Картины Венеции: импрессионизм и не только
Влияние Венеции на художников не прекратилось после эпохи Возрождения. Импрессионисты и постимпрессионисты стекались в город и были очарованы городскими каналами, атмосферными сценами, величественными восходами и закатами:
Клод Моне
Моне Гранд Канал. Фото из ВикиАрт
Одна из самых известных картин Большого канала Венеции — картина Моне. Гранд Канал. На этой импрессионистской работе изображены некоторые из знаковых зданий Венеции в особенно лестном осеннем свете 1908 года.
Во время своей трехмесячной поездки в Венецию в 1908 году Моне также написал этот теплый сумеречный вид на остров Сан-Джорджи. Сен-Жорж-Мажор в сумерках. Изображение заставит вас скучать по долгому летнему дню в Венеции.
Эдуард Мане
Большой канал Венеции (Голубая Венеция). Фото из ВикиАрт
Мане нарисовал Большой канал, с изображением гондольера во время посещения Венеции в 1875 году. Ему было трудно обосноваться в «Городе каналов», но это не помешало ему написать это лихое произведение импрессионистского искусства.
Поль Синьяк
Большой канал (Венеция). Фото из ВикиАрт
Поль Синьяк, неоимпрессионист, написал Большой канал, в стиле пуантилизма в 1905 году. Кажется, что полуденный солнечный свет просвечивает сквозь отдельные точки!
Пьер-Огюст Ренуар
Дворец Дожей. Фото из Кларк
В 1888 году Ренуар написал этот яркий образ, Дворец дожей. Ренуар пошутил, что «нас было по крайней мере шестеро в очереди, чтобы нарисовать его». так как вид был популярным местом для художников.
JMWTurner
Венеция, с крыльца Мадонны делла Салюте. Фото из МетМузей
Тернер имел большой опыт работы художником-маринистом и использовал его, чтобы изобразить город в Венеция с крыльца Мадонны делла Салюте.
Эта картина является результатом его второго визита в Венецию в 1833 году. Мягкие отражения фундамента дворца и лодок в венецианской лагуне действительно показывают его навыки художника-мариниста.
Томас Моран
Другой англичанин, Моран, был впечатлен водянистыми размышлениями своего соотечественника Тернера. В 1899 году его подвигло к живописи Жемчужина Венеции издалека — со многими приемами, которые использовал Тернер.
Франц Рихард Унтербергер
Рива дельи Скьявони, Венеция. Фото из ВикиАрт
Самые известные картины Франца Рихарда Унтербергера изображают Венецию и Неаполь. И то, и другое он любил изображать в мечтательной, романтической дымке. Он красил Скьявони, популярный променад в Венеции, когда он был в Брюсселе в 1864 году.
Музеи Франции
Французские музеи – дом для многих произведений искусства на мифологическую тематику. В первую очередь это Лувр в Париже, но многие коллекции поменьше хранят в себе настоящие сокровища.
Лувр, Париж. Франсуа Буше. Купающаяся Артемида. 1742 г.
Парижский Лувр, Франция. Якоб Йорданс, Отдых богини Артемиды. 1640-1650 гг.
Две картины богини Артемиды Альбани Франческо в Парижском Лувре на тему легенды об Артемиде и Актеоне.
Лувр, Париж, Франция. Ватто Антуан, Купание Дианы. 1720 г.
Музей Коньяк-Жэ – коллекция в Париже, которую начали собирать основатели известного торгового центра La Samaritaine. С 1929 г. музей открыт для просителей. В нём хранится картина богини Артемиды во время отдыха Франсуа Буше.
Этот французский живописец часто обращался к греческим и римским мифологическим сюжетам за вдохновением. Его полотна пропитаны спокойствием, неторопливостью, они выполнены в мягких, приятных тонах. Это настроение вполне отвечало духу тому времени и желаниям людей, поэтому Буше был так популярен.
Картина была написана в 1745 году. Это – один из самых показательных примеров мифологических сцен, выполненных в стиле рококо. Картина далека от реалистичности, ведь автор хотел в первую очередь показать не её, а девичью изящность и красоту.
Богиня изображена юной и полуобнажённой, в совсем лёгких одеждах. Ткани спадают с её плеч, они выглядят богато и дорого, такие наряды были бы более уместными в гардеробе модницы, а не воинственной девы, что проводит всё время в лесах. Это создаёт некий контраст между окружающей обстановкой и самой сутью Артемиды.
Сама Диана тоже вовсе не похожа на дикую непокорную богиню. Она аристократична, изящна, её благородство видно в каждом жесте, например в том, как она расстёгивает ремешок сандалии.
Дева полностью расслабленна, в ней не ощущается та сила, что часто воспевают легенды. Более того, белая кожа совсем не говорит о том, что Артемида проводит время на свежем воздухе под открытым солнцем. Её ступни маленькие и нежные, непривычные к земле и жёстким камням.
Совершенство и прелесть женщин – вот то, что хотел показать Буше. И ему это удалось благодаря использованию самых любимых приёмов художника. Их видно в этой картине:
- практически нет прямых жёсткий линий, только мягкие, плавные, закругленные;
- цвета – нежно-розовые и полупрозрачные золотистые;
- каждая деталь на картине тщательно проработана и прорисована.
Версальский дворец в пригороде Парижа, Франция. Шарль-Жозеф Натуар. 1743 г. Отдых Артемиды.
Картины в Италии и Греции
Итальянские и греческие музеи богаты на произведения, содержащие в себе мифологические сюжеты. И это неудивительно – ведь именно там находилась «родина» греческих и римских богов, оттуда они стали известны всему миру.
В Городском музее Палаццо Кьерикати в г. Виченца, Венеция хранится одно из самых значимых полотен в венецианской живописи XVIII века на мифологическую тематику. Это картина богини Артемиды венецианского художника Джованни Баттиста Питтони, который написал её в стиле рококо. Произведение 1723–1725 гг. является одним из самых наглядных примеров стиля рококо. Это особенно проявляется в изяществе обнажённых персонажей сцены.
Картина Артемиды изображает легенду об Актеоне. Актеон, сильный и умелый охотник, однажды бродил по лесам Греции, пока не наткнулся на купающуюся Артемиду. Её сопровождали нимфы. Юные девы играли и развлекались, отдыхая от охоты.
Юноше следовало удалиться в священном страхе и благоговении. Вместо этого Актеон поддался соблазну полюбоваться на богиню. Артемида в конце концов увидела его и разгневалась. В «Метаморфозах» Овидия говорится, что она плеснула в мужчину водой, превращая в оленя. При этом Диана сказала, что он может рассказать об увиденном, если, конечно, сможет это сделать в такой форме.
По другим версиям, богиня накинула на него оленью шкуру. Также в некоторых легендах рассказывается, что Актеон воспылал страстью, но Артемида, будучи богиней целомудрия, отвергла его.
Актеон погиб, когда на него набросилась свора его же охотничьих собак, не узнавших хозяина. Что интересно, на картине Питтони его поступку и последующей расплате уделено не так уж много внимания. Пока юноша борется с собаками на заднем фоне, Артемида со спутницами продолжают наслаждаться купанием. Нимфы окружили её, подобно золотистым невесомым духам, помогая раздеться.
Эта чувственная, светлая картина Артемиды настолько прекрасна, что разворачивающаяся на заднем фоне трагедия может быть и незамечена невнимательным наблюдателем. Тем более, она тоже изображена в золотистых тонах.
«Персей» Федоса Щедрина
В том же 1800 году появилась еще одна статуя «Великого водопада» — «Персей» Федоса Щедрина. В 18 веке миф о Персее олицетворял победу Петра I в Северной войне, поэтому скульптор подарил Медузе Горгоне портрет, напоминающий шведского короля Карла XII.
Мифологическая основа
Король Полидект рассердился на Персея за то, что тот не позволил ему жениться на его матери Данае, и отправил юношу за головой Горгоны Медузы на край Земли. Горгона была ужасным чудовищем, которого нельзя было пронзить никаким мечом, имеющимся в распоряжении простого смертного. И его взгляд сразу всех ошеломил. Боги решили помочь Персею: Гермес подарил ему чудесный меч, а богиня Афина дала ему щит. Нимфы также помогли Персею: они подарили юноше крылатые сандалии, шлем-невидимку и сумку, которая могла вместить размер того, что они туда положили. Когда Персей достиг края земли, он увидел трех спящих горгон. Только один из них был смертным — что Гермес предположил Персею. Персей одолел ее, но от шума проснулись другие горгоны, но никого не увидели — Персей надел невидимый шлем и улетел с помощью своих крылатых сандалий.
Натюрморт (фр. nature — природа и morte — мертвая)
Этот жанр живописи связан с изображением неодушевленных предметов. Ими могут быть цветы, фрукты, блюда, дичь, кухонные принадлежности и иные предметы, из которых художник часто составляет композицию согласно своему замыслу.
Первые натюрморты появились еще в древних странах. В Древнем Египте было принято изображать подношения богам в виде разных кушаний. При этом на первом месте была узнаваемость предмета, поэтому древние художники особо не заботились о светотени или фактуре предметов натюрморта. В Древней Греции и Риме цветы и фрукты встречались на картинах и в домах для украшения интерьера, так что изображались уже более достоверно и живописно. Становление и расцвет этого жанра приходится на XVI и XVII века, когда натюрморты стали содержать скрытые религиозные и иные смыслы. Тогда же появилось и их множество разновидностей в зависимости от предмета изображения (цветочный, фруктовый, ученый и т.д.).
В России расцвет натюрморта приходится только на XX век, так как до этого его использовали в основном в учебных целях. Зато развитие это было стремительным и захватило множество стилей, включая абстракционизм со всеми его направлениями. Например, А. Арапов создавал прекрасные композиции цветов в , Л. Попова предпочитала , М. Ларионов работал в и нередко «оживлял» свои натюрморты, создавая у зрителя впечатление, что посуда вот-вот упадет со стола или все предметы сейчас начнут вращаться.
На изображаемые художниками объекты, безусловно, влияли и их теоретические воззрения или мировоззрение, душевное состояние. Так, у К. Петрова-Водкина это были предметы, изображенные согласно открытому им принципу сферической перспективы, а экспрессионистские натюрморты Х. Сутина поражали своим драматизмом.
Многие русские художники использовали натюрморт в основном в учебных целях. Так, И. Грабарь не только оттачивал художественное мастерство, но и проводил множество экспериментов, по-разному раскладывая предметы, работая со светом и цветом. И. Машков экспериментировал с формой и цветом линии, то уходя от реализма в чистый примитивизм, то смешивая оба стиля.
Иные художники соединяли в натюрмортах то, что изобразили ранее и свои излюбленные вещи. Например, на картинах П. Кузнецова можно встретить его любимую вазу, ноты и созданный им до этого портрет его супруги, а Н. Сапунов изображал любимые с детства цветы.
В этом же жанре работали и многие другие русские художники, например Н. Богданов-Бельский, Н. Сталь, Р. Фальк, А. Явленский, В. Шухаев и прочие.
Примеры картин известных русских художников в жанре натюрморта
Картина А. Арапова «Натюрморт с иконой». 1920-1930-е гг.
Картина М. Ларионова «Натюрморт с кувшином и иконой». 1910-1912 гг.
Картина К. Петрова-Водкина «Натюрморт. Яблоки и яйца». 1921 г.
Картина И. Машкова «Натюрморт с фруктами». 1910 г.
Особенности жанра
Сказочные и мифологические мотивы – важная тематика изобразительного искусства. Характерные черты полотен:
Динамичность сюжета;
Реалистичность передачи образов;
Яркость, внимание к деталям;
Насыщенность сюжета, многообразие образов;
Особое внимание перспективе, объемности изображения.
Наиболее яркие работы жанра представлены творчеством Рафаэля, Ботичелли, Мантеньи, Джорджоне. Благодаря Пуссену, Рубенсу, Веласкесу, направление активно развивается в 17 – 19 веках. Каждый мастер делал акцент на определенном аспекте передачи образов:
Рубенс и Пуссен пытались воплотить идеализированный образ героя, победителя, бога.
Веласкес и Рембрандт поставили акцент на попытках сближения мифологического, сказочного образа, с реальной жизнью
Мифологические и былинные образы не являются идеалом.
Буше акцентирует внимание на помпезности, насыщенности, торжественности события, изображенного на полотне.. Основой направления считается идеализация образов
Мифологический жанр – это возвышенное искусство, преимущественное соблюдающее нормы античной эстетики
Основой направления считается идеализация образов. Мифологический жанр – это возвышенное искусство, преимущественное соблюдающее нормы античной эстетики.
А.-Т. Лоуренс
Живописец из Голландии, работал в Великобритании. Получил хорошее образование в родной стране. Особенности и характерные черты его работ сформировались под влиянием итальянской живописи. Главная тематика картин в мифологическом жанре – культура и мифы Древней Греции и Рима. Помимо живописи, Лоуренс имел знания в археологии. Благодаря знаниям в истории и археологии, художник точно передавал одежду греков и римлян, мифы, вооружение. Картины: «Лопатки и губки», «В атриуме сауны».
П. Батони
Представитель рококо и неоклассики из Италии. Особенности его живописи – детализация, высокий уровень внимания к деталям. Батони известен картинами в аллегорическом и мифологическом направлениях: «Сладострастие», «Диана и Купидон».
Є. Берн-Джонс
Английский художник, творивший, согласно эпохи Ренессанса. Религия и міфологія – главные сферы интереса живописца. Работы: «История Персея», «История Пигмалиона», «Битва Персея с драконом».
В.А. Бугеро
Художник-академист из Франции. Имел хорошее образование, находился под влиянием итальянской живописи. Занимался выполнением картин на заказ. Картины Бугеро получали неизменно высокие оценки критиков: «Молодость Бахуса», «Нимфы и сатир».
В. Васнецов
Мастер русской реалистичной живописи, творил в былинном направлении. Сказочные сюжеты и темы из мифов доминируют в его творчестве: «Сирин и алконост», «Иван Царевич и серый волк», «Витязь на распутье». Былины, ставшие основой для работ живописца, являются известными примерами славянской мифологии и преданий.
Ге Н.
Русский художник, реалист, портретист, мастер религиозной и мифологической живописи. Его творчество объединило академические черты и влияния символизма. Картины: «Суд царя Соломона»¸ «Сад Гесперид».
Г. Моро
Известный живописец из Франции, его работы являются лучшим примером изобразительного искусства конца 19 века в Западной Европе. Работы: «Венера, рожденная из пены», «Странник Эдип».
Н. Пуссен
Один из ярчайших живописцев Франции 17 века, представитель барокко в живописи. Картины: «Похищение сабинянок», «Триумф Нептуна».
Зарождение
Мифологический жанр в искусстве появился, когда люди перестали верить в то, что говорили им предки. Произведения на тему прошлых событий превратились в простые рассказы, в которых действительно ставится под сомнение существование их героев. Именно тогда художники смогли дать волю своему воображению и изобразить на полотнах участников древних событий такими, какими они их представляли. Особый расцвет мифологического жанра в изобразительном искусстве пришелся на эпоху Возрождения. Кроме того, в каждом столетии разные легенды становились объектами творчества, поскольку недостатка в них не было. Изначально мифологический жанр взял на себя изображение героев Древней Греции и событий, связанных с их жизнью. Постепенно, в XVII веке в картинах появляются сцены, наполненные особой значимостью, затрагивающие эстетические и нравственные вопросы, близкие к реальности жизни. А уже в 19-20 веках сфера деятельности художника, работающего в таком направлении, как мифологический жанр, стала особенно широкой. Основой изображения служат кельтские, германские, индийские и даже славянские мифы.
Ню (фр. nudite — нагота, сокращенно nu)
Этот жанр призван изображать красоту обнаженного тела и появился еще до нашей эры
В древнем мире большое внимание уделяли физическому развитию, так как от этого зависело выживание всего человеческого рода. Так, в Древней Греции атлеты по традиции состязались обнаженными, чтобы мальчики и юноши лицезрели их отлично развитые тела и стремились к такому же физическому совершенству
Примерно в VII—VI вв. до н. э. появились и обнаженные мужские статуи, олицетворявшие физическую мощь мужчины. Женские же фигуры, напротив, всегда представали перед зрителями в одеяниях, так как обнажать женское тело было не принято.
В последующие эпохи отношение к обнаженным телам менялись. Так, во времена эллинизма (с конца VI века до н.э.) выносливость отошла на второй план, уступив место любованию мужской фигурой. В это же время стали появляться и первые женские обнаженные фигуры. В эпоху барокко идеальными считались женщины с пышными формами, во времена рококо первоочередной стала чувственность, а в XIX-XX веках картины или скульптуры с обнаженными телами (особенно мужскими) часто оказывались под запретом.
Русские художники неоднократно обращались в своих работах к жанру ню. Так, у Л. Бакста это танцовщицы с театральными атрибутами, у В. Баранова-Россине это позирующие девушки или женщины в центре монументальных сюжетов. У Т. Лемпицки это множество чувственных женщин, в том числе в парах, у А. Кравченко это целая серия картин, изображающих обнаженных женщин за разными занятиями, а у В. Рохлиной — девушки, полные невинности. Некоторые, например, К. Сомов изображали и полностью нагих мужчин, хотя такие картины и не приветствовались обществом своего времени.
Примеры картин известных русских художников в жанре ню
Картина Л. Бакста «Танцовщица в костюме». Около 1900-х гг.
Картина В. Баранова-Россине «Апокалипсис». 1912-1913 гг.
Картина Т. Лемпицки «Две обнаженные девушки». 1930 г.
Картина А. Кравченко «Обнаженная». 1919 г.
Картина В.Н. Рохлиной «Обнаженная. Портрет З. Серебряковой». 1930-е гг.
Особенности мифологического жанра
Геракл, Медея и Персей, Пандора и Сирена – эти и многие другие мифические герои знакомы зрителям и ценителям искусства из детских книг. Благодаря этому знакомству сюжеты на полотнах художников захватывают каждого. Если зритель знаком с сюжетом и героями картины, то и картина для него более интересна.
Для картин с мифическим сюжетом времен Возрождения характерна техника, основанная на игре света и тени, с приглушенным фоном и светлыми мазками основных героев. Этот прием позволяет выделить главных персонажей на переднем плане.
В конце XIX века художники смягчили цвета и на полотнах стали появляться светлые и теплые краски. Картины стали производить более доброе впечатление. В одних стала просачиваться детскость, в других эротизм, в третьих — аллегоричность.
Для создания образов главных героев художникам приходилось изучать античную литературу, делать сравнение с книжными героями мифов и при этом выискивать характерные черты персонажей.
Но не все художники творили во имя своих пристрастий. Многие писали свои картины на заказ. Им приходилось соединять черты героев и обычных людей, и воплощать желания зрителя видеть сказку наяву.
Для полотен мифологического жанра характерны:
реалистичные образы;
яркие детали и внимание к ним;
многообразие образов и насыщенность сюжета;
динамичность сюжета;
объемность изображения.
«Марсий» Федоса Щедрина
В Государственном Русском музее хранится одна из самых ранних работ Федоса Щедрина — статуя Марсия, которую он создал во время учебы в Парижской Академии художеств. Эта работа была высоко оценена академиками, за что он наградил тогда еще молодого скульптора Второй золотой медалью.
Мифологическая основа:
Сатир Марсий, давно познавший искусство игры на флейте, однажды осмелился бросить вызов самому Аполлону. Судьи были муз, которые первыми присудили победу Марсию, но после того, как Аполлон начал петь и играть на цитре, они признали Бога победителем. Разгневанный на дерзкого Марсия, Аполлон приказал повесить его на высокой сосне и сатир содрать шкуру.
Музеи и собрания Европы
Лондонская национальная галерея в Лондоне, Англия. Тициан Вечеллио. Смерть Актеона.
В Королевском художественном собрании в Виндзорском замке, г. Виндзор, Англия, хранится полотно «Аполлон и Диана». Его автор – художник Лукас Кранах Старший из Германии, творивший в эпоху Возрождения. Этот художник создал много мифологических полотен, т.к. был в своё время очень популярен и получал заказы подобного рода.
Его картины Артемиды и других сюжетов отличаются пышностью, приближённостью к светскому быту. Это скорее картины Артемиды для украшения, лишённые именно религиозной подоплёки. Но всё же они очень детальны и притягивают взгляд своей живостью.
Полотно «Аполлон и Диана»
Галерея Уоттс, г. Гилфорд, Великобритания. Джордж Фредерик Уоттс. Артемида и нимфы, сопровождающие её.
Городская художественная галерея, Лидс, Йоркшир, Англия. Джордж Фредерик Уоттс. Артемида.
Кассельская картинная галерея в г. Кассель, Германия. Ян Брейгель Старший. Артемида и Актеон. 1608 г.
Галерея старых мастеров в Дрездене, Германия. Питер Пауль Рубенс, Диана после охоты.
Музей искусств в Вене, Австрия. Тициан Виччелио. Диана и нимфа Каллисто, забеременевшая от Юпитера.
Музей истории искусств, Вена. Австрия. Йозеф Хайнц Старший, Диана и охотник Актеон. Ок. 1744 г.
Музей Лихтенштейн, Вена, Австрия. Артемида после удачной охоты.
Музей Лихтенштейн в Вене, Австрия. Франческини Меркантоньо. Артемида убивают змея Пифона в сопровождении Аполлона.
Швейцарский национальный музей, Цюрих. Йозеф Вернер. Нимфа прислуживает Артемиде, отдыхающей после охоты. 1663 г.
Национальный музей, Стокгольм, Швеция. Луи-Жан-Франсуа Лагрене. Артемида и Эндимион.
Музей Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Нидерланды. Питер Пауль Рубенс. Артемида во время купания. 1545-1540 гг.
Национальный музей в Прадо, Мадрид, Испания. Франсиско Рейгон, 1858 г. Купание Дианы.
Музей Прадо в Мадриде, Испания. П. П. Рубенс, 1617 – 1620 гг. Артемида-охотница.
Музей Вассербурга, Анхольт, Дания. Рембрандт Харменс ван Рейн, Диана c Актеоном и нимфой Каллисто. 1634 г.
«Похищение Прозерпины Плутоном» Василия Демут-Малиновского
Симметрично «Гераклу, душащему Антея» у входа в Горный институт установлена статуя «Похищение Прозерпины Плутоном» работы Василия Демут-Малиновского. Он также был вырезан из камня Пудоста в мастерской Самсона Суханова в 1809-1811 годах.
Мифологическая основа
Древний миф рассказывает о Прозерпине, дочери богини плодородия Цереры и бога грома Юпитера. Девушке предстояло стать женой бога подземного мира Плутона, и когда она увидела прекрасную Прозерпину, идущую по цветущей долине, он решил ее похитить. По его просьбе богиня Теллус создала прекрасный цветок, и когда Прозерпина попыталась сорвать его, земля раскрылась, и красота попала в царство Плутона. Отчаявшаяся Церера искала ее повсюду, и когда она узнала о судьбе Прозерпины от бога солнца Гелиоса, она покинула Олимп в боли и отчаянии и стала простым смертным. Без богини плодородия на земле случилась засуха и неурожай. Юпитер был вынужден попросить Плутон подарить его мать Прозерпину, чтобы он мог вернуться на Олимп. Он согласился, но подарил девушке семена граната, символ семейных уз. С тех пор Прозерпина живет со своей матерью две трети года и проводит треть в преступном мире.
Другие картины, относящиеся к богине
Некоторые художники обращались не к образу самой богини, а к её скульптурам или святилищам. Например, храм Артемиды в Эфесе стал объектом внимания великого художника-сюрреалиста Сальвадора Дали. Этот храм – одно из семи Чудес Света, почти все из которых ныне утеряно. Здание было разрушено много веков назад, но оно сохранилась в рисунках. Некоторые достаточно точно воспроизводят внешний вид Эфесского храма, другие же – это скорее плод фантазии художника.
Произведение Сальвадора Дали – это скорее второй случай. Хотя в картине нет привычных сюрреалистических и фантастических образов, храм всё равно выглядит несколько иначе, чем на рисунках-реставрациях. Также заметны характерные для Дали изогнутые и вытянутые греков, находящихся на площади перед зданием.
Храм Артемиды в Эфесе
Как богиня луны, Артемида часто ассоциировалась с Селеной, ещё одной покровительницей ночного светила. Образы двух богинь были настолько близки, что порой легенды о Селене переносили на Артемиду.
Это касается и мифа об Эндимионе, прекрасном юноше, что покорил сердце богини луны. Эта была достаточно печальная история, потому что Эндимион, желая всегда быть юным и бессмертным, в итоге заснул вечным сном в гроте далеко от людских глаз. Эту историю часто изображают на полотнах как с Селеной, так и с Артемидой. Мотив везде один и тот же – спящий красивый юноша и дева, что приходит к нему, пылая любовью.
Уолтер Крейн. Диана и Эндимион.
Гийом Сиегна. Артемида.
Marc Antonio Franceschini. Титанида Латона с детьми Артемидой и Аполлоном.
Франческини Маркантоньо, Сон Артемиды.
Louis Devedeux, Артемида во время отдыха.
Маратта Карло, Диана во время купания.
Гаулли Джованни Баттиста, Артемида отдыхает после охоты.
Уорд Джеймс, Артемида в купальне.
Антуан Куапель, Диана во время купания.
Хьюз Эдвард Роберт. У него были две картины с этой богиней.
Булонь Луи Младший, Отдых Артемиды после охоты.
Мирис Виллем ван, Купание Артемиды и спутниц-нимф.
Вуэ Симон, Богиня Артемида.
Хайес Франческо, Диана.
Руд Софи, Смерть Цинцирия (сын Нептуна, Артемида случайно пустила в него стрелу).
Десублео Мишель, Диана-охотница со стрелами.
Синьяк Гийом, Диана.
Лефевр Жюль Жозеф, дева-богиня Диана.
Лагрене Луи Жан-Франсуа, Диана.
Хьюз Талбот, Артемида-охотница.
Фридрих Штурм, Диана.
Думонт Цезарь Альварес, Отдыхающая Диана.
Джордано Лука, Артемида карает Ниобу.
История
Отличается от религиозного жанра отсутствием библейского элемента в тематике картин. Былинно-сказочные сюжеты присутствовали в творчестве художников Западной Европы, России, США. Большинство примеров картин средневекового периода принадлежат к мифологическому или религиозному направлениям исторической живописи. Характерными чертами также является склонность насыщать реальные сюжеты сказочными, мифологическими деталями.
Ренессанс
Во времена Ренессанса живопись приобрела аллегорический смысл, а религиозные и былинные сюжеты стали символичными. Представители Возрождения ставили на первое место определенные морально-этические проблемы, которые пытались решить при помощи живописи, делали попытки объяснить сущность явлений и процессов, используя былинную тематику работ и мифологических героев. Миф во времена Ренессанса превращается из сказочного, литературного произведения, в содержательное повествование, призванное повышать уровень морали.
В 18 – 19 века
Характерно, что во времена 18 – 19 веков резко возрастает интерес к истории античности, особенно – Римской империи. Сказочно-мифологический жанр приобретает политический подтекст, становится частью идеологии правителя определенного государства. Например, во времена Третьего рейха были популярны тевтонские легенды, мифы. Наполеон увлекался подвигами Александра Великого и военным искусством Древнего Рима. Поэтому живопись приобрела соответствующую тематику.
В 20 веке
В начале 20 века возродился интерес к народному творчеству, этническим мотивам, нюансам национальных культур, поэтому былинный жанр становится популярным. На рубеже 19 и 20 веков появились новые мотивы – культура коренных народов. Художников интересовала культура индейцев, африканцев.
Символисты и авангардисты начала 20 века стремились переосмыслить направление, отказаться от догматичности и академизма в пользу индивидуализма и модерна.