Кадет шляхетского корпуса и студент Академии художеств
Федор Рокотов. Портрет молодого человека в гвардейском мундире, вероятный автопортрет (фрагмент). ок. 1757. Государственная Третьяковская галерея, Москва
А. Зяблов. Копия картины Федора Рокотова. Кабинет Ивана Шувалова (фрагмент). 1757. Государственный исторический музей, Москва
Федор Рокотов. Портрет Ивана Шувалова (фрагмент). 1757. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Федор Рокотов родился в середине 1730-х в имении князей Репниных Воронцово, недалеко от Москвы. Сегодня у исследователей нет точной версии происхождения Рокотова. По одной из них художник — представитель псковского дворянского рода Рокотовых. Он состоял в Московском Английском клубе — обществе, членами которого могли быть только представители аристократии. По другой версии Рокотов был крестьянином Репниных или внебрачным сыном князя Петра Репнина. В 1950-х годах искусствоведы обнаружили челобитную Екатерине II c просьбой освободить от крепостной зависимости племянников, которую художник написал в 1776 году: «Высочайшим вашего императорского величества указом повелено было сие мое прошение в Московскую губернскую канцелярию принять и <…> по силе законов дать оным малолетным для свободного житья у меня на воспитании <…> учинить о том решение…»</…></…>
В 1755 году Рокотов уехал в Петербург, где поступил в Сухопутный шляхетский корпус. Кроме математики и военного дела, там преподавали гуманитарные науки, музыку и живопись.
К 1757 году относится первая известная картина живописца — «Портрет молодого человека в гвардейском мундире». На ней написано: «Писал Рокотов 1757 году Марта «15» дня». Художник Игорь Грабарь предположил, что это автопортрет Рокотова. Герой картины смотрит не прямо на зрителя, а в сторону. Повернута и его голова. В такой позе художники часто изображали себя на автопортретах из-за того, что им приходилось смотреть в зеркало во время рисования.
В том же году Федор Рокотов написал картину «Кабинет И. И. Шувалова». Это единственная работа художника, которая не относится к жанру портрета. По требованию Шувалова, фаворита Елизаветы I, основателя Академии художеств и Московского университета, Рокотов в точности воспроизвел полотна, которые висели в кабинете чиновника. Искусствовед Алексей Лебедев писал об этой работе художника: «Кабинет Шувалова» не просто intevrieur, не портрет шуваловской комнаты, а попытка заглянуть во внутренний мир самого Шувалова, попытка через изображение вещей, любимых человеком, показать, чем живет сам человек». Оригинал картины не сохранился до наших дней, но известна копия, которую написал ученик живописца в 1779 году.
В конце 1750-х Рокотов закончил Сухопутный шляхетский корпус и поступил на службу в кадетский корпус, где получил чин сержанта. А в 1760 году он стал студентом Академии художеств. Рокотов долгое время совмещал творчество и военную службу — из кадетского корпуса он ушел только в 1780-х годах. Тогда он дослужился до чина ротмистра, который давал право на дворянство.
Педагогами Рокотова в Академии художеств были гравер Луи Ле Лоррен и портретист Пьетро Ротари. Они писали в стиле рококо: использовали пастельные тона, моделей часто изображали в задумчивости. Эту манеру перенял Рокотов. Уже через два года живописца назначили адъюнктом — помощником профессора. Он преподавал другим воспитанникам Академии художеств.
Значение творчества Александра Ивановича Репина в истории искусства
Одним из ключевых элементов творчества Репина можно считать его способность передавать глубокую эмоциональность и психологическую глубину персонажей. В его работах каждая фигура заставляет зрителя задуматься о внутреннем мире героя, его чувствах и мыслях. Такая глубина передачи эмоций и свойственная ему художественная искренность стали стержневыми чертами русской живописи и оказали заметное влияние на последующие поколения художников.
Еще одной важной особенностью творчества Репина является его умение создавать исторические сцены и портреты, оживляя их и передавая атмосферу того времени. Его полотна стали источником информации о прошлых эпохах, позволяющих современным зрителям погрузиться в историческую реальность
Благодаря своим историческим работам, Репин превратился в одного из ключевых историков русской живописи и помог сохранить национальное художественное наследие.
Большое значение имеют и его произведения, посвященные сельской жизни, которые передают естественность и красоту русской природы
В его работах прослеживается внимание к деталям и чуткая наблюдательность, что позволяет создать атмосферу жизни и настроение. Такие произведения не только являются олицетворением исторической эпохи, но и сохраняют настоящую русскую душу и ее уникальность
В целом, творчество Александра Ивановича Репина не только повлияло на развитие искусства в России, но и сыграло значительную роль в мировой живописи. Сочетание высокого мастерства, эмоциональной глубины и исторической точности его работ сделали его поистине великим художником, чье значение и влияние остаются актуальными по сей день.
Италия
Летом 1770 г. Шубин отправляется в Италию, которая поразила его памятниками античного искусства, ставшими его своеобразными учителями. Шубин живет в Италии до весны 1773 г. сначала как пенсионер Академии художеств, затем как спутник богатейшего русского промышленника Н.А. Демидова. В конце 1772 г. Шубин во время путешествия с Демидовыми по Италии останавливался в Болонье, где выполнил ряд работ, за которые Болонская Академия выдала ему диплом на звание почетного академика. Живший в Риме И.И. Шувалов не порывал связи с Академией художеств, он заказывает Шубину свой портрет и бюст своего племянника Ф.Н. Голицына.
Известные произведения Александра Ивановича Репина
Александр Иванович Репин был выдающимся русским художником, чьи произведения отличались уникальной мастерством и глубиной выражения. Он создал множество известных произведений, которые оказали огромное влияние на развитие русского искусства.
1. Знакомство
Одной из самых знаменитых работ Александра Ивановича Репина является картина Знакомство. В этом произведении художник изобразил двух мужчин, которые встречаются в темном переулке. На лицах героев видны различные эмоции, отражающие их внутреннее состояние. Картина символизирует сложные отношения между людьми и их внутренние конфликты.
2. Бурлаки на Волге
Еще одной знаменитой картиной Александра Ивановича Репина является Бурлаки на Волге. На этой работе художник изобразил группу тяжеловозных мужчин, тащащих лодку по реке. Изображение наполнено физической силой, усталостью и решимостью героев. Картина символизирует силу труда и волю человека преодолевать трудности.
Это лишь некоторые из известных произведений Александра Ивановича Репина. Все его работы отличаются особым стилем и показывают глубину человеческой души. Творчество Репина оказало большое влияние на развитие русской живописи и остается великим достижением русского искусства.
Минин и Пожарский
Выдающийся гражданин России Кузьма Минин и его не менее знаменитый современник князь Дмитрий Пожарский вошли в историю как освободители русских земель от польских захватчиков. В начале XVII столетия в Русском государстве началось Смутное время. Кризис, охвативший многие сферы жизни, усугублялся нахождением на столичном престоле самозванцев. В Москве, Смоленске и ряде других городов полным ходом хозяйничала польская шляхта, а западные границы страны были заняты шведскими войсками.
Чтобы выгнать иноземных захватчиков с русских земель и освободить страну, духовенство призвало население создать народное ополчение и освободить столицу от поляков. На призыв откликнулся новгородский земской староста Кузьма Минин (Сухорук), который был хоть и не знатного происхождения, но являлся настоящим патриотом своей Родины. За короткое время ему удалось собрать войско из жителей Нижнего Новгорода. Возглавить его согласился князь Дмитрий Пожарский из рода Рюриковичей.
Постепенно к народному ополчению Нижнего Новгорода стали присоединяться жители окружающих городов, недовольные господством польской шляхты в Москве. К осени 1612 г. войско Минина и Пожарского насчитывало около 10 тысяч человек. В начале ноября 1612 г. нижегородскому ополчению удалось изгнать поляков из столицы и заставить их подписать акт о капитуляции. Успешное проведение операции стало возможным благодаря умелым действиям Минина и Пожарского. В 1818 г. память о героических освободителях Москвы была увековечена скульптором И. Мартосом в монументе, который установлен на Красной площади.
Личная жизнь художника
Читателей, конечно же интересует и личная жизнь Брюллова. Многие годы художник обожал графиню Самойлову. Юлия стала для него не только возлюбленной, но и другом, опорой, натурщицей и музой. Отношения Карла и графини несколько раз обрывались. Поговаривали, что Юлия уезжала в солнечную Италию, где предавалась удовольствиям. Но потом она возвращалась, и отношения начинались вновь.
В России Карл влюбился в виртуозную пианистку Эмилию Тимм. Перед свадьбой девушка призналась, что живет со своим отцом. Но брак все-таки состоялся. Правда, после свадьбы ситуация не изменилась. Через два месяца художнику пришлось подать на развод. Процесс длился целых два года. Эмилия обвиняла в расставании именно супруга.
После этого происшествия многие друзья отвернулись от художника. Его даже перестали принимать в некоторых домах. Брюллов сложно переживал ситуацию. В очередной раз поддержкой для него стала Юлия Самойлова.
Как сегодня живет самый титулованный художник Дальнего Востока
В 2012 году Павлишиным в сотрудничестве с учеными был издан научно-художественный альбом «Тигр». Ее персонажами стали: различные обитатели Уссурийской тайги, представители народностей Приамурского края, и, конечно же, тигры. В книге отражена вся история существования этих великолепных животных — от саблезубых до современных, гибнущих от рук браконьеров и приходящих к людям в поисках помощи. В книге есть научный раздел, в создании которого участвовали — академик А. Окладников, писатель-охотовед С.Кучеренко, профессор ДВФУ Д. Бродянский, кандидат исторических наук Н. Артемьева. Для реалистичного изображения тигров Павлишин много лет собирал рассказы охотников об этих животных и пять лет наблюдал и зарисовывал их в Алма-Атинском зоопарке.
В США состоялись две персональные выставки художника, где они пользовались огромным успехом. Многие картины были раскуплены. Г. Павлишин, по просьбе местных архитекторов, давал им платные уроки. Все организационные хлопоты взяла на себя принимающая сторона.
После посещения США Г. Павлишин получил около полутора тонн подарков и российской таможне было дано указание не задерживать эти грузы. В России до 2013 года не состоялось ни одной персональной выставки, и ни один музей Владивостока и Хабаровска не приобрел его работы.
И только, когда художнику исполнилось уже 75 лет, благодаря инициативе Краеведческого музея, состоялась первая персональная экспозиция Геннадия Дмитриевича на родине. В 2019 году была организована его вторая выставка, которую сам автор назвал «Здесь родины моей начало». На ней были представлены акварельные работы, сделанные за последние 5 лет: эскизы и готовые иллюстрации к новым книгам, в том числе, к проекту «Владивосток», для которого были написаны акварели, в мельчайших деталях изображающие линкоры, эсминцы и шлюпки.
Геннадий Дмитриевич Павлишин — очень непубличный, работоспособный и собранный человек, планирующий свою деятельность на годы вперед. «Я жадный до работы», — говорит он о себе. Сейчас этот неординарный художник и этнограф планирует после окончания проекта «Владивосток» отразить в четырехтомнике по культуре народов Дальнего Востока этнографический материал, собранный за всю долгую и очень активную жизнь.
Детство и юность
Максимилиан Александрович Волошин – один из самых известных представителей Серебряного века, великолепный поэт-символист, журналист, литературный и художественный критик. Талантливый творец не только писал стихи, но также переводил зарубежную литературу, писал картины. Появился на свет 16 мая (по старому стилю) 1877 г. в древнем городе Киев. При рождении мальчику дали двойную фамилию Кириенко-Волошин.
Отец будущего поэта, Александр Кириенко-Волошин, работал юристом, дослужился до звания коллежского советника. Мать, Елена Оттобальдовна (девичья фамилия – Глазер) происходила из немецкого дворянского рода. По тем временам Максим считался поздним ребенком: матери на момент рождения сына было 37 лет. Отношения между супругами были напряжёнными и вскоре закончились расставанием. Когда мальчику было 4 года, отец скоропостижно скончался.
Родители — Александр Максимович и Елена Оттобальдовна (с Максимилианом на руках)
Семья не раз переезжала, маленькому Максимилиану довелось пожить в Таганроге, Симферополе и Москве. В столице Империи мальчик поступил в гимназию, но спустя шесть лет вновь сменил место жительства. В 1893 г. Елена Оттобальдовна вместе с сыном переехала в крымский Коктебель. В 1897 г. подросток закончил Феодосийскую гимназию.
Максимилиан Волошин во время учебы в гимназии
Вишняков Иван Яковлевич 1699 — 1761
Русский художник-портретист, монументалист, декоратор, иконописец, один из представителей светского портрета в стиле рококо.
Родился в 1699 году Москве в семье ремесленников. В пятнадцатилетнем возрасте Вишняков отправляется в Петербург. В 1727—1731 годах И. Я. Вишняков работал под руководством Луи Каравака, который аттестовал его как «искусного в писании фигур» художника. Вишняков также стал осваивать основы живописного мастерства, знакомится с традициями русского изобразительного искусства допетровской эпохи, с образцами европейской живописи в стиле барокко и рококо. Затем с 1731 года он был в подмастерьях у Андрея Матвеева, пока в 1739 году не сменил его на посту руководителя живописной команды Канцелярии от строений. В 1740 году получил чин надворного советника. С 1752 года — коллежский асессор.
Слайд 34 “Сон смешного человека”Этот фильм, созданный по одноименному рассказу Достоевского, может показаться
несколько страшным, настолько он мистичен и необычен. … Это путешествие в другой мир. Художник любит обращаться в своем искусстве к снам, благодаря снам можно соединить реальность с вымыслом, внести элемент мистики.
Александр Петров говорит, что творчество Достоевского всегда доставляло ему «огромное наслаждение – и радость, и муку». Каждое соприкосновение с классиком – это открытие себя, это попытка разобраться в вещах, которые не совсем понятны. Александр Петров признается, что благодаря работе над этим фильмом он еще более отчетливо понял, что надо быть прежде всего нетерпимым к самому себе, но не к другим.
Система машин
Есть смысл углубиться в историю и посмотреть, как разворачивалась полемика о художественном и фабричном труде до оттепели. Рукопись Маркса «К критике политической экономии» (1859), широко известная под кратким названием Grundrisse,
была впервые целиком опубликована в СССР в 1939 году на языке оригинала. До этого отечественным читателям было известно лишь «Введение» (русский перевод — 1922 год).Grundrisse включает так называемый «Фрагмент о машинах», постулаты которого легко представить себе в центре дискуссий об искусстве, производстве и пролетарской культуре, столь популярных и значимых в 1920‑е. Правда, немецкий текст стал доступен только тогда, когда эти дискуссии подошли к концу, а его полный русский перевод ещё позже — в конце 1960‑х. Во «Фрагменте о машинах» говорится, в частности, что «капитал приобретает свою адекватную форму в качестве потребительной стоимости внутри процесса производства только в системе машин». Сама «система машин», однако, может быть и не капиталистической: «Подобно тому как золото не лишилось бы своей потребительной стоимости золота, если бы оно перестало быть деньгами, так и система машин не потеряла бы своей потребительной стоимости, если бы она перестала быть капиталом. Из того обстоятельства, что система машин представляет собой наиболее адекватную форму потребительной стоимости основного капитала, вовсе не следует, что подчинение капиталистическому общественному отношению является для применения системы машин наиболее адекватным и наилучшим общественным производственным отношением» i . В каком‑то смысле проекты «пролетарской культуры», «производственного искусства» и «социалистического реализма» можно считать развёрнутым комментарием к этому отрывку и одновременно попыткой доказать, что «система машин» в контексте производственных отношений социализма сохраняет ценность вне привязки к капиталу и может встраиваться в новые общественные отношения.
Павел Филонов.
Тракторная мастерская Путиловского завода, 1931—1932
Холст на фанере, масло. 73 × 99 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, 2015
Поленовская комната
В марте 1881 года Василий Поленов стоял перед постелью умирающей сестры Веры. Он понимал ее с полуслова, а любил всем сердцем. Умирающая шептала, что Васенька тратит талант попусту, разменивается на мелочи и забыл главное. Еще в детстве он пообещал себе и семье написать картину из жизни Христа… Когда он только поступил в Академию, мать, а она была очень религиозным человеком, говорила: «учись, кончишь Академию и приступишь, помолясь Богу, к большой картине». Все и правда ждали от Василия Дмитриевича значительного произведения.
Но сразу после Академии была Европа: берега Рейна и улочки Мюнхена, Швейцария и прекрасная Венеция. В Риме Поленов познакомился с неугомонным и пышущий идеями Саввой Мамонтовым, который обожал собирать вокруг себя талантливую молодежь. Вместе они ставили спектакль по «Женитьбе» Гоголя, устроили карнавальное шествие на улочках Рима. Поленову было не до серьезной живописи.
Тогда же его постигло личное горе. Проболев неделю, от кори умерла Маруся Оболенская, которую Поленов видел своей невестой. Тайком от Академии художеств он сбежал горевать к родным в усадьбу в Имоченцы. Там он писал с натуры. Но вскоре вернулся на берега Атлантики, в Бель.
Библейский и евангельский сюжет не складывался. Поленов откладывался его, пока совсем не потерял к нему интерес. Да и успех, сопровождавшийся покупкой “Московского дворика”, “Заросшего пруда” и “Бабушкиного сада” не могли не вскружить голову художнику. И тут неожиданная, беспощадная и несправедливая смерть сестры-близнеца…
Той же осенью 1881 года вместе с искусствоведом Праховым и горнозаводчиком Семеном Абамелек-Лазаревым Поленов отправился в Палестину и Сирию. В путешествии по берегам Босфора, Мраморного и Эгейского моря, вдоль Нила, пользуясь любым удобным случаем, Поленов делал зарисовки. Он схватывал пронзительную голубизну южного неба и солнца, размышляя над композицией будущей картины “Христос и грешница”.
На Тивериадском (Генисаретском) озере. 1888
Ему было тридцать восемь лет, когда в 1882 году он женился на Наталье Якунчиковой. Молоденькая девушка поверила, что художник сможет осуществить грандиозный замысел и написать картину, о которой только и говорил после смерти Веры. Взяв годичный отпуск в Московском училище ваяния и зодчества, где Поленов был уже преподавателем, он уехал в Европу собирать натурный материал.
Сидя в парижской мастерской, потом в Риме, куда перебрался из-за болезни, Поленов разрабатывал композицию, в которой задумал показать Христа не идущим к людям, как у Иванова, а уже пришедшим. Из под руки художника десятками выходили этюды, наброски фигур, лица итальянских евреев. Позже все этюды будут представлены на очередной выставке передвижников, что было невиданным для России делом и новаторством.
Этюд – это вспомогательная работа, “черновик”, быстрый набросок для памяти. Никогда и никем в академической живописи он не рассматривался как самостоятельное и тем более законченное произведение. Однако, все этюды Поленова, а было их около сотни, после выставки скупил Третьяков.
Они сделанны с таким мастерством, что их нельзя не считать законченными самостоятельными произведениями искусства. Это и обнаружил коллекционер. Купленные Третьяковым работы физически не влезли в его галерею. Специально под них меценат построил отдельную “поленовскую” комнату.
Казнь
Пролить свет на судьбу советской диверсантки решил писатель Георгий Фролов, собравший сведения, чтобы помочь обрести покой ее безутешной матери. Он выяснил, что в результате обстрела Вера не умерла, а получила ранение и попала в плен к немцам.
Несколько дней девушку пытали, а 29 ноября 1941 года казнили через повешение. Обстоятельства ее смерти в источниках описываются по-разному. Некоторые утверждают, что казнь разведчицы была прилюдной, другие, наоборот, — что за этим тайно наблюдала одна пожилая женщина, которая осталась там с беременной дочерью после того, как немцы изгнали всех жителей деревни Головково.
По официальной версии, знаменитость повесили на иве, по менее распространенной — на арке при въезде в деревню. Но тело мешало проезду машин, поэтому позже его перевесили на ветку дерева.
Однако все сведения сходятся в одном — перед смертью Вера вела себя храбро. Она пророчила победу над фашистами и, словно в насмешку над ними, исполнила песню «Интернационал», после чего была повешена.
Когда немцы покинули деревню, местные жители с почестями похоронили партизанку на месте ее гибели. Спустя годы останки извлекли и перенесли в братскую могилу в ее родном Кемерово. В Головково, где встретила смерть Волошина, ей установили памятник.
Звание Героя Советского Союза разведчице так и не присвоили, но указом Бориса Ельцина она была признана Героем Российской Федерации. Кроме того, в 60-е знаменитость посмертно наградили орденом Отечественной войны.
Самые известные картины Юрия Пименова
Картины Пименова отражали эстетические и нравственные проблемы социализма. Стремясь расширить тематику, мастер оставил потомкам богатое творческое наследие:
- «Инвалиды войны» (1926) — драматическое произведение раннего периода творчества.
- «Новая Москва» (1937) — символ жизненного уклада советской страны. Специалистами по истории искусства считается это произведение шедевром 30-х годов.
- «Фронтовая дорога» (1944) — работа повторяет композиционную находку автора. Зритель вновь чувствует свою причастность к изображённым событиям.
- «Ожидание» (1959) — натюрморт из цикла «Вещи людей».
- «Свадьба на завтрашней улице» (1962) — картина из серии о московских новостройках «Новые кварталы» об эпохе «шестидесятых», когда люди искренне верили в светлое будущее.
- «Токийское окно» (1975) — одна из последних работ, передающая состояние самоанализа.
Лучезарное пименовское искусство притягательно и ныне. Каждая его работа — это целая повесть, рассказывающая историю эры социалистического реализма.
Исторические картины можно встретить и на веб-сайте Very Important Lot. Здесь проводятся аукционы по продаже антиквариата и других предметов искусства. Посетителям также предоставляется возможность купить картины, акварельные рисунки, скульптуры и ювелирные изделия напрямую у современных авторов.
Шубин Федот Иванович1740–1805
17 мая 1740 (деревня Течковская (Тючковская) Архангелогородской губернии) — 12 мая 1805 (Санкт-Петербург)
Скульптор, график
Родился в семье черносошных (т. е. некрепостных) крестьян. С детства занимался резьбой по моржовой кости — ремеслом, процветавшим в Архангелогородской губернии (резчиками были также братья Шубина). В 1759 с обозом рыбы приехал в Петербург, где продолжил работать как резчик по кости и перламутру. В 1761 при содействии М. В. Ломоносова определен штатным придворным истопником. Пробыв в этой должности три месяца, в августе того же года по ходатайству И. И. Шувалова уволен от двора и зачислен в ИАХ. В 1761–1766 учился в классе «орнаментальной» скульптуры у Н.-Ф. Жилле, с 1766 состоял в «скульптурно-статуйном» классе. В 1763 и 1765 был награжден малой и большой серебряными медалями. В 1766 за барельеф по заданной Советом ИАХ программе «Убиение Аскольда и Дира, князей Киевских…» удостоен большой золотой медали. В 1767 выпущен из Академии с аттестатом 1-й степени на звание классного художника с правом пенсионерской поездки за границу.
В мае того же года отправился в Париж, где продолжил образование в мастерской Ж.-Б. Пигаля. Занимался лепкой с натуры, рисованием и копированием с гипсов. Одновременно посещал натурный класс Королевской Академии живописи и скульптуры. В 1770 переехал в Рим. Ежедневно посещал занятия во Французской Академии в Риме. Изучал коллекции Ватикана, виллы Фарнезе. После окончания пенсионерского срока в апреле 1772 некоторое время оставался за границей. В 1772–1773 сопровождал Н. А. Демидова в путешествии по Италии. В мае 1773 переехал в Париж, откуда совершил поездку в Лондон. В 1773 за «барельеф с натуры» удостоен звания члена Климентинской Академии города Болоньи.
В июле 1773 возвратился в Петербург. В том же году за выполненную в Париже статую «Молодого пастушка греческого» избран «назначенным» в академики. В 1774 за мраморный портрет Екатерины II удостоен звания академика.
Много работал в области декоративной скульптуры. В 1774–1775 создал 58 портретов-медальонов великих князей, царей и императоров российских от Рюрика до Елизаветы Петровны для Чесменского дворца; в 1775–1782 — статуи и барельефы для Мраморного дворца; в 1786–1789 — шесть рельефов и двадцать статуй святых для Троицкого собора Александро-Невской лавры. В 1789 по заказу Г. А Потемкина создал статую «Екатерина II — законодательница» для Таврического дворца. В 1780-х совместно с Я. И. Земельгаком работал над мраморным мавзолеем П. М. Голицына. Участвовал в оформлении Большого каскада фонтанов в Петергофе, выполнив статую «Пандорра».
В 1781 стал профессором Екатеринославского университета с правом обучать учеников в Петербурге. В 1794 утвержден в звании профессора ИАХ (без денежного содержания). В 1795 назначен членом Совета Академии.
Ретроспективные выставки произведений мастера прошли в 1941, 1955 в Государственной Русском музее, в 1991 — в Государственной Третьяковской галерее.
Шубин — выдающийся русский скульптор эпохи классицизма, создавший галерею портретов наиболее видных представителей дворянства и выдающихся людей своего времени: Екатерины II, Павла I, М. В. Ломоносова, И. И. Шувалова, Демидова, Потемкина, братьев Орловых, А. М. Голицына, А. Н. Самойлова, И. И. Бецкого, З. Г. Чернышева, Н. В. Репнина, П. В. Завадовского. Для его работ характерны глубина и многогранность психологических характеристик в сочетании с внешней строгостью и классицистической идеализацией образов. Шубин сравнительно редко прибегал к бронзе, предпочитая мрамор, мягкость которого позволяла ему достигать сложных живописных эффектов. Творческая манера мастера отличается необычайным артистизмом: он по-разному обрабатывал отдельные части скульптуры, находя различные, но всегда убедительные приемы для передачи тяжелых и легких тканей костюма, ажурной пены кружев, мягких прядей волос и париков. Подчас эффект его произведений построен на игре шероховатой матовой фактуры и гладкой отполированной поверхности камня. Так, тончайшая моделировка лица, с мягкими переходами, рождала богатейшую и вместе с тем легкую игру светотени. Отдельные детали (например, волосы) выполнял обобщенно, сохраняя матовую поверхность мрамора.
Произведения Шубина находятся в крупнейших музейных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Научно-исследовательском музее Российской Академии художеств и других.
Александр Иванович Репин — русский художник
Репин обратился к исторической и социальной тематике, отображая жизнь и судьбы русского народа. Он был одним из главных представителей критического реализма в живописи и стремился передать естественную и эмоциональную правду в своих произведениях.
Одной из самых знаменитых работ Репина является картинa Бурлаки на Волге. Это полотно, написанное в 1873 году, изображает тяжелую трудовую жизнь бурлаков, грузчиков на Волге. Картина стала символом тяжелого труда и страданий простых людей.
Творчество и признание
Александр Иванович Репин получил множество наград и почетных званий. В 1893 году он был избран академиком Петербургской академии художеств, а в 1894 году — профессором этой академии. За свою выдающуюся карьеру Репин написал большое количество шедевров, которые по сей день являются наследием русской культуры.
Значимость и наследие
Александр Иванович Репин оставил неизгладимый след в истории русского искусства. Его работы продолжают впечатлять зрителей своей глубиной и силой выражения. Репин был художником, который умел проникнуть в суть человеческого духа и отразить его на холсте. Его произведения стали визуальным свидетельством исторических событий и настроений того времени.
Биография:
Родился 17 июля 1957 года в деревне Гуреево недалеко от села Пречистое Первомайского района Ярославской области. Мать Лия Александровна по профессии — торговый работник, отец Константин Дмитриевич — шофёр. Вскоре после рождения Александра семья переехала в Ярославль, и он стал учиться в школе № 15.
По рассказам домашних, свой первый приз — фотоаппарат «Смена» — будущий обладатель «Оскара» выиграл в десятилетнем возрасте, победив в городском конкурсе рисунков на асфальте «Пусть всегда будет солнце!». Как-то учитель физкультуры Л. Фадеева предложила своему ученику украсить спортивный зал школы рисунками с изображением спортсменов. В то время открытки были большой редкостью, поэтому Александр Константинович стал срисовывать их с марок. Трудился долго, потом с нетерпением ждал окончания лета, чтобы все друзья смогли увидеть его работу. Волновался, даже снились сны, что школу перекрасили в зелёный цвет. И очень гордился успехом. Под руководством В. Н. Черненко, учителя французского языка, рисовал эмблемы, флаги для клуба интернациональной дружбы. Все учителя вспоминают, что Александр Константинович был тихим, спокойным, очень любил рисовать, посещал школу при Ярославском художественном училище, в которое поступил после 9-го класса. Однажды Александр отмечал Новый год в компании одноклассников и влюбился в Наташу Малачеву из параллельного класса. Они поженились. Наташа стала не только женой, но и другом, соратником, ради мужа и сына отказалась от собственной карьеры, диссертации.
В 1976 году Петров закончил Ярославское художественное училище. В 1982 году — художественный факультет ВГИКа (мастерская Ивана Иванова-Вано). Дипломной работой Петрова во ВГИКе были карандашные рисунки к фильму по мотивам «Божественной комедии» Данте, который так и не был снят.
В анимации с 1981 года. Сын Дима серьёзно заболел и семья переехала на юг. Работал художником-постановщиком анимационных фильмов на киностудиях «Арменфильм» в Ереване (1981—1982) и на Свердловской киностудии в Екатеринбурге (1982—1992). До того, как стал снимать самостоятельные картины, Петров работал художником-постановщиком у Владимира Петкевича. В 1987—1988 годах Александр Петров занимался на Высших курсах сценаристов и режиссёров, где его наставником был известный мультипликатор Фёдор Хитрук. Является постоянным участником международных кинофестивалей, призёром многих из них.
С 19 апреля 2008 года является академиком Академии художеств. Он единственный академик-мультипликатор.