Пабло Пикассо «Склеп». Описание картины
Работа «Склеп» — эта первая картина с драматическим антивоенным содержанием после нашумевшей в 1937 году «Герники». Можно рассмотреть и явное стилистическое сходство этих двух тригико-щемящих работ.
Над картиной Пикассо начал в 1944 году, создав шедевр-художественный отклик на нечеловеческие события Второй мировой войны. Кто изображён на этой картине? Пикассо не даёт конкретного ответа, однако, многими принято считать, что этой работой великий художник отдавал дань жертвам концентрационных лагерей, которых с избытком было выстроено по всей Европе нацистами.
Очень сложно рассмотреть героев полотна – это какая-то хаотичная груда сваленных вместе тел. Взрослые и дети, окоченевшие части тел, ноги и руки, запрокинутые головы, вздутые животы – всё это создаёт поразительную по своей силе драматизма сцену. При этом страшная картина убитых и замученных людей обладает своей ужасной динамикой – это не вечный покой, которые заслуживают все люди, закончившие свои жизни. На каком-то сверхреальном уровне можно уловить смрад замкнутого помещения, затхлость, холод и жуткую атмосферу.
Контрастом выступает изображение какой-то пищи над телами, скинутыми в склеп. На огромном столе с массивными ногами — кружка, отдалённо напоминающие песочные часы, тарелка и хлеб – в скудной трапезе можно усмотреть символическое воплощение поминальной трапезы.
Для написания картины Пикассо использовал масло и уголь. Поразительным является то, как мастер пользуется тенями – это своего рода метод художественного воздействия. Все фрагменты рисунка подчёркиваются резкими тенями, выписанными голубыми и тёмными сизо-фиолетовыми красками. Верхнюю часть работы Пикассо намеренно оставил лишь в рисунке, тем самым переместив акцент именно на сам склеп.
И сегодня работа, казалось бы, написанная совсем не в духе реализма, оказывает невероятно сильное воздействие на любого зрителя: то ли оттого, что память о войне и зверствах ещё жива и не потеряла своей остроты спустя больше полвека, а то ли оттого, что всё дело в гении мастера, который смог в своей неповторимой манере создать шедевр, затрагивающие тончайшие струны.
Сегодня картина «Склеп» экспонируется в Нью-Йорке и входит в список самых известных работ Пабло Пикассо.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Склеп» 1945 г. Холст, масло, уголь. 200 х 250 см. Нью-Йоркский музей современного искусства, США
Голубая сцена Пикассо (1901-1905)
Во время синей фазы работы Пикассо обращались к таким темам, как одиночество, смерть, брошенность, слепота, бедность, отчуждение, отчаяние. Этот период был отмечен меланхолией.
С другой стороны, мы должны подчеркнуть, что название этой фазы связано с преобладанием синего цвета. Эти работы проводились в Барселоне и Париже, в период серьезных финансовых трудностей для Пабло.
Также очевидны изображения воров, уличных девушек, стариков, больных, проституток и матерей с детьми.
Именно в этот период Пикассо отошел от академической живописи и испытал влияние каталонской литературы с сильной социальной критикой.
Посмотрите некоторые постановки того времени:
Пабло Пикассо «Я, Пикассо». Описание картины. Художники импрессионисты
Пабло Пикассо «Я, Пикассо». Описание картины
Одна из самых дорогих картин мира, цена которой была определена на «Сотбис» ещё в далёком 1989 году при покупке в частную коллекцию, и составила почти 48 млн. долларов, была написана ещё в ранний период творчества. Какая ирония – молодой Пикассо, живший в самом бедном районе Парижа, отчаянно нуждавшийся в средствах к существованию, создавал на полотне портрет самого себя, который впоследствии займёт 11 место в рейтинге дорогих картин!!!
Даже самый непросвещённый зритель сразу узнает характерный стиль автопортрета – это импрессионизм. В молодые годы Пикассо находился ещё на стадии поиска собственной манеры письма, и неудивительно, что молодого и дерзкого прельщало творчество вольнодумцев-импрессионистов.
Портрет исполнен в яркой палитре, практически лишённых полутонов. Мазки Пикассо уверенные и настолько широки, что, кажется, приобретают объём. Колорит картины наделён чувственной экспрессией и почти осязаемой энергетикой. Молодой Пикассо на нём хорошо узнаваем, что будет редкостью в дальнейшем его портретном творчестве, где пространство разобьётся на геометрические формулы и фигуры, как на портретах Доры Маар или Марии-Терезы.
Автопортрет вместе с другими импрессионистскими картинами Пикассо представил на выставке Воллара, и сразу был отмечен зрителями. Однако критики, признавая одарённость юного Пабло, всё же призывали искать свою дорогу в искусстве, что живописец и сделал. Уже через полгода наступит его «Голубой период» творчества, подаривший миру восхитительные бессмертные шедевры.
Картина «Я, Пикассо» 1901 г. Холст, масло. 73,5 х 60,5 см. Частная коллекция
What are the Symbols and Themes Used in The Tragedy?
“The Tragedy” symbolizes Picasso’s devastation after losing his friend Carlos Casagemas. They were in the same circle of friends, and they were even roommates. Later, Picasso even began dating Germaine, Casagemas’ unrequited love. Picasso could not avoid the memories of his deceased friend. This had a significant impact on his artwork in the ensuing weeks and months.
This grief and despair would have a lasting effect on Picasso’s artistic vision and style. Uncover the secrets of Picasso’s signature style, and learn how his use of color, line, and form evolved over the course of his career.
The Tragedy shows a sad image of a family that is struggling, as seen by their clothes. They are barefoot and wearing rags on the beach. The painting might be showing how hard life was at the beginning of the 20th century when poverty and hard times were common. Picasso shows how sad and hopeless the family’s situation is, giving the viewer a sense of desperation and hopelessness.
The family of three looks depressed. They are not making eye contact or showing affection to one another. The man and woman are facing each other. But their expressions show that they are unable to console one another.
Picasso’s oil painting The Tragedy
The child is reaching out to his mother for help. Perhaps a member of the child’s family, or even a sibling, is being mourned by this family. [] Art analysts may also think that the child is clueless and doesn’t know about the terrible thing that happened to his family.
The setting of The Tragedy is on the beach, which can be considered a transition between land and sea. The painting demonstrates that tragic events can act as a transition to change people’s lives. The setting might represent how times also change in our daily lives, one moment happy, the next, tragic.
This same theme is explored in Picasso’s painting Cat Catching a Bird. Explore the range of symbolism and meaning in Picasso’s many paintings of birds.
It’s hard to tell if the subjects are in mourning or directly experiencing the tragedy. Even though there are no signs of the tragedy or any particular disaster, some people have inferred that the family is a refugee who had to leave their home because of a disaster. Picasso invites the audience to speculate on the possible sequence of events.
Somber blue and dark green colors depict sadness and despair. If you look at the vast and fascinating career of Picasso, only the Blue Period Paintings possess such tremendously dark emotional depth.
The Blue Period is not the only time where Picasso’s art explored the loss of friends. Discover the emotional depth and significance behind Picasso’s Three Musicians paintings, and how they pay tribute to the artist’s beloved friends who passed away.
Пикассо: картины
Пабло Пикассо был одним из самых значимых художников XX века, чьи картины стали символами современного искусства
Он создал настоящие шедевры, которые привлекают внимание поколений любителей искусства. Одной из самых известных работ Пикассо является “Герника” – огромная картина, которая была создана в 1937 году и посвящена бомбардировке города Герника во время испанской гражданской войны
Эта картина является одним из самых ярких примеров антифашистской живописи и вызывает много эмоций у зрителей.
Еще одним знаменитым произведением Пикассо является серия кубистических портретов, которые он создал в начале XX века. Эти картины представляют собой разрушенные и ускоренные изображения знаменитых людей, таких как Джордж Брак, Фернанд Леже и Даниэль-Анри Кантелу. С помощью кубизма Пикассо преобразовал традиционный портрет в совершенно новый вид искусства.Кроме того, Пикассо был известен своими женскими портретами, такими как “Авиньонские девушки” и “Девушка с мандолиной”. В этих картинах он изображал женскую красоту в своей необычной и пронзительной форме.
“Авиньонские девушки”
Описание картины Пикассо “Авиньонские девушки”
Картина Пабло Пикассо “Авиньонские девушки” является одной из самых ярких и знаковых работ в истории искусства. Она была создана в 1907 году и представляет собой портрет пяти женщин, которые позируют на заднем плане французского города Авиньона. Картина, несмотря на свою небольшую площадь, вызывает множество эмоций у зрителя и вызывает множество вопросов о том, что же на самом деле изображено на ней.Первое, что бросается в глаза на картинах Пикассо “Авиньонские девушки” – это необычность и нестандартность. Женщины, изображенные на ней, не соответствуют стандартам красоты и гармонии, которые были приняты в то время. Каждая из них имеет свой индивидуальный облик, свою уникальную физиономию, свои эмоции и настроения. Все они разные, но при этом объединены общим пространством.Картина Пикассо “Авиньонские девушки” является примером кубизма – течения в искусстве, которое зародилось в начале XX века и предполагало разрушение привычных форм и пропорций. Это проявляется в том, что на картинах Пикассо “Авиньонские девушки” нет единой центральной композиции, а женщины изображены в разных ракурсах и перспективах.Картина Пикассо “Авиньонские девушки” вызывает множество разных интерпретаций и толкований. Некоторые считают ее выражением женской сексуальности, другие – примером насилия над женщинами. Однако, несмотря на все разнообразие мнений, эта картина остается одной из самых значимых и ярких в истории искусства, вызывая интерес и восхищение у многих поколений людей.
Девушка с мандолиной
Описание картины Пикассо “Девушка с мандолиной”
Картина Пабло Пикассо “Девушка с мандолиной” была написана в 1910 году и представляет собой портрет молодой женщины, держащей в руках мандолину. Она изображена в профиль, смотрящая налево, в светлом платье и с темными волосами, которые лежат на ее плечах. Фон картины выполнен в белых и голубых тонах, оформленных в стиле кубизма, что отличает ее от других портретов того времени. Кубизм – это стиль, который изображает объекты в нескольких точках зрения одновременно, что создает ощущение трехмерности и глубины. На картинах Пикассо также есть элементы сюрреализма, которые можно наблюдать в форме мандолины, которая выглядит, как будто она собрана из разных предметов. Это отражает идею, что искусство может быть создано из различных материалов и объектов, которые не имеют никакого отношения друг к другу. “Девушка с мандолиной” – это яркий пример того, как Пикассо использовал кубистические техники, чтобы создать новое изображение в искусстве. Картина стала известной благодаря своей уникальной форме и ярким цветам, которые выделяют ее среди других произведений Пикассо.В целом, картины Пикассо являются показателем его уникального взгляда на мир и глубокой философии, которую он вкладывал в свои работы. Они остаются вдохновением для многих художников и любителей искусства по всему миру.
Кубизм
Этот большой период в творчестве Пабло Пикассо делиться на несколько этапов. Это время полного отказа от детализации персонажей: предмет и фон почти сливаются воедино, нет четко очерченных границ. Пикассо был убежден, что художник может больше, чем просто показывать то, что видит глаз.
Первый этап «сезанновский» он же «африканский» период. Этот этап отличается построением изображений с помощью простых- геометрических форм и преобладанием мутных размытых зеленых, охристых и коричневых тонов.
В 1907-1909 гг внимание художника было устремленно на африканское искусство, с которым он впервые познакомился в 1907 году на этнографической выставке в музее Трокадеро. Отныне в творчестве Пикассо стали преобладать простые, даже примитивные формы изображаемых предметов
В технике художник стал употреблять грубую штриховку. Первой картиной выполненной в «африканском» стиле считается «Авиньонские девицы» 1907 г.
Эта картина писалось автором на протяжении года. Ни с одной своей картиной Пикассо не работал так долго. В итоге эта работа так отличалась от предыдущих его картин, что была неоднозначно воспринята общественностью. Но нащупав новый, интересный для него стиль, Пикассо не собирался отступать и на протяжении 2 лет художник всячески развивал его.
Биография Пабло Пикассо
Пабло Пикассо родился в Малаге, в регионе Андалусия, Испания, 25 октября 1881 года.
Он был крещен с обширным именем: Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо.
Пабло вырос в благоприятной среде, потому что его отец был художником и рисовальщиком, который научил его первым шагам. По этой причине в 8 лет он написал свое первое полотно, на котором изображает сцены корриды (О Тореро). В 14 лет он нашел признание в школах живописи.
Семья переехала из Малаги в Барселону в 1896 году, после того как сестра Пикассо умерла от дифтерии. Там молодой человек начал карьеру художника и познакомился со многими каталонскими художниками, такими как Карлес Касагемас, Жоан Видаль Вентоза, Кардона и другие.
В 1898 году он поступил в самую престижную испанскую академию искусств « Real Academia de Bellas Artes de San Fernando » в Мадриде. Однако в том же году он заболел скарлатиной и вернулся в Барселону.
В 1900 году он отправился в Париж и сделал этот город своим домом, но до 1904 года он все еще был связан с Барселоной.
В следующем году, в 1901 году, его друг Касагемас покончил жизнь самоубийством, что сильно повлияло на его личную и творческую жизнь, когда Пикассо начал так называемую Голубую фазу . Позже, оправившись от глубокой меланхолии, более обнадеживающий и счастливый, Пабло посвящает себя Розовой фазе .
Именно во французской столице он встретил своих сверстников-авангардистов, таких как Андре Бретон, Гийом Аполлинер и писательница Гертруда Стайн.
Проведя несколько выставок, Пикассо преодолел финансовые трудности и почти лихорадочно продолжал свое творчество.
В 1907 году Пабло вместе с художником Жоржем Браком предпринял эстетические эксперименты, основанные на геометризации форм и влиянии примитивного африканского искусства, положившего начало кубизму.
Его универсальность побуждает его посвятить себя скульптуре, гравюре и керамике на протяжении всей Второй мировой войны.
Эти работы заслуживают особого внимания:
1. Les Demoiselles d’Avignon (1907), которая, благодаря своему новаторскому духу, является одной из отличительных черт кубизма;
2. Герника (1937 г.), суровая критика гитлеровского фашизма, выставленная в «Национальном музее центра искусств Раинья София» в Мадриде.
Mystery Man Beneath the Blue Room
| Ambroise Vollard in front ofThe Evocation (The Burial of Casagemas, 1901)by Pablo Picasso |
| Portrait of Ambroise Vollard (1910)by Pablo Picasso |
Despite the contributions he had made, his effort was defined as Scylla and Charybdis by Gabriel Mourey who was the French correspondent of The Studio Magazine in Paris. Scylla and Charybdis is an idiom derived from Greek Mythology which steers one to select lesser evil one of two. On June 24th in 1901, Pablo Picasso finally obtained his first major exhibition, which was hosted by Ambroise Vollard in his Vollard Gallery at Rue Laffitte, Paris. Thus, Vollard paved the way for Picasso to rise, except his countless contributes to the world of art. The correlation between the dates of The Blue Room painted and Picasso’s first exhibition, supports the identification of this mystery man in Picasso’s painting when considered his deep respect to Vollard. But, poverty times concerning the Blue Period of Picasso, must have made him reuse this canvas to create The Blue Room. Nearly 9 years later, Pablo Picasso created the Portrait of Ambroise Vollard to show his reverence in 1910.
Пабло Пикассо «Трагедия». Описание картины
Картина «Трагедия» относится к плеяде самых известных работ Пикассо. Работа является одним из лучших достижений «голубого» периода.
Депрессивный период творчества, в котором царили трагедийность, драматизм, скорбь «породил» множество выдающихся произведений искусства великого мастера.
Сегодня доподлинно известно, что причиной столь мрачного периода творчества явилась смерть близкого друга Пикассо и тяжёлое материальное и моральное положение художника. Но по иронии судьбы именно те картины, которые создавались в обстановке крайней нищеты, сегодня не устают бить ценовые рекорды на всевозможных престижнейших аукционах. «Трагедия» — одна из таких знаменательных работ.
Сюжет картины родился в результате пристального наблюдения художником за такими же неустроенными и несчастными людьми как он сам. Работа изображает трёх бедняков, которые стоят на берегу моря. Скорбные лица, опущенные плечи, сложенные руки – всё это выражает горестные думы.
Все герои картины босы и бедно одеты. Они как будто кутаются в свои бедняцкие тряпки, стремясь укрыться от пронизывающего морского ветра.
Ощущение трагизма ещё более усиливается, стоит только взглянуть в лицо мальчику – его облик лишён присущий каждому ребёнку непосредственной живости, наоборот, оно не по-детски серьёзно и печально.
Автор не даёт нам подсказки, кто эти люди: семья рыбаков, или же просто случайные прохожие, ноги которых привели их на морское побережье.
Вся работа проникнута какой-то безысходностью и фатальностью происходящего, что невольно возникает вопрос, какие же сильные эмоции обуревали 20-летним юношей, коим тогда являлся Пабло Пикассо, раз они могли «выливаться» в столь трагические и беспросветные картины?!
Сегодня эта эмоциональную работу можно увидеть в Вашингтоне, в Национальной галерее искусств.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Трагедия» 1903 г. Дерево, масло. 105,4 x 69 см. Национальная галерея искусств, Вашингтон, США
Плачущая женщина
Описание картины
Пабло Пикассо, безусловно, один из величайших художников 20-го века. Известности и популярности мастеру придает не только антивоенная позиция, выраженная в его произведениях, но и создание (вместе с Жоржем Браком) стиля «кубизм». Обе этих вещи находят отражение в «Плачущей женщине», известном портрете Пикассо, выполненном в стиле аналитического кубизма, однако с большим реализмом, относительно других работ. Холст остается знаковым для испанской живописи и в наши дни, представляя собой развитие антивоенной темы, зарожденной в Гернике. Последняя создавалась как ответ террору и бомбардировкам гражданских лиц во время испанской гражданской войны. После ее завершения Пикассо провел много времени, изображая плачущих женщин, которые основывались на одной из фигур появившихся в Гернике. Версия, ныне хранящаяся в британской галерее Тейт, является последней и наиболее сложной работой серии.
Моделью для всей серии плачущих женщин была потрясающе привлекательная девушка и профессиональный фотограф — Дора Маар (1907–1997), которая также была одним из ведущих сюрреалистов 1930-х годов. После встречи с Пикассо в Париже, она стала его любовницей, музой, единомышленником и сыграла важную роль в расширении и формирование политического сознания художника. Кроме герники, ей посвящены другие портреты, в том числе «Дора Маар с кошкой», проданной в 2006 году за 95 миллионов долларов.
«Плачущая женщина» с носовым платком изображает универсальный образ страдания, созданный в стиле раннего аналитического кубизма, характеризующегося использованием угловатых и перекрывающих фрагментов, будто портрет писался одновременно с нескольких ракурсов. Для того, чтобы подчеркнуть плоский характер работы, Пикассо не делает никаких попыток для создания глубины изображения, не применяя линейной перспективы, светотени и других методов моделирования.
Герника. Пабло Пикассо.
Символизм
Наиболее очевидная интерпретация полотна связана с гражданской войной в Испании. Формально одетая, будто на похоронах, женщина выражает душераздирающую скорбь. Пикассо делает акцент на боль и страдания, которые падают на долю простых людей во время военных действий.
Существует более тонкая трактовка картины. Некоторые исследователи считают, что работа является автопортретом, и раскрывает внутренние мучения художника, связанные с горем за родную страну. Однако, однозначного признания эта теория не добилась.
Из серии «плачущая женщина»
Плачущая женщина может также иметь религиозный подтекст, символизируя, например, мучения Девы Марии, оплакивающей смерть своего сына, на что указывают стигматы фигуры, которую в гернике затаптывает лошадь.
Одна из «плачущих женщин»
Цвет
Цветовая схема, используемая в картине, остается таинственной и загадочной. Пикассо часто использовал монохромную палитру или даже гризайль, чтобы продемонстрировать драматичность и боль. В отличие от этого случая, когда работа включает в себя основные цвета, а также красный, желтый, синий, оранжевый, зеленый и так далее. Единого мнение о том, что пытался передать автор таким приемом нет.
Пабло Пикассо «Семья Солер». Описание картины
Наряду с кричащими, горестными, печальными и глубоко философскими работами «голубого» периода творчества Пабло Пикассо, есть и несколько картин, которые не носят столь трагических мотивов, хотя и не противоречат общей гамме, выбранной художником в это время. «Семья Солер» одна из таких творений.
Как известно, в начале 1900-х Пикассо испытывал серьёзную нужду и с радостью брался за заказы, сулившие хоть какую-то прибыль. Солер был преуспевающий портной из Барселоны. Неизвестно чем приглянулся молодой художник, которому тогда было всего 21 год, зажиточному портному, но именно ему он заказал несколько картин – собственный портрет, портрет супруги и групповой портрет. Одна из картин этого условного триптиха сегодня находится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.
Семейный портрет «Семья Солер» выполнен в так называемом жанре «завтрак на траве», когда-то модного в среде импрессионистов. Большая семья Солер расположилась вокруг застеленной на земле смятой скатерти. Весь фон картины дан условно — он всего лишь обозначен контрастирующим тёмно-синим цветом. Сам «завтрак» тоже весьма схематичен и оригинален – пустая тарелка, несколько фруктов, опрокинутая бутылка и кролик, который будто бы только что был подстрелен.
Всё внимание сосредоточено на членах семьи, очевидно заказчику было важно увидеть и узнать на семейном портрете каждого, даже собака как-будто бы позирует молодому мастеру. Несмотря на то, что все лица имеют характерные отличительные черты, автор остался верен своей индивидуальной неповторимой манере – некоторая обобщённость и лубочность. Картина выполнена в голубых тонах, которые были свойственны данному периоду соответствующего названия, однако, цвета не несут здесь обычной драматической смысловой нагрузки
Скорее, наоборот, автору удалось изобразить тёплую семейную обстановку холодными тонами. Впрочем, на этот счёт мнения могут разниться
Картина выполнена в голубых тонах, которые были свойственны данному периоду соответствующего названия, однако, цвета не несут здесь обычной драматической смысловой нагрузки. Скорее, наоборот, автору удалось изобразить тёплую семейную обстановку холодными тонами. Впрочем, на этот счёт мнения могут разниться
Несмотря на то, что все лица имеют характерные отличительные черты, автор остался верен своей индивидуальной неповторимой манере – некоторая обобщённость и лубочность. Картина выполнена в голубых тонах, которые были свойственны данному периоду соответствующего названия, однако, цвета не несут здесь обычной драматической смысловой нагрузки. Скорее, наоборот, автору удалось изобразить тёплую семейную обстановку холодными тонами. Впрочем, на этот счёт мнения могут разниться.
Не известно понравилась ли работа заказчику, однако, семейный портрет, написанный в форме жанровой сцены, вошёл в анналы шедевров мировой живописи. Картина сегодня находится в Льеже и выставлена в музее современного искусства.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Семья Солер» 1903 г. Холст, масло. 150 x 203 см. Музей современного искусства, Льеж, Бельгия
The Blue Room
The Blue Room (La Chambre Bleue, Le Tub) is an oil painting on canvas, created in Pablo Picasso’s Blue Period by the artist in 1901. As one of the Picasso’s monochromatic paintings made in early 20th century, The Blue Room has the feature of including the shades of blue color greatly likewise The Old Guitarist has. The original canvas is exhibited in the Phillip’s Collection Washington D.C. In 2014, with the support of National Gallery of Art and Winterthur Museum, scientists and art experts from Cornell University in New York and the Phillips Collection in Washington D.C., have done a research by using scientific methods to discover the painting underneath The Blue Room. As one of the Picasso’s first masterpieces, The Blue Room reveals an opportunity to track the facts about Picasso’s life including the information from his economic state to the avant garde art movements which he highly contributed.