лероя, в котором он сказал, что «обои в эмбриональном состоянии более закончены, чем этот морской пейзаж». Импрессионистическое движение, однако, вскоре стало настолько популярным, что оно распространилось и на музыку, и на литературу.
Тема произведения — гавань Гавра во Франции. Она отмечена очень слабыми мазками, которые подсказывают, а не определяют её. Художник использовал цвет как основной фактор для захвата самой сути пейзажа. Интересный момент в этой картине состоит в том, что если вы сделаете чёрно-белую фотокопию, то солнце почти полностью исчезнет.
5
Водяные лилии
«Водяные лилии», созданные в 1905 году, стали одной из самых дорогих и известных картин Моне. В 1915 году произведение великого импрессиониста было продано за 54 миллиона долларов. До покупки ее неизвестным коллекционером картина не выставлялась более 70 лет, поскольку находилась в частной коллекции.
Это интересно: новое течение в искусстве, импрессионизм, получило свое название благодаря картине Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Примечательно, что художник придумал название для произведения в последний момент, готовя картину к первой выставке импрессионистов.
«Сад художника в Живерни» (1990)
Усадьба Моне в городке Живерни имела фантастический живописный сад, который до сих пор поражает своей красотой посетителей. С этим садом Моне был тесно связан, так как большинство своих картин писал именно здесь. Картина «Сад художника в Живерни» одна из таких работ.
Тропинка, ведущая к дому художника, окружена клумбами с цветущими ирисами. Солнце пробивается сквозь густую листву сада и освещает великолепие разноцветных ярких цветов. Ирисы — это главные персонажи картины. Они выглядят трепетными и живыми. Мазки кажутся грубоватыми, но смешиваясь на холсте, они создают настоящую дивную цветовую феерию. Основой картины являются все оттенки розового, сиреневого, коричневого и зелёного. Проглядывающий сквозь заросли, дом художника отсвечивает голубыми чистыми оттенками, как бы маня к себе в гости.
Самые красивые цветы в мире.
11
Лесные лужайки и дороги
Для работы молодой амбициозный художник выбрал лес Фонтенбло, излюбленную сцену французских живописцев – на выставках в Салоне на протяжении XIX века картин с изображением леса было представлено более полутора тысяч. Прибыв в апреле 1865 года в Шайи, деревню на краю лесного массива, Моне делает пейзажные этюды разных размеров – писать с натуры, на природе, выбирая солнечные просторные места, художник очень любил. Только на обширных полянах, у дороги было достаточно света, неба, теней – контрасты и блики всегда интересовали живописца, а их изображение было сильной стороной Моне. Он концентрировался на освещении стволов деревьев, их листвы, ветвей, наблюдал и стремился передать их объём, текстуру, а также игру цвета и его прямую зависимость от освещения. Практика в Фонтенбло дала прекрасный материал для ландшафтного фона и других картин Клода Моне – «Завтраком на траве» художник не ограничился. Это серия, связанная с дорогой на Шайи, картина «Пикник».
Сын парижского бакалейщика
У Клода Огюста Моне и его супруги Луизы Жюстины Обре в 1840 году появился на свет второй ребенок. Мальчика, родившегося 14 ноября, назвали Оскаром Клодом. Когда мальчику исполнилось пять лет, семья переехала из столицы Франции в нормандский город Гавр. Там, на берегу Атлантического океана, жила родная тетка Клода Мари-Жан Лекадр, чей муж держал торговую компанию. Туда и устроился работать старший Моне. Летом вся семья отдыхала на даче Лекадров в Сент-Адресс – курортном городке.
Отдав сына в школу, отец надеялся, что мальчик выучится и после окончания учебы продолжит его дело бакалейщика. После кончины мужа тетки Жака Лекадра управление его компанией перешло к Моне старшему. Ожидания Огюста не оправдывались, мальчик совершенно не признавал дисциплины, учиться не любил и постоянно рисовал. Первыми рисунками Клода стали карикатуры на одноклассников и преподавателей в школе.
Младший Моне был парень не промах. Поняв, что карикатуры у него получаются на ура, он стал их продавать по 20 франков. Свои шаржи Клод размещал в багетном салоне, где их выставляли на витрину вместе с инструментами и материалами для живописи.
Клод Моне. Карикатура на Эжена Марселя, 1856 годМестонахождение: Институт искусств, Чикаго, США
Продавая карикатуры, юный предприниматель скопил себе приличное для молодого парня состояние в две тысячи франков. В том же салоне, где продавались рисунки Моне, он однажды повстречал художника Эжена Будена – известного на тот момент пейзажиста, и познакомился с ним. Живописец отметил, что у мальчика, бесспорно, есть талант к изобразительному искусству.
Новый знакомый настоятельно посоветовал парню начать рисовать нечто более серьезное, чем простые картинки. Молодой Клод стал брать уроки живописи у Будена, несмотря на противление этому отца. Огюст Моне ещё надеялся пустить сына по своим стопам.
Занятиям рисованием с настоящим художником против воли отца поспособствовала тетя Клода. Она опекала мальчика после смерти его матери. Беря уроки у Будена, юноша понял, что тяготеет к пейзажам.
Художник Эжен Буден, учивший молодого Моне живописи
Дама с зонтиком
«Дама с зонтиком», написанная в 1886 году – еще одна из наиболее известных картин Клода Моне. На ней изображена Камилла Донсье, первая жена художника, и их старший сын Жан. Женщина, держащая в руке зонт, словно чувствует на себе чей-то взгляд. Картина относится к раннему периоду творчества Моне – это видно по тому, что он больше был сосредоточен на передаче цвета и света, и меньше внимания уделял четкости линий.
Это интересно: картины художника не раз становились объектом внимания преступников. В 2012 году в числе похищенных из роттердамского музея картин находилось и полотно Моне «Мост Ватерлоо». По мнению правоохранительных органов, все украденные картины были сожжены преступниками.
Всё-таки большой формат и студийный перенос эскизов не для Моне
По возвращении в Париж Моне приступил к осуществлению задуманного. При переносе эскиза на огромный холст художник прямо по ходу работы менял кое-что: внешность и телосложение одного мужчины, сделав его похожим на Курбе, расцветку платья дамы слева, её головной убор. Эти незапланированные коррективы отнимали много времени и сил, к тому же студийную работу Моне не любил. Посмотреть, как продвигается дело, в мастерскую заглядывали разные художники. Моне быть бы твёрже в своих убеждениях, но он послушал советы Курбе, старшего товарища, по поводу платьев женщин. Начатые переделки не нравились, настроение портилось и, в конце концов, Моне понял, что к выставке не успеть и прекратил работу над полотном. Срочно занялся другими картинами, чтобы было что представить на Салоне (который всё-таки увенчался для него успехом).
«Впечатление. Восходящее солнце» (1872)
Клод Моне на своём полотне изобразил порт Гавр на фоне восхода. Картина буквально вырвалась из-под кисти мастера всего за несколько мгновений, которые тот успел выхватить у природы. Моне торопился передать сиюминутность первых утренних мгновений, когда холодное небо сливается с водой в едином цвете. Картина отображает удивительную зеркальность пейзажа. Если картину перевернуть, впечатление о ней не изменится.
Именно эта картина стала началом нового жанра — импрессионизма. Всего десять минут, и крупные, размашистые мазки отобразили мгновение, которое поразило художника.
В 1874 году на выставке картину Моне многие не оценили, посчитав её ерундой. Но большинство художников подхватили манеру Моне и импрессионизм смело шагнул в мир.
15
Жанр и где находится картина в данный момент
Картина Подсолнухи – это замечательный натюрморт, написанный в особой манере, присущей лишь талантливой руке Клода Моне
Мастер сосредоточил все внимание на главном объекте – букете подсолнухов. Задний план не так важен, поэтому слегка размыт
Основной предмет натюрморта – желтые, крупные цветы подсолнечника, привлекающие взгляд своей яркой, живой красотой. В каждом штрихе картины чувствуется легкость, непринужденность, и в тот же момент совершенная реалистичность.
Оригинальный, неповторимый стиль Клода Моне не был тогда признан современниками. Выдающийся талант живописца не замечали при его жизни. Лишь в нашу эпоху художника оценили по достоинству. Все его работы – блистательные произведения искусства, выставляемые в крупнейших выставочных залах и музеях мира. Оригинал картины Подсолнухи сейчас находится в музее Метрополитен в Нью-Йорке.
Серия «Руанский собор»
Знаменитая серия работ великого художника из 30 картин охватывает фасад Руанского собора во Франции в разное время суток и времена года, демонстрируя свои изменения с различными условиями освещения. Изучая эти полотна, отмечается, что Моне нарушил традицию живописи и подрезал предмет, чтобы на холсте была видна только часть фасада.
Живопись серии была трудной задачей для Клода Моне. Он писал: «Работа продвигается нестабильно, прежде всего, потому, что каждый день я обнаруживаю то, чего я не видел накануне … В конце концов я пытаюсь сделать невозможное». Однако живописцу помогла его способность мысленно сделать фото пейзажа и закончить её позже по памяти. Картины Моне из этой серии получились очень разнообразными, несмотря на одинаковый сюжет.
9
Тяжелым бременем на плечи легли финансы и печаль
Несмотря на то, что картины Моне искрились яркими красками и светом, передавали всеобъемлющее ощущение счастья, их не спешили покупать. 1877 год художник посвятил серии работ на Сен-Лазарском вокзале. Он надеялся, что современный вид транспорта, изображенный на холсте, будет популярен среди обеспеченных граждан, часто пользующихся услугами железной дороги. Но почему-то они предпочитали старомодные картины с каретами и лошадьми.
Главный меценат импрессионистов Дюран-Рюэль, пострадавший финансово в экономический кризис, перестал покупать картины Моне. Для всех настали трудные времена, Клоду порой нечем было кормить семью. Спасал лишь Эрнест Гошеде – финансист, который ценил искусство и заказал живописцу серию панно для своего замка. Не только трудное финансовое положение тяготило семью Моне, в это время ещё тяжело заболела жена художника Камилла.
В семье Моне родился второй ребенок, это серьезно ослабило организм болевшей чахоткой Камиллы. Помимо этого, не было денег на хорошее питание и лекарства. Вскоре после родов Камилла умерла, это произошло в 1879 году. Заботиться о сыновьях Клода стала соседка по дому в Ветее, который снимала семья Моне вместе с супругами Гошеде. Через некоторое время у художника и Алисы Гошеде возникли чувства друг к другу. Муж Гошеде, узнав об этом, покидает возлюбленных, оставив с ними восьмерых своих с Алисой детей.
Клод Моне и Алиса Гошеде (крайние слева) с детьми, 1886 год
Крупными мазками
Одна из отличительных черт таланта — умение изобразить что-то простое так, чтобы захватывала дух.
Техника росписи очень интересна, что многое говорит о стиле художника. Клод Моне отказался от привычной для многих поколений ясности. Картина написана крупными размытыми мазками. Кажется, что весь образ живет и движется. Розово-голубой фон пропитан воздухом и пространством, скатерть морщинистая, листья скручиваются. Ни один цветок не повторяется, у каждого своя «поза» — своя очередь, складка лепестков. Некоторые цветы только смутно угадываются в листве, некоторые напоминают одуванчики.
Замысел
Клод Моне «Завтраку на траве» прочил заметное место на Парижском салоне 1866 года. Приступив в 1865 году к меньшему варианту, художник рассчитывал должным образом проработать этюд и, добившись собственного удовлетворения результатом, перенести его на большое полотно, предназначенное к показу. Художник задумал переход от малых форм к полотнам внушительных размеров. Вместе с тем написание крупногабаритной картины воспринималось живописцем как проверка собственных сил и вызов обществу – Моне желал взять реванш за критику его работ на Салоне отверженных в 1863 году. Размер полотна, в разы больший, чем картины той же тематики, пикников, Мане и Курбе (1819-1877), играл в этой задумке не последнюю роль. Мане, кстати, поначалу очень раздражался от сравнения с Моне, Клод во избежание недоразумений подписывал свои работы именем и фамилией.
Впечатление. Восход солнца
К самым известным картинам Клода Моне относится «Впечатление. Восход солнца» – знаменитое полотно, давшее название импрессионизму. На картине изображено утро в порту Гавр. В туманном рассвете едва заметны лодки, находящиеся в гавани. Ярко-оранжевое солнце, поднимающееся над портом, идет вразрез с общим мрачным настроением картины. Первые зрители не оценили полотно художника и посчитали его незавершенной работой.
Это интересно: после перенесенной операции на глазах художник начал видеть новые цвета. Это произошло из-за замены хрусталика в левом глазу. Его картины изменились – на них появились новые, необычные цвета.
Кувшинки
«Кувшинки», написанные художником в 1916 году, стали одной из самых известных картин Клода Моне. Сейчас полотно находится в Национальном музее Западного искусства города Токио.
Начиная с 1905 года, и до конца жизни основной темой живописи художники стали кувшинки, или водяные лилии. Полотно «Кувшинки» стали частью целой серии великолепных водяных пейзажей художника. Примечательно, что писал Моне картины по памяти, поскольку пора цветения кувшинок ограничена во времени. К тому же зрение художника все сильнее ухудшалось, и он не мог работать с прежней скоростью.
Это интересно: одна из самых дорогих картин художника, «Пруд с водяными лилиями», написанная в 1919 году, была продана на аукционе Christie’s в 2008 году за 80 миллионов долларов.
Польза картины на стене
Историк искусства Его Величества Людовика XIV Андре Фелибьен де Аво быстро определил место для натюрморта среди жанров — последнее, в самом низу иерархии, где высочайшим считалась историческая живопись. Натюрморту отводилась роль «воспитателя» низших сословий: на примере разнообразных символов передавались идеи о скоротечности времени и бренности бытия, скромности и всем том, что должен был усвоить человек в обыденности. Например, яблоко могло означать грехопадение, мак — ленность, ростки пшеницы — круговорот времени, а вишенка (не только на торте) — любовь в ее плотском воплощении.
Картины-обманки в наши дни создает Марчелло Баренги. Художник щедро делится процессом работы и рассказывает о том, что его вдохновляет.
«Натюрморт с куропаткой, латными рукавицами и арбалетным болтом». Якопо де Барбари (1504)
Несмотря на то что в принципе жанр считался не очень престижным, появлялись художники, специализирующиеся на нем. Среди первых мастеров — Виллем Клас Хеда, Николас Гиллис и Флорис Клас ван Дейк. Они наверняка задумывались о символизме своих картин, но спустя века иногда кажется, что им просто нравилось рисовать еду, которая попадалась на глаза, — практически как у современных фуд-блогеров. Картины этих художников даже получили название «натюрморты-завтраки», хотя обычно на них изображалась пища, которой можно было перекусить в любое время дня. Для историков это кладезь информации о том, каким был быт людей в золотом веке натюрморта — в XVII, а для современников — недорогое украшение для дома, которое, как говаривали жители Простоквашино, могло иметь большую пользу: дырку на обоях загораживало.
Флорис ван Дейк(ок. 1615-1620)
Виллем Клас Хеда(1640)
Слово «натюрморт» пришло в русский язык из французского, где nature morte буквально означало «мертвая природа». В англоязычных странах более распространен термин still life — от голландского stilleven — «застывшая природа».
Все началось с обмана
Было бы непростительной глупостью отрицать тот факт, что фрукты, овощи, цветы и предметы — все то, что у нас ассоциируется с натюрмортом, — изображали с момента зарождения живописи как таковой. Все это было. И все-таки другой неопровержимый факт заключается в том, что натюрморт как жанр появился только в 1504 году. Точкой отсчета стал «Натюрморт с куропаткой, латными рукавицами и арбалетным болтом». Считается, что это первая картина, где предметы не просто антураж для каких-то событий, а собственно главные герои сюжета.
Якопо де Барбари (предположительно)
Ее автор — венецианский гравер Якопо де Барбари — слыл человеком, знавшим секрет изображения людей, которые были недоступны большинству художников эпохи Возрождения. По легенде, он раскрыл несколько тайн мастерства Альбрехту Дюреру, а остальные унес с собой. Де Барбари в принципе был не чужд всяким фокусам, и один из них — тот самый «мюнхенский натюрморт» с куропаткой, написанный как тромплей («обман зрения»), когда предметы изображены объемными и словно живыми: просто протяни руку и возьми.
Римская настенная роспись из Помпей (ок. 70 г. до н.э.)
Натюрморт на мозаикеII века
«Большой кусок луга». Альбрехт Дюрер (1503)
Клод Моне (1840-1926 гг.)
Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — .
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке
Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов
Это ещё одно их изобретение.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье
Жанр и где находится картина в данный момент
Картина «Подсолнухи» — прекрасный натюрморт, написанный особым образом, присущим только талантливой руке Клода Моне
Все внимание мастер сосредоточил на главном объекте — букете подсолнухов. Фон не так важен, поэтому он немного не в фокусе
Главный сюжет натюрморта — крупные желтые цветы подсолнечника, привлекающие внимание своей яркой и живой красотой. В каждом штрихе изображения мы ощущаем легкость, легкость и в то же время совершенную реалистичность.
Поэтому оригинальный и неповторимый стиль Клода Моне не был признан его современниками. Исключительный талант художника не был замечен при его жизни. Только в наше время художник получил признание. Все его работы — блестящие произведения искусства, выставленные в крупнейших выставочных залах и музеях мира. Оригинальная картина «Подсолнухи» сейчас находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.
Описание картины
По начатому в Шайи, а законченному в мастерской осенью 1865 года первому холсту, можно судить, как бы выглядело задуманное большое полотно. На малой картине перед зрителем ясный летний день, негустой лес и 12 фигур: это элегантные мужчины в костюмах и женщины в кринолинах. Они устроили пикник на уютной лесной поляне, выбрав место достаточно просторное и удобное, где огромные вековые деревья немного расступились. Расстеленная прямо на траве белая скатерть уставлена едой и напитками: здесь простые блюда, которые французские буржуа могли захватить с собой, фрукты, вино. Вокруг скатерти, сидя, полулёжа и стоя, расположилось общество. Очевидно, что все давно знакомы – беседуют и отдыхают в непринуждённых позах. Они только что пришли – еда ещё не тронута, одна женщина расставляет тарелки. Просвет между героями картины со стороны зрителя однозначно делает его участником приятной прогулки и привала на опушке. И позволяет вместе с левреткой, изображённой в самом низу по центру, рассматривать детали: наряды дам, импровизированный стол, позы и пиджаки мужчин. На мощном стволе дерева справа вырезано сердце, пронзённое стрелой, символ любви – вероятно, так художник обозначил свои романтические отношения с Камиллой, какие у него развивались в тот период жизни.
Композиция многофигурная, но главным в ней всё-таки являются не люди, а свет в своём живом действии – солнечные блики сквозь прореженные кроны деревьев, тени разной степени – цветная одежда отдыхающих, стволы и листва деревьев, земля дают художнику неисчерпаемый материал для исследований.