Осенний пейзаж с четырьмя деревьями. Ноябрь 1885 года, Оттерло, Музей Кроллер-Мюллер
Винсе́нт Ви́ллем Ван Гог (нидерл. Vincent Willem van Gogh; 30 марта 1853, Грот-Зюндерт, около Бреды, Нидерланды — 29 июля 1890, Овер-сюр-Уаз, Франция)
Письмо брату Тео, 7 ноября 1885 года.«. Я думаю, что делаю успехи в работе.Вчера вечером со мной случилось кое-что, о чем я расскажу тебе так подробно, как только могу. Ты знаешь, что у нас дома, в глубине сада, стоят три дуба со срезанными верхушками. Так вот, я корпел над ними уже в четвертый раз. Я просидел перед ними три дня с холстом, примерно того же размера, как, скажем, хижина и крестьянское кладбище, которые находятся у тебя. Вся трудность заключалась в табачной листве — как моделировать ее, какую придать ей форму, цвет, тон. Вчера вечером я снес полотно к одному своему эйндховенскому знакомому, у которого довольно стильная гостиная (серые обои, мебель черная с золотом), где мы и повесили мои дубы.
Я еще никогда не имел случая с такой очевидностью убедиться, что я смогу делать вещи, которые хорошо выглядят, и что я научусь так умело рассчитывать краски, что создать нужный эффект будет в моей власти. Этюд написан табачным, мягким зеленым и белым (серым), даже чисто-белым, прямо из тюбика (как видишь, я хоть и рассуждаю о черном, но не питаю никакого предубеждения против другой крайности, даже доведенной до предела).У этого человека есть деньги, и картина ему понравилась, но, когда я увидел, что она хороша, что сочетанием своих красок она создает в гостиной атмосферу тихой, грустной умиротворенности, я почувствовал прилив такой уверенности в себе, что не смог продать эту работу. Но так как она пришлась моему знакомому по душе, я ее подарил ему, и он принял подарок именно так, как мне хотелось, — без лишних слов, сказав только: «Эта штука чертовски хороша».
Источник
Жизнь в России
Будущий художник родился в Москве в 1866 году в семье успешного коммерсанта. Вскоре после рождения художника его семья переехала в Одессу, где мальчик стал подростать и получил свои перые уроки живописи и музыки.
В 1885 году переехал в Москву и поступил в Московский университет Кандинский Василий Васильевич. Картины в то время его не сильно занимали, поскольку он хотел посвятить свою жизнь юридическому делу. Однако спустя 10 лет, в 1895, он решает бросить это направление и с головой погружается в искусство. Это было связано с выставкой, на которой худоджник увидел работу Моне К слову, ему на тот момент было уже 30.
После приезда из-за границы, художник стал активно участвовать в общественной и образовательной деятельности, однако в 1921 году Кандинский В.В. принял решение больше не возвращаться на Родину. Это было вызвано существенными разногласиями с властями. Однако, даже несмотря на вынужденный отъезд, художник до конца своих дней хранил в сердце любовь к русскому народу и культуре, которую выражал на своих полотнах.
Седьмая композиция — логичное продолжение шестой
Считается, что изначально «Композицию VI» Кандинский хотел назвать «Потоп». Смешение линий и цвета должно было говорить, даже кричать зрителю о катастрофе вселенского масштаба (здесь и библейские мотивы, и скорая война). И, конечно, уносить с собой в потоке. Если у вас есть терпение и желание прокачать воображение, присмотритесь к полотну, и вы увидите (гарантировано!) очертания корабля, животных и предметов, тонущих в волнах штормового моря.
В седьмой же композиции мотив потопа дополнен другими библейскими сюжетами (если забыли какими, посмотрите ещё раз на «Композицию VII»).
«Розовый и белый вспениваются так, что кажутся лежащими вне плоскости холста либо какой-то иной, идеальной, плоскости. Они, скорее, парят в воздухе и выглядят так, словно окутаны паром. Подобное отсутствие плоскости и неопределённость расстояний можно наблюдать, например, в русской паровой бане. Человек, стоящий посреди пара, находится не близко и не далеко, он где-то. Положением главного центра — «где-то» — определяется внутреннее звучание всей картины. Я много работал над этой частью, пока не достиг того, что сначала было лишь моим неясным желанием, а затем становилось внутренне всё яснее и яснее». Это он о «Композиции VI».
Кстати, лайфхак от художника: «Я применял сочетание гладких и шероховатых участков, а также множество других приёмов обработки поверхности холста. Поэтому, подойдя к картине ближе, зритель испытывает новые переживания».
Живопись 1922—1933 гг.
Эскиз к настенному панно для «Свободной художественной выставки». Стена «B» 1922 г. Черная бумага, картон, гуашь, 34,7х60 см. Париж, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду.
Белый крест 1922 г. Холст, масло, Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма.
Белый зигзаг 1922 г. Холст, масло, 95х125 см. Неизв.
Черная решетка 1922 г.
Композиция VIII 1923 г. Холст, масло, 140х201 см. Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма.
В черном квадрате 1923 г. Холст, масло, Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма.
Черное и фиолетовое 1923 г.
На белом II 1923 г. Холст, масло, 105х98 см. Неизв.
Круги в круге 1923 г.
Секущая линия 1923 г. Холст, масло, Дюссельдорф, Художественные собрания земли Северный Рейн-Вестфалия.
Мягкая напряженность 1923 г. , Мадрид, коллекция баронессы Тиссен.
Black Relationship 1924 г. Бумага, акварель, тушь, 36,8х36,2 см. Нью-Йорк, Музей современного искусства.
Scharfruhiges Rosa 1924 г. Картон, масло, 63,6х48,2 см. Кельн, Музей Людвига.
Контрастные звуки 1924 г. Картон, масло, 70х49,5 см. Неизв.
Черный аккомпанемент 1924 г.
Scharfruhiges Rosa 1924 г.
В синем 1925 г. Холст, масло, 80х110 см. Дюссельдорф, Художественные собрания земли Северный Рейн-Вестфалия.
Желтое-красное-синее 1925 г. Холст, масло, 127х200 см. Париж, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду.
Маленькая мечта в красном 1925 г. Картон, масло, 35,5х41,2 см. Берн, Художественный музей.
В ярком овале 1925 г. Картон, масло, 73х59 см. Мадрид, коллекция баронессы Тиссен.
Качающееся 1925 г.
Calm Bend 1925 г.
All around 1925 г.
Несколько кругов 1926 г. Холст, масло, 140х140 см. Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма.
Asserting 1926 г. Холст, масло, 45,5х53,3 см. Неизв.
Акцент розового 1926 г.
Синее 1927 г. Холст, масло, 49,5х36,8 см. Нью-Йорк, Музей современного искусства.
Черное увеличение 1927 г.
Линия-пятно 1927 г.
Тяжелые круги 1927 г.
Softened Construction 1927 г.
Разделенное 1928 г. Бумага, акварель, тушь, 48,3х32 см. Вашингтон, США. Национальная художественная галерея.
Композиция 1928 г. Гуашь, Неизв.
Из прохладных глубин 1928 г.
Маленькая игра 1928 г.
Этажи 1929 г. Картон, масло, 56х41 см. Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма.
Вверх 1929 г. Картон, масло, Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма.
Сильное 1929 г.
Причудливое 1930 г. Картон, масло, 40,5х56 см. Роттердам, музей Бойманса — ван Бёнингена.
Тугая линия 1931 г. Акварель, тушь, бумага, Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма.
Легкое прикосновение 1931 г. Картон, масло, 69,9х48,8 см. Нью-Йорк, Музей современного искусства.
Мягкое давление 1931 г. Фанера, масло, 99,5х99 см. Нью-Йорк, Музей современного искусства.
Коричневатое 1931 г. Картон, масло, 49,2х70,2 см. Сан-Фрациско, США. Музей современного искусства.
White-Soft and Hard 1932 г. Холст, масло, гуашь, 80х99,8 см. Нью-Йорк, Музей современного искусства.
Fixed Flight 1932 г. , 49х70 см. Частная коллекция.
Decisive Pink 1932 г. Холст, масло, 80,9х100 см. Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхейма.
Неравное 1932 г.
Золотая, тревожная, оптимистичная: 10 картин художников, которые видят осень по-разному
Искусство помогает увидеть обыденные вещи в новом свете. Time Out предлагает присмотреться к осени — и рассказывает про 10 картин художников с мировым именем.
Умиротворенная осень — Эдвард Хоппер «Октябрь на полуострове Кейп-Код», 1946
Американский художник имеет репутацию пессимистичного, но его портреты одиночества приносят умиротворение и поощряют искать плюсы в изолированности. Так происходит и с этой картиной: на ней заброшенный дом изображен будто из окна проезжающей мимо машины. Хоппер часто проводил отпуск в тех местах и колесил по Кейп-Коду в поисках вдохновения.
Интригующая оcень — Клод Моне «Осень на Сене в Аржантее», 1873
Французский живописец прибыл в северо-западное предместье Парижа в 1871-м и создал там серию произведений. Самое известное — «Осень на Сене в Аржантее», на котором изображен кусочек реки с узнаваемыми для французов постройками на заднем плане.
Судя по всему, это поздний сентябрь: деревья начали желтеть, но листья еще не укрыли воду. Природа почти зеркально отображается в реке, смешивая реальность с миражом.
Мрачная осень — Ослунд Хельмур «Осень», 1907
Шведский художник получил заказ на украшение дома богатого производителя кожаных изделий и создал серию пейзажей о четырех временах года. Остальные три — о весне, лете и зиме — находятся в частных коллекциях.
Большинство художников пытается приукрасить это непростое время и отыскать поводы для надежды. Хельмур же принимает мрачность осени и щедро использует темные цвета.
Одинокая осень — Винсент Ван Гог «Осенний пейзаж с четырьмя деревьями», 1885
Осенью 1885 года Ван Гог покинул голландский Дренте из-за местного священника, который обвинил его в аморальности и запретил крестьянам позировать ему. Тогда художник отправился в бельгийский Антверпен, где и написал осенний пейзаж с тремя густыми деревьями и одним голым, стоящим в стороне. Этот мотив уже встречался на черновиках Ван Гога, который часто чувствовал себя не в своей тарелке в обществе людей.
Игривая осень — Густав Климт «Березовый лес I», 1903
Весенние березы — популярный у художников мотив, который недвусмысленно намекает на молодость и перспективы. Климту было около сорока, когда он создал этот пейзаж, поэтому осенняя обстановка имеет смысл. Однако в произведении не чувствуются отчаяние и ностальгия. Австрийский художник создал более 50 пейзажей, на которых в основном изобразил деревья.
Жизнерадостная осень — Исаак Левитан «Золотая осень», 1985
У русского художника, как известно, хватает картин о неоднозначном времени года, но эта остается самой знаменитой. Она наполнена надеждой и почти наивной жизнерадостностью.
Пейзаж был задуман в усадьбе Горка Тверской губернии и закончен в Москве в конце года. Эту картину любят искусствоведы и поклонники творчества художника, но сам Левитан считал ее «грубой».
Уютная осень — Анри Руссо «Сена и Эйфелева башня на закате», 1910
Французский художник-самоучка не похож на своих коллег по ремеслу — он принадлежит к немногочисленному направлению примитивизма. Руссо не проводил молодость в творческих метаниях, а приступил к искусству уже в зрелом возрасте после спокойной жизни таможенника-семьянина. В этой осенней картине присутствуют его фирменная наивность и цветовая эмоциональность.
Неизбежная осень — Кацусика Хокусай «Крестьяне осенью», 1836
Самый известный на Западе японский гравер прославился серией из десятка произведений, по-разному изображающих гору Фудзи. Часто героями его произведений были крестьяне. Здесь они собирают рис, готовясь к зиме. Осень еще не наступила полностью, но ее присутствие ощущается в настроении и деталях. Картина богата компонентами — при детальном рассмотрении каждый раз можно отыскать что-то новое.
Страстная осень — Василий Кандинский «Осень в Баварии», 1908
Один из родителей абстракционизма успел поработать в более традиционных жанрах. Картину «Осень в Баварии» Кандинский написал в Мюнхене, экспрессивно признавшись в любви к южной земле Германии. Пейзаж содержит далеко не осеннюю яркость и страстность, но по желтым листьям на земле время года легко угадывается. В том же году художник создал «Осень в Мурнау», тоже о Баварии.
Тревожная осень — Эгон Шиле «Четыре дерева», 1908
Австрийский экспрессионист прожил недолгую жизнь: он умер в 28 лет во время пандемии испанского гриппа. И все же Шиле успел оставить после себя вдохновляющее наследие.
Современники считали, что, если бы не ранняя смерть, он стал бы величайшим художником Австрии. «Четыре дерева» завораживают яркостью и торжественностью, но отпугивают тревожностью и искаженностью.
Источник
Краткая биография
- 1892 – Василий Кандинский получает диплом юриста и женится на Анне Чемякиной.
- 1893 – Начинает строить успешную карьеру, получает звание доцента, занимается преподавательской деятельностью.
- 1895 – Посещает выставку французских импрессионистов в Москве. Особое влияние на 13-летнего Кандинского производит работа Клода Моне «Стог сена». Другим знаковым впечатлением стала опера Рихарда Вагнера «Лоэнгрин».
- 1896 – Кандинскому предлагают престижное профессорское место в университете горда Тарту. Но именно тогда в его мировоззрении происходит настоящий переворот: забросив карьеру под влиянием сильных эстетических переживаний, будущий художник полностью посвящает себя живописи. В том же году уезжает в Мюнхен.
- 1987 – Берет частные уроки у художника Антона Ажбе – восполняет профессиональные пробелы, обретает основные академические навыки.
- 1900 – Поступает в Мюнхенскую художественную академию, в класс Франца фон Штука, эстетические взгляды которого поначалу кажутся Кандинскому близкими, но в академических «тисках» начинающему художнику быстро становится некомфортно.
- 1901 – Креативная натура и большие амбиции Кандинского реализуются в создании творческого объединения «Фаланга». Кроме организации выставок, он создает собственную художественную школу, где начинает преподавать живопись.
- 1903 – Благостное течение жизни переворачивает знакомство с молодой художницей Габриэль Мюнтер. Завязывается бурный роман и они вместе покидают Германию, много путешествуют по Европе, активно продвигают свою живопись, участвуют во множестве выставок. В последующие годы Кандинский с Мюнтер побывают в Италии, Франции, Северной Африке и России.
- 1908 – Пара останавливается в городке Мурнау, близ Баварских Альп. У Кандинского начинается период поисков и экспериментов: он отказывается от импрессионистских и абстрактных находок в пользу броского колорита фольклорных мотивов.
- 1911 – Совместно с экспрессионистом Францом Марком Кандинский создает объединение «Синий всадник», в него входят не только художники, но и композиторы, и даже танцоры. В этом же году проходит первая персональная выставка. Другим важным событием становится публикация знаменитого трактата художника «О духовном в искусстве» — размышления об отказе от фигуративной живописи, принципах и законах абстракционизма, психологических аспектах цвета и его влияния на зрителя. На фоне блестящих успехов тех лет, меркнет развод с первой женой Анной.
- 1914 – С началом Первой мировой войны, Кандинский вынужденно возвращается в Россию. Его творчество получает новый виток благодаря влиянию русского авангарда.
- 1917 – После революции Кандинский становится профессором Московского университета, активно занимается охраной памятников искусства, пропагандой своих художественных воззрений и теорий.
- 1921 – Кандинский вместе со второй супругой Ниной Андреевской уезжает в Берлин, чтобы участвовать в выставке русского искусства. В СССР семья живописца больше не вернется. В Германии ему сразу предлагают место в Баухаузе, там он преподает настенную живопись и разные теоретические дисциплины, увлекает своих студентов идеей синтеза разных искусств на поверхности одного холста. Кандинский становится одним из передовых идеологов и воплотителей абстрактной живописи.
- 1928 – Благодаря успеху и известности получает гражданство Германии.
- 1933 – С приходом к власти нацистов, начинается массовое преследование всех авангардных художников. Гонением подвергаются и советские эмигранты, которые представляют «коммунистическую угрозу». Художник с семьей уезжает во Францию.
- 1937 – В Берлине часть живописных холстов Кандинского попадает на выставку «дегенеративного искусства», другие картины, оставленные в Германии, уничтожаются. Попытка эмиграции в США оканчивается неудачей, семья остается в Париже.
- 1944 – Василий Кандинский умирает в возрасте 77 лет, во французском городке Нейи-сюр-Сен.
Василий Кандинский в старости
Карьера
В 1889 году он отправился в Вологодскую губернию для изучения их традиционного уголовного права и религии. Его опыт в Вологде и изучение народного творчества вдохновили его на многие его прежние работы. В 1892 году он перешел на Московский юридический факультет. Однако так продолжалось недолго: два события навсегда изменили ход его жизни — просмотр выставки французских импрессионистов в Москве и прослушивание «Лоэнгрина» Вагнера в Большом театре.
В 1896 году он отказался от права и отправился в Мюнхен, чтобы сделать карьеру в искусстве. Он поступил в Мюнхенскую академию художеств. Однако многое из того, что он узнал, было самоуправлением. В начале 19 века он проявил себя как теоретик и художник. Хотя его ранние работы были основаны на традиционных темах и формах искусства, большая часть его более поздних работ изображала тесную взаимосвязь между музыкой и цветом.
В отличие от других художников той эпохи, его использование цвета на холсте было совершенно другим. Его палитра цветов использовалась для выражения эмоций, а не просто для описания природы или предмета.
С 1906 по 1908 год он путешествовал по Европе, занимаясь картинами и посещая различные выставки. Именно в это время он выпустил свою знаменитую работу «Синяя гора», в которой через цвета явно описывался живописный вид на природу. Его ранние картины не изображали присутствия какой-либо человеческой фигуры. Большинство из них были красочными изображениями живописных видов, за исключением «Воскресенье (Древняя Русь)», где красочно изображены крестьяне и дворяне. В 1909 году он основал Мюнхенскую ассоциацию новых художников и стал ее президентом. Однако его радикальные мысли не соответствовали другим традиционным артистам и привели к роспуску группы в 1911 году. Распад Мюнхенской ассоциации новых художников привел к формированию новой группы, Blue Rider, на этот раз с артистами-единомышленниками. Группа провела две выставки и даже выпустила годовой календарь. Однако с началом Первой мировой войны он вернулся в Россию.
Тем временем он выпустил трактат «О духовном в искусстве» в календаре Blue Rider Calendar, в котором он продвигал абстрактное искусство и автономное использование цветов, а не их использование для визуального описания объектов и других форм. По возвращении в Россию он был поглощен культурной политикой России и сотрудничал с художественным образованием и реформированием музеев с 1918 по 1921 год. Меньше балуя холстом, он посвящал большую часть своего времени передаче художественных знаний с помощью программы, основанной на анализе формы и цвета, основав в Москве Институт художественной культуры. Однако незадолго до этого его радикальные идеи и экспрессионистский взгляд на искусство были отвергнуты радикальными членами Института как слишком самобытные и условные.
В 1921 году архитектор Вальтер Гропиус, основатель Веймарского Баухауса, пригласил его посетить Германию, что он и сделал. В следующем году он проводил уроки рисования как для начинающих, так и для опытных профессионалов, обучая их своей теории цвета с новыми элементами психологии формы. В 1926 году он опубликовал свою вторую теоретическую книгу «Точка и линия на плоскости», в которой подробно описал его развитие изучения форм. В работе сделан упор на геометрические формы, такие как треугольник, круг, полукруг, прямая линия, кривые и плоскости.
В последующие годы его работы претерпели еще одну серию изменений, поскольку он продолжал экспериментировать с цветом. В произведениях этой эпохи подчеркнуты отдельные геометрические элементы, проложившие путь к холодным краскам.
«Композиция VIII», выпущенная в 1923 году, — одно из самых выдающихся произведений веймарского периода. Два года спустя он выпустил еще одно значимое произведение «Жёлтое-красное-синее», в котором описал этап «холодного романтизма».
Он уехал в Берлин в 1932 году после нацистской клеветнической кампании. Он оставался там до июля 1933 года, после чего переехал в Париж. В Париже он жил в маленькой квартире, создавая свои работы в гостиной-студии. В большинстве его работ этого времени использовались оригинальные цветовые композиции, иногда смешивая песок с краской, чтобы придать деревенскую зернистую текстуру.
Между 1936 и 1939 годами он написал две последние крупные композиции — «Композиция IX» и «Композиция X». В то время как у первого создается впечатление эмбриона в утробе матери с очень мощными и контрастными диагоналями, во втором используются небольшие цветные квадраты и цветные полосы.
В июле 1937 года он вместе с другими художниками участвовал в «Выставке дегенеративного искусства» в Мюнхене. Хотя выставку посетили многие, 57 его работ были конфискованы нацистами.
Советуем прочитать
- Первое теоретическое обоснование абстракционизма и эстетический манифест художника
- Фундаментальное исследование основ художественного языка Кандинского
- Автобиографические записки Василия Кандинского
- Перевод сборника стихотворений Кандинского в прозе;
- Знаменательная переписка абстракциониста и венского композитора Василий Кандинский — Арнольд Шёнберг. Переписка»;
- Воспоминания Нины Кандинской, последней жены художника, «Кандинский и я»;
- Борис Соколов Василий Кандинский. Эпоха Великой Духовности. Живопись. Поэзия. Театр. Личность — книга, посвященная творческим поискам художника, написанная на основе архивных материалов и многолетних экспедиций.
5 великих картин про осень
Филипп Робер. Осенние листья. 1909 год
Исаак Левитан. «Золотая осень» (1895)
Для каждого, кто принадлежит к русской культуре, номером первым, разумеется, пойдет эта картина Левитана — и потому что мы помним ее с детства (еще с репродукций в книжках для школьников), и потому, что она отражает действительно русскую природу, осень в средней полосе России, именно тот пейзаж, который уже в подкорку въелся.
Ландшафт, изображенный Левитаном — близ деревни в Тверской губернии, где он жил в поместье своих друзей и покровителей. В жену владельца усадьбы он был влюблен (и пользовался взаимностью). Возможно, это еще одно объяснение, почему эта картина получилась такой удачной, поэтичной — ее наполняет особенное настроение художника.
Джузеппе Арчимбольдо. «Осень» (1573)
В европейском искусстве, где светские сюжеты появились намного раньше, чем в русском, есть намного более древние «осенние» картины. Такова эта аллегория, написанная великим шутником и любителем ребусов Арчимбольдо.
Осень в этом портрете-натюрморте предстает в виде своих плодов: овощей и фруктов (тыква, грибы, груши, корнеплоды всякие). И, в первую очередь, автора интересует такой осенний сельскохозяйственный процесс, как виноделие
Поэтому особенное внимание здесь у виноградных плодов, листьев, лозы, а также гигантской бочки, которая будет наполнена душеспасительным напитком. (Появившимся раньше таблеток-антидепрессантов, но позже изобразительного искусства, между прочим)
Петер Брейгель Старший. «Возвращение стада» (1565)
Картину Брейгеля записывают в список великих не только потому, что она такая вся красивая и гармоничная по цветам и композиции. Важная часть ее славы и в том, что она достаточно ранняя, написана в XVI веке, когда с чистым пейзажным жанром в европейской живописи была еще большая напряженка. Так что Брейгель со своим полотном без какого-либо мифологического или религиозного сюжета выступал таким пионером.
Впрочем, не все так просто: эта картина — из цикла про двенадцать месяцев и времена года. А в то время каждое из этих понятий имело свою символику. Так что пейзажи про позднюю осень на языке той эпохи — это аллегория зрелости, праведными трудами нажитого богатства и потомства, а также того, что зима (то есть смерть) — не за горами.
Винсент ван Гог. «Падающие осенние листья» (1888)
Список у меня получился какой-то с нарушением хронологии: сейчас как раз место классического реалистического пейзажа, но та картина — (Левитан) возглавила список. Так что реализм перескакиваем, и оказываемся в шокирующем модернизме, если точнее — в постимпрессионизме.
Обратите внимание, как ван Гог использует приемы кадрирования, которые подсмотрел у японской гравюры: у его предшественников, европейских пейзажистов, такая обрезка была немыслимой
Картина ван Гога — редкий случай осеннего пейзажа, который городской, но при этом красочный. В основном осень в городе рисуют серой и промозглой, где одного цвета и небо, и стены, и мокрые дороги.
Густав Климт. «Березовая роща I» (1902)
Неприятная новость для тех, кто считает «родные березки» исключительно русской прерогативой. Это дерево растет по всей Европе к северу от Альп и Пиренеев с Родопами всяческими и, судя по всему, у всех художников вызывает вдохновение своей трепетностью.
Но обычно белые стволы березок сочетают с зеленой травкой: Климт один из немногих, кто предпочел контрастные осенние краски. Это все его любовь к золоту.
Источник
Алексис Поляков (1942)
Сын французского художника русского происхождения Сергея (Сержа) Полякова (1900-1969) с детства начал проявлять интерес и способности к изобразительному искусству. Он начал лепить в раннем детстве в мастерских скульпторов Якобсена и Гилиоли, друзей своего отца. В 9 лет выиграл в детском конкурсе велосипед, слепив из пластилина площадь Согласия. Алексис также учиться живописи в мастерской своего отца в 1958 году. Когда Алексис начал проявлять интерес к кинематографу, отец купил ему кинокамеру. С тех пор Алексис с ней не расставался. Он снимал на пленку все подряд: предметы, природу, ежедневную жизнь, окружение отца. А друзья у его отца Сержа Полякова были видные: Василий Кандинский, Соня и Робер Делоне, Отто Фрейндлих. Также Алексис еще подростком создал несколько экспериментальных фильмов из своих анимационных фигурок.
В профессиональное кино пришел в 1964 году после встречи с продюсером Жоржем де Борегардом, который пригласил его работать стажером на съемках фильмов Клода Берри, Бертрана Тавернье и Роберта Хоссейна. С 1968 года работал как продюсер и режиссер. В 1995 году Алексис Поляков вернулся к живописи по просьбе своей дочери, которая планировала первую выставку в своей галерее.
Алексис Поляков
Живопись Василия Кандинского:
1. «Последовательность», 1935 год
Это практически музыкальное произведение, отмеченное поздним периодом в творчестве Кандинского. Замкнутые поля с рассеянными элементами композиции, перетекающими в определенные формы. Художник вернулся к своим абстрактным истокам.
2. «Синий всадник», 1903 год
Эта картина послужила вдохновением для создания одной из самых влиятельных групп в истории современного искусства — Der Blaue Reiter. Эта ранняя работа написана на грани абстракции.
Пейзаж, заимствованный из поездки в Нидерланды. В сцене предположительно влияние импрессионизма.
Постепенный переход к абстракции отмечен экспрессионизмом в пейзаже.
Русский пейзаж, в котором художник воскресил свою тоску по дому.
Практически полностью абстрактный пейзаж с небольшими контурами, предполагающими холм и человеческие фигуры.
Эта работа имеет историческую ценность, как первая полностью абстрактная акварель Кандинского.
8. «Импровизация 10», 1910 год
Импровизация в рисунке и цвете даёт подсказки, но полностью не раскрывает и не конкретизирует образы. Ранняя абстракция.
9. «Лирическое», 1911 год
В своей живописи художник часто опирался на музыкальные идеи, поэтому лирический характер его мазков пришёл естественным путем. Это одна из его «художественных поэм».
10. «Композиция IV», 1911 год
Есть история о том, что Кандинский думал, что завершил картину, но как только его помощник случайно повернул её другой стороной, изменилась перспектива и общее впечатление от полотна, что сделало его прекрасным.
Кандинский часто называл свои картины на манер музыкальных произведений — импровизации и композиции.
Типичный пример лирической абстракции с сильным цветовым и эмоциональным содержанием.
Уже настоящая глубокая абстракция. Таким образом, Кандинский проводил исследование в области цвета и геометрии.
14. «Композиция VI», 1913 год
После обширной подготовки к написанию этой картины, Кандинский закончил её в течение трех дней, повторяя как мантру для вдохновения немецкое слово «uberflut», что означает наводнение.
15. «Москва», 1916 год
Во время пребывания в Москве за годы войны Кандинского поразила суматоха большого города. Это скорее портрет столицы, чем пейзаж, отражающий всю её мощь и турбулентность.
Когда речь заходит об абстракционизме, многие далёкие от искусства люди сразу выносят свой категоричный вердикт: мазня. После этого обязательно следует фраза о том, что любой карапуз наверняка нарисует лучше, чем эти художники. При этом само слово «художники» обязательно будет произнесено с демонстративным презрением, которое в ряде случаев даже будет граничить с брезгливостью.
АиФ.ru в рамках культурного ликбеза рассказывает, что стремился отобразить на своих полотнах один из самых известных абстракционистов Василий Кандинский.