Знаменитые картины
По состоянию на 2020 год собрание музея насчитывало уже более 190 тысяч произведений искусства. Предпочтения у людей разные. У всех свои любимые авторы, жанры, стили. В Третьяковке каждый обязательно найдёт что-то на свой вкус. Приведём здесь лишь несколько примеров наиболее известных картин. Они могут нравиться или не нравиться, но их знают все. Итак:
«Девочка с персиками», Серов«Боярыня Морозова» Суриков«Охотники на привале», Перов«Княжна Тараканова», Флавицкий«Неравный брак» Пукирев«Неизвестная», Крамской«Радуга», Айвазовский«Грачи прилетели», Саврасов«Иван Грозный убивает своего сына», РепинУтро стрелецкой казни», Суриков«Апофеоз войны», Верещагин«Богатыри», Васнецов«Утро в сосновом лесу», Шишкин
Главное здание: Лаврушинский переулок, д. 10
Личная жизнь художника
Личная жизнь художника складывалась непросто. Законной женой Коровина была Анна Фидлер, с которой он познакомился еще в юные годы и тайно встречался. Из-за безденежья смогли расписаться только спустя несколько лет, как появился первый сын. Ребенок вскоре после рождения умер. Художник сильно переживал и винил себя в смерти ребенка, так как не мог оплатить необходимое лечение у докторов.
Анна Фидлер
Любовь и романтика быстро закончились: семейный быт, неурядицы и нищенское положение нарушили гармонию супругов.
Константин Алексеевич нашел себе отдушину на стороне, у него появилась любовница актриса Надежда Комаровская, которую называли гражданской женой Коровина.
Надежда Комаровская (портрет 1910 г.)
Решив иммигрировать, художник оставил Комаровскую, так как не смог бросить жену и второго сына, ставшего инвалидом в 16 лет. Подросток попал под трамвай и лишился обеих ног.
Семью Константин Алексеевич увез во Францию, по совету друга. Власть начала преследовать художника, отобрала его имущество: дачу и московскую квартиру. В этой стране он прожил до конца своих дней, испытывая тоску по Родине и страшное одиночество, сильно тяготившее живописца.
Иммиграцию Коровин перенес тяжело: безденежье, отсутствие работы, недовольная жена и больной сын, постоянно находившиеся в мрачном состоянии и депрессии, никак не поддерживающие мужчину. Константин Алексеевич выбивался из сил, находясь в постоянном поиске хоть какого-нибудь заработка.
Сын Алексей перенял талант отца к рисованию, это у них было наследственное, переходящее по мужской линии, но реализоваться не сумел, как и дед, покончил жизнь самоубийством, спустя 11 лет после смерти отца.
Сын Алексей
Схема залов и экспозиции
1 этаж:
- Залы 35, 36, 37: Скульптура и живопись 2-ой половины 19 века (И. Левитан — 37-й, В. Поленов — 35-й зал);
- Залы 38-48: Скульптура и живопись конца 19 -начала 20 века (38-й зал — И. Грабарь, А. Рябушкин, Ф. Малявин; 39-й — М. Нестеров; 40-й — П. Трубецкой, А. Голубкина; 41-42 — В. Серов; 43 — К. Коровин; 44 — З. Серебрякова; 45 — В. Борисов-Мусатов);
- Залы 49-54: Графическая живопись с 18 до начала 20 века (Экспозиция сменная. 2 раза в год выставляются произведения из фонда галереи);
- Зал 55: Сокровищница (Предметы искусства из драгоценных металлов и минералов — ювелирные изделия, шитьё, книги, иконы и проч.);
- Залы 56-62: Древнерусское искусство (56 зал — Домонгольский период, 57 — Ростово-суздальская школа, 58 — Искусство древнего Новгорода и Пскова, 59 — Феофан Грек, 60 — Иконопись Средних веков, 62 зал — Симон Ушаков).
2-й этаж:
- Залы 1-7: Скульптура и живопись 18 века (1 зал — И. Никитин; 2-й — И. Мартос, Ф. Шубин, А. Лосенко; 3-й — А. Антропов, 4-й — Ф. Рокотов, 5-й — Д. Левицкий, 6-й — Ф. Алексеев, 7-й — В. Боровиковский);
- Залы 8-15: Скульптура и живопись 2-й половины 19 века (8-й — Кипренский, Щедрин; 9-й — К. Брюллов; 10,12 — А. Иванов; 13-й В. Тропинин, 14-й — А. Венецианов; 15-й — П. Федотов);
- Залы 16-31: Скульптура и живопись 2-ой половины 19 века (16-й — К. Флавицкий, В. Пукирев; 17-й — В. Перов; 18-й — Ф. Васильев, А. Саврасов; 19-й — И. Айвазовский; 20-й — А. Крамской; 21 — А. Куинджи; 25 — И. Шишкин; 27-й — В. Верещагин; 28-й — В. Суриков; 29-30 — И. Репин; 31 — Н. Ге);
- Залы 32-34: М. Врубель.
Демон, 1890
В конце XIX в. братья Кушнаревы и издатель П. Кончаловский задумали выпустить юбилейное издание М. Ю. Лермонтова. Над изданием работали 18 именитых художников, и Врубель был одним из тех, кому выпала честь придать видимый образ персонажам великого русского поэта. Ему принадлежит мистическое черно-белое изображение царицы Тамары и Демона.
Это не единственное обращение к данной теме, — позднее Врубель создает одну из своих наиболее узнаваемых картин — «Демон сидящий». Это полотно стало его визитной карточкой. На первый взгляд, фигура сосредоточила в себе всю безысходность человека. Она не вмещается в отведенное для нее пространство. Внутри скрыта большая сила, но глаза полны тоски, они смотрят в сторону заходящего солнца, не ожидая от дальнейших событий ничего хорошего.
Это изображение опустошения внутреннего мира поражает своим мастерством и пониманием внутреннего мира героя. Он отовсюду изгнан, всеми отвержен. Врубель писал о нем сестре: «Дух, не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем том дух властный… величавый».
Этот мятущийся дух стал главной темой творчества великого художника, словно внутренняя натура живописца отражается в этой позе. Необычная техника работы рождает на свет формы, подобные кристаллам. Автор много работал над образом, внося изменения даже в выставляемую картину. Образ Демона часто был главной темой его сюжетов, внося смятение в его беспокойную душу.
Мероприятия
Площадки Галереи – локации для творческих и образовательных мероприятий: кинопросмотры, творческие встречи, лекционные занятия, перформансы, концерты, спектакли. Третьяковская галерея – постоянный участник «Ночи музеев» и «Ночи искусств». К услугам посетителей — мастер-классы, экскурсии, музыкальные мероприятия.
Место проведения: Н. Третьяковка:
Галерея – это крупный научный центр. В ней работают ученые, исследующие музейное собрание. По итогам исследований публикуются научные труды, проводятся конференции по вопросам музейного дела. Площадки доступны для самостоятельных занятий. Посетители, преподаватели могут провести урок для мини-группы до 8 человек, сделав предварительную заявку на сайте.
Коровин Константин «Розы» описание картины, анализ
Исследователи творчества известного русского и советского художника-импрессиониста Константина Коровина выделяют особый, «цветочный» период его творчества, приходящийся на начало двадцатого века. В это время живописец особенно часто обращался к тебе цветочных натюрмортов. Именно к этому периоду творчества Коровина относится данная картина «Розы». Как известно, художник посвятил изображению роз не одно полотно, его всегда привлекали эти величественные, шикарные цветы — настоящие королевы среди других цветов
Изображенные на этой картине розы привлекают внимание зрителя своим свежим видом
В работе художник использует холодные оттенки. Лепестки, написанные оттенками красного удивительным образом гармонируют с серыми цветами их окружения. Кажется, что картина источает холод и печаль.
Даже светлые пятнышки теплых оттенков кажутся случайными на этом полотне и не в силах изменить общее впечатление от нее. Так художник хочет подчеркнуть самостоятельность красоты этих цветов. Отсутствие сюжета в этом цветочном натюрморте еще более подчеркивает независимость этих прекрасных, но таких холодных творений природы.
В общем, картина оставляет впечатление некоторой незавершенности, недоработанности
Нечеткость линий вкупе с отсутствием выделяемых элементов заставляет зрителя воспринимать все изображение как единое целое, не заостряя свое внимание на чем-нибудь одном. Этим способом художник еще раз подчеркивает не сами цветы, а их холодную красоту и независимость
Размеры картины: 93 x 70 см.
Материал: холст.
Техника написания: масло.
Жанр: цветочный натюрморт.
Стиль: импрессионизм.
Галерея: Омский музей изобразительных искусств имени М.А. Врубеля, Омск, Россия.
Импрессионизм К. Коровина
Хотя кисти Коровина принадлежат портреты многих его современников, но следует понимать, что художника интересовали не характеристики людей, что свойственно художникам-портретистам, а передача общего настроения, которое фиксируется глазом. Коровин превосходно чувствовал дыхание летнего утра, те ощущения, которые испытывает человек в эти ранние часы, когда дышится легко, полной грудью, или ощущение усталой неги в полдень. Его палитра необыкновенно чиста, краски сверкают, вся картина светоносна и воздушна.Например, картина «В лодке» является примером импрессионистической композиции.
К. Коровин «В лодке» (1888)К. Коровин изобразил себя и художницу Марию Якунчикову. Лодка стоит по диагонали полотна. Фигуры на ней посажены асимметрично. Благодаря этому создаётся ощущение неустойчивости, медленного покачивания лодки на воде. Пленэрная живопись этого произведения помогает создать обобщённый образ лета.Чувствуя близость своего искусства к живописи французских импрессионистов, Коровин не повторял их приёмов. В его картинах всё объёмно, отсутствует ощущение мимолётности образа, что было характерно для импрессионистов Франции.В произведениях, выполненных Коровиным во время путешествия с Саввой Мамонтовым по странам Европы во второй половине 1888 г., это ощущение объёмности продолжается.
К. Коровин «Улица во Флоренции в дождь» (1888)Здесь импрессионистический цвет, воздух и размытость очертаний, которые бывают в дождливую погоду, но ясное ощущение реальности происходящего, чувство любви к жизни и к окружающему миру.
Врубелевские залы 32−34
Экспозицию второго этажа завершают три зала, в которых выставлены работы Михаила Врубеля — еще одного художника, который подолгу жил и работал в имении Абрамцево.
Михаил Врубель. Принцесса Греза. 1896. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Как только вы попадете в зал №32, сразу увидите большое панно «Принцесса Греза». Врубель создал его по мотивам стихотворной драмы Эдмона Ростана. Художник написал главного героя этого произведения — влюбленного трубадура, который тяжело болен и видит в грезах свою прекрасную возлюбленную.
Эту работу и панно «Микула Селянинович» (оно хранится сейчас в Русском музее) в 1896 году художнику заказал министр финансов Сергей Витте. Он хотел, чтобы произведения участвовали в нижегородской художественно-промышленной выставке. Но Императорская Академия художеств не одобрила творчество Врубеля и не рекомендовала выставлять их в Нижнем Новгороде.
Михаил Врубель. Царевна-Лебедь. 1900. Государственная Третьяковская галерея, Москва
На картине «Царевна-Лебедь» Врубель изобразил героиню пушкинской «Сказки о царе Салтане». На этот образ художника вдохновила его жена — певица и актриса Надежда Забела: она играла Царевну-Лебедь в опере Николая Римского-Корсакова по мотивам произведения Пушкина. Врубель запечатлел жену в сценическом костюме, эскизы для которого создал сам.
Михаил Врубель. Демон сидящий. 1890. Государственная Третьяковская галерея, Москва
«Демон сидящий» — одна из самых известных картин Михаила Врубеля. Художник создал ее по мотивам поэмы Михаила Лермонтова «Демон», к которой рисовал иллюстрации. Образ этого мистического героя встречается у Врубеля несколько раз в картинах разных лет: «Демон летящий», «Голова Демона», «Демон поверженный». Сам художник писал: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый…»
На этой картине Демон намеренно изображен так, словно рама вокруг полотна стесняет его движения: таким образом художник подчеркнул характер героя, его стремление к свободе.
После врубелевских залов спуститесь на первый этаж: экспозиция продолжается там.
Детство
Родился 5 декабря 1861 года в Москве, в доме на Большой Рогожской улице, недалеко от Покровского монастыря. Семья была состоятельная, дед владел ямским извозом и был купцом первой гильдии. Отец будущего художника, человек образованный, но лишённый деловых качеств и коммерческой жилки, не смог удержать дело и разорился. Семья вынуждена была переехать в Большие Мытищи, подмосковную деревню на реке Яузе. Эти места, с их лесами, лугами, реками и прудами, пробудили в душе будущего художника особое видение окружающего мира, радость от общения с природой, чуткость и любовь к ней. Как вспоминает Константин Коровин, «природа, созерцание её – было самым существенным в моём детстве и осталось самым дорогим и родным сердцу на всю жизнь».
Родители Константина, образованные и разносторонние люди, в числе прочих занятий немного, в своё удовольствие, рисовали и очень неплохо. Мать акварелью, отец карандашом. Дети любили наблюдать за процессами разведения красок, нанесения мазков и рождения «хорошеньких картинок». Особенно привлекали Константина рисунки матери
Так определились его наклонности и было решено уделить серьёзное внимание художественному образованию
Коровин Константин Алексеевич (1861-1939), Изображений: 279
Невероятно талантливый человек, которому легко давалось все, за что бы он ни брался. Константин Коровин известный живописец, импрессионист. Его полотна можно увидеть в Эрмитаже, Третьяковской галерее и даже в Лувре. До сих пор его считают выдающимся импрессионистом. Иметь картину его кисти мечтает каждый крупный художественный музей.
Картины Константина Коровина
Первой обрела известность картина «Портрет хористки», впечатлившая даже художника Репина. Это полотно стало первым признаком импрессионизма, которое было чуждо русской школе. «Парижское кафе» и прекрасный этюд «Бумажные фонари» – одни из многих картин, на создание которых Коровина вдохновил излюбленный Париж.
Шедевры, признанные обществом и именитыми критиками. Цвет, свет, уникальные мазки – все это создает необходимое напряжение. Отдельно стоит упомянуть такие полотна, как «У балкона» и «На берегу моря в Крыму». Он считал, что красота полотна зависит от правды, которая нарисована с душой.
Константин Коровин не копировал натуру, а передавал её любя.
Он жил импрессионизмом. В первую поездку во Францию Константин Коровин получил так много впечатлений, что решил остаться верным такому виду изобразительного искусства. Русский по духу, он перенял лучшее из импрессионизма Франции, но оставался верен родине. Его считали ярким и жизнерадостным, красочным и колоритным. Таким же, как и его полотна.
Чем вдохновлялся живописец во время работы
Константин Коровин очень любил произведения Пушкина и Лермонтов, а также других знаменитых писателей. Обожал стихотворения и читал наизусть. Его полотна пропитаны русской душой, особенностями родины. Но при этом он старался избегать так называемой «литературности», когда работал над произведениями. Константин Коровин хотел передать:
- ❶ Красочность (любовь к цвету он никогда не скрывал, скорее подчеркивал).
- ❷ Легкость (произведение должно быть «на ладони», понятным и простым).
- ❸ Красоту в формах и свете (он буквально воссоздавал форму светом и тенью, фактурой мазка).
Его нельзя было назвать легкомысленным человеком. Став первым импрессионистом, ему пришлось столкнуться с серьёзной критикой. Его поддерживали именитые мастера своего дела, но и критиковали небезызвестные художники.
За свою творческую жизнь, он написал больше трех сотен картин. При жизни полотна не пользовались высоким спросом, Константин Коровин жил скромно, но оставался удивительным человеком.
Он водил дружбу со знаменитыми поэтами, писателями и общественными деятелями того времени.
Несмотря на свою любовь к родине, в Советской России были запрещены любые литературные записки художника. Удивительной души человек оказался не нужен своей стране.
Первопроходец русского импрессионизма и глава союза русских художников вынужден был перебраться во Францию. А мечта умереть в России не осуществилась.
Работа в театрах
Изготавливать костюмы и декорации для театра Константин Коровин начал еще в 1884 году, сотрудничая с оперой Мамонтова. В 1885 году художник под руководством Поленова написал декорации для “Аиды”. Самостоятельно Коровин сделал декорации для “Кармен” Ж. Бизе и “Лакме” Делиба.
В 1900-х годах художник также активно работал в театре, создавая эскизы костюмов и декорации к драматическим постановкам, операм и балетам. Впервые имя Коровина на афише государственного театра появилось в 1900 году, когда художник изготовил декорации для оперы “Русалка” А. С. Даргомыжского. В частности, он оформил спектакли «Фауст» (1899), «Конёк-горбунок» (1901), «Садко» (1906), «Золотой петушок» (1909). В 1904 году Коровин вместе с А. Васнецовым, А. Головиным и Ф. Лавдовским оформил “Жизнь за царя” М. И. Глинки. Константин Коровин работал над оформлением спектаклей Большого театра, Мариинского театра и театра Ла Скала в Милане.
Многие эскизы выполнялись другими художниками, при этом автором идей и образов был Коровин.
Константин Коровин и Александр Головин внесли в работу Большого театра принципиальное изменение: появился главный художник постановки, работающий в связке с режиссером или балетмейстером. Творческим партнёром Коровина в постановках Большого театра стал балетмейстер А. А. Горский. Коровин предложил заменить корсеты балерин на более свободную одежду – туники. Впоследствии изменился и язык хореографии. Поменялось значение декорации, которая раньше была просто фоном, а стала полноценным объектом спектакля. В некоторых постановках, в частности, в опере “Богема” Пуччини, поставленной Л. Собиновым, декорация даже затмила актёров.
Коровин считал работу над декорациями таким же “чистым искусством”, как и живопись, демонстрирующуюся на выставках, о чём он сообщил Поленову в переписке.
Царевна-Лебедь, 1900
Автор не впервые работает над этим персонажем. Михаил Александрович создавал костюмы, в том числе и для своей жены, исполняющей партию Царевны-Лебедь в опере Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане». Но, увидев оперу в день премьеры, он был потрясен красотой произведения.
Героиня картины имеет совсем небольшое сходство с оригиналом, если верить фотографиям Надежды Забелы-Врубель, в частности той, где Надежда запечатлена в роли Лебедя, однако это она стала вдохновителем этого шедевра.
Грустно смотрит сказочная царица с полотна, на фоне заката она еще более таинственна. За спиной вдалеке — город. Этот город Врубель писал с декорации, автором которой был он сам. В Царевне-Лебедь художник соединил два начала: мистическую силу воды и возвышенную мощь неба.
Константин Коровин «За чайным столом». Описание картины
К первым по-настоящему импрессионистским работам Коровина принято относить, так называемые, «жуковские» картины. Цикл получил название от деревни Жуковка, где располагалась дача Поленовых, с которым Коровин были дружен. Сюда приехал художник не только за свежим воздухом, но и решать важные технические задачи – Коровин много работал над проблемой передачи световоздушной среды.
Нужно сразу отметить, что подобные вопросы уже поднимались в живописи французских импрессионистов, и каждый из них нашёл свой вариант воплощения данной задачи, что же касается Коровина, ему был ближе подход Моне, который ставил во главе угла окружающий пейзаж, нежели героя-человека.
Дачная жизнь у Поленова протекала бурно и многолюдно – гостеприимный хозяин с радостью встречал друзей, собратьев и учеников. Здесь гостили Нестеров, Серов, Остроухов и многих других выдающихся личностей своей эпохи. Все эти гости и стали героями «жуковских» картин Коровина.
В картине «За чайным столом» живописец изобразил Елену Поленову (она сидит спиной к зрителю), Наталью Поленову (сидит лицом), её сестру, молодую художницу Марию Якунчикову и друга семьи Вячеслава Зиберова.
С первого взгляда бросается в глаза, чисто импрессионистское построение композиции – эффект случайного кадра, изобретённый ещё французскими сотоварищами. Герои будто случайно были запечатлены на полотне – позы их расслаблены и каждый занят своим делом. Центр композиции был заведомо перемещён влево, а как бы обрезанный край с той же левой стороны будто разыгрывает перед нами целую историю. Сидел, мол, художник за столом, встал и запечатлел эту сцену – вон и пустой стул чуть отодвинут, будто Коровин вот только что встал. Этого и добивался живописец — изобразить сиюминутное мгновение в его реалистичности и динамичности.
Это присуще многим картинам импрессионистов – выявить жанр работы «За чайным столом» достаточно проблематично. Полотно вобрало в себя всего по чуть-чуть – внимательный зритель различит здесь и черты группового портрета, и жанровой сцены, и пейзажа, и натюрморта.
Удивительным образом претворена эмоциональная сторона картины. Каждый из участников передаёт свою атмосферу – спокойное настроение царит вокруг Натальи с шитьём в руках, в позах и лицах остальных чувствуется некое напряжение. Даже обрезанная фигура Елены, которая видна нам со спины, красноречиво об этом свидетельствует.
По своему настроению и светопередачи картина Коровина очень напоминает живопись Огюста Ренуара.
1888 г. Масло, холст. 48,5 x 60,5 см. Музей В.Д. Поленова, Россия
Выставка«Акварели Великой КнягиниОльги Александровны»
Белгородской митрополией совместно с фондом имени Ея Императорского Высочества Великой Княгини Ольги Александровны и Белгородским художественным музеем подготовлена выставка «Акварели Великой Княгини Ольги Александровны», открытие которой состоится 20 декабря 2020 года в 18:00 в зале №2 Белгородского художественного музея. На ней будут представлены около 200 произведений августейшей художницы, созданные с 1898 по 1952 годы во время ее пребывания в России, Дании и Канаде.
В период с 2007 по 2020 гг. ее произведения экспонировались в таких крупнейших российских музеях, как Государственный Русский музей и Государственная Третьяковская галерея, а теперь их сможет увидеть и белгородский зритель.
Ольга Александровна Романова (1 июня 1882 – 24 ноября 1960) – младшая дочь императора Александра III и императрицы Марии Фёдоровны – после Николая, Александра, Георгия, Ксении и Михаила.
Детство Великой Княжны Ольги прошло в Гатчине. Уже в юном возрасте проявился её художественный талант и любовь к рисованию. В 1902 году наставником В.К. Ольги Александровны становится талантливый пейзажист К.А. Крыжицкий. Великая Княжна любила русскую природу, окрестности Гатчины, Павловска, Петергофа навсегда остались запечатленными в ее акварелях.
Начавшаяся 1 августа 1914 года Первая мировая война изменила привычную жизнь. В.К. Ольга Александровна на свои средства основала госпиталь и сама отправилась на фронт, работая сестрой милосердия.
С 1901 года Великая Княгиня Ольга Александровна была замужем за принцем П.А. Ольденбургским. Этот брак не был счастливым. Спустя семь лет после прошения Император Николай II согласился на развод и новый брак сестры. В 1916 году в Киеве состоялось венчание Великой Княгини Ольги с Николаем Александровичем Куликовским. В августе 1917 года в Крыму родился первенец Великой Княгини и Н.А. Куликовского – сын Тихон. В 1919 году на Кубани родился второй сын Великой Княгини – Гурий. В 1920 году, преодолевая трудности, семья смогла добраться до Дании, где Куликовские-Романовы прожили почти 30 лет.
Прибыв в 1948 году в Канаду, семья поселилась близ Торонто. Этот период жизни Великой Княгини ознаменован созданием новых многочисленных работ. Скончалась В.К. Ольга Александровна 24 ноября 1960 года.
В 1991 году по поручению Тихона Николаевича Куликовского-Романова (1917 – 1993) его супруга Ольга Николаевна открыла первое в России Петербургское отделение Международного Благотворительного фонда имени Ея Императорского Высочества Великой Княгини Ольги Александровны, продолжающего традиции благотворительности в области культуры, образования, медицины.
Великая Княгиня Ольга Александровна, прожив в изгнании много лет, бесконечно любила Россию. И вот в очередной раз она возвращается на дорогую ее сердцу родину своими работами.
Выставка рассчитана на широкий круг посетителей и продлится до 2 февраля 2020 года.
Организаторы выставки благодарят за финансовую поддержку в осуществлении выставочного проекта Межотраслевой межрегиональный профессиональный союз «Правда».
Сирень, 1900
Фиолетовые оттенки создают сказочное настроение картины. Техника работы мастихином создает эффект вырастания цветков сирени словно из темноты, создавая ощущение нереальности. В пене сиреневых, фиолетовых и лиловых цветов появляется фигура девушки. Создается впечатление, что этот персонаж возник внезапно, словно вырос в темноте из ниоткуда.
Девушка похожа на лесную фею, нимфу, и это параллель с другой картиной — «Пан», ведь, согласно мифологии, Пан влюблен в нимфу.
Живописец говорил, что Сирень — это отсылка к имени Сиринга, принадлежащему той самой нимфе. Очертания героини размыты, они словно сливаются с пышной сиренью, создавая эффект целого.
Описание картины Константина Коровина «Ручей»
Константин Алексеевич Коровин всегда любил русскую природу и очень часто ее рисовал. Он видел прекрасное даже в самых маленьких деталях. Художник восхвалял природное совершенство и стремился передать ее первозданный вид. Его картины передают истинную красоту русской земли.
В 1898 году Константин Алексеевич написал полотно «Ручей». Отдаленно картина напоминает творчество Поленова, цветопередача не происходит через яркие пятна. Все оттенки приглушенные, на заднем плане красуются холмы и низкорослые деревья. Ручей спокойный, на его глади растут очаровательные кувшинки.
Поверхность отражает небо, от этого картина становиться живой. Кажется, что слышится даже звук этой умиротворенной воды. Также мы видим в отражении зеленую растительность.
Мостик из дерева уже местами прохудился, но это не портит общее восприятие. Напротив, реальность поражает и заставляет длительными минутами переставлять, как нога ступает по этой старой, но крепкой конструкции.
Пейзаж нарисован накануне вечера, солнце еще не село, но чувствуются тени, характерные для вечернего времени суток. Художник, словно настоящий поэт, сумевший кистью передать всю слаженность и рифму окружающего природного естества.
Нельзя не любить эту картину.
В каждой недалекой деревушке есть такой небольшой ручеек с деревянным мостиком. Люди ежедневно перебегают через него, но только единицы смогут увидеть эту неподдельную красоту. Коровин К. А. смог рассмотреть каждую идеальную линию. Он просто перерисовал то, что так умело, нарисовала сама природа. Все оттенки и цвета подобраны гармонично. Ничто не раздражает человеческий взгляд.
Далеко не каждый владелец кисти мог нарисовать такое полотно. Все пейзажи этого художника наполнены теплотой и уютом. Автор передает настоящую красоту и при этом совершенно ничего не дорисовывает. Природа – это лучший художник и именно у нее нужно учиться смешивать краски и дарить свою душу.
Испания, 1894
Врубель творил увлеченно и много, он находился в постоянном поиске, не боялся рисковать, всегда был готов учиться, часто практически полностью переписывал почти оконченные картины, если находил какой-то изъян, либо просто пересмотрев настроение персонажа. Эта необузданность присуща и его героям. Одним из совершенных творений Врубеля считается полотно «Испания».
Автор практически не переделывал его, что уже само по себе удивительно. Врубель никогда не был в Испании, но в результате смешения воображения, красок и мастерства миру было представлено яркое изображение испанского темперамента.
Вдохновленный героями «Кармен», Врубель старательно постигал душу испанцев, находя необъяснимую прелесть в характере этой нации. Три персонажа «Испании» словно застыли на мгновение и вскоре они продолжат свою жизнь.
Спокойно стоящая, однако неприкрыто взволнованная женщина смотрит в глаза зрителям проникновенным горящим взглядом. О чем она думает, не знает никто, кроме, возможно, двух мужчин, находящихся за ее спиной. Но один погрузился в себя, устремив глаза в пространство перед собой, а второй подозрительно скосился в сторону зрителей. Его тело напряжено и прислонено к стене. Ни разу не посетив Пиренейский полуостров, Врубель смог передать кипящий характер испанцев.
Портрет Надежды Ивановны Забелы-Врубель, 1898
Еще одним удачным портретом мастера является портрет его жены. К моменту их встречи в 1895 г. она была уже популярной оперной певицей, а Врубель не мог похвастаться известностью. Тем не менее через два месяца было объявлено о помолвке, а вскоре они обвенчались. Надежда Ивановна стала его женой и музой.
В 1898 г. Михаил Александрович пишет ее портрет. Удивительная гармония наполняет картину. Легкие светлые краски передают характер супруги живописца. Платье, в котором она изображена на портрете, также сделано по эскизу художника. Полотно создавалось в манере импрессионизма, к которому Врубель прибегал редко. Изображение Надежды Ивановны словно наполнено светом, но в то же время в нем присутствует неуловимая тайна.
Описание картины Константина Коровина «Весна»
Русский художник Константин Коровин известен нам своими интересными и своеобразными картинами. Его считают родоначальником импрессионизма в России. Пейзажи, написанные Коровиным, занимают значительное место в искусстве и отличаются своей яркостью, красочностью. Этим работы художника легко оттеснили обыденные бытовые рисунки и простые портреты. Картины Коровина являются шедевром и в наши дни, составляя конкуренцию современной живописи. В холстах художника всегда чувствуется надежда на светлое будущее, он был уверен, что чёрная полоса всё равно когда-то закончится. Коровин в своих картинах умеет применять различную цветовую гамму, из-за чего в его творениях всегда присутствует необъяснимая энергетика. Как известно термин импрессионизм впервые начали применять французы в конце ХIX века. Константин Коровин в своих трудах пытается применить эту технику с использованием русской манеры.
Среди картин художника холст «Весна» отличается своеобразностью, который был создан в 1917 году. Полотно данного автора одновременно отражает и холод, и тепло, так же идеальную гармонию и бурные эмоции. В нём природа идеально сочетается современностью. Художник через картину рассказывает историю. Кроме красивой берёзовой рощи, в полотне присутствуют и образы людей, которые сидят за столом. Недалеко стоит их дом. Как говорит сам автор, без таких дополнений, рисунок получился бы неполным, не имел бы определённого смысла. Картина «Весна» не отличается чёткими линиями, там нет резких переходов. С такой тактикой художник сумел идеально описать непередаваемые ощущения весенней природы после долгой и холодной зимы. Умелый цветовой подбор и их насыщенность полностью отражают эмоции самого автора. Данная работа Коровина отличается натуральностью, так как шедевр был создан на самой природе, и это делает картину живой.
Окончание учёбы и знакомство с импрессионизмом
Именно Поленов познакомил студентов с импрессионизмом, крупнейшим течением в искусстве в то время. Зародившись во Франции, импрессионизм с его приёмами живого, подвижного и переменчивого отражения реальности именно в годы молодости Коровина распространялся по всему миру. Молодой художник увлёкся им. Его работа «Портрет хористки» (1883) искусствоведы потом назвали «первой ласточкой русского импрессионизма». Но администрация Академии была консервативна и не приветствовала следования новшествам в живописи, критиковала их, что и стало причиной отказа в присуждении Коровину звания классного художника по окончании обучения.
Частная жизнь и семейные драмы
В 1897 году Константин Алексеевич женился на хористке из театра Мамонтова Анне Фидлер. Жене художника был чужд его мир, её не интересовало творчество мужа – семейная жизнь складывалась непросто. Первый сын умер в младенчестве. Второй в 16 лет попал под трамвай и получил серьёзные увечья ног. Жена постоянно болела. Тревожное состояние за семью никогда не покидало художника.
Когда-то, в 1881 году самостоятельно свёл счёты с жизнью отец художника. Теперь сын, будучи неуравновешенным человеком, после несчастного случая стал часто впадать в депрессии с попытками суицида. Одну из них он довёл до конца (чего отец уже не увидел – это случилось после его смерти).
После революции
Коровин, русский человек и патриот, пытался определиться и найти себя в послереволюционные годы, когда рушилось всё привычное и отлаженное. Продолжал художественную, литераторскую и оформительскую деятельность, работал в Комиссии по охране памятников искусства и старины, выставлялся. Но при первой возможности бежал от политики в своё имение во Владимирской губернии Охотино или в Крым. Но скоро прятаться стало затруднительно: квартиру «уплотнили», дачу и имение реквизировали. Нарком просвещения Луначарский советовал уехать за границу пока это было возможно. И в 1923 году под предлогом сопровождения семьи, а также организации персональной выставки художник, как и десятки тысяч соотечественников в то переломное время, навсегда покинул Родину.
Эмиграция
Поселившись с семьёй в Париже, Коровин хватается за любую работу: пишет картины, участвует в театральных постановках как уже опытный декоратор, активно сотрудничает с журналами и издательствами, публикует мемуары. Но живёт очень стеснённо. Лживые агенты и недобросовестные коллекционеры часто обманывают и за гроши навязывают свои кабальные условия, запутывают художника, по-прежнему желающего только работать, а не разбираться в коммерческих вопросах.
Возраст, перенесённые потрясения, боль и страх за семью и жизнь оставляют неизгладимые рубцы. К 70 годам зрение художника очень ослабло, работать всё труднее. Свои литературные работы он диктовал помощнику. Его рассказы вызывали у русской эмиграции удивление и восторг – художественный талант, образование и жизненный опыт сделали из Коровина настоящего мастера слова.
Но как же он тосковал по родным местам, по Абрамцевскому кружку, по своей активной, всесторонней и востребованной некогда в России жизни! Увы, не было денег и возможности вернуться, не было поддержки и уверенности в завтрашнем дне, не было прежней России.
11 сентября 1939 года Константин Коровин умер от сердечного приступа на парижской улице. Погребённый сначала на Бийанкурском кладбище, в 1950 году был перезахоронен. Останки художника и его жены с помощью средств поклонников творчества Коровина перенесены на кладбище в Сент-Женевьев-де-Буа, основанное в 1927 году русскими парижанами.