Фредерик эдвин чёрч, пейзажи

Мария Чехова

Судя по всему, Чеховы, воспитав четырёх сыновей, давно ждали девочку. Мария Павловна родилась в 1863 году. Её жизнь как будто бы разделилась на две части: до смерти Антона Чехова и после неё. Пока брат был жив, Мария Павловна полностью посвятила себя наукам и искусству: несмотря на то, что женское образование ещё не стало нормой в России, сестра Чехова окончила гимназию, епархиальное училище, высшие женские курсы профессора Герье и, наконец, Строгановское училище, где серьёзно занимались живописью. Иногда Мария Павловна сама подрабатывала в качестве педагога.

Мария Чехова. (anton-chehov.info)

После смерти Антона Чехова в 1904 году его сестра посвятила свою жизнь изданию всего чеховского литературного наследия. Более того, Мария Павловна собирала личные вещи писателя, а впоследствии стала основателем и бессменным директором Ялтинского дома-музея Антона Чехова. Мария Павловна пережила всех своих братьев: так, например, уже в 1944 году советская власть наградила её орденом Трудового Красного Знамени. Скончалась Мария Чехова в том же ялтинском доме в возрасте 93 лет.

Малороссийский период

Он переехал в Харьков и снял вдвоем с товарищем жилье на городской окраине. Поначалу Киселев проводил время за этюдами и в занятиях иконописью, подрабатывая уроками рисования. Когда художник женился на дочери харьковского профессора и в семье появились дети, Александр Александрович устроился в местный Земельный банк. Там, на должности секретаря он прослужил почти 10 лет. Стабильный заработок позволял обеспечивать семейство и заниматься живописью. В тот период написаны его пейзажи колоритной украинской природы, среди которых самые известные: «Дворик в Малороссии», «Близ Харькова», «Святогорский монастырь», «Парк осенью». Пейзажи изображались по академическим канонам и напоминали полотна его учителя Воробьева: три плана перспективы и кулисное построение композиции.

Лучшие спортсмены

Иван Поддубный – русский профессиональный спортсмен, атлет, пятикратный чемпион в греко-римской борьбе, артист цирка. За всю свою спортивную карьеру ни разу не был на месте проигравшего в спортивных состязаниях. Его называли «русским богатырём XX века».

Гарри Каспаров – чемпион мира по шахматам, обладатель «Шахматных Оскаров». Мастер комбинирования различных тактик и стратегий, что выводило его в число победителей в провальных партиях. Первые ходы поражали новизной и необычностью, их называли «Дебюты Каспарова».

Лев Яшин – лучший вратарь советского периода, голкипер прошлого столетия. Олимпийский чемпион, заслуженный мастер спорта, чемпион Европы и СССР. Единственный, кому из вратарей был присуждён «Золотой мяч».

Выдающимися личностями в истории России всех эпох внесён огромный вклад в мировую сокровищницу науки, культуры, спорта и управления государством. Многие из них изменили ход истории, что благотворно отразилось на эволюции человечества.

Дом-музей Киселева

Кавказские горы, пленившие ум и душу художника, привели к покупке в Туапсе (Россия, Краснодарский край) сначала дачи, а затем и строительству дома городского типа (1902 год), в настоящее время являющегося домом-музеем Александра Александровича Киселева. Он открыт к посещению для всех желающих.

В настоящее время музеем художника был торжественно презентован альбом Александра Александровича Киселева. Участниками данного события являлись ведущие музеи Краснодара, Туапсинские художники, а также представители русских музеев.

Иллюстрированный лучшими полотнами А. А. Киселева, альбом еще имеет приложение — CD диск, включающий записи с научными конференциями об искусстве Киселева.

Идея данного альбома была реализована под руководством директора Дома-музея Александра Киселева — Екатерины Андреевны Козловой

Презентация данного альбома, состоявшаяся восемнадцатого сентября две тысячи тринадцатого года в Туапсе, привлекла внимание и представителей русского музея

А картина «Кадошские скалы», признанная культурным брендом Туапсе, привлекает все большее внимание туристов со всех стран мира

Алексей Бродович

Будущий пионер графического дизайна, гуру рекламы и учитель Ирвина Пенна, Ричарда Аведона, Луизы Даль-Вульф  (наиболее влиятельных фотографов XX века), Алексей Бродович родился в 1898 году в деревне Оголичи (ныне Петриковский район Гомельской области). Он учился в престижном петербургском Тенишевском училище (из которого вышли Мандельштам, Набоков, Бруни) и готовился к поступлению в Императорскую Академию художеств. Однако ему была уготована иная судьба.

Шестнадцатилетним юношей Бродович бросает учебу и добровольцем уходит на фронт Первой мировой. Он не принимает революцию, присоединяется к Белому движению и в возрасте двадцати двух лет эмигрирует в Париж вместе с молодой женой. Там живет на Монпарнасе, заводит богемные знакомства с Сальвадором Дали, Марком Шагалом, Жаном Кокто. В скором времени становится декоратором в антрепризе Сергея Дягилева, создает афиши и декорации для «Русских сезонов». Бродович занимается всем: фотографирует танцовщиков, декорирует интерьеры домов и квартир, рисует по тканям для Модного дома Поля Пуаре, чертит эскизы мебели для Bianchini.

В начале 1920-х годов начинает карьеру в дизайне. В 1924 году участвует в конкурсе плакатов для благотворительного бала и занимает первое место, сумев обойти самого Пикассо. А через год на парижской Международной выставке декоративного искусства и художественной промышленности получает сразу пять медалей.

В начале 1930-х вместе с семьей переезжает в США по приглашению ректора Филадельфийского колледжа искусств, чтобы преподавать там дизайн и фотографию. В 1934 году на выставке фотографии Бродович знакомится с Кармел Сноу, главным редактором известного глянцевого журнала Harper’s Bazaar. Он еще не знает о том, что на посту арт-директора Bazaar ему предстоит провести почти четверть века и в корне изменить общемировые представления о рекламе и дизайне. Еще одна заслуга Бродовича – создание школы «Лаборатория дизайна», через которую прошли многие ныне известные американские дизайнеры и фотографы.

Обложки Harper’s Bazaar, созданные Алексеем Бродовичем.

Еще один короткий фильм о Бэнкси — B Movie

Этим летом в сети появился еще один короткий фильм, посвященный Бэнкси, — B Movie. Эта картина длится всего тринадцать минут и рассказывает о раннем творчестве художника — почему он выбрал именно такой стиль, почему пользуется трафаретами, чьими работами вдохновлялся и так далее. Почти весь фильм состоит из интервью с самим Бэнкси и с людьми, которые хорошо знали его лично, когда он не был еще так известен: 3D из группы Massive Attack, художником Дэмиеном Херстом, некоторыми английскими галеристами и просто его близкими друзьями. Вся лента была полностью выложена на YouTube.

Всем привет! Как приятно знать, что столько людей, посещая блог «На Грани», расширяют свой кругозор, изучая разные стороны жизни. Сегодняшняя тема — это искусство. В мире такое разнообразие направлений: музыка, живопись, скульптура, стрит-арт, боди-арт и прочие.

Каждый сможет найти то, что ему по душе. Лично меня вдохновляют художники. Это невероятные люди со своим видением мира, многие не желают понимать их, особенно тех, кто изображает отрицательные стороны жизни, жестокую реальность, предпочитая жить в мире иллюзий.

Стоит ли осуждать таких людей – сложно ответить. Ведь если смотреть на жизнь только через призму пессимизма, то нам не удастся рассмотреть хорошие стороны. Видя лишь оптимистичную сторону, мы не сможем по-настоящему оценить те моменты счастья, которые встречаются, принимая их как само собой разумеющееся.

«ПЕРЕДВИЖНИКИ» И ВЛИЯНИЕ И. КРАМСКОГО

Между тем в русском изобразительном искусстве в это время происходили знаменательные события. Еще в 1863 году группа молодых живописцев реалистов во главе с И. Крамским с большим шумом («дело 14-ти»), отказавшись писать картину на заданную тему, покинула Академию в знак протеста против засилья мертвого академизма. «Бунтовщики» основали Артель художников. С этой Артелью Шишкин в конце 1860-х годов сблизился. «Громче всех, — вспоминал Репин, — раздевался голос богатыря Шишкина. Публика, бывало, ахала за его спиной, когда он своими могучими лапами ломового и корявыми от работы пальцами начнет корежить и затирать свой блестящий рисунок, а рисунок точно волшебством каким от такого грубого обращения выходит все изящней и блистательней».

Из Артели в 1870 году и выросло Товарищество передвижных художественных выставок, ставшее символом новой художественной эпохи. Шишкин был одним из его учредителей. Идеалам передвижничества он не изменял никогда, до самого смертного 1898 года участвуя в каждой передвижной выставке. Особенно близкие отношения сложились у художника с И. Крамским, одним из активнейших «рекламистов» творчества Шишкина. Шишкин всегда говорил, что Крамской оказал на него самое благотворное влияние.

Именно Крамской сказал о Шишкине точнейшие слова: «Когда он перед натурой, то точно в своей стихии, тут он и смел, и не задумывается, как, что и почему: это единственный у нас человек, который знает природу учёным образом». Крамской даже предоставил Шишкину собственную мастерскую, когда тот готовил для академической выставки свою работу «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869), с которой,собственно, и началась слава художника. Это была первая шишкинская картина, приобретенная П. Третьяковым. Автор получил за неё 300 рублей.

Шишкин часто бывал на родине, где собирал материалы для новых своих произведений. Так, например, поездка в Елабугу в 1871 году подвигла его к написанию знаменитой картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872).

Самые известные картины Шишкина

У великого пейзажиста Шишкина сотни произведений (рисунки пером, картины маслом, этюды, офорты). И в основном это виды лесов, полей, оврагов, рощ, а также озёр и рек в их окружении. Жанровых работ, портретов Шишкин писать не любил – в его галерее лишь несколько портретов первой жены (например, «Дама с собачкой, 1868). Редкие по своему появлению на полотнах люди изображались, как гости среди лесных и полевых просторов, маленькие и беззащитные на фоне богатырей-деревьев и природы-матери.

Наиболее знамениты картины Шишкина под названиями:

• «Дубы» (1865);
• «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1872);
• «Рожь» (1878);
• «Дебри» (1881);
• «Лесные дали» (1884);
• «Святой ключ близ Елабуги» (1886);
• «Утро в сосновом лесу» (1889);
• «На севере диком…» (1891);
• «Дождь в дубовом лесу» (1891);
• «Корабельная роща» (1898).

«Картина с натуры должна быть без фантазии» – говорил мастер, влюблённый в русские просторы, особенно при их полуденном освещении. Художник находился в бесконечных поисках той самой картинки, трогающей самые тонкие струны души.

На счастье, Россия всегда изобиловала такими видами, а мысли художника так крепко сплелись с глубиной и высью родного неба, и корни настолько прочно вросли в землю русскую, что он стал поистине величайшим её воспевателем. Недаром в опросе «Петербургской газеты» в 1893 году (№9 от 10 января) Иван Иванович Шишкин свой девиз сформулировал так: «Быть русским. Да здравствует Россия».

Главные темы

– У нас тут представлены работы разных лет, и лично для меня эта выставка обзорная, как взгляд назад, взгляд на себя, – рассказывает Наталья Черепанова. – Раз у нас новое место жительства, новая работа, появилась мастерская… есть чувство, что начинается и новый творческий виток.

Год назад художники приехали работать в АГИКе. Сергей возглавил кафедру художественной культуры и декоративно-прикладного творчества. «Чем сами занимаемся, то и преподаем: рисунок, живопись», – говорит он.

Свою главную тему Наталья сформулировала давно: – Мне ближе сельские сюжеты, тема уходящей, вымирающей деревни, и хочется продлить ей жизнь таким образом. Даже в запустении есть своя красота, лирика, и я стараюсь это видеть. Когда Сергей впервые приехал в мое село и посмотрел на полынь вокруг, на избушки, вросшие в землю, то сказал: «Я не понял, что ты здесь пишешь» (смеется). А теперь присмотрелся и уже пишет мои сюжеты.

Самые знаменитые картины

На полотнах Сафронов изображает свои фантазии, но особенно прославили художника портреты. Многие известные и популярные люди заказывали мастеру свои изображения. В числе работ художника портреты Михаила Горбачева, Владимира Путина, сына и отца Алиевых, Никиты Михалкова, Юрия Лужкова и других, менее значимых, но знаменитых личностей.

В серии «Река времени» запечатлены десятки известных актеров, музыкантов, политиков. Большой интерес публики вызвала анималистическая серия – причудливые изображения наполовину людей, наполовину животных.

В число наиболее известных работ вошли:

• Портреты великой итальянской актрисы Софи Лорен. Никас знаком с итальянкой, подарил ей свои работы.
• «Весна. Любовь» – анималистическая картина причудливых животных в стиле dream vision.
• «Вечер, окутанный цветами» – фигура дамы с букетом вместо головы.
• «Ангелы, охраняющие веру».
• «Бог нефти».
• «Бумажные люди».
• «Арлекино истории», портрет Аллы Пугачевой.
• Портрет Дональда Трампа на фоне Капитолия, который Никас спутал с Белым домом.

Фантастика и реальность причудливо сплетаются на полотнах Сафронова. Художник определил свой стиль как dream vision. Удивительно четкие и реальные части изображения дополняются слегка размытыми деталями фона, придавая полотнам глубину и очарование.

Последние годы

В 1891 году Академия художеств устроила персональную выставку, на которой было представлено более шестисот работ: этюдов, гравюр, рисунков.

В 1894 году популярный художник стал не менее признанным преподавателем в Высшем художественном училище при столичной Академии художеств.  Авторитет Шишкина был непререкаем. Он, со своей стороны, к ученикам был чуток, умел выделить, оценить и развить таланты.

Иван Иванович Шишкин считал, что в искусстве овладения профессией художника нельзя останавливаться. Решение, что всё выучено основательно и до конца, губительно. Да, на какое-то время знаний будет хватать, но затем «впечатления бледнеют, и художник сам не заметит, как уйдёт от правды».

Таким вечным учеником, учителем которого была сама Природа, Иван Шишкин и ушёл из жизни. Это случилось 20 марта 1898 года прямо перед мольбертом, на котором стояла новая работа, неоконченная картина «Лесное царство».

Манера

Чёрч принадлежал ко второму поколению Школы реки Гудзон и был учеником Томаса Коула, основателя школы. Школу реки Гудзон основал британец Томас Коул, когда переехал в Америку и начал рисовать пейзажи, в основном горы и другие традиционные американские виды. Оба, Коул и Чёрч были набожными протестантами, и верование последнего сыграло свою роль в его картинах, особенно в ранних полотнах. Коул, вместе со своим другом Ашером Дюрандом, открыл эту школу в Нью-Йорке; она была первым широко признанным американским художественным движением. Его картины характеризовались акцентом на традиционном американском пасторальном окружении, особенно на горах Катскилл, и на его романтических качествах. Этот стиль пытался запечатлеть дикий реализм незаселённой Америки, который быстро исчезал, и чувство открытия и восторга естественной красотой. Его американские пейзажи осваиваемых территорий показывают «экспансионистскую и оптимистическую перспективу Соединенных Штатов в середине девятнадцатого века». Чёрч действительно отличалась от Коула теми картин: он предпочёл естественные и часто величественные сцены склонности Коула к аллегории.

Чёрч, как и большинство второстепенных художников Школы реки Гудзон, использовал в своих картинах необычные детали, романтизм и люминизм. Романтизм сыграл большую роль в Британии и Франции в начале 1800-х годов в качестве противодействия таким добродетелям Эпохи Просвещения, как порядок и логика. Художники романтического периода часто изображали природу в идеализированных сценах, которые показывали её богатство и красоту, иногда также с акцентом на крупных масштабах.

Эта традиция продолжается в работах Фредерика Чёрча, который идеализирует панорамный вид природы, отличающиеся созданием невероятно детализированного искусства. Низкие горизонтальные линии и преобладание неба поддерживают акцент на природе для усиления её девственности; люди, если и представлены, то изображаются маленькими по сравнению с большой природной реальностью. Техническое мастерство проявляется в виде люминизма, инновации Школы реки Гудзон, особенно присутствующей в работах Чёрча. Люминизм также упоминается как охватывающий несколько технических аспектов, которые можно увидеть в картинах Чёрча. Одним из примеров является попытка «скрыть мазки», что делает пейзаж более реалистичным и уменьшает присутствие художника в работе

Самое главное — это особое внимание в этих сценах к свету (следовательно, люминизму). Несколько источников света создают контраст в изображениях, которые подчёркивают красоту и детализированные изображения в картине

Иллюстрации к классике

В советские годы художник проиллюстрировал произведения А. С. Пушкина «Капитанская дочка» и «Медный всадник». Поэма «Медный всадник» была задумана иллюстратором как законченный книжный ансамбль, так как именно такой подход был принят у мирискусников.

Бенуа выбрал для этого цикла сдержанную цветовую гамму, да и сами графические средства были довольно скупыми: художник избегал мелких деталей, но дал волю фантазии. Иллюстрации точно воссоздают мрачную атмосферу пушкинской поэмы. Безумный Евгений, словно тень, бродит по сумрачному мистическому Петербургу, его преследует призрак конной статуи. Этот цикл стал своеобразным синтезом экспрессионизма и модерна.

АЛЕКСАНДР АЛЕКСАНДРОВИЧ ДЕЙНЕКА (1899—1969)

Патриотическая героика мирного индустриального строительства, суровые военные будни и незабываемые дни великой победы над фашизмом, светлая радость материнства и острый накал спортивной борьбы — все эти темы получили воплощение в произведениях живописца, графика, скульптора, мастера монументально-декоративного искусства, лауреата Ленинской премии, народного художника СССР, Героя Социалистического Труда А. А. Дейнеки.

Пафос новой советской действительности, революционная романтика созидания социалистического общества сразу же завладели Дейнекой, когда он после окончания московского Вхутемаса (Всесоюзных художественно-технических мастерских) в 1924 г. выехал в творческую командировку в шахтерский Донбасс. Живые наблюдения самоотверженного труда горняков стали основой для монументальных полотен «Перед спуском в шахту» и «На стройке новых цехов». В такой же манере, сдержанной по колориту и лаконичной, но полной внутренней динамики, пишет Дейнека в 1928 г. картину «Оборона Петрограда», запечатлевшую героические события гражданской войны и непреклонное мужество защитников Петрограда, полных решимости отстоять завоевания революции.

Трудовому подвигу народа — строителя социализма посвящены лучшие произведения художника 1930-х гг. Колорит картин Дейнеки теплеет. В эти годы его образы приобретают тонкий лиризм. Особенно ярко эти черты проявились в картине «Мать» (1932, ГТГ). Ее героиня — женщина- труженица, здоровая, крепкая и вместе с тем женственная. Для Дейнеки она идеал нового человека, развитого физически и духовно, свободного и гармонического, прекрасного нравственно и физически.

А. А. Дейнека. Оборона Петрограда. 1928. Холст, масло. Центральный музей Вооруженных Сил СССР. Москва.

Этот идеал художник воплощает в многочисленных работах на темы спорта, подчеркивая его облагораживающее воздействие на людей. Произведения Дейнеки, воспевающие совершенство человека нового общества, резко контрастируют с картинами, созданными художником во время зарубежных поездок. И сразу же по возвращении на родину он пишет наполненную солнечным светом картину из жизни советских детей — «Будущие летчики» (1938, ГТГ). Мир, озаренный светлыми мечтами, юность Страны Советов, уверенная в своем будущем, предстают на этой картине.

Но каким суровым становится этот мир на полотнах, созданных в дни Великой Отечественной войны 1941 —1945 гг. Ощетинившаяся противотанковыми ежами и надолбами столица, собирающая силы для решительного контрудара («Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года»), героические защитники Севастополя («Оборона Севастополя»), тревожные будни тыла («Тревожные ночи»).

В послевоенные годы Дейнека вновь обращается к изображению повседневного труда и быта советских людей. Это многокрасочные, пронизанные светлым оптимизмом и радостью бытия картины «У моря» и «В Донбассе» (обе 1956 г.). Художник много работает в области монументально-декоративного искусства. В начале 1950-х гг. Дейнека создает мозаики для здания Московского государственного университета на Ленинских горах, а в 1958 г. — панно для советского павильона на Международной выставке в Брюсселе. За комплекс мозаичных работ «Красногвардеец», «Доярка», «Хорошее утро», «Хоккеисты» Дейнека в 1964 г. был удостоен Ленинской премии.

«Художник обязан глубоко и зорко видеть и понимать, чем живет его родина. Знать, что хочет видеть. Обязан это так показать, чтобы зритель сказал: я это видел, знаю, я это люблю» — так сам художник определил цель своего творчества. И этому он неуклонно следовал всю свою жизнь.

Высокая культура театрально-декорационного искусства сочетала богатую живописную фантазию с поисками в области сценических конструкций (А. А. Веснин, А. Я Головин, В. А. Симов, В. А. и Г. А. Стенберги, Ф. Ф. Федоровский, Г. Б. Якулов в РСФСР,

A. Г. Петрицкий на Украине), начало развиваться кинодекорационное искусство (В. Е. Егоров, Е. Е. Еней, И. А. Шпинель). К высшим достижениям мирового искусства графики принадлежат гравюры на дереве В. А. Фаворского, А. И. Кравченко, П. Я. Павлинова, украинца В. И. Касияна, армянина Акопа Коджояна, рисунки В. М. Конашевича,

B. В. Лебедева, П. В. Митурича, Н. А. Тырсы, акварели Л. А. Бруни, А. В. Фонвизина, украинца А. А. Шовкуненко, офорты И. И. Нивинского, сочетающие большую графическую культуру с глубоким реалистическим восприятием советской жизни.

Художник АШОТ ХАЧКАЛЯН. Выставка «ДОМ СОЛНЦА». Артглерея «ДРЕЗДЕН». Со 2 до 13 октября по адресу: Хрустальный пер. д. 1 (угол ул Варварка и Хрустальный пер.) выставка продлится до 13 октября

28 Сен 2013 | От: арт-релиз.рф

Ашот Роберт Хачкалян

Работы Ашота Роберта Хачкаляна находятся в доме-музее С. Параджанова (г. Ереван), в частных и корпоративных коллекциях многих стран.

ХудожникАшот ХачкалянВыставка«Дом Солнца»в Артгалерее«Дрезден»

Искусство Ашота Хачкаляна облагорожено чистым цветом, изысканным вкусом, серьезной содержательностью. Он продолжает традиции духовного интеллектуализма, его работы насыщены детским открытым взглядом на мир, радостью, печалью, надеждой, чудом и тайной. Каждый пластический элемент имеет интуитивное или ассоциативное содержание, доминирует чувство-покой или возвышенная тревога. Художник нередко обращается к Священному писанию и на эти темы пишет с философичностью, мудростью и ясной простотой. Когда смотришь на произведения Ашота Хачкаляна, рождается ощущение счастливого процесса самопознания мастера, прогулки по «Картинному залу души», как писал Герман Гессе.
Людмила Кандалова

Родился в 1968 году в г. Ленинакан, Армения.
В 1984г. окончил художественную школу им. С. Меркулова.
В 1986г. поступил в художественное училище «Памяти им. 1905 года».
С 1989 – 1993гг. продолжил учебу в мастерской В Степаняна.
В 1994г. основал детский творческий центр «Мамонтенок».
С 1994г. Член Союза художников России.
С 1990г. принимает участие в выставках.

1996г. – «Cardigan Street Gallery», Мельбурн (Австрия)
— посольство США, Москва (Россия)
— ЦДХ, Москва (Россия)
1997г. – «Moskow Country Club», Москва (Россия)
— «Sotts Lounge, Hyatt Regensy», Сингапур
— «Societe Generale Gallery Alliance Francaise», Сингапур
— проект «City People», Сингапур
— «Artmenia», Бостон (США)
— «BVSK», Феникс (США)
1998г. – ЦДХ Москва (Россия)
2000г. – галерея «Никор», Москва (Россия)
2002г. – проект «Green House», Сеул (Южная Корея)
2003г. – проект «Сожженные письма» клуб «Курс», Москва (Россия)
2005г. – «Среда обитания», ЦДХ, Москва (Россия)
2006г. – «Золотая кисть», ЦДХ, Москва (Россия)
— резиденция главы Еврокомиссии, Москва (Россиия)
— представительство мэрии г. Еревана Москве
2007г. – «Art & Design Gallery», Ричмонд (США)
— «Gallery 21», Висбаден (Германия)
— «Art & Design Gallery», Мехико (Мексика)
2009г. – «Студия 11», Москва (Россия)
— Чешский центр, Москва (Россия)
— «Gallery 21», Висбаден (Германия)
— «Moskau Vernissage», Дрезден (Германия)
2010г. – Арт-Манеж, Москва (Россия)
— «Gallery 21», Висбаден (Германия)
— Артесания, Москва (Россия)
2011г. — «Gallery 21», Висбаден (Германия)
2012г. – «Art Fair», Кельн (Германия)
— галерея «Дрезден», Москва (Россия)
2013г. – «Moskau Vernissage», Дрезден (Германия)
— «Gallery 21», Висбаден (Германия)

Михаил Чехов

Младший брат Антона Чехова, Михаил, тоже проявил изобретательность в создании псевдонимов. Свои тексты — будь то детские рассказы или театральные рецензии — он подписывал именами «Максим Холява», «Капитан Кук» и «М. Богемский». Изначально Михаил Павлович пошёл по карьерной лестнице чиновника: был сначала инспектором в Серпухове и Угличе, потом, уже в Ярославле, стал начальником казённой палаты. Тем не менее, служба не оставляла времени для публицистики, а именно в ней видел себя младший Чехов.

Михаил Чехов. (anton-chehov.info)

В начале 20 века Михаил Чехов начал даже издавать собственный журнал: правда, «Европейская библиотека» просуществовала совсем недолго. Михаил Павлович писал рассказы для детей, переводил с английского произведения Джеймса Кервуда и Джека Лондона, публиковал в журнале «Театр и искусство» свои отзывы на разные постановки — словом, мог работать практически в любом жанре. После смерти брата Михаил Чехов написал большой том воспоминаний о нём, работал над собранием полного сборника его писем, опубликовал работы «Антон Чехов и его сюжеты», «Антон Чехов на каникулах» и «Вокруг Чехова». Именно благодаря Михаилу Павловичу в распоряжении современных литературоведов оказывается практически энциклопедия жизни великого русского писателя.

Семья

В 1860 году Чёрч купил ферму в Гудзоне, штат Нью-Йорке, и женился на Изабель Карнс. Первые сын и дочь Чёрча умерли в марте 1865 года от дифтерии, но они с женой начали новую семью с рождения Фредерика Джозефа в 1866 году. Когда их семья насчитывала уже четверо детей, они начали вместе путешествовать. В 1867 году они посетили Европу и Ближний Восток, что позволило Чёрчу возвратиться к живописи крупных картин.

Прежде чем отправиться в эту поездку, Чёрч купил восемнадцать акров (73,000 кв. м) на вершине холма над его сельскохозяйственными угодьями Гудзона, о которых он давно мечтал из-за великолепных видов на реку Гудзон и Катскилл. В 1870 году он начал строительство особняка, вдохновлённого Персией, на вершине холма, а летом 1872 года в этот дом переехала семья. Ричард Моррис Хант был архитектором «Уютного коттеджа» в Олане и с самого начала входил в план особняка, но после поездки Чёрча в Европу и ныне в Ливан, Израиль, Палестину, Сирию, Иорданию и Египет для завершения проекта был нанят американский архитектор английского происхождения Калверт Вокс. Чёрч был глубоко вовлечен в этот процесс, даже создав собственные архитектурные зарисовки для его дизайна. Этот очень личный и эклектичный замок объединил многие дизайнерские идеи, которые он приобрел во время своих путешествий.

Болезнь повлияла на продуктивность Чёрча. Несмотря на то, что он был чрезвычайно успешен как художник, к 1876 году, Чёрча поразил ревматический артрит, который очень ограничил его способность писать. В итоге, он рисовал левой рукой и продолжал создавать картины, хотя в намного более медленном темпе. Большую часть своей энергии последних 20 лет жизни он отдал дому в Олане.

Творческий путь

В 1978 году Сафронов впервые представил свои работы на суд зрителя. Выставка состоялась в Паневежисе, спустя 2 года – в Вильнюсе. Работы художника вызвали интерес, за ним закрепилась репутация сюрреалиста.

Перебравшись в Москву, Сафронов начал сотрудничать с журналами – работал оформителем в изданиях «Дипломат», «Мир звезд», арт-директором «Пентхауса». Художник быстро нашел свою нишу в творчестве – писал портреты знаменитостей и поначалу просто дарил их

Так Никас привлекал к себе внимание и становился своим в мире богатых и знаменитых

Художник создал большую серию «Река времени», знаменитости были изображены в старинных нарядах, заменяли героев известных полотен. Многие популярные личности с удовольствием приобрели собственные портреты в историческом антураже. Художник, без сомнения, умело льстит своим заказчикам, идеализирует их внешность, заслуги и значение.

Выставки работ Сафронова проходят во всех больших городах России, публика в глубинке может увидеть известные картины мастера и познакомиться с творчеством живописца.

Справка: с 2021 года в Москве работает школа живописи, открытая Сафроновым.

«Выход Великобритании из ЕС». 2017 г.

Бэнкси. Выход Великобритании из состава Евросоюза. 2017 г. Дувр, Англия

В 2017 в Дувре появился огромный мурал с флагом Евросоюза. Рабочий сбивает одну из 12 звёзд так, что по всему флагу идут трещины.

За год до этого 51,9 % граждан Великобритании проголосовали за выход своей страны из состава ЕС. И Бэнкси явно решил быть в числе тех 48,1 %, которые были против выхода.

Граффити Бэнкси “Brexit”. 2017 г. Дувр, Англия

И опять художник очень умело выбирает место для своей работы. Его огромный мурал находится рядом с портом в проливе Ла-Манш.

Город Дувр у пролива Ла-Манш находится рядом с Францией. В ясную погоду можно даже разглядеть береговую линию соседей. Страны близки, но решили жить подальше друг от друга.

А ещё я удивляюсь, как Бэнкси удалось создать такую масштабную работу. Ведь действия уличных художников считаются незаконными. Поэтому творить приходится очень быстро.

Очевидно, что он спускался по веревке с крыши. Возможно, не в одиночку. Конечно, как и в других работах, использовал трафареты. Но согласитесь, все равно рискованно.

Как у импрессионистов, у него на работу было всего 15—30 минут. Только у впечатленцев была цель — поймать конкретный свет. У Бэнкси ограничения по времени — из-за опасности быть пойманным. Что ж, он справился и на этот раз.

Известные работы Бэнкси и их краткое описание

Вот уже на протяжении 20 лет художник радует своих поклонников появлением своих произведений в самых неожиданных местах. Бэнкси поднял искусство уличного граффити на новый уровень. Большинство его работ направлены на социальную тематику, показывая проблемы, которые мы не желаем замечать. Даже названия говорят сами за себя.

Картина «Мигрантам здесь не рады»

Не является ли это, своего рода, показателям заочного суждения о незнакомых людях, которые вынуждены были покинуть свои дома. Люди порой забывают о человечности в угоду своей предвзятости. Пока нас это не коснется, мы не поймем, какого это. Вот что желает донести до нас Бэнкси.

Или его картина с изображением Стива Джобса, главы корпорации «Apple», который был сирийским мигрантом.

«Нет будущего»

Тоже символическое видение человеческой жизни. Нас поглотила идея, что каждое действие или поступок обязательно должны иметь значение. Люди перестали мыслить духовно, ища выгоду во всем.

Или это послание «Когда кончатся войны?»

Где люди с автоматами окружили уставшего слона. Многие отнесутся к поиску отсвета философски. Мол, людская природа это постоянная борьба за территорию, ископаемые и другие блага. Но, по сути, война разорительна и сейчас гораздо выгоднее договориться, нежели тратить ресурсы на бессмысленное, даже убыточное занятие.

«Лондонская горничная»

Своеобразная карикатура на отношение Европы к остальному миру. Понятие совести нет, потому что если заботиться обо всех нуждающихся, то сам останешься в проигрыше. Картина продержалась около недели пока власти, посчитав ее провокационной, не закрасили стену.

«Пожалуйста, полюби меня»

И хотя любовь считается возвышенным чувством, художник, этой картиной желает показать практическую сторону чувства. Указывая, что не важна внешность, главное это общность взглядов на вещи. Тогда шанс сохранить длительность любви значительно выше, в сравнении с влюбленностью после первой встречи.

«Различия взглядов, разных людей на одни и те же вещи»

Все мы разные и порой эти различия приводят к возникновению конфликта. Так на картине изображены два человека из разных слоев. Один выступает за любовь, другой символично против, потворствуя насилию. Очевидно, агрессия всегда побеждает.

Картина «Хватит героев» — «No more Heroes»

Люди в последние годы так привыкли решать свои проблемы за счет других. Ожидая спасения героями, или даже примеряя на себя эту маску

Какой результат будет после нам не важно. Создается иллюзия, что любой неудачник может стать героем, но это не так

С такими мыслями человечество ожидает крах.

Описывать картины Бэнкси можно долго

Важно понять, что видение этого художника несет в себе взгляд со стороны, который необходим, чтобы каждый из нас остановился и на минуту задумался. Возможно, тогда этот мир можно спасти

Работы художника

Лесная глушь

Начало 1870-х годов — время расцвета в творчестве Шишкина. Он полон сил и замыслов, он участвует в художественном движении, которое, как всем тогда казалось, перевернёт понятия о живописи, изгонит из неё затхлую омертвелость академических форм. Об этой работе много говорили — именно за неё Шишкин в том же году получил звание профессора; это было заслуженным знаком общего признания, почти славы.

Дождь в дубовом лесу

1890-е годы — кризисные для передвижников. В это время их пытались «задвинуть» на второй план художники, исповедовавшие новые идеи. Многие не сумели понять необходимость перемен. Но Шишкин умел меняться. Художник заинтересовался изображением атмосферных состояний и передачей световоздушной среды, не изменяя при этом своему творческому принципу цельности видения предметной формы. «Дождь в дубовом лесу» — лучшее тому подтверждение.

Корабельная роща

Шишкин написал «Корабельную рощу» в год своей смерти. Картина словно суммирует все достоинства шишкинской творческой манеры, свидетельствуя о том, что и в старости художник нисколько не утратил твердости руки, зоркости взгляда, способности к типизации при сохранении точности фактуры и деталировки. Картина является прощанием с миром, прощанием с родной землёй, с прикамскими просторами, в которых он всегда черпал силу и вдохновение.

Возвращение в Россию

Биография

Фредерик Эдвин Чёрч был прямым потомком Ричарда Чёрча, который был пуританином-первопроходцем из Англии, который сопровождал Томаса Хукера в первом путешествии по пустыне из Массачусетса в то место, которое позже станет Хартфордом в штате Коннектикут. Чёрч был сыном Элизы (урожденной Джейнс) и Джозефа Чёрча. Благосостояние семьи исходило от отца Чёрча, серебрильщика и часовщика в Хартфорде, штат Коннектикут. В свою очередь, Джозеф был сыном Самуэля Чёрча, который основал первую бумажную фабрику в Ли, в округе Беркшире, штат Массачусетс. Джозеф позже стал официальным лицом и руководителем страховой компании «Этна». Благосостояние семьи позволяло Фредерику Чёрчу с самого раннего возраста проявлять интерес к искусству. В восемнадцать лет Чёрч стал учеником Томаса Коула в Катскилле, штат Нью-Йорк, после того, как Дэниел Уодсворт, сосед семьи и основатель музея Уодсворт Атенеум, представил их друг другу. В мае 1849 года Чёрч был избран самым младшим член-корреспондентом Национальной академии дизайна и переведён в полноправные члены ​в следующем году. Вскоре после этого он продал свою первую крупную работу хардвордскому музею Уодсворт Атенеум.