Самый дорогой художник современности дэвид хокни: «я предпочитаю жить в цвете!»

Ранняя жизнь в Бирмингеме, 1783–1804 гг.

Родина Кокса в Deritend, Бирмингем, проиллюстрированный Сэмюэл Лайнс

Кокс родился 29 апреля 1783 г. на Хит-Милл-лейн в Deritend, затем промышленный пригород Бирмингем. Его отец был кузнец и кузнец о ком мало что известно, за исключением того, что он поставил такие компоненты, как штыки и бочки в Бирмингем пистолет сделка. Мать Кокса была дочерью фермер и мельник из Small Heath к востоку от Бирмингема. Ранние биографы отмечают, что «у нее было лучшее образование, чем у его отца, и она была женщиной более высокого интеллекта и силы характера». Изначально ожидалось, что Кокс последует за своим отцом в торговлю металлами и возьмет на себя его ковать, но его нехватка физической силы заставила его семью искать возможности для него развивать свой интерес к искусству, что, как говорят, впервые стало очевидным, когда молодой Кокс начал рисовать бумажных змеев, оправляясь от перелома ноги.

К концу 18 века Бирмингем развил сеть частных академий, обучающих рисунку и живописи, созданных для поддержки потребностей городских производителей предметов роскоши из металла. но также поощрение образования в Изобразительное искусство, и взращивая отличительную традицию пейзажное искусство из Бирмингемская школа. Кокс изначально поступил в академию Джозеф Барбер на Грейт-Чарльз-стрит, где среди однокурсников художник Чарльз Барбер и гравер Уильям Рэдклиф, оба из которых станут важными друзьями на всю жизнь.

В возрасте 15 лет Кокс поступил в ученики к бирмингемскому художнику Альберту Филдеру, который продюсировал портретные миниатюры и картины для вершин табакерки из его мастерской на Параде 10 на северо-западе города. Ранние биографы Кокса отмечают, что он оставил свое ученичество после того, как Филдер закончил свое обучение. самоубийство, с одним сообщением, что Кокс сам обнаружил висящее тело своего хозяина, но это, вероятно, миф, поскольку Филдер записан по его адресу в Параде еще в 1825 году. Где-то в середине 1800 г. Коксу дал работу Уильям Макреди старший на Бирмингемский театр сначала в качестве помощника шлифовки красок и подготовки холстов для художников-сценографов, но с 1801 г. писал декорации, а к 1802 г. возглавил собственную команду помощников и получил признание в рекламе пьес.

Влияние и наследие

К 1840-м годам Кокс вместе с Питер Де Винт и Копли Филдинг, был признан одной из ведущих фигур английского пейзажного акварельного стиля первой половины XIX века. Это суждение было осложнено реакцией на более грубый и смелый стиль позднейших работ Кокса о Бирмингеме, который широко игнорировался или осуждался. В то время как к этому времени Де Винт и Филдинг по существу продолжали давнюю традицию, Кокс создавал новую.

Группа молодых художников, работающих в акварельном стиле Кокса, появилась задолго до его смерти, в том числе Уильям Беннетт, Дэвид Холл МакКеван и сын Кокса Дэвид Кокс-младший. К 1850 году Беннет, в частности, стал признан «возможно, самым выдающимся среди пейзажистов» за его энергичный и решительный стиль, подобный Коксу. Такие ранние последователи концентрировались на примере более умеренных ранних работ Кокса и избегали того, что тогда считалось эксцессами поздних лет Кокса. Однако в период, когда преобладали гладкие и детализированные живописные пейзажи, они все еще осуждались такими публикациями, как Зритель как «школу блоттеска» и не сумели зарекомендовать себя как сплоченное движение.

Джон Раскин в 1857 году осудил работу Общество художников акварели как «вид горшечного искусства с приятным вкусом, продаваемый и подлежащий налогообложению как запатентованный товар», за исключением только поздней работы Кокса, о которой он писал, «нет никакого другого пейзажа, который приближался бы к этим работам Дэвида Кокса в простота или серьезность ».

Книга 1881 года, Биография Дэвида Кокса: с замечаниями о его работах и ​​гениальности, был основан на рукописи друга Кокса Уильяма Холла, отредактированной и дополненной Джон Текрей Банс, редактор Birmingham Daily Post.

Среди его учеников были художник-архитектор из Бирмингема, Аллен Эдвард Эверитт (1824–1882).

Бюст Кокса находится в Королевское Бирмингемское общество художников ‘галерея.

Публичные коллекции

Некоторые из его работ находятся в Бирмингемский музей и художественная галерея, пожертвованный Джозеф Генри Неттлфолд, при условии, что он открыт по воскресеньям. Его работы также проходят в Лувр, британский музей, Галерея Тейт, Музей Виктории и Альберта, И в Манчестер, Ньюкасл, Ливерпуль, Эдинбург, Оксфорд и Кембридж. В Художественная галерея Леди Левер, Порт Санлайт показывает несколько акварелей Кокса, купленных Рычаг через Джеймс Оррок. Некоторые из них с тех пор были подтверждены как подделки. Американские коллекции, в которых хранятся работы Кокса, включают Метрополитен-музей, Национальная художественная галерея, Музеи изящных искусств Сан-Франциско, Кливлендский художественный музей, Художественный музей Фогг, Школа дизайна Род-Айленда, Высокий художественный музей, Атланта, Художественный музей Принстонского университета, и Библиотека Хантингтона.

В 1983 году выставка, посвященная двухсотлетию со дня рождения художника, была организована Бирмингемскими музеями и художественной галереей под кураторством Стивена Вильдмана. В том же году выставка отправилась в Лондонский музей Виктории и Альберта. Выставка его работ прошла в Йельский центр британского искусства в США в 2008 году, поездка в Бирмингем в 2009 году.

American Collectors (Fred and Marcia Weisman) (1968)

“American Collectors (Fred and Marcia Weisman)” (1968) is a famous painting by British artist David Hockney. The artwork gained prominence for several reasons:

1. Unique composition and style: The painting features Hockney’s distinctive style, characterized by vibrant colors, clean lines, and flattened perspectives. It portrays art collectors Fred and Marcia Weisman in their Beverly Hills home’s sculpture garden, surrounded by their art collection. The visually striking composition captures the essence of the couple’s status and the California lifestyle.
2. Portrayal of prominent art collectors: Fred and Marcia Weisman were influential art collectors in the 1960s and 1970s, known for their extensive collection of modern and contemporary art. By depicting this prominent couple, Hockney’s painting highlights their role in the art world and their patronage of emerging artists.
3. Exploration of themes: Hockney’s painting explores themes of identity, status, and the relationship between art collectors and the art they possess. The painting emphasizes the couple’s connection to their art collection and the environment they have created to showcase it.
4. Connection to the California art scene: As with many of Hockney’s other famous works, “American Collectors (Fred and Marcia Weisman)” reflects the artist’s fascination with the California art scene and lifestyle. By portraying a prominent art-collecting couple, Hockney underscores the importance of collectors in shaping the art world and fostering artistic talent.
5. Hockney’s influence and reputation: David Hockney is one of the most influential and celebrated British artists of the 20th century. His body of work spans various styles and mediums, and “American Collectors (Fred and Marcia Weisman)” is an important piece within his oeuvre. The painting’s fame is closely tied to Hockney’s overall reputation and impact on the art world.

Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972)

“Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)” (1972) is a famous painting by British artist David Hockney. It gained its fame and significance for several reasons:

1. Unique style and composition: The painting combines Hockney’s distinct styles of figurative and abstract art, as well as his masterful use of vibrant colors. The composition features a man swimming underwater in a pool, while another figure, dressed in a pink jacket, looks on from the edge. This juxtaposition of the two figures creates a visually striking and dynamic scene.
2. Personal and emotional context: The painting is believed to be inspired by Hockney’s personal life, particularly his relationship with his former partner and muse, Peter Schlesinger. The work is thought to capture the emotional intensity and complexity of their relationship, giving it added depth and meaning.
3. Record-breaking auction price: In November 2018, “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)” was sold at auction for $90.3 million, making it the most expensive work by a living artist at the time. This record-breaking price brought significant attention to the painting and increased its fame.
4. Hockney’s influence and reputation: David Hockney is considered one of the most influential British artists of the 20th century, and his impact on the art world has only grown over time. As one of his most iconic and significant works, “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)” has become a symbol of his artistic legacy.
5. Connection to California and the “California Dream”: The painting was created during Hockney’s time living in Los Angeles, and it reflects the city’s idyllic climate and lifestyle. This connection to California and the “California Dream” has helped the painting become a symbol of the era and location.

The Splash (1966)

“The Splash” (1966) is a famous painting by British artist David Hockney, known for its unique style, subject matter, and impact on the art world. There are several reasons why “The Splash” has gained fame:

1. Unique style: Hockney’s painting style is characterized by bold colors, clean lines, and a flattened perspective, which are evident in “The Splash.” The painting captures a specific moment in time, just as a splash is created by someone diving into a swimming pool. The stylized rendering of water and the overall composition make it visually striking and memorable.
2. Exploration of themes: “The Splash” is one of a series of paintings Hockney created featuring swimming pools, which allowed him to explore themes of leisure, freedom, and the California lifestyle. These paintings, including “The Splash,” have become iconic representations of the Los Angeles environment and the idea of the “California Dream.”
3. Pop Art movement: Hockney is often associated with the Pop Art movement, which emerged in the 1950s and 1960s. “The Splash” showcases many elements of Pop Art, such as the use of vibrant colors, the incorporation of everyday objects and scenes, and the flattened visual perspective. As such, the painting is an important example of Pop Art and has contributed to the movement’s legacy.
4. Hockney’s influence and reputation: David Hockney is one of the most influential and celebrated British artists of the 20th century. His body of work spans various styles and mediums, and “The Splash” is considered one of his most iconic and recognizable paintings. The artwork’s fame is closely tied to Hockney’s overall reputation and impact on the art world.
5. Auction prices and media attention: “The Splash” has garnered attention and increased fame through its high-profile sales at auction. In February 2020, the painting sold for £23.1 million (approximately $29.8 million) at a Sotheby’s auction in London, making headlines and further cementing its status as an iconic piece of art.

Работа

Ранняя работа

Весной 1811 г. Кокс сделал небольшое количество заметных работ в масла во время посещения Гастингс с его семьей. Неизвестно, почему он не продолжал работать в этой среде в то время, но пять известных сохранившихся примеров были описаны в 1969 году как «несомненно, одни из самых ярких примеров этого жанра в Англии».

Зрелая работа

Кокс достиг артистической зрелости после переезда в Херефорд в 1814 г. Хотя только две основные акварели можно с уверенностью отнести к периоду между прибытием Кокса в город и концом десятилетия, обе они — Butcher’s Row, Херефорд 1815 г. и Лугг Медоуз, недалеко от Херефорда 1817 года — отметка достижений на его более ранних работах.

Позже работа

Более поздняя работа Кокса, созданная после его переезда в Бирмингем 1841 год ознаменовался упрощением, абстракцией и урезанием деталей. Его искусство того времени сочетало в себе широту и вес, характерные для ранней английской акварельной школы, вместе со смелостью и свободой выражения, сравнимыми с более поздними. импрессионизм

Его стремление запечатлеть мимолетную природу погоды, атмосферы и света было похоже на Джон Констебл, но Кокс стоял в стороне от того, что более старый художник уделял внимание деталям материала, вместо этого он использовал высокую степень обобщения и фокусировку на общем эффекте

Стремление к характеру превыше точности в изображении природы было установившейся характеристикой Бирмингемская школа пейзажистов, с которыми Кокс был связан в начале своей жизни, и уже в 1810 году работа Кокса подвергалась критике за ее «схематичность отделки» и «туманное смешение предметов», которые, как считалось, выдавали «грубость картины сцены». В течение 1840-х и 1850-х годов Кокс довел эту «своеобразную манеру» до новых крайностей, включив в нее методы эскиз в его законченные работы в гораздо большей степени.

Техника акварели Кокса 1840-х годов достаточно отличалась от его более ранних методов, чтобы потребовать объяснения его сыну в 1842 году, несмотря на то, что его сын помогал ему учить и рисовать с 1827 года. Материалы, которые использовались для его более поздних акварельных работ, также отличались от его более ранних периодов: он использовал черный цвет. мел вместо того графит карандаш как его основной материал для рисования, а также грубый и впитывающий «скотч» оберточная бумага из-за чего он стал широко известен — оба они были связаны с его развитием более грубого и свободного стиля.

Интересные факты

• Подражавший отцу-коммунисту Дэвид покупал в сэконд-хэнде вещи «под советского пролетария», за что в колледже получил прозвище «Борис»
• Хокни потерял слух в силу наследственности, когда ему было всего 40 лет. У Дэвида есть несколько пар слуховых аппаратов самых ярких расцветок. 
• В 2001 году Дэвид Хокни вместе с физиком Чарльзом М. Фалько выдвинули гипотезу. Основная идея заключалась в том, что прогресс западноевропейской реалистической живописи эпохи Возрождения вызван техническим прогрессом (появлением камеры-обскура и сферических зеркал), а не эволюцией мастерства живописцев. Гипотеза вызвала большой общественный резонанс и не была признана искусствоведами. 
• 15 ноября 2018 года работа Хокни «Портрет художника» («Бассейн с двумя фигурами») 1972 года была продана в Christie’s за 90 миллионов долларов, став самой дорогой работой живого художника, ушедшей с аукциона.
• Дэвид Хокни является автором шестиметрового витража Вестминстерского аббатства, эскиз которого он сделал на Ipad в 2018 году. 
• Ассистент художника покончил с собой в студии Хокни в Бридлингтоне. Под действием наркотиков юноша выпил кислоту и умер в госпитале. Художник тяжело переживал его смерть и в течение нескольких месяцев не мог рисовать.
• В 1990 году Хокни отказался от рыцарского титула, заявив, что он просто не хочет быть сэром Дэвидом
• Хокни не стал писать портрет королевы, аргументировав это тем, что предпочитает рисовать исключительно тех, кого знает лично.
• Хокни известен своими критическим высказыванием о коллеге Дэмиене Херсте. Дэвид упрекает лидера Молодых британских художников в том, что тот отдает доделывать картины своим ассистентам, что по мнению Хокни «оскорбляет искусных ремесленников».
•  Все свои письма художник подписывает фразой «Люблю жизнь, Дэвид Хокни»

Бирмингем, 1841–1859 гг.

Гринфилд Хаус в Харборн, Бирмингем — где Кокс жил с 1841 года до своей смерти в 1859 году — на фото его сын Дэвид Кокс-младший.

В мае 1840 года Кокс написал одному из своих друзей из Бирмингема: «Я готовлюсь к рисованию маслом, а также к рисованию, и я намерен проводить большую часть своего времени в Бирмингеме с целью практики». Кокс подумывал вернуться к картина маслом с 1836 и в 1839 брал уроки масляной живописи у Уильям Джеймс Мюллер, с которым его познакомил общий друг Джордж Артур Фрипп. Вражда между Общество художников акварели и Королевская Академия тем не менее, из-за того, что художнику было трудно получить признание за его работу акварелью и маслом в Лондоне, и вполне вероятно, что Кокс предпочел бы исследовать эту новую среду в более благоприятной среде своего родного города. К началу 1840-х годов его доходов от продажи акварелей было достаточно, чтобы позволить ему отказаться от работы в качестве мастера рисования, и в июне 1841 года он переехал с женой в Гринфилд Хаус в Харборн, затем деревня на юго-западной окраине Бирмингема. Именно этот шаг обеспечил более высокий уровень свободы и экспериментирования, характерные для его более поздних работ.

Пожилой Кокс на фото Сэмюэл Беллин в 1855 г.

В Харборне Кокс установил постоянный распорядок дня — утром работал акварелью, а днем ​​- маслом. Каждую весну он приезжал в Лондон для участия в крупных выставках, за которыми следовали одна или несколько экскурсий по рисованию, продолжая образец, который он установил в 1830-х годах. С 1844 года эти туры превратились в ежегодные поездки в Betws-y-Coed в Северный Уэльс работать на открытом воздухе маслом и акварелью, постепенно становясь центром ежегодного лета колония художников это продолжалось до 1856 года, когда Кокс был его «главным гением».

Опыт Кокса в попытках выставить свои масла в Лондоне был коротким и безуспешным: в 1842 году он сделал свое единственное представление Общество британских художников; по одной масляной живописи выставлялась на каждой из Британский институт и Королевская Академия в 1843 г .; и две картины маслом были выставлены в Королевской академии в 1844 году — последняя, ​​которая будет выставлена ​​в Лондоне при его жизни.

Кокс регулярно выставлялся в Бирмингемском обществе искусств и его преемнике, Бирмингемском обществе художников, став его членом в 1842 году.

Кокс перенес Инсульт 12 июня 1853 г. это временно парализовало его и навсегда повлияло на его зрение, память и координацию.

Однако к 1857 году его зрение ухудшилось. Выставка его работ была организована в 1858 году Обществом Conversazione. Hampstead, а в 1859 г. прошла ретроспективная выставка в Немецкой галерее. Бонд-стрит, Лондон. Кокс умер несколько месяцев спустя. Похоронен на погосте Санкт-Петербург, Харборн, Бирмингем, под каштан дерево, рядом с его женой Мэри.

Новые пути в искусстве

Технологиями и прогрессом Хокни живо интересовался всегда: в середине 80-х он купил одну из самых первых цветных фотокопировальных машин и факс, которые он использовал для создания рисунков. А компания Canon сама выслала ему экспериментальные образцы цветных картриджей для фотопечати, лишь для того, чтобы посмотреть, что Дэвид будет с ними делать.

В 2008 году Хокни открыл для себя Iphone, через год Ipad и совершенно был очарован приложениями для создания рисунков. Дэвид до сих пор удивляется, что телефон смог возродить интерес к живописи. В 2011 году в музее современного искусства Копенгагена прошла выставка, на которой были представлены исключительно цифровые работы художника. 

Приход весны в Уолдгейт, рисунок на Ipad, 2011 Весна, рисунок на Ipad, 2011

Как и многие, Хокни считает, что технологии быстро и необратимо изменят мир медиа. Но рисунки, как и песни, уверен художник, всегда будут с нами: изменятся только пути их создания и воспроизведения. 

Херефорд, 1814–1827 гг.

Летом 1813 года Кокс был назначен мастером рисования Королевский военный колледж в Фарнем, Суррей, но вскоре ушел в отставку, не сочувствуя атмосфере военного учреждения. Вскоре после этого он подал заявку на объявление в газете о вакансии мастера рисования в Школе молодых леди мисс Краучерс в г. Херефорд Осенью 1814 г. переехал в город с семьей. Кокс преподавал в школе на Уайдмарш-стрит до 1819 года, его существенная зарплата в размере 100 фунтов стерлингов в год требовала только двухдневной работы в неделю, что позволяло время для рисования и приема частных учеников.

Репутация Кокса как художника и учителя росла в предыдущие годы, о чем свидетельствует его избрание в члены Общество художников акварели и его включение в Джон Хасселл книга 1813 года Aqua Pictura, который претендовал на то, чтобы представить работы «всех наиболее авторитетных рисовальщиков акварелью». Депрессия, сопровождавшая конец Наполеоновские войны Однако на рынке искусства произошло сокращение, и к 1814 году Коксу очень не хватало денег, и ему потребовалась ссуда от одного из его учеников, чтобы оплатить даже переезд в Херефорд. Несмотря на свои финансовые преимущества и близость к пейзажам Северный Уэльс и Уай-Вэлли, переезд в Херефорд ознаменовал отступление с точки зрения его карьеры художника: он послал несколько работ на ежегодную выставку Общества художников акварели в первые годы своей жизни вдали от Лондона, и только в 1823 году он снова внесет больше, чем 20 картинок.

Между 1823 и 1826 годами он Джозеф Мюррей Инс как ученик.

Pearblossom Hwy., 11 – 18th April 1986, #2 (1986)

“Pearblossom Hwy., 11 – 18th April 1986, #2” (1986) is a famous artwork by British artist David Hockney for several reasons:

1. Photocollage technique: This artwork is not a traditional painting but a photocollage created by assembling hundreds of individual photographs to form a single, cohesive image. Hockney called this technique “joiners,” which allowed him to capture multiple viewpoints, timeframes, and perspectives in one artwork. The innovative use of this technique in “Pearblossom Hwy.” makes it stand out in Hockney’s oeuvre and contributes to its fame.
2. Unique representation of space and time: The photocollage technique used in “Pearblossom Hwy.” challenges the traditional representation of space and time in visual art. Hockney’s approach results in a fragmented yet highly detailed depiction of the scene, offering viewers an almost Cubist interpretation of the landscape. This unique representation adds to the work’s significance and appeal.
3. Connection to California: Similar to many of Hockney’s other famous works, “Pearblossom Hwy.” is deeply connected to the landscape and lifestyle of California. The artwork captures a stretch of highway in the Mojave Desert, reflecting Hockney’s fascination with the region and its vast, open spaces.
4. Hockney’s influence and reputation: As one of the most influential British artists of the 20th century, David Hockney’s body of work spans various styles and mediums. “Pearblossom Hwy.” is an important piece within his oeuvre, showcasing his ability to push the boundaries of traditional art forms and explore new techniques.
5. Impact on photography and contemporary art: “Pearblossom Hwy.” had a significant impact on photography and contemporary art, inspiring other artists to experiment with photocollage and mixed-media techniques. The artwork’s innovative approach to depicting space and time contributed to its fame and historical significance.

Mr and Mrs Clark and Percy (1971)

“Mr and Mrs Clark and Percy” (1971) is a famous painting by British artist David Hockney for several reasons:

1. Unique composition and style: The painting features Hockney’s distinctive style, characterized by vibrant colors, clean lines, and flattened perspectives. It portrays fashion designer Ossie Clark and his wife, textile designer Celia Birtwell, in their London apartment, along with their cat, Percy. The composition captures an intimate moment, providing a glimpse into the couple’s personal lives and their creative environment.
2. Double portrait: “Mr and Mrs Clark and Percy” is a notable example of Hockney’s double portraits, a series of works in which he depicted pairs of people in their personal spaces. These paintings often explore themes of relationships, intimacy, and identity. The inclusion of the couple’s cat, Percy, adds an additional layer of interest and charm to the painting.
3. Connection to the fashion and art world: Ossie Clark and Celia Birtwell were prominent figures in the fashion world during the 1960s and 1970s, and their influence extended into the art world as well. By depicting this influential couple, Hockney’s painting highlights their role in the creative community and emphasizes the interconnectedness of art and fashion.
4. Hockney’s influence and reputation: David Hockney is one of the most influential and celebrated British artists of the 20th century. His body of work spans various styles and mediums, and “Mr and Mrs Clark and Percy” is an important piece within his oeuvre. The painting’s fame is closely tied to Hockney’s overall reputation and impact on the art world.
5. Exhibition history and media attention: “Mr and Mrs Clark and Percy” has been featured in numerous exhibitions, publications, and media outlets, further contributing to its fame. The painting is part of the Tate collection, one of the United Kingdom’s most prestigious art institutions, and has been widely admired and discussed by both art experts and the general public.

Фотография и фотоколлажи

C момента переезда в Америку Дэвид много и часто фотографировал друзей и повседневность, которую находил невероятно интересной, делал материалы для своих картин и собирал их в альбомы

В 1976 году его работы привлекли к себе внимание, и в нью-йоркской галерее Sonnabend состоялась первая выставка фотографий Хокни под названием «Двадцать фотографических изображений». . Долгое время Дэвид не воспринимал фотографию как искусство

Все поменялось, когда Хокни решил обратиться к кубизму и технике фотоколлажа. Сначала с помощью Polaroid, а затем Pentax и 35мм пленки Хокни делал многочисленные снимки одного и того же объекта и составлял из них коллажи. Это были композиционно сложные и продуманные до мелочей произведения — рассуждение Хокни о том, как устроено человеческое восприятие реальности

Долгое время Дэвид не воспринимал фотографию как искусство. Все поменялось, когда Хокни решил обратиться к кубизму и технике фотоколлажа. Сначала с помощью Polaroid, а затем Pentax и 35мм пленки Хокни делал многочисленные снимки одного и того же объекта и составлял из них коллажи. Это были композиционно сложные и продуманные до мелочей произведения — рассуждение Хокни о том, как устроено человеческое восприятие реальности.

« Я осознал, что фотография не является ни искусством, ни техникой, ни ремеслом, ни увлечением. Это инструмент. Невероятный инструмент для рисования. Как будто я, как и большинство обычных фотографов, был приверженцем какой-то давно укоренившейся культуры, в которой карандашами ставили только точки. А теперь вместе с осознанием того, что карандашом можно рисовать линии, пришло очевидное чувство освобождения» 

Career

David Cox Travellers on a Path, pencil and brown wash.

In 1805 he made his first of many trips to Wales, with Charles Barber, his earliest dated watercolours are from this year. Throughout his lifetime he made numerous sketching tours to the Home Counties, North Wales, Yorkshire, Derbyshire and Devon.

Cox exhibited regularly at the Royal Academy from 1805. His paintings never reached high prices, so he earned his living mainly as a drawing master. His first pupil, Colonel the Hon.H. Windsor (the future Earl of Plymouth) engaged him in 1808, Cox went on to acquire several other aristocratic and titled pupils. He also went on to write several books, including: Ackermanns’ New Drawing Book (1809); A Series Of Progressive Lessons (1811); Treatise on Landscape Painting (1813); and Progressive Lessons on Landscape (1816). The ninth and last edition of his series Progressive Lessons, was published in 1845.

By 1810 he was elected President of the Associated Artists in Water Colour. In 1812, following the demise of the Associated Artists, he was elected as associate of the Society of Painters in Water Colour (the old Water Colour Society). He was elected a Member of the Society in 1813, and exhibited there every year (except 1815 and 1817) until his death. In about 1814-1815 he went on to be appointed as Drawing Master at the Military Staff College, Farnham. With his appointment as Drawing Master at a Miss Crouchers’ Girls School, he took up residence in Hereford. Between 1823 and 1826 he had Joseph Murray Ince as a pupil. He made his first trip to the Continent, to Belgium and the Netherlands in 1826 and subsequently moved to London the following year.

He exhibited for the first time with the Birmingham Society of Artists in 1829, and with the Liverpool Academy in 1831. In 1839, two of Cox’s watercolours were bought from the Old Water Colour Society exhibition by the Marquis of Conynha for Queen Victoria.

Beach of Rhyl, before 1854.

Cox lived in Hereford and London between 1804 and 1840, returning to Birmingham to live in the suburb of Harborne. Around 1840, Cox took up oil painting, studying under W. J. Miller. In order to do this, he handed over much of his teaching work to his only son, David Cox Jnr (1809–1885). He went on to exhibit two oil paintings at the Royal Academy in 1844. From 1844 until 1856 he spent summers at Betws-y-Coed in North Wales. His health suffered following a stroke in 1853. In 1855 he was represented by watercolours at the Paris Universal Exhibition.

By 1857 however, his eyesight had deteriorated. An exhibition of his work was arranged in 1858 by the Conversazione Society Hampstead, and in 1859 a retrospective exhibition was held at the German Gallery Bond Street, London. Cox died several months later. He was buried in the churchyard of St Peters, Harborne, Birmingham, under a chestnut tree, alongside his wife Mary.

Театр

Дэвид Хокни в общей сложности придумал декорации для восьми постановок. При этом он не переставал говорить, что не интересуется ни театром как таковым, ни театральным дизайном. Первой пьесой, которую оформил художник, стала «Король Убю», поставленная в 1966 году в «Ройал-Корте» — небольшом театре лондонского Вест-энда. Дэвид просто не смог устоять перед абсурдным, бросающим вызов нормам и условностям произведением драматурга Альфреда Жарри. 

Через девять лет Хокни предложили разработать декорации и костюмы для оперы Стравинского «Похождение повесы», основанной на произведениях английского художника 18 века Уильяма Хогарта. Дэвид, находившийся под впечатлением от оперы русского композитора, тут же согласился, загоревшись идеей осовременить культовые гравюры Хогарта. Приём штриховки декораций создавал иллюзию «гравировки» в трех измерениях. Результат оказался настолько неожиданным, что Хокни немедленно пригласили оформить оперную постановку Моцарта «Волшебная флейта», для которой он нарисовал 35 фонов, вдохновленных поездкой в Египет.

Позже Хокни сделает декорации для нескольких постановок в нью-йоркской Метрополитен-Опере,  вагнеровской «Тристана и Изольды» и «Турандота» Пуччини в оперных театрах Калифорнии и «Женщины без тени» Штрауса для лондонского Ковент-Гардена.  

Nichols Canyon (1980)

“Nichols Canyon” (1980) is a famous painting by British artist David Hockney. It is well-known for several reasons:

1. Unique style and composition: “Nichols Canyon” showcases Hockney’s distinct style, characterized by vibrant colors, bold lines, and flattened perspectives. The painting depicts a bird’s-eye view of the landscape surrounding Nichols Canyon Road in the Hollywood Hills. Hockney used abstract shapes and a vivid color palette to create a sense of depth and space, resulting in a visually striking and memorable image.
2. Landscape painting: Hockney is renowned for his landscape paintings, and “Nichols Canyon” is considered one of his most significant and iconic works in this genre. The painting marked a return to landscape art for Hockney after a period of focusing on portraiture, and it played a pivotal role in the development of his artistic style during the 1980s.
3. Connection to Los Angeles and California: As with many of Hockney’s other famous works, “Nichols Canyon” captures the essence of the Los Angeles landscape and lifestyle. The painting is an important representation of Hockney’s connection to California, which has been a recurring theme throughout his career.
4. Hockney’s influence and reputation: David Hockney is one of the most influential British artists of the 20th century, and his body of work spans various styles and mediums. “Nichols Canyon” is an important piece within his oeuvre, as it demonstrates his mastery of landscape painting and his unique approach to depicting space and depth.
5. Auction prices and media attention: “Nichols Canyon” has also gained fame through its high-profile sales at auction. In December 2020, the painting sold for $41 million at a Phillips auction in New York, making headlines and further cementing its status as an iconic piece of art.