Анализ картины тициана мадонна пезаро

Расцвет портретного искусства

К концу 1530-х кисть Тициана настолько окрепла и обрела уверенность, что портреты современников «заговорили» – чувства, мысли и эмоции портретируемых стали явными, а облики красноречивыми. Появились групповые портреты. Каждая картина была результатом индивидуального подхода мастера буквально во всём: от композиции до колористического решения.

Слава о Тициане как о животворящем художнике вышла за пределы Италии. В 1545 году его пригласили в Рим для написания портрета папы, в 1548-м – в Германию для нескольких работ по заказу императора Карла V. Тициан ввёл так понравившийся аристократам конный портрет, ставший впоследствии популярным. Написал портрет умершей к тому времени супруги Карла V – сложную работу со слов вдовца с использованием прижизненных изображений.

Правители Мантуи, Феррари, Урбино, короли, дожи, кардиналы, папа – все стремились заказать портреты именно Тициану. Считалось, что они приносят удачу. Художник повсеместно пользовался почётом и уважением. В результате он раскрылся как искуснейший живописец.

В период расцвета что ни картина, то шедевр:

«Венера и Адонис» (1554),
«Венера перед зеркалом» (1555)
«Диана и Актеон» (1559),
«Кающаяся Мария Магдалина» (1560-е)
«Автопортрет» Тициана (1567) – наиболее известный (в профиль, с кистью в руке).

Сложности характеров, драматизм ситуации, красноречивость жестов, красота и совершенство – для художника невыполнимых задач не существовало.

Описание картины Тициана Вечеллио «Наказание Марсия»

Тициан Вечеллио – знаменитый итальянский художник, творивший во времена эпохи Возрождения. Он знаменит не только как живописец, но и как талантливый скульптор. Последователь Джованни Беллини создавал в традиционном стиле того времени – срисовывание с натуры. Лишь с появлением Джорджоне появляется его уникальный авторский стиль.

Картина «Наказание Марсия» выполнена в совершенной технике рисования, отточенной за долгие года. Художник продолжает традицию изображения мифов и легенд. За основу взят миф об Аполлоне и Марсии, которые вступили в долгий спор: Что лучше – кифара или флейта? Чье мастерство выше – бога или сатира? Возможно, художник хотел показать самого себя, как представлял его разум. Можно рассмотреть на картине, как Марсий, когда-то гордый и надменный, жалеет за содеянное.

Картина выполнена всего лишь в трёх цветах, которые невероятно точно предают весь ужас представленной ситуации. За надменность сатира сдирали с него кожу. Палачом Марсия выступает сам Аполлон, опустившийся до ужасной жестокости человека – он сидит на корточках с ножом в руке, уже приговорив к наказанию. В тоже время взгляд привлекает фигура, сидящая справа от главного персонажа – она напоминает художника, который получает непонятное удовольствие от наблюдаемой сцены.

Появление собак на полотне также не случайно: в большинстве культур пес – друг человека и его верный защитник. Здесь же изображена бессердечная и гордая собака, сидящая поодаль, а вторая – жадно припала к стекающей крови мученика.

На лице самого Марсия выражено не очень много эмоций: лишь язык тела помогает осознать происходящее в его внутреннем мире. Враги, что мучают его, сидят все в тени, и лишь проблеск надежды на прощение виден на левой стороне – юноша со скрипкой показывает свою покорность Аполлону и услаждает его слух музыкой в надежде, что бог простит сатира за содеянное. Но по его лицу видно, что наказание ему претит. Подняв лицо вверх, скрипач как будто отстраняется от происходящего, чтобы не наблюдать всей происходящей картины.

Холст «Наказание Марсия» был написан как последнее полотно художника. Тициан решил оставить послание притчей о гордости и высокомерии.

Раннее творчество

На начальном этапе творчество живописца – это преимущественно портреты женщин, среди них появляются и мадонны. Тициан как художник исследует женское лицо, тело и формирует свой идеал. Это непременно белокожая, округлых форм, статная и рослая женщина с золотистыми волосами тёплого медового оттенка, получившего впоследствии название «тициановского». Образы этого периода отличаются спокойствием и жизнелюбием, краски насыщенны и чисты, что создаёт оптимистичное общее впечатление от картин.

Результаты от первых работ удовлетворяли самых строгих заказчиков из государственной верхушки – так о Тициане распространялась слава среди влиятельных особ, что влекло следующие заказы и преумножало лавры автора.

Одна за другой следовали работы:

Фрески о житии католического святого Антония Падуанского (1511);
Картина «Цыганская мадонна» (1511);
«Любовь земная и Любовь небесная» (1514);
«Женщина с зеркалом» (1514);
«Динарий кесаря» (1516).

Обилие практики давало возможность развиваться и вырабатывать собственный стиль – художник без него не творец. В помощь въедливому мастеру были шедевры признанных мастеров: Микеланджело, да Винчи, Рафаэля.

Первый в республике

Мадонна Пезаро 1526 г.

В 1516-1517 году художник Тициан из живописцев Венеции уже выделился настолько, что ему не было равных. Став в республике мастером №1, он направляет свою творческую энергию на создание пафосных и динамичных полотен, ярких, контрастных по колориту и всё ещё пронизанных влиянием старых мастеров. Это картины на сюжеты из Библии и известных мифов («Вознесение Богоматери», «Вакх и Ариадна» и другие).

Первой работой, в которой индивидуальный стиль уже ярок, специалисты называют монументальную «Мадонну Пезаро» (1519-1526). Тициану покровительствуют представители высшей знати, которые в качестве награды среди прочих благ даровали художнику дворянское звание – теперь он граф Палатинский.

Состав

После успехов 1510 и 1520 годов Алтарь Пезаро представляет собой следующий этап в дизайне алтаря в Венеции. Как и в Алтаре Сан — Джованни Кризостомы по Себастьяно дель Пьомб , Тициан разрабатывает оригинальную композицию с боковым развитием Диалога Священного , калиброванную однако для боковой точки зрения, для позиции слева вдоль ступицы . Пространство алтаря открывает своего рода иллюзорное окно с троном Марии, помещенным на гипотетический алтарь, ориентированный так же, как и главный алтарь.

Однако картина больше похожа на Мадонну с младенцем со святыми и дарителями, чем на священную беседу, но она отличается от предыдущих. Это первая наклонная композиция: Богородица восседает на высоком престоле сбоку, а в центре под ней — Святой Петр; мужчины семьи Пезаро, стоящие на коленях внизу с каждой стороны, служат для того, чтобы вернуть композицию в пространство картины. Композицию подчеркивают огромные колонны.

Когда Тициан пишет этот запрестольный образ, он нарушает многовековую традицию помещать религиозные фигуры (Богородица и Младенец) в центре картины и нарисованного пространства, предлагая большее ощущение движения через картину, которая предвещает более сложные техники композиции. из периода барокко

Картина представляет собой образец развитого стиля Высокого Возрождения с использованием диагональных и треугольных принципов, чтобы привлечь внимание зрителя к Мадонне с младенцем, создавая таким образом иерархию внутри работы и демонстрируя благочестие семьи Пезаро

Архитектурный каркас, состоящий из двух больших колонн, обрезанных по размеру алтаря, подчеркивает вертикальность и высоту произведения, притягивая взгляд к небу. Классически по своему вкусу они теряются за пределами кадра, не совсем точно описывают здание в перспективе, а, скорее, кажутся свободно размещенными, чтобы выделить фигуры Марии и Петра (выдающееся место было отведено апостолу также в алтаре Антверпена) . Эти колонны в центре картины беспрецедентны в живописи эпохи Возрождения и являются предметом споров. Рентгеновское исследование показывает, что Тициан нарисовал на их месте несколько других архитектурных элементов, прежде чем окончательно выбрать колонны. Некоторые критики даже предположили, что не Тициан расписывал колонны. Синдинг-Ларсен (1962), наблюдая за следами покаяния, видимыми в небе, и предполагает, что запрестольный образ изначально был установлен на фоне более традиционного архитектурного каркаса, при этом элементы каркаса простираются в живописное пространство. Внешний декор предполагает, что действие происходит под портиком, в котором величие колонн каким-то образом унижает людей, оставляя фигуры и зрителя в трепете перед предполагаемой их большей силой.

Хроматическая и световая оркестровка очень богата. Ярко-красный цвет определенной одежды и знамен только перекликается с теплыми тонами Успения Пресвятой Богородицы , которые сами по себе связаны с цветом кирпичей, из которых состоят стены. Цвета яркие, с преобладанием чистых оттенков над полутонами омбре, переливающаяся драпировка, сильная и выразительная, контраст между светлым и темным. Динамическая анимация достигает ранее неизвестных уровней, а живописное пространство расширяется во всех направлениях, предлагая свое продолжение.

Забвение длиною в 300 лет

“Рождение Венеры” далеко не всегда была признана шедевром. До середины 19 века Боттичелли считали второстепенным мастером. Никто не толпился у ног прекрасной светловолосой богини.

Тогда все художники страдали рафаэлеманией. У Боттичелли был младший современник Рафаэль. Который создавал не менее прекрасных Мадонн. И у него было два больших преимущества перед Боттичелли.

Рафаэль создавал свои шедевры масляными красками. Вслед за Леонардо да Винчи. Тончайшие лессировки (полупрозрачные слои краски) делали его героинь более живыми.

В то время, как Боттичелли ещё работал по старой технологии, темперными красками. Они быстро сохли, поэтому накладывались одним слоем. В результате образы получались сухими, безжизненными.

Свою “Венеру” Боттичелли смог лишь слегка оживить за счёт румянца и развивающихся волос.

Слева: фрагмент картины Рафаэля “Сикстинская Мадонна”.

А второе преимущество Рафаэля заключалось в композиции.

Боттичелли иногда критикуют за коллажность его работ. Да, композиция не была его сильной стороной. Порой его герои просто стоят в ряд. Как, например, на знаменитой картине “Весна”.

Сандро Боттичелли. Весна. 1482 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Рафаэль же создавал сложнейшие композиции. И в сочетании с красивыми и живыми образами стал образцовым мастером. Которому стремились подражать многие поколения художников.

Рафаэль. Святая Цецилия. 1513-1516 гг. Национальная пинакотека Болоньи, Италия

И вот когда уже каждый жест с полотен Рафаэля был тысячекратно повторен в картинах других художников, часть из них сказали “Хватит!”

И решили посмотреть, как работали художники до Рафаэля. И открыли для себя “Рождение Венеры” и “Весну” Боттичелли.

Так возникло движение прерафаэлитов. То есть тех, кто перенимал техники художников, творивших до Рафаэля.

У них мы видим невероятно красивых и чувственных женщин. Так же, как у Боттичелли, это были музы. Например, Россетти всю жизнь изображал Элизабет Сиддал. А Уотерхаус – Мюриел Фостер.

Слева: Данте Габриэль Россетти. Блаженная Беатриса. 1864-1870 гг. Галерея Тейт, Лондон. Справа: Джон Уильям Уотерхаус. Борей. 1903 г. Частная коллекция