Пабло Пикассо — Два брата, 1906, 60×80 см: Описание произведения

Пабло Пикассо: произведения «розового» периода

Картины, знаменующие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 года в галерее Серюрье: это «Сидящая обнаженная» и «Актер». Одним из признанных шедевров «розового» периода является «Семья комиков» (на фото выше). Полотно имеет внушительные размеры — более двух метров в высоту и ширину. Фигуры артистов цирка изображены на фоне голубого неба, принято считать, что арлекин с правой стороны — это сам Пикассо. Все персонажи находятся в статичном состоянии и между ними нет внутренней близости, каждого связывает внутреннее одиночество — тема всего «розового» периода. Кроме того, заслуживают внимания следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик верхом на лошади», «Акробаты. Мать и сын», «Девушка с козой». Все демонстрируют зрителю. Редкие для картин художника красота и безмятежность Новый импульс творчеству пришел в конце 1906 года, когда Пикассо уехал в Испанию и оказался в небольшой деревне в Пиренеях.

10 известных художников-кубизмов

Новаторство в восприятии, особая передача реальности, возможность реализации собственной точки зрения и индивидуальная эмоциональность привлекли к кардинальному движению аудиторию известных художников-иррационалистов.

Пабло Пикассо

Основоположник кубизма — революционного направления Возрождения. Его стиль отвергал натурализм, упражняясь в сознательной деформации и разрушении объекта. В период «синтетики» автор стремится к гармонии цвета, иногда пишет композиции со сбалансированными овалами. Значительное кубическое влияние на творчество испанца закончилось в 1915 году.

Хуан Грис

Ярый поклонник модерна, в 1908 году он был восхищен новым стилем кубического восприятия природы. Вместе с П. Пикассо акварелист работал над созданием авторских моделей новаторского жанра. С 1913 года впервые в картинах в стиле кубизма он применил технику коллажа.

Жорж Брак

Основоположник кубизма. Вместе с П. Пикассо он стоял у истоков новаторского искусства объективной геометризации. В творчестве французского живописца упор сделан на визуальную иллюзию и художественную репрезентацию.

Фернан Леже

Под влиянием кубизма с 1909 года его работы стали более абстрактными, с 1910 по 1914 год французский декоратор успешно экспонировался на выставках Брака и Пикассо.

Марсель Дюшан

В 1910–1920 начал пропагандировать радикальный авангард, близкий к сюрреализму («Обнаженная, спускающаяся по лестнице» 1912 г., «Двуликая обнаженная невеста из холостяков» 1915–1923). Избегая роли художника, он постоянно шокировал публику готовыми — провокационными объектами «готовых вещей», сопровождаемыми авторскими абсурдными комментариями.

Сальвадор Дали

В живописи испанец вдохновлялся творчеством Пикассо. Сюрреалистические работы метра с элементами аналитического кубизма постепенно уступили место формированию более реалистичного собственного стиля. Полотна эпатажа Дали олицетворяли экстравагантную личность с экстравагантной индивидуальной совестью.

Поль Сезанн

Великий французский постимпрессионист, сам того не осознавая, стал источником зарождения революционного стиля авангарда. Он был первым художником, использовавшим геометрическую пропорцию объекта в картине «Пьеро и Арлекин» 1888-1890 годов. Эта техника вдохновила других художников-новаторов, что привело к расцвету кубизма.

Пит Мондриан

Как истинный поклонник «денатурализации» искусства, голландский художник выступал за отказ от естественной формы и переход к абстракции. С 1913 года картины Мондриана представляют собой композиции из горизонтальных и вертикальных линий, единство которых подразумевает баланс гармонии мироздания. Крайние пределы визуализации в творчестве кубиста впечатляли современников, что повлияло на графическую живопись будущего.

Казимир Малевич

Картины русского художника-авангардиста продемонстрировали впитывание западного влияния, соединив стили аналитического кубизма и футуризма. Направление творчества Малевича отличалось от классической живописи Пикассо и Брака геометрической округлостью и правдоподобной визуализацией образов.

Ромеро Бритто

Бразильский художник экспериментировал с элементами кубизма, граффити и поп-арта в своих работах. Работы художника представляли собой яркие композиции геометрического узора и округлости в ярких красках. Бритто определил свою работу как «визуальный язык счастья, передающий оптимизм художника в окружающий его мир».

Отрицательные характеристики французского стиля оказали фундаментальное влияние на культурное наследие человечества. Присоединяясь к другим течениям, кубизм стал основоположником появления необычных и смелых художественных жанров.

Французская форма кардинального направления кубизма завершила период своего развития после Первой мировой войны. Остатки авангардной живописи до сих пор прослеживаются в творчестве американских художников 1930-х годов — М. Рузела, Дж. Марина, Л. Фенингейла.

#9 Ma Jolie

Ma Jolie (1912)

English Title:	My Pretty Girl
Location:	Museum of Modern Art, New York City, U.S.
Year:	1912

Pablo Picasso co-pioneered the art movement Cubism, which revolutionized European painting and sculpture. Analytic Cubism was the first phase of the movement which was characterized by reducing the forms into basic geometric parts and by a tendency towards monochromatic use of color. This painting exemplifies the Analytic Cubist style. It depicts Marcelle Humbert, who was Picasso’s mistress at the time and who died three years later in 1915. Ma Jolie was Picasso’s nickname for Marcelle. It was also the refrain of a popular song which was performed at a Parisian music hall which Picasso often visited. Ma Jolie is among the most famous paintings by Picasso in Analytic Cubism.

#10 Family of Saltimbanques

Family of Saltimbanques (1905)

Location:	National Gallery of Art, Washington, D.C., U.S.
Year:	1905

The Rose Period is a term used to describe Pablo Picasso’s artworks from 1904 to 1906. It followed his grim Blue Period and marked the start of his stylistic experiments with primitivism; influenced by pre-Roman Iberian sculpture; and Oceanic and African art. The paintings of Picasso’s Rose Period are usually colorful and optimistic in mood with frequent depictions of circus people, acrobats and harlequins. This painting portrays six circus performers in a desolate landscape. The word “saltimbanco” comes from Italian and is used to refer to street performers. Critics have suggested that this painting is a group portrait of Picasso and his circle, symbolized as poor, independent and isolated. Family of Saltimbanques is the most famous painting of Picasso’s Rose Period.

Последние произведения

Пикассо был одним из 250 скульпторов, которые выставлялись на 3-ей Международной выставке скульптур, состоявшейся в Музее искусств Филадельфии в середине 1949 года. В 1950 году стиль Пикассо вновь изменился, когда он взялся за создание реинтерпретацию искусства великих мастеров. Он написал серию работ, основанных на картине Веласкеса «Менины». Пикассо также создал картины по работам Гойи, Пуссена, Мане, Курбе и Делакруа.

Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго, и обычно известную как Чикагский Пикассо. Он подошел к проекту с большим энтузиазмом, спроектировав неоднозначную и несколько спорную скульптуру. Представленная фигура не известна; это может быть птица, лошадь, женщина или полностью абстрактная форма. Эта скульптура, одна из самых узнаваемых достопримечательностей в центре Чикаго, была открыта в 1967 году. Пикассо отказался от оплаты в 100 000 $, пожертвовав всю сумму жителям города.

Публичная скульптура Пикассо в стиле кубизм высотою в 50 футов. Её Пикассо подарил жителям Чикаго.

Последние работы Пикассо представляли собой смесь стилей, способ выражения в постоянном движении до конца его жизни. Посвятив всю свою энергию творчеству, Пикассо стал более смелым, а его произведения более красочными и выразительными. С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. В то время эти работы отклонили, в основном как порнографические фантазии бессильного старика или неряшливые работы художника, чьи лучшие годы уже в прошлом. Только позже, после смерти Пикассо, когда остальная часть мира искусства перешла на абстрактный экспрессионизм, создав критическое сообщество, они увидели, что Пикассо уже открыл неоэкспрессионизм и был, как и раньше, впереди своего времени.

Плачущая женщина (1937)

Картину Пабло Пикассо «Плачущая женщина» (1937) следует рассматривать как тематическое продолжение ужасной трагедии, представленной художником в эпической и монументальной картине «Герника», заказанной Испанской Республикой для Всемирной выставки 1937 года в Париже.

На таком восприятии картины зрителем настаивал и сам Пикассо: перед плачущей женщиной, искаженной страданиями, мы должны сначала увидеть реакцию художника на бомбардировку люфтваффе баскского городка Герника, из-за которого большое количество мирные жители погибли (26 апреля 1937 г.), а Герника из-за бомбежек и возникшего пожара была практически разрушена.

«Мальчик с трубкой» (1905 г.) Холст, масло. 100 × 81 см.

Рекордная по стоимости в 2004 году картина была куплена частным лицом на аукционе за 104 миллиона долларов коллекционером, послом США в Великобритании. Его семья сохраняла работу более полувека, заработав 74 миллиона долларов.

Пикассо писал картину в общежитии юных художников, куда часто падал подросток, изображенный в гирлянде из роз. Эта деталь пришла в голову художнику после того, как замучил себя размышлениями над тем, как закончить работу.

Практически все ранние картины художника находятся в музеях, поэтому это было редким исключением. Имя частного коллекционера, купившего его, не разглашается, опасаясь кражи.

#6 Three Musicians

Three Musicians (1921)

Location:	Museum of Modern Art, New York City, U.S.
Year:	1921

Along with Georges Braque, Pablo Picasso pioneered Cubism, an early-20th-century art movement in which the artist depicts the subject from a multitude of viewpoints. Synthetic Cubism was the second phase of the movement which was characterized by increased use of color; simpler lines and shapes; and imitation or introduction of a range materials, like cut-out paper, into painting. This painting is a prime example of the Synthetic Cubist style. It portrays a Harlequin, a Pierrot, and a monk which are generally believed to be, respectively, Picasso; and his poet friends Guillaume Apollinaire, who died in 1918; and Max Jacob, who entered a monastery in 1921. Three Musicians is not only among Picasso’s greatest masterpieces but also one of the most renowned works in Synthetic Cubism.

Кубизм. Биография Пабло Пикассо.

Кубизм – художественное движение в изобразительном искусстве в начале XX века зародившееся во Франции. Это модернистское направление представляло собой революцию в живописи и скульптуре. Влияние кубизма ощущалось также в области литературы, особенно в трудах Гертруды Стайн, Джеймса Джойса и Уильяма Фолкнера, которые применяли принципы абстрактного языка, повторения и использования нескольких повествователей. А в музыке композитор Игорь Стравинский приписывал кубизму влияние на свое творчество.

Художники-кубисты отвергли унаследованную концепцию о том, что искусство должно копировать природу или что художники должны принять традиционные методы перспективы, моделирования и ракурса. Они разрушили традиционную перспективу и моделирование в круглой форме, чтобы подчеркнуть двумерную плоскость изображения.

Они уменьшали и дробили объекты в геометрические формы, а затем перестраивали их в пределах неглубокого, похожего на рельеф пространства. Они также использовали множественные или контрастные точки обзора.

Главная особенность – отказ от объемного изображения реальности. Картины в стиле кубизм узнаваемы, благодаря плоскому виду без светотени и перспективы. Изображения деформированы, нелогичны, иррациональны, разбиты на отдельные детали – натюрморт, портрет похожи на набор взаимодействующих геометрических фигур.

Это направление искусства стало особой формой авангарда, где доминирующую роль играют острые углы, прямые линии, нейтральная цветовая гамма. Изображения – натюрморт, портрет – не должны выглядеть реалистично, они походят на пазл, который предстоит мысленно собрать зрителю. Кубизм относят к разным направлениям живописи – абстракционизму, примитивизму, авангардизму.

Работы военного времени (1937-1945)

«Фазан» 1938«Голова женщины в шляпе» 1939«Мария Тереза в венке» 1937«Мастерская художника» 1943«Майя с куклой» 1938«Молящая» 1937«Натюрморт» 1945«Плачущая женщина с платком» 1937«Птицы в клетке» 1937«Раненная птица и кот» 1938«Склеп» 1945«Женщина в красном кресле» 1939

В 1946 году художник работал над картинамии панно для замка семьи Гримальди в Антибе (курортный город Франции). В первом зале замка было установлено панно под названием «Радость жизни».  Основными персонажами этого пано были сказочные существа, фавны, кентавры и обнаженные девушки. 

«Радость бытия» 1946

В этом же году Пабло познакомился с молодой художницей Франсуазой Жило, с которой они поселились в замке Гримальди. Позже у Пикассо и Франсуазы родились двое детей — Палома и Клод. В это время художник часто рисовал своих детей и Франсуазу, но долгой идиллия не продлилась: в 1953 году Франсуаза забрала детей и ушла от Пабло Пикассо. Франсуаза больше не могла терпеть постоянные измены художника и его тяжелый характер. Это расставание художник переживал очень тяжело, что не могло не отразиться на творчестве. Доказательство тому рисунки тушью, на которых уродливый старик-карлик с красивой молодой девушкой.

Один из самых известных символов «Голубя мира» был создан в 1949 году. Впервые он появился на Всемирном конгрессе сторонников мира в Париже.

В 1951 году Пикассо была написана картина «Резня в Корее», которая повествует о зверствах той «забытой» войны.

«Резня в Корее» 1951

В 1947 году художник переезжает на юг Франции, в город Валлорис. Именно в этом городе он увлекся керамикой. Вдохновила Пикассо на такое увлечение ежегодная выставка керамики в Валлорисе, которую он посетил еще в 1946 году. Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.

Пикассо в мастерской МадураКерамика Пикассо в музее, Париж

Сравнивая работы Пикассо с керамикой античных времен можно найти некоторые сходства:

В 1958 году для парижского здания ЮНЕСКО была написана композиция «Падение Икара».

«Падение Икара»

Кубизм

В
1907 Пикассо создает композицию «Авиньонские девицы» (Музей современного
искусства, Нью-Йорк) — большое панно, персонажи которого — посетители и девицы
публичного дома в барселонском квартале Авиньон (так полагал поэт А. Сальмон,
давший название произведению) — предстают бесполыми существами, некими
устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры:
розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в
штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские
девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам.

Вкус
к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века. В 1908-09
Пикассо совместно с Ж. Браком, влияя друг на друга, разрабатывают новый стиль —
кубизм, ставший радикальным поворотом от поисков художественного эквивалента
реальности к ее полному пересозданию. Используются нейтральные, преимущественно
охристые, серые, коричневые и зеленоватые тона, характерные для живописи
Сезанна, но заметно «утяжеленные», помутнелые; они комбинируются в
геометрические формулы, обнажая некие изначальные «прототипы» человеческих
фигур, вещей и мира природы («Королева Изабо», «Дама с веером», обе 1909;
«Портрет А. Воллара», 1910, все в Музее изобразительных искусств, Москва;
«Дриада», «Фермерша», «Три женщины», ряд натюрмортов, 1909-10, Эрмитаж).

Первая
стадия кубизма получила впоследствии название «аналитической». С 1919 она
постепенно перерождается, и в 1913 появляется «синтетическая» стадия, для
которой характерны большая цветность форм, стремление к плоскостной трактовке
объектов. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными
инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и
т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. В
композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера
телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Пикассо
использует коллаж — вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со
временем объем инородного материала в картине увеличивается (присыпки песком,
вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла, использование гипса и
т. п.). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации
колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. В
дальнейшем увлечение кубизмом сходит на нет, однако отдельные его черты
продолжают сохраняться в картинах до конца жизни художника («Три музыканта»,
1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

*

Единственное письмо, которое в 1929 году Владимир Набоков, будущий великий, а пока неизвестный писатель, написал своей жене, содержит только два слова и один восклицательный знак: «Таис поймана!» Может быть, он кладёт это письмо ей на кровать, пока она ещё спит в залитой солнцем комнате в Ле-Булу в Пиренеях — там, в маленькой гостинице, они проводят свой первый настоящий отпуск. А та, кого он поймал, — бабочка, редкий испанский представитель семейства парусников, и Вера улыбается, видя записку, она знает, что её муж ничего не любит так сильно, как бродить ранним утром по лугам, когда ботинки намокают от ночной росы, и ловить белым сачком бабочек.

А саму Веру Владимир Набоков несколькими годами ранее поймал с помощью слов, которые адресовал ей через газету русских эмигрантов Руль в виде стихотворения под названием «Встреча(И странной близостью закованный…)». В нём были строки, понятные одной ей: «Еще душе скитаться надо. Но если ты — моя судьба…» Вскоре скитания неспокойного сердца закончились, и он понял, что его судьба — Вера. И Владимир Набоков написал: «Должен сообщить тебе одну вещь…Может быть, эту вещь я уже тебе сообщал, но на всякий случай сообщаю еще раз

Кошенька, это очень важно, — пожалуйста, обрати внимание. Есть немало важных вещей в жизни, например теннис, солнце, литература, — но эта вещь просто несравнима со всем этим, — настолько она важнее, глубже, шире, божественнее. Эта вещь — впрочем, нет нужды в таком долгом предисловии; прямо скажу тебе, в чем дело

Эта вещь — впрочем, нет нужды в таком долгом предисловии; прямо скажу тебе, в чем дело

Вот: я люблю тебя»

Эта вещь — впрочем, нет нужды в таком долгом предисловии; прямо скажу тебе, в чем дело. Вот: я люблю тебя».

И Вера, эта яркая и редкая бабочка, поняла, что хватит порхать. Они поженились и стали пробивать себе путь в таком странном Берлине двадцатых годов. Большинство русских, бежавших в Германию после Октябрьской революции, давно уже перебрались в Париж. Вера занимается переводами и работает в адвокатской конторе, Владимир даёт уроки тенниса, снимается в массовке на студии UFA, обучает смышлёных мальчиков из Груневальда шахматам, а пожилых дам — русскому языку. Но, разумеется, больше всего он пишет. И этот замечательный отпуск на юге весной 1929 годаони смогли позволить себе благодаря издательству Ull­stein, которое действительно издало сначала фрагмент, а потом и целый роман «Король, дама, валет» и выплатило Набокову огромную сумму в 7500 марок. А тот, кстати, описал в книге своё с Верой счастье:

«Он давно заметил эту чету, — они мелькали, как повторный образ во сне, как лёгкий лейтмотив, — то на пляже, то в кафе, то на набережной. Но только теперь он осознал этот образ, понял, что он значит. У дамы в синем был нежно-накрашенный рот, нежные, как будто близорукие глаза, и её жених или муж, большелобый, с зализами на висках, улыбался ей, и по сравнению с загаром зубы у него казались особенно белыми. И Франц так позавидовал этой чете, что сразу его тоска ещё пуще разрослась». Вера и Владимир Набоков — очень необычная пара, потому что они счастливы вместе сейчас и останутся счастливыми в будущем.

️ Больше о любви и ненависти

#7 Girl before a Mirror

Girl Before A Mirror (1932)

Location:	Museum of Modern Art, New York City, U.S.
Year:	1932

This painting portrays Marie-Thérèse Walter, mistress and model of Pablo Picasso from 1927 to around 1935. The young Marie-Thérèse was one of his favorite subjects in the early 1930s. Girl before a Mirror portrays her as beautiful and dressed up with make up on the left side; while on the right side her face is darkened, her eyes are round and hollow, and her intensely feminine body is twisted and contorted. The painting is renowned for its varied interpretations. Some critics consider it to be a representation of Walter’s day-self and her night-self. Others view it as Walter confronting her mortality by looking at the mirror which suggests to her, her ultimate fate. It may also imply her transition from an innocent girl to a worldly woman aware of her own sexuality.

#5 Le Rêve

Le Reve (1932)

English Title:	The Dream
Location:	Private Collection of Steven A. Cohen
Year:	1932

This painting also depicts Marie-Thérèse Walter. Unlike his later mistress Dora Maar whom Picasso often portrayed as tortured or threatening, Marie-Thérèse usually appears as blonde, sunny and bright in his paintings. Picasso created numerous works with elements of eroticism and the erotic content of this famous painting is often noted with critics pointing out that Picasso painted an erect penis, presumably symbolizing his own, in the upturned face of his 22-year-old model. In March 2013, Le Rêve was sold in a private sale for $155 million making it the fifth most expensive painting ever sold at the time. As of 2016, this price is the second highest ever paid to acquire a painting by Picasso after Les Femmes d’Alger (Women of Algiers), which was sold for $179.4 million in May 2015.

Три стадии кубизма в живописи

Руководство не осталось неизменным. В развитии стиля выделяют три этапа: кубизм Сезанна, аналитический и синтетический.

Сезановский кубизм (1907-1909)

Стремление к упрощению форм и страсть к абстракциям — кардинальные принципы первой фазы кубизма. Исследователь искусства Андре Салмон считал, что новый стиль был реакцией на отсутствие формы у импрессионистов.

Тенденция развивается под влиянием символистов, которые ставят во главе всего идею, а не ее материальное отражение. Художники не пытались запечатлеть изменчивость вещей, они передавали идеи через образы с особым смыслом. Первые картины созданы под влиянием творчества Поля Сезанна, они полны символов.

Французский художник передал на своих полотнах свое особое видение действительности. Итак, гора Сен-Виктуар у Поля Сезанна представлена ​​множеством гигантских блоков, образованных огнем. Самое удивительное, что художнику кажется, что огонь еще бушует в неподвижных предметах. Поль Сезанн рассказал об этом своему другу Иоахиму Гаске.

Гора Сент-Виктуар, Поль Сезанн

Аналитический кубизм (1909-1912)

Для второй фазы характерны необычные оттенки цветов: они становятся полупрозрачными при пересечении плоскостей. Художники продолжают экспериментировать с расположением предметов в пространстве. Картины начинают казаться монохромными из-за уменьшения текстурных и цветовых контрастов.

Необычно выполнены пейзаж, портрет и натюрморт в стиле кубизм. Предметы состоят из небольших частей, которые можно легко отделить друг от друга. Возникает ощущение, что в представленном мире не действуют законы времени и пространства. Линии могут внезапно порваться, а формы расплыться. Художник похож на ребенка, любящего экспериментировать. Это как если бы он разобрал башню из кубов, а затем построил новое здание из старых частей.

Вместо привычных предметов на полотнах появляются плоские принты. Детали представлены с разных сторон. Никакое описание не передаст все характеристики второго этапа с такой точностью, как сами работы. Чтобы познакомиться с аналитическим кубизмом, взгляните на работы художников Золотого сечения. В это творческое объединение вошли Марсель Дюшан, Жак Вийон, Альбер Глез, Жан Метцингер и другие.

Две женщины сидят у окна Альберта Глейза

Синтетический кубизм (1912-1914)

Этот этап еще называют «коллажным кубизмом». Элементы на полотнах кажутся вырезанными из разных работ, а затем тщательно склеены. В творчестве Брака и Пикассо есть натюрморты, состоящие из таких отдельных частей, как лоскутные одеяла.

Натюрморт Жоржа Брака

Завершенность работы придают лаконичные линии, соединяющие детали между собой

Художники уделяют пристальное внимание рисунку и фактуре поверхностей

Индейка с трюфелями и вином, Пабло Пикассо

Синтетический кубизм в живописи отличается красочным исполнением. Художники используют графические знаки для завершения своих проектов. На полотнах появляются заметки, цифры и буквы. Интересный момент высказал французский критик Ален Жуфруа. Он сравнил эти изображения с изображениями типичного кафе, где газеты, меню и ценники расположены рядом друг с другом на столе. Художники делали коллажи из отдельных произведений или раскрашивали их с нуля.

Натюрморт с гитарой, Пабло Пикассо

Несмотря на схожесть, работы любого кубиста легко отличить от работ других художников. Так на полотнах Брака появляются термины мира музыки. Вспоминается работа испанского иллюстратора и скульптора Хуана Гриса. Также он активно использует технику коллажа для создания натюрмортов.

Натюрморт Хуана Гриса

Я, Пикассо (1901)

«Я, Пикассо» — картина, написанная 19-летним Пабло Пикассо летом 1901 года для совместной выставки с Франсиско Итуррино в знаменитой тогда галерее Амбруаза Воллара в Париже.

Готовясь к этому «главному» событию того времени, молодой, энергичный, полный уверенности в себе и в своих силах, Пикассо работал как вол, написав всего более 70 работ.

Париж, куда в то время стремились все художники мира, еще не показал Пабло его самую некрасивую сторону. Друг Пикассо Касагемас, который в итоге покончил жизнь самоубийством в парижском кафе, был еще жив — а потому думать об отчаянии холодных зимних тонов «голубого периода» пока рано . читать полностью

Аналитический кубизм 1909-1912г.

Различия между пространством и формой стираются. Исчезают образы предметов. Кубизм переходит в следующую фазу — аналитического кубизма. Этот период характеризуется появлением переливчатых цветов полупрозрачных пересекающихся плоскостей. Формы постоянно располагаются в пространстве по-разному. На полотне Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г. контрасты цвета и фактурысведены до минимума, чтобы они не мешали выявлению конструкции, и картина с ее приглушенной тональностью кажется почти монохромной. Построение усложняется, и последовательно проводится единый принцип.

Пабло Пикассо «Портрет Даниэля-Анри Канвайлера» 1910 г.

Предмет разбивается на мелкие части, легко отделимые друг от друга. Таким образом художник пытается представить объект вне времени и пространства, игнорируя привычные законы восприятия. В результате полотна приобретали разнообразные стереометрические эффекты: объем превращался в плоскость, передняя грань – в боковую, линии внезапно разрывались, формы смешивались.

То есть на аналитической стадии предмет полностью дробился на составляющие его части, расслаивался на мелкие грани, отделенные друг от друга. Р. Делоне по этому поводу говорил: «Элементы объемов еще более распадаются, палитра сводится к черному, белому, к их распаду на промежуточные тона и к землистым краскам. Линии становятся более ломанными, формы являющегося мира – менее артикулированными… Перед нами эпоха аналитического кубизма».

Пабло Пикассо «Девушка, играющая на мандолине» 1910 г.

Альбер Глез «Две женщины сидящие у окна»

Перспектива окончательно сломана. Вместо предмета, изображенного в ракурсе, художник стремится перенести на полотно его след, геометрическое место точек, плоский отпечаток, и притом с разных сторон одновременно. Таким образом, картина становится коллекцией отдельных аспектов формы, разрезанной на мелкие куски.

Аналитический кубизм развили авторы из художественного объединения «Золотое сечение»: Альбер Глез, Марсель Дюшан, Раймон Дюшан-Вийон, Жан Метценже и Жак Вийон.

Жорж Брак. Газета, бутылка, пачка табака («Курьер»). 1914 г

The Major Influences

It was in the production of the famous painter Paul Cezanne that Picasso found the key to his creative achievement. Cezanne’s understanding of how to display the essential from nature and to implement it for the creation of a cohesive surface was what Picasso witnessed at the retrospective exhibition of this master at Salon d’Automne in 1906, and which impressed him the most. During the same time, another major influence appeared at this was the dominant interest in the primitive sculptures and the ritualistic objects of the African and Oceanic region. Draw to the tradition of the African sculpture, due to its sophisticated abstraction of form and instant recognition of the spiritual, Picasso was not the only creative that understood the magic and freedom this culture displayed. This found its way on the surface and stylization of figures in his famous painting Les Demoiselles d’Avignon. The faceted female bodies and mask like faces of the figures in this painting continued to interest the author who produced a large number of sketches and sculptures that played and researched the ideas of the primitive sculpture, rituals, and more importantly masks. Along the two mentioned influences, we cannot avoid the fact that Picasso’s sculptures go hand in hand with his production on canvas, and for many his sculptures are his painting’s jump into the third dimension. It is not surprising then that we witness the similar approach to geometrical investigation and the breaking up of the surfaces in his paintings and his sculpture works as well.

At one point Picasso described his sculpture as an ‘ unknown civilization’ and many see this ground, possibly not as prolific as his two-dimensional works, but for sure as more liberating, and playful. The autobiographical element of his creation found its way into his sculpture pieces as well, and his later pieces incorporated his son’s toys following his adopted method of using everyday objects from the beginning. At the end, the unrestful ego of the author still kept asking for more and with his sculpture demanded more of monumental scale. Many understood sculptures as companions in Picasso’s life and there is a great amount of photographs that display his lifestyle with the evidence of his love for this medium.

Pablo Picasso — The Head. via Allison Meier

Биография Пабло Пикассо

Пабло Пикассо родился в Малаге, в регионе Андалусия, Испания, 25 октября 1881 года.

Он был крещен с обширным именем: Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо.

Пабло вырос в благоприятной среде, потому что его отец был художником и рисовальщиком, который научил его первым шагам. По этой причине в 8 лет он написал свое первое полотно, на котором изображает сцены корриды (О Тореро). В 14 лет он нашел признание в школах живописи.

Семья переехала из Малаги в Барселону в 1896 году, после того как сестра Пикассо умерла от дифтерии. Там молодой человек начал карьеру художника и познакомился со многими каталонскими художниками, такими как Карлес Касагемас, Жоан Видаль Вентоза, Кардона и другие.

В 1898 году он поступил в самую престижную испанскую академию искусств « Real Academia de Bellas Artes de San Fernando » в Мадриде. Однако в том же году он заболел скарлатиной и вернулся в Барселону.

В 1900 году он отправился в Париж и сделал этот город своим домом, но до 1904 года он все еще был связан с Барселоной.

В следующем году, в 1901 году, его друг Касагемас покончил жизнь самоубийством, что сильно повлияло на его личную и творческую жизнь, когда Пикассо начал так называемую Голубую фазу . Позже, оправившись от глубокой меланхолии, более обнадеживающий и счастливый, Пабло посвящает себя Розовой фазе .

Именно во французской столице он встретил своих сверстников-авангардистов, таких как Андре Бретон, Гийом Аполлинер и писательница Гертруда Стайн.

Проведя несколько выставок, Пикассо преодолел финансовые трудности и почти лихорадочно продолжал свое творчество.

В 1907 году Пабло вместе с художником Жоржем Браком предпринял эстетические эксперименты, основанные на геометризации форм и влиянии примитивного африканского искусства, положившего начало кубизму.

Его универсальность побуждает его посвятить себя скульптуре, гравюре и керамике на протяжении всей Второй мировой войны.

Эти работы заслуживают особого внимания:

1. Les Demoiselles d’Avignon (1907), которая, благодаря своему новаторскому духу, является одной из отличительных черт кубизма;

2. Герника (1937 г.), суровая критика гитлеровского фашизма, выставленная в «Национальном музее центра искусств Раинья София» в Мадриде.

Источник вдохновения

Пикассо внимательно изучил множество художественных систем. Иногда работы других художников оказывали влияние на его собственный стиль. Так, в ранней картине «Авиньонские девицы» можно найти отголосок «Трёх купальщиц» Сезанна. Другим источником вдохновения, оказавшим огромное влияние на Пикассо, стали предметы, показанные на парижской выставке примитивного искусства народов Африки и Океании в 1907 году. Пикассо признавался, что эту выставку воспринял как откровение. Особенно потрясли его искажённые пропорции фигур и двумерное изображение лиц — как на этой ритуальной маске из Центральной Африки.