«Обнаженная, зеленые листья и бюст» – $106.400.000
Пабло Пикассо, «Обнаженная, зеленые листья и бюст». 8 марта 1932 г.
Картину Пабло Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст» неизвестный покупатель приобрел за $106,4 миллиона. Торги Christie’s прошли в Нью-Йорке в мае 2010 года. На тот момент полотно стало самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным с аукциона. На картине изображена возлюбленная художника – Мари-Терез Вальтер.
Екатерина Пономаренко: “В мире искусства подделывают абсолютно всех авторов, не взирая на громкость имени. Распространены подделки, когда на неподписанной картине ставится подпись известного художника. После картину выдают за ранний период творчества, который мало знаком специалистам”. Таких подделок тем больше, чем ближе к XX веку. Левитан должен был сперва стать известным, его картины должны были поступить во все музеи, и только тогда его картины начинали копировать. В XX веке, когда появляются первые громкие выставки, тут же возникает круг художников, который работает под впечатлением в близком стиле. Это происходило с каждым известным. И у Пикассо были подражатели, и у Мунка были те, кого он вдохновил.
Описание картины Пабло Пикассо «Семья вместе»
Творческую жизнь Пабло Пикассо можно четко разграничить по так называемым периодам: увлечение кубизмом, активная работа в стиле сюрреализма, постимпрессионизм, загадочные «голубой» и «розовый» художественные периоды.
Рассматриваемая работа «Семья вместе» 1903 года относится к периоду «голубому». А все потому что с 1902 до 1905 год испанский живописец творил в мрачных, холодных тонах синего оттенка. В это время он обращался к пугающим и больным темам: старость, нужда, разного рода страдания.
Искусствоведы считают, что толчком к подобным проявлениям в художестве было трагическое самоубийство друга Пикассо. Сам автор в эти годы тоже мало радовался солнцу, находясь в большой нужде.
Спасением для юного художника были любые заказы. В 1903 году к живописцу обратился товарищ Солер – успешный портной из Барселоны. Клиент пожелал получить собственный портрет, его жены и семейное изображение. В картине «Семья вместе» воплощено третье пожелание заказчика.
«Семья вместе» написана в жанре, популярном у французских импрессионистов, – «завтрак на траве». Мы видим позирующих членов большой семьи: муж с женой, их четверо маленьких детей, домашний питомец. Каждое лицо изображено с индивидуальными чертами, но общая схематика лиц однотипная, что очень характерно для Пикассо.
В центре холста – смятая белая скатерть с фруктами, пустой тарелкой, упавшей бутылкой и тушей кролика на ней; сбоку – охотничье ружье.
Хотя в семейном портрете соблюдена голубоватая гамма того периода творчества Пикассо, все же изображение лишено налета трагизма. Парадоксально, но синий на этой картине кажется теплым цветом, уютным, дружественным и располагающим.
Пикассо, как всегда, оказался на высоте: полотно прославилось в мире и попало в Музей современного искусства в бельгийском городе Льеже.
Описание картины Пабло Пикассо «Пьеро»
Испанский художник и декоратор Пабло Пикассо был основоположником кубизма в жанре живописи. Его работы были пронизаны эпохой классицизма. Эта направленность сопровождалась строгими канонами, которые придавали изображениям формы, соответствующие мирозданию. Художник любил кубический стиль, так как картины отличались своей тонкостью передачи чувств.
Работа «Пьеро» была создана в период классического начала ровных форм. Актёрская игра для Пикассо стала значимой стороной в изображении кубических образов. Грустный кукольный герой изображён на стуле, с опущенной головой. Его задумчивый взгляд напоминает чувства, когда нужно выходить на сцену, а ты боишься и теряешься. Пьеро, по сути, всегда выступает печальным и трагическим героем театральной игры.
При написании картины художник отчётливо выражает белый костюм актёра, с некоторыми разноцветными линиями. Непосредственность и угрюмость актёра, заставляет наблюдателей замирать. Пьеро не смог использовать время для счастливой жизни. Его удел играть на сцене, и развлекать зрителей. Поток красок театральной комнаты, больше напоминает кабинет мыслителя, об этом свидетельствует книга на столе. В целом картина составлена композиционно и правильно, что подчёркивает профессионализм художника.
Гигантская сила труда показывает не только восприимчивость живописца к творческой проблематике, но и говорит о его личности. Полное перечисление циклов жизни художника встречается в каждой его работе. Воплощение многих парадоксов увлекает зрителя, и втягивает в мир вдохновений.
Традиционный стиль живописи присутствовал в шедеврах Пикассо всегда, он умело воссоздавал изображения, как вызов прошлому, так и реальности. Пабло Пикассо – успешный деятель, творчество, которого практически никогда не поддавалось критике.
The Blue Room in Picasso’s Blue Period Art
| The Death of Casagemas (1901) by Pablo Picasso |
To define the Blue Period of Picasso, familiar subjects priorly unfold such as distorted human figures, blurry backgrounds, old man or woman depictions in a desperate condition and solitude. All of these dramatic scenes depicted on Picasso’s blue monochromatic paintings, must be examined in a cause and effect relation. The reason that pushed the artist to paint misery with his blue palette, is his emotional breakdown because of losing his best friend Carlos Casagemas, who Picasso moved to Paris from Madrid with. After unexpected death of Casagemas by suicide, Picasso found himself in a depression and his portraits turned pessimistic. This timeline of Picasso’s life between 1901 and 1904, is sentenced as Blue Period by art historians.
| Celestina (1904) by Pablo Picasso |
During the Blue Period, Pablo Picasso created many paintings over 14 with his blue palette, while focusing on pathos of human body to reveal the inner vision of an artist. Besides The Blue Room, as other outstanding Blue Period paintings of Pablo Picasso, The Old Guitarist, The Blind Man’s Meal, The Crouching Woman, The Tragedy and Celestina, can be utilized to extract the pathos definition, which lead the observer develop empathy because of feeling the emotions such as sorrow, solitude, compassion and anger. These famous paintings were not easily sold for the period and put Picasso in poverty, however they are counted as priceless today. Amongst Picasso’s early works, The Blue Room was first one to enter a collection by Duncan Phillips, due to its rich style and emotional features.
Описание картины Пабло Пикассо «Портрет Солера»
Практически весь 1903 год Пабло Пикассо провел в Барселоне, где обзавелся множеством друзей. Для некоторых из них, очень молодой на то время художник написал портреты. Среди числа счастливчиков оказался и Солер, модный портной того времени, помогающий молодым художникам.
Известно, что Солер отдавал одежду в обмен на картины, ведь Пабло Пикассо, как и большинство художников, вел полу нищенский образ жизни. «Портрет Солера» стал не единственной работой, написанной для друга. В течении всей дружбы, которая длилась не один год, художник работал над картинами, посвященными Солеру, также изображая на них семью известного портного.
На данном портрете Солер изображён одиноко сидящим за столиком в кафе. Лицо выполнено в жёлтых оттенках с четкой прорисовкой всех мелких деталей. Художник изобразил его выражение меланхоличным и печальным, что было поистине присуще другу. Фон изображен очень темными тонами, даже выглядывающие кисти рук из-под одежды выглядят бледно и приглушённо, весь акцент картины заключен непосредственно в лице, которое выглядит ярким пятном, среди глубокого полумрака.Пабло Пикассо в своей работе стремился обозначить элегантность и артистизм, присущую Солеру. Показать всю красоту худощавого лица с аккуратной бородкой и приподнятыми кончиками тонких усов. Оно у портного бледное и призрачное, с присутствующим лёгким нервным напряжением.
Глядя на «Портрет Солера», выполненный в темных сине-зеленых тонах, мы видим, сидящего перед нами человека, глаза которого полны печали и одиночества, заключенного среди людей. Именно эти чувства посещали и самого Пикассо в определенный период жизни. Возможно, в изображении друга, близкого художнику по духу, молодой Пикассо отразил и свой внутренний мир, с присущими ему эмоциями.
Описание картины Пабло Пикассо «Смерть тореадора»
Коррида была излюбленным зрелищем Пабло Пикассо с самого детства. Он регулярно приходил на арену, где видел не только победы тореадора, но и их полнейшие поражения. Художник много раз изображал бой быков в своих картинах, но самой популярной из них стала «Смерть тореадора», написанная в стиле излюбленного автором сюрреализма в 1933 году.
На картине «Смерть тореадора» художник изображает одновременно быка, который для него служил олицетворением мужского начала, и лошадь – женского. Если посмотреть на картину глазами автора, то мы видим, что в этих образах присутствует вечное столкновение полов, борьба мужчины с женщиной.
Далее перед нами раскрывается тревожный сюжет, в котором огромный бык тащит на своих мощных рогах беспощадного тореадора, предчувствующего свою приближающуюся погибель. Его лицо мы видим выглядывающим из-под красного куска ткани, в котором Пикассо оставил некую загадку. Если тореадор сможет одолеть своего рогатого соперника, то это будет просто его красной накидкой, если произойдет все наоборот, приобретя печальный исход, это красное пятно означает кровь, струящуюся из тела умирающего человека. Судя по названию картины нужно склоняться ближе ко второму варианту, однако, зная непредсказуемость и неординарность мысли художника можно найти и другой тайный смысл этого действия.
Пабло Пикассо зачастую изображал образы героев с двойственным смыслом. Даже на картине «Смерть тореадора», бык представлен не только как убийца, но и такой же жертвой, как и побежденный им человек. Если всмотреться, то мы видим, что на морде зверя присутствует вовсе не дикая ярость, а всего лишь необычайное удивление. Картина пропитана экспрессией и мотивами сюрреализма, которые способны до конца понять только истинные ценители искусства Пабло Пикассо.
The Blue Room Technical Analysis
 |
| Picasso’s Color Palette for The Blue Room |
In terms of art movements and color palette choice, Pablo Picasso’s unique art style makes him one of the greatest artists of all time, not only 20th Century. Typically, all of his famous monochromatic paintings were created with his blue color palette during Blue Period (1901-1904). Pablo Picasso focused on natural beauty of a woman bathing in a tub in The Blue Room. His brushstrokes brought out a slightly blurred image, however it was on purpose to reveal the emotional nature of her. Some vivid colors are used conditionally to create a contrast with his color palette of blue. Limited usage of these vivid colors can be observed in blonde hair of the woman andLautrec’s poster May Milton priorly. A vase of flowers on a small round table, blanket on the bed, carpet on the floor and the painting on the wall, are some other items that enrich the depiction by including brilliant colors. Pablo Picasso kept and utilized cadmium yellow, chrome yellow, vermilion red and viridian green except his color palette for blue. Vermilion is red orange color while viridian is a mix of green and blue. Chrome and cadmium yellows are simply darker tones of the lemon yellow. The rest of the painting was colored by different hues of blue, which Picasso availed himself of Prussian blue (Paris blue) to obtain.
 |
| Guernica (1937) by Pablo Picasso |
While Pablo Picasso chose blue tones as his depression color, the subjects that contain rich colors, typically symbolizes beauty or hope like in the other paintings of Blue Period Picasso created. Symbolism was Picasso’s method to pass his emotional breakdown and hope to the observer, however the art movement Symbolism found its place in latter periods of Picasso and the art movements, which he contributed to. Probably the most famous Picasso painting, Guernica was a clear cubist painting, yet it is having the features of symbolist movement highly. In respect to the qualities of depicted objects and focusing on the emotion transition rather than realism in art, The Blue Room is classified as a symbolist and post impressionist artwork of Pablo Picasso.
Право собственности, судебное дело и стоимость
Сначала принадлежал другу Пикассо Фрэнк Бурти Хэвиленд, он был продан в 1912 году Алисе и Полу Фридриху Леффманнам, первоначально из Кёльн, Германия. Его первая публичная демонстрация была на Выставка Sonderbund в мае 1912 года в Кельне. В качестве условия для евреев в Европе ухудшились, Леффманны, Немецкий еврей пара, продала свой дом и бизнес в 1937 году и сбежала в Италию, а в 1938 году Швейцария а потом Бразилия. Леффманны продали картину в июне 1938 года. за 13 200 долларов — арт-дилерам Пол Розенберг и Хьюго Перлз, чтобы профинансировать их побег из нацисты. Картина была приобретена в 1941 году наследницей. Тельма Крайслер Фой, дочь Уолтер Крайслер из Chrysler автомобильная компания, от Knoedler галереи в Нью-Йорке за 22 500 долларов. Она пожертвовала его Метрополитен-музей в Нью-Йорк, в 1952 году, где с тех пор выставляется.
В 2016 году наследник Леффманнов подал в федеральный суд США в суд на Музей искусств Метрополитен, требуя вернуть картину на том основании, что Леффманы продали ее под принуждение. В 2018 году судья Лоретта А. Преска из Окружной суд США Южного округа Нью-Йорка вынес решение в пользу Метрополитена, постановив, что истец не может доказать, согласно законодательству Нью-Йорка, что картина была продана под принуждением. В Апелляционный суд США второго округа подтвердил увольнение на том основании, что иск был подан слишком поздно (72 года после продажи работы и 58 лет после передачи в дар художественному музею).
В 2010 году, по оценкам экспертов, картина, которая является одной из крупнейших из «Периода роз» Пикассо, стоит более 100 миллионов долларов США.
Пабло Пикассо «Мальчик с трубкой». Описание картины
Картина была написана после большой череды картин, посвящённых арлекинам и циркачам.
На портрете мы видим молодого подростка с трубкой в левой руке и венком из объёмных роз. Этого молодого человека звали Луи. Пикассо, которому было 24 года, познакомился с ним в период, когда его материальное положение оставляло желать лучшего – скромный мальчишка любил захаживать в мастерскую на Монмартр к будущему великому художнику и наблюдать за процессом создания его произведений.
Это был непростой и странный период в жизни Пикассо: с одной стороны, он завсегдатай модных кафе, где дискуссируют представители богемы и реформаторы искусства, с другой стороны, его жизнь протекает в унылом общежитии среди бродячих артистов, «лёгких» девиц и прочих представителей низов.
Нам неизвестно, кто этот юноша – подмастерье, артист или просто уличный мальчишка, история не сохранила никаких свидетельств. Герой портрета выглядит очень меланхоличным и лиричным, с небольшой примесью печали и спокойствия. Яркие краски фона, тёмные волосы и ярко очерченные черты лица только подчёркивают бледность юноши.
Очень долго портрет юного друга Пикассо был незаконченным. Мастер не мог понять, чего не хватает для гармоничного завершения, и в один прекрасный день, движимы неким порывом-вдохновением, художник дополняет фон яркими цветами и «водружает» на голову мальчика венок-корону из роз. Удовлетворённый своими «находками», Пикассо быстро дописывает портрет.
Цветовой колорит картины сосредоточен на розовых, серых, золотистых и синих тонах. Картина написана в реалистичной манере, в которой, однако, читается особенный неповторимый стиль мастера. Шедевр является одним из самых значимых «розового периода» творчества Пабло Пикассо.
Интересным является история полотна – картина не попала в ряды музейных экспонатов, а всё время находилась в частном собрании. Очень длительное время знаменитое произведение было главной жемчужиной коллекции известного американского коллекционера и магната Дж. Уитни.
В 2004 году вокруг картины разыгралиcь нешуточные страсти. На знаменитом аукционе «Sotheby’s» стартовая цена за шедевр была рекордно большой – 70 млн. долларов. Однако главная сенсация была впереди – картина ушла с торгов за 104, 168 млн. долларов. Это рекорд держался более 6 лет.
Как и ранее, картина сегодня находится в частной коллекции.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Мальчик с трубкой» 1905 г. Холст, масло. 100 x 81,3 см. Частная коллекция
«Портрет Адели Блох-Бауэр II» – $87.900.000
Густав Климт, «Портрет Адели Блох-Бауэр II». 1912 г.
Картину австрийского художника Густава Климта «Портрет Адель Блох-Бауэр II» продали на торгах Christie’s в Нью-Йорке в ноябре 2006 года за $87,9 миллиона. Покупатель сохранил инкогнито.
Мария Ревякина: “Работы не всех периодов в жизни одного и того же автора стоят одинаково. Если какая-то работа слишком отличается от преобладающего в творчестве художника стиля, у нее есть особенности, то это, скорее всего, повлияет на цену”. У Пикассо были «цветные» периоды, и произведения «розового» периода характеризует более радостное настроение. Например, краски и манера письма, характерные для раннего, так называемого голландского, периода Ван Гога, сильно отличаются от цветовой палитры и характерных мазков, присущих его последующему творчеству.
Описание картины Пабло Пикассо «Акробаты мать и сын»
В период 1904г.-1906г. у известного итальянского художника Пабло Пикассо выдался особый этап в творческой жизни, в котором он наносил на холст только образы артистов, акробатов и циркачей. Именно в этот период Пикассо создаёт свой знаменитый шедевр «Акробаты (мать и сын)».
Мы видим, как за столом расположились мать с сыном, одетые в обтягивающую цирковую одежду. Перед ними стоит практически пустая тарелка, одна на двоих. Мать задумчиво опустила голову на руку, но в глазах прослеживается глубокая печаль и безысходности, а сын, отвернувшись от матери, с любопытством смотрит в противоположную сторону.
Это был очень сложный период в семье цирковых артистов. Люди все время были в пути, вынужденные постоянно гастролировать, чтобы хоть как-то прокормить себя. Глядя на пустую одинокую тарелку на столе, в которой должен был быть вкусный обед, понимаешь, на сколько, бедны были артисты, ведь заработанных денег катастрофически не хватало на нормальное существование. Несмотря на отвергнутое лицо мальчика, также не сложно догадаться, какие эмоции присущи юному акробату, вынужденному уже с малых лет трудиться, чтоб заработать хоть какую-то копейку для своей семьи.
Период, в который была написана картина «Акробаты (мать и сын)» условно получил название «розовый», ведь для большинства работ Пабло Пикассо использовал сочетание именно розового оттенка, разбавляя его золотыми и серыми тонами. Данная картина не является исключением. Весь задний план заполнен теплой гаммой нежного розового оттенка, приближенного к нежному красному цвету. Костю мальчика для выступления художник изобразил в контрастном синем цвете с белоснежным жабо на шее и рукавах. Примечательно, что для своих работ данного периода, Пикассо использовал реальных персонажей из цирка Медрано.
«Дора Маар с кошкой» – $95.200.000
Пабло Пикассо, «Дора Маар с кошкой». 1941 г.
В десятке самых дорогих картин мира − сразу три полотна Пабло Пикассо. Его картину «Дора Маар с кошкой» 3 мая 2006 года продали на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке за $95,2 миллиона. На холсте изображена Дора Маар – еще одна возлюбленная художника.
Мария Ревякина: “Для признания авторства чрезвычайно важна прозрачная история владения картиной, подтвержденная документально. Если произведение искусства, о котором раньше не слышали, которое считалось утраченным или работой другого автора, вдруг появляется на арт-рынке, то необходима его легитимизация. А это уже вопрос договоренностей. Как правило, после экспертизы такую работу выставляют на престижных выставках, после чего уже продают на аукционе, что является дополнительной легитимизацией”. Большинство специалистов из мира арт-бизнеса подтвердили авторство Леонардо картины «Спаситель мира», в то время как в мире искусства продолжаются споры. Эксперт Карло Педретти, посвятивший изучению творчества да Винчи всю жизнь, отказался подтвердить его авторство.