Лизавета Герман, The Naked Room
Ярмарки объединяют всех игроков арт-рынка и дают возможность галереям еще раз показать художников, с которыми они работают. Круто, что, несмотря на все обстоятельства, Kyiv Art Week в этом году таки состоится, хоть и в онлайн-формате. Это эксперимент для всех – и для организаторов, и для участников.
В прошлом году The Naked Room участвовала в небольшой ярмарке в Мадриде Hybrid Art Fair, это сателлит крупной международной ярмарки ARCOmadrid. Нас финансово и организационно поддержал Украинский институт, так как мы маленькая галерея и на тот момент работали только 4 месяца.
В этом году для презентации The Naked Room на киевской ярмарке мы пригласили друга галереи Дарью Сенчихину, у которой отличный менеджерский опыт, большой интерес к искусству и персональный взгляд на деятельность The Naked Room и на то, как можно работать с максимально широкой аудиторией Kyiv Art Week. Мне и моей сокураторке Маше Ланько тоже хотелось бы посмотреть на историю с ярмаркой под другим углом. Дарья провела собственное исследование, изучила формат ярмарки, отобрала работы и в диалоге с нами представила свою концепцию презентации галереи на ярмарке.
Дар’я Сушко, Makhno Architects
Тот, кто немного следит за нашей работой, знает, что мы обожаем современное искусство, особенно украинское. Наши проекты всегда насыщены артом, а одной из главных целей нашего творчества мы видим соединения архитектуры, искусства, ремесел и традиций в единую мощную смесь, которая называется современная украинская культура. Именно с такой целью мы создаем Makhno Art Foundation, которая сейчас в процессе регистрации. Именно поэтому мы впервые принимаем участие в арт-выставке.
На Kyiv Art Week 2020 мы покажем проект-поиск, проект-миссию — «По дороге домой». В него войдут авторские скульптуры и арт-игрушки DIDO от 20 см до 5 метров в высоту, которые появились в процессе переосмысления традиционной украинской зооморфной пластики керамической мастерской Сергея Махно. Среди них будет и специальная коллекция DIDO.Covido, часть денег от продажи которой мы передаем в помощь борьбе с пандемией коронавируса фонду «Пациенты Украины». Также на стенде будут представлены полотна художника и керамиста, нашего друга Сергея Радько.
Это наш дебют участия в ярмарке. Ранее мы принимали участие только в дизайнерских событиях — Maison&Objet, Dutch Design Week и Salone del Mobile Milano. На последнем в прошлом году мы представили коллекцию авторского предметного дизайна Inside.Out. Больше всего международной публике понравился перформанс от нашего главного керамиста, который прямо на выставке на гончарном круге из глины создавал одну из ламп, представленных на экспозиции.
Условия, которые продиктовали нам мировые события конца 2019 года, требуют от всех сфер быстрых перемен и адаптации. Конечно, не совсем понятно, но что поделать. Думаем, что после этих событий виртуальные выставки останутся: появится гибридный формат, когда часть можно будет посмотреть онлайн, а часть — пощупать вживую. Наш онлайн-стенд концептуально был разработан Сергеем Махно и Игорем Гавриленко, главой отдела предметного дизайна Sergey Makhno Architects. Отбор скульптур и полотен проводился вместе со всеми художниками экспозиции «По дороге домой». Что из этого получилось — узнаем уже совсем скоро.
Андрей Трилисский, Галерея РА
Наша галерея существует уже 27 лет и активно участвует во многих фестивалях и ярмарках. По опыту прошлых лет можем сказать, что Kyiv Art Week хорошо организован и является возможностью для галереи заявить о себе и показать своих художников.
В этом году мы представим живопись и скульптуру как известных, так и молодых художников, с которыми ужа давно работаем. Среди них — Саша Макарская, которая неоднократно участвовала в выставках с группой Р.Э.П., Владимир Ершихин, известный с конца 1980-х представитель Новой волны, керамист Тимофей Сауткин, который участвовал в выставках с Кириллом Проценко и Алексанром Гнилицким из Паркоммуны, и молодой автор Богдан Сокур.
Конечно же, у нас есть опыт участия в международных ярмарках: мы неоднократно ездили на Art Vilnius, участвовали в киевской ярмарке, еще когда она проходила в Украинском доме, а также во многих фотоярмарках.
Параллельно с открытием Kyiv Art Week 2020 мы откроем физическую выставку в пространстве своей галереи, где можно будет вживую увидеть работы, представленные на стенде ярмарки. Мы покажем футуристичный проект, который анонсирует новый жанр руфоглифов — горизонтальных муралов на крышах. Эти работы можно будет рассматривать во время вертолетных прогулок и с летающих такси будущем, а также они могут служить посланиями для инопланетян.
Ганна Орищенко, Nebo Art Gallery
Ми беремо участь Kyiv Art Fair, тому що отримали пропозицію від художника, з яким співпрацюємо і якого підтримуємо від початку існування Nebo Art Gallery. Презентуватимемо проєкт FAKE STORY/HUMAN RIGHTS з живописом Андрія Цоя та скульптурами Олександри Кришовської. Основа сюжету — історія 37-річного Самсона, на якого скоїли напад зловмисники, після чого він починає думати, що його переслідують. Це проєкт про перебільшення людиною свого місця в соціумі, про помилкове відчуття своєї значущості та про нав’язливі стани, які з цього випливають.
Минулого року ми вже брали участь у Kyiv Art Fair. Крім цього, у 2016 році презентували художників та галерею на Barcelona International Art Fair та у 2018 році на Art Madrid, а також двічі були на FINE ART UKRAINE.
Участь у ярмарках — це хороший нетворкінг, спосіб продемонструвати галерею новій аудиторії, а також можливість продати роботи. За кордоном купують краще, але в Україні легше брати участь в ярмарку, адже ти на знайомій території, перевезення і оформлення робіт дешевше, є знайомі у сфері й простіше вирішувати координаційні моменти.
Адаптуватися будемо одразу ж як матимемо вичерпні вказівки від Kyiv Art Week, адже поки що не маємо ні чітких завдань, ні розуміння, як саме потрібно «перебудовуватися» в технічному плані. Звісно, ми б хотіли невіртуальної комунікації художників з відвідувачами, та й саме споглядання проєктів загалом і мистецьких творів окремо через 3D-тури — не те ж саме, що бачити все на власні очі. Однак формат онлайн зараз домінує у всіх сферах, тож ці виклики часу ми сприймаємо нормально й навіть з цікавістю.
Карнавальная культура
В приведённой выше цитате о реформе театра Борис Арватов полемизирует с Николаем Евреиновым, выдвинувшим в 1920‑е годы концепцию «театрализации жизни» — внесения в повседневный быт пролетариата элементов классической и карнавальной драматургии. В своём диалоге с рабочими художники «сурового стиля» неосознанно следовали за Евреиновым и стратегиями идентификации с низшими слоями общества, впервые использованными художниками «Бубнового валета». «Иные из бубнововалетских портретов начала 1910‑х годов образовывали в совокупности как бы некий „серийный“, то есть продолжающийся из картины в картину „автопортрет“ всего сообщества, персонажами которого могли становиться и члены бубнововалетского окружения» i . Художники оттепели нередко изображали себя и своих ближайших друзей в образе рабочих (например, Наталья Егоршина в «Плотогонах» Николая Андронова). Это тоже слияние искусства и производства, только уже в форме костюмированного перевоплощения, подчёркивающего глубокий водораздел между двумя типами труда. Пройдёт ещё немного времени, и советский художник окончательно эмансипируется от производства. Уральский мастер «сурового стиля» Тимофей Коваленко в картине «Автопортрет со сталеваром А. И. Штейниковым» (1976) изображает рабочего и художника в разных плоскостях: рабочий анфас кому‑то позирует, художник в профиль погружён в размышления над листом бумаги.
Такое разделение просуществует до 2010‑х, когда окончательная смерть советской индустрии обратит на себя внимание нового поколения художников, озабоченных проблемой труда и искусства. К этому — нашему — моменту рынок труда изменился радикально: если в советское время «рост сферы услуг сдерживали и сознательно, боясь „депролетаризации“» i , то в нынешней ситуации классовая идентичность художника формируется под влиянием индустрии сервиса и развлечений, стремящейся инструментализировать богему, которая настаивает на своей независимости. На месте критики станковизма появляется институциональная критика вообще, трактующая систему организаций для показа и продвижения искусства как излишество вроде картуша на «Киевской-кольцевой»
Найти в нынешней ситуации аналоги ри у производственников или картины-конвейера у «суровых» трудно: отдельные инициативы пока не складываются в единое движение. Впрочем, процесс возвращения к Платону уже запущен, и ныне ему противостоит не «система машин», а уровень иерархической, сросшейся с маркетингом репрезентации, принятый за данность в новых медиа
На месте критики станковизма появляется институциональная критика вообще, трактующая систему организаций для показа и продвижения искусства как излишество вроде картуша на «Киевской-кольцевой». Найти в нынешней ситуации аналоги ри у производственников или картины-конвейера у «суровых» трудно: отдельные инициативы пока не складываются в единое движение. Впрочем, процесс возвращения к Платону уже запущен, и ныне ему противостоит не «система машин», а уровень иерархической, сросшейся с маркетингом репрезентации, принятый за данность в новых медиа.
Выставку культового художника Валерия Чукина представили в Витебске
13/8/19 14:23 • Культура
В музее истории Витебского народного художественного училища провели вечер памяти Валерия Чукина и открыли выставку его полотен.
Валерий Викторович Чукин родился 27 июля 1949 года в селе Ситняки Киевской области в семье математика. В 1957 году семья переехала в Великие Луки Псковской области, где будущий художник окончил среднюю школу. Осенью 1969 года Чукин поступил на художественно-графический институт Витебского пединститута имени С.М. Кирова.
В марте 1987 года Валерий Чукин вошёл в состав Витебского творческого объединения «Квадрат», первого неформального объединения художников в Беларуси начала периода перестройки. Стал участником всех художественных выставок и акций «Квадрата», а также двух международных пленэров «Малевич. УНОВИС. Современность». В 1991 году был принят в Союз художников Беларуси.
Стилистика работ художника разнообразна — от абстракции и глубокого символизма до привычного для широкой публике реалистического искусства. Творчество Валерия Чукина часто не понимали из-за манеры письма, которое не отличалась особыми визуальными цветовыми и экспрессивными особенностями, а больше отражало внутреннее состояние духовного мира художника, его восприятие окружающего бытия.
— Валерию Чукину в этом году исполнилось бы 70 лет. И сейчас уже стало видно, что художник он особенный, очень драматичный, почти трагический, импульсивный, острый. Чем-то напоминает Мунка, — говорит куратор выставки профессор ВГУ доктор искусствоведения Татьяна Котович.* — Поскольку мое поколение уже уходит, уходят мои товарищи, это всегда больно. Сын художника Антон Чукин сказал, что когда мы с ним отбирали работы на эту выставку, он еще не осознавал, как они будут в этом зале смотреться, а когда выставку наконец смонтировали, вдруг увидел, как они ярко засветились. На выставке представлены самые яркие работы, представляющие всю суть творчества Валерия Чукина, плюс, экспозицию дополнили стихи, потому, что автор был ещё и талантливым, проникновенным поэтом.
— Особенностью творческой манеры как художника и поэта является неожиданное соединение возвышенного и обыденного. Валерий Чукин в своих стихах стремится к чувствам и понятиям светлым и идеальным, но как будто стесняясь их излишней лиричности, сознательно вводит в них интонацию повседневности. А в его картинах — это внутреннее чувство возвышенного и светлого, словно вдруг стекает, тает и исчезает или оборачивается настоящей драмой, — заключает Котович.
На открытии выставки, которое прошло в уже привычном для подобных мероприятий формате, когда гости садятся в круг, видя друг друга и выступая по очереди, своими воспоминаниями поделились друзья и коллеги Валерия Чукина: директор ВЦСИ Андрей Духовников, поэт и бард Олег Иванов, «квадратовцы» Александр Малей, Александр Слепов, а так же сын художника Антон Чукин.
Работы для экспозиции представлены из собрания семьи художника. Живописные и графические произведения Валерия Чукина находятся в публичных и частных коллекциях по всему миру.
Меткі: Валерый Чукін, выстава
Реклама и преподавание
В биографии Ивана Билибина было несколько значительных событий. Одно из них — заказ Временным правительством оформления герба во время революции 1917 г. Именно этот художник изобразил двуглавого орла, который с 1992 изображен на всех банкнотах России.
Революция дала ему новую работу, связанную с рекламой. Он рисовал плакаты и брошюры для завода «Новая Бавария». А также оформлял обложки альманахов и журналов:
- «Московское Издательство»;
- «Шиповник»;
- «Золотое Руно».
Творческую работу он старался совмещать с занятиями. Билибин преподавал рисование многим ученикам:
- Н. Кузьмин;
- К. Елисеев;
- Г. Нарбут;
- М. Чемберс;
- Р. О’Коннель;
- А. Щекатихина-Потоцкая.
Некоторые художники перенимали его стиль, старались подражать его работам. Но и сами они стали довольно известными.
«Пятое солнце» Анастасии Фоминой
14.02.2011 ровно в 12:16
yana
Художник-живописец, дизайнер, иллюстратор, творец Нового Эона — так себя определяет гомельчанка Анастасия Фомина. Сегодня специально для читателей портала vGomele.by она презентует себя и своё творчество.
— 16 февраля в Гомеле откроется Ваша персональная выставка «Пятое Солнце». Почему такое название?
— Думаю, в какой-то мере ответом на этот вопрос станут следующие строки, которые я хотела бы процитировать: «Издавна у разных народов Солнце было предметом поклонения. Используя очевидную роль Солнца как источника жизни на Земле, представители церкви способствовали развитию поклонения Солнцу, культу Солнца. Оно обожествлялось различными народами, которые давали ему свои имена. Мифология Ацтеков рассказывает, что вселенная существует великими циклами, которые они именовали «Солнцами».
История
Здание, в котором расположена галерея, построено неизвестным архитектором в 1868 году на Кирилловской улице. Это индустриальная часть так называемого «Нового Подола». Как и 100 лет назад, промышленные кварталы тянутся к западу от исторического центра — Контрактовой площади. Промзона вдоль Кирилловской улице, в конце 19 века, распространялась на новые участки. Это была окраина города, тогда о соблюдении экологических требований, речь вообще не шла. В 1894 году киевский санитарный врач привлек к ответственности немца Иоганна Менцера, владельца дрижджовго производства (впоследствии — хлебозавод № 7). Проблема в том, что: «герр Менцер накопил огромное количество перегнившей браги, которая выдает невозможно вонь, она была засыпана землей, а также для уменьшения они, было залито несколькими пудами карболовой кислоты». Журналисты констатировали: «Вообще, заводы на Кирилловской улице в санитарном отношении представляют зло Киева. Большинство из них не вывозят никуда своих нечистот, но спускают их непосредственно на городской луг, откуда нечистоты из разных канавах и ручьев попадают в Почайну и окончательно в Днепр «.
Киевский хлебозавд № 7 открылся в 1926 году. Работал на мощностях десяти двухъярусных печей, тогда тесто мисилось вручную. Выпекали ржанй и пшеничный хлеб. Во времена Второй Мировой Войны оборудование было вывезено за пределы Украины. После освобождения города завод начали отстраивать. В течение 1955-56 годов начал первым в СССР выпускать подовый хлеб, в будущем — «Украинский». В 1948 после реконструкции, был присоединён к хлебокомбината № 2. В 60-е продолжалась активная переоснащение предприятия, был создан кондитерский цех и построена печь ФТЛ2 для изготовления бубликов. Не смотря на это стратегической продукцией было производство хлеба: украинского, подового.
Хлебокомбинат ежесуточно производил 70тн. хлеба украинского, 12 тн. хлеба пшеничного подового, 25 тн. булочных и сдобных изделий и 1,5 тн. кондитерских изделий. В 1998 реконструировали линию булочного производства где было установлено несколько электропечей «Идеал» по производству сдобных изделий, что увеличило объем товарной продукции на 233 тыс. тон/год. Изделия пользовались широким спросом. В декабре 2004 года были введены в действие печи «ГОСТОЛ» по производству хлеба из ржано-пшеничных сортов муки. проводится 4-я очередь реконструкции с заменой старых физически изношенных печей МИН на новые современные энергосберегающие, для улучшения условий труда рабочих. В 2000-х завод каким-то образом, обанкротился. Цеха бывшего хлебокомбината № 2 долгое время были заброшены. Пока в мае 2016 туда не заехала группа художников.
Выставки[ | ]
Общество организовало 4 выставки:
- 1925 (Москва, Музей живописной культуры, Рождественка, 11, в правом крыле здания Вхутемаса)
- апрель-май 1926 (Москва, Государственный Исторический музей)
- апрель 1927 (Москва. Музей живописной культуры)
- апрель 1928 (Москва, Музей живописной культуры)
Кроме того, в 1929 и 1930 годах ОСТ участвовал в двух передвижных выставках, в «10 лет Октября», 1927; «10 лет Рабоче-Крестьянской Красной Армии» (1928), в «Выставке живописи, рисунка, кино-фото, полиграфии и скульптуры» на тему «Жизнь и быт детей Советского Союза» (1929, Москва) и в других тематических выставках, в том числе в выставке советского изобразительного искусства в Нью-Йорке (1929). В 1928 по приглашению немецкого обцества «Жюри фрай» («Juryfrei») в выставке немецких художников участвовали советские мастера, входящие в ОСТ (Берлин, 1928).
Официально ОСТ просуществовал до 1932 года — но после 1928 г. не было проведено ни одной выставки.
Евгений Валюк, Хлєбзавод
Арт фейр — отличная площадка для продажи искусства. В прошлом году мы удачно продали несколько работ на Kyiv Art Week, притом это были кинетические объекты, то есть работы некоммерческого характера. В этом году мы представим проект о советском культе хлеба и его последствий в современной Украине «Довіряй рідному хлібу». Названием для него послужил лозунг, который использовался только на хлебопекарных предприятиях.
В проект вошли работы Игоря Македона, Евгения Штейна, Кристины Ридзель, Евгения Коршунова, Максима Гончара и Ольги Зарембы. Об объекте «Галерея Холодильник» последних двух авторов мы сейчас ведем переговоры о продаже с меценатом Владимиром Лисицей. Онлайн-формата рассчитан на свой круг покупателей, а о рынке онлайн-продаж в Украине сказано уже много.
Биография[ | код]
Родился в семье плотника в деревне Большие Горки во Владимирской губернии. В 1881 году вместе со всей семьёй переселился в Киев. В 1890 году переехал в Польское княжество, находившееся в составе России.
Первоначальное художественное образование получил в Варшаве и Киеве (одновременно служил в должности бухгалтера) в 1890-е годы.
В 1898 году переехал в Москву. В начале 1900-х посещал московские частные студии: Ф. И. Рерберга, В. Фишера, И. И. Машкова.
Важнейшим моментом его биографии была встреча в 1907 году с К. С. Малевичем, который оказал колоссальное влияние на дальнейшее развитие художника, ввел его в художественные круги русского авангарда. Это, однако, не помешало Клюну стать членом общества «Московский салон» в 1910 году (в 1916 году он вышел из общества), в задачи которого входила в основном организация выставок.
Февралисты («лошкари») Казимир Малевич, Иван Клюн, Алексей Моргунов (слева направо). Москва, 1 марта 1914 года
В 1900-е, подобно Малевичу, работал в традициях символизма и модерна (несомненно влияние М. А. Врубеля, В. Э. Борисова-Мусатова, Н. Д. Милиоти). В 1913 году сблизился (через Малевича) с петербургским авангардом в лице членов «Союза молодежи», поучаствовав в их последней выставке (1913/1914). Как и Малевич, в то время Клюн увлекался кубофутуризмом, живописным и скульптурным (последним, вероятно, под влиянием В. Е. Татлина), показывая свои работы на всех авангардных выставках.
В 1915 году принял участие в создании буклета А. Е. Крученых «Тайные пороки академиков» (М., 1916): ему принадлежат литография и статья «Примитив в 20 столетии». Направленная против символизма и декадентства, эта книга стала последней данью Клюна футуризму. В 1915 году уже как последователь малевичевского супрематизма он принял участие в «Последней футуристической выставке картин 0,10», опубликовав в её каталоге свой манифест. С этого периода начинается период беспредметного творчества. В 1916 году Клюн вошёл в возглавляемую Малевичем группу «Супремус», приняв участие в подготовке так и не изданного журнала того же названия. Вместе с другими художниками-супрематистами сотрудничал с кустарными артелями в деревнях Вербовка и Скопцы. Этот период его творчества является одним из самых ярких в его жизни.
1918—1921 — профессор ГСХМ-Вхутемаса, с 1920 — член Инхука (Институт художественной культуры), а с 1921 — член-корреспондент ГАХНа.
До середины 1920-х продолжается период беспредметного творчества — Клюн создаёт цветовые конструкции из геометрических форм. Во второй половине 1920-х начинается увлечение французским искусством — он копирует из журналов произведения П. Пикассо, Ж. Брака, Х. Гриса. Особенно его привлекает А. Озанфан: вплоть до середины 1930-х он создает натюрморты в духе пуризма.
Член ОСТа (с 1925), «4-х искусств» (1925—1927) и ОРСа (с 1927).
В начале 30-х годов, как и большинство советских художников, вынужден был перейти к традиционно-фигуративной живописи, которая, однако, не принесла ему большого успеха.
С конца 1930-х годов Клюн неожиданно для многих стал писать натюрморты и пейзажи реалистического характера, щедро раздаривая их знакомым.
Ксения Оксинь, Rymi Art Gallery
Rymi — это, в первую очередь, эксперимент. Причем насколько художественный, настолько и социальный. Мы, художники, ищем и находим свое «альтер эго» на небольшом пятачке витрины, с другой стороны которой вечно занятые люди, проходя мимо, мажут глазами по (для создателя) остросюжетному перформансу или провокационному полотну.
Участие в Kyiv Art Week — эксперимент помасштабнее. Здесь никого не удивить хеппенингом на подоконнике, значит придется идею взаимодействия искусства и социума транслировать в более цельную концепцию. По сути, год, который Rymi прожили со своего открытия, дал возможность молодым и «непрограммным» творцам Киева персонально выставляться и взаимодействовать с публикой напрямую, без посредника. Теперь мы хотели бы обобщить этот опыт и протестировать его на новом «носителе».
В этом году Rymi Art Gallery представит в Kyiv Art Week проект «Синема». Разные темпераменты и разная глубина откровения вовлеченных художников пересеклись на общей теме глобального кино. Кино как медиум, но и кино как жизнь, в котором мы все актеры, претендующие на тонкое знание режиссуры, декораций, а на самом деле пребывающие в тихом ужасе от возможного финала.
Для нашей галереи Kyiv Art Week естественным образом стал итогом первого года работы и первым участием в арт-ярмарке. Мы с удовольствием поделимся впечатлениями после ярмарки.
Переход фестиваля в онлайн сложно назвать неожиданным — это продиктовано духом времени. Но для нашего формата, завязанного на взаимодействии, взаимообмене с аудиторией, и прочими «взаимо-», подобный формат бесчеловечен.
Вместо живого общения и тусовки разноплановых эстетов, вместо настроения и атмосферы ты вынужден взаимодействовать с холодным пластиком устройства, со всплывающими (и постоянно опаздывающими) окнами всевозможных мессенджеров. Все это в густом супе мемов, соцсетей, новостей и прочего онлайн-порно.
Попробуй тут адаптируйся. Это борьба всех со всеми за каплю внимания и человеческих эмоций в едином потоке информационного шума. Реальная жизнь становится роскошью. Кроме шуток, племянник был на уроке плавания по скайпу. Телепузики вовсю жгут костры. Надо искать новые формы. Начнем с виртуальной Art Week.
Сочинения
Пименов Юрий Иванович написал немного сочинений, но каждое из них пробирает до глубины души. Список его произведений краток, зато емок. Писал мужчина с довольно большими перерывами, как для писателя. Однако сам себя вовсе не считал писателем. В 1958 году он написал сочинение «В Подмосковье», которое есть в сборнике его рассказов «Записки художника».
Через два года в СССР вышел его сборник «Год путешествий». В этом же — 1960 — году он издал «Искусство жить или «искусство ничего»». Новый сборник появился только через 8 лет и назывался он «Новые кварталы». В 1974 году — «Таинственный мир зрелищ» .
Дарья Сенчихина, The Naked Room
Создавать экспозицию для онлайн версии фестиваля — это необычный и интересный опыт. Мы рады, что благодаря такому формату, нашу экспозицию сможет увидеть большее количество людей, потенциально из разных городов и стран. Это отлично резонирует с желанием команды The Naked Room популяризовать искусство и знакомить широкую аудиторию с современными украинскими художниками и художницами. При этом, есть свои особенности — рядом не будет кураторов, которые смогут погрузить в контекст. Мы планируем решить этот вопрос с помощью оффлайн-ивентов в нашей галерее. Каждую неделю на протяжении всего времени проведения Kyiv Art Week можно записаться к нам на просмотр работ, представленных онлайн. По факту, это будут индивидуальные встречи по предварительной записи и с соблюдением всех предписанных мер безопасности. Думаем, ивенты будут интересны как для тех, кто хочет пополнить либо начать свою коллекцию, так и для аудитории, которая готова впервые открыть для себя современное украинское искусство.
Мария Вторушина, Set
Мы хотим создать условия, где продажи произведений окупают следующий проект фонда или хотя бы его значительную часть. Надеюсь, к этому придём. Кроме того, художникам сейчас как никогда нужна поддержка и продажи, ведь государственное финансирование культуры значительно сократилось, и много проектов перенеслись или отменились.
На ярмарке будем показывать работы участников Set Art Laboratory, которые мы представляли на выставке Object of Desire в витринах Дома Одежды на Львовской площади. Поскольку мы сейчас работаем без пространства, ярмарки для нас очень важны.
Ранее мы участвовали в Art Vilnius 2019, возили работы Марианны Холленштайн, Инары Багировой, Андрея Сигунцова и Юлии Беляевой. Продали две работы Андрея Сигунцова и попали в подборку Vogue. Также выставлялись в прошлом году на Kyiv Art Fair с проектом, в котором приняли участие Алина Клейтман, Евгений Павлов и Слава Крыжановский. Планировали ехать на Volta Basel с проектом Марианны Холленштайн в этому году, но ярмарку отменили. Надеюсь, это получится сделать в следующем.
Мы уже отобрали работы, но хотим еще добавить интерактив. Пока просто дублируем экспозицию в том виде, в котором планировали сделать ее в физическом пространстве.
Работы Никаса Сафронова могут увидеть гомельчане: фото
17.07.2013 ровно в 18:03
yana
Во Дворце Румянцевых и Паскевичей открылась выставка известного и весьма неординарного художника Никаса Сафронова. Как мы уже писали, на выставке представлены более 70 работ, ознакомиться с которыми гомельчане и гости города имеют возможность до 8 сентября.
Немного биографии художника. Никас Сафронов родился в Ульяновске в 1956 году, поступил в Одесское мореходное училище, но вскоре понял, что его призвание – холст и краски. Изучал живопись в Художественном училище им. Грекова в Ростове-на-Дону. Сразу после армейской службы в Эстонии уехал в Литву, продолжил обучение в Вильнюсе в государственном художественном институте Литовской ССР (ныне Академия художеств) на факультете дизайна.
Ігор Абрамович, Abramovych Art Agency
Участь у фейрі — це найкращий спосіб розвивати та підтримувати довірливі стосунки між галереями, новими покупцями та іншими учасниками арт-ринку. Колекціонери мають усі підстави вважати, що найкращі зразки робіт художників представлені саме на арт-ярмарках, адже учасники перебувають у постійному «прихованому» діалозі, вивчають попит клієнтів та пропозиції інших. Власне, художники також зацікавлені бути представленими на ярмарках провідними галереями. Наша платформа має на меті популяризацію актуального українського мистецтва в межах культурної арени країни та столиці зокрема.
Географія ярмарків за нашою участю поступово ширшає: за плечима досвід роботи на європейських, американських та азійських фейрах — Art Palm Beach, Spectrum Miami, Koelner Liste, Tokyo International Art Fair, Koelner Liste тощо. Важливо зазначити, що нам цікава співпраця з зарубіжними партнерами та можливість презентувати українське мистецтво, обмінюючись досвідом. Це стає поштовхом і для митців.
Перші кроки до переходу власного бізнесу в онлайн ми зробили ще до карантину, зокрема почали впроваджувати технології у стратегічний план, оновили сайти і сторінки, які презентують українське мистецтво. Участь в онлайн-заходах потребує особливої уваги, залучення профільних спеціалістів та пошуку нових, надсучасних рішень. Попри складнощі, я бачу перспективу і поступовий розвиток віртуальних майданчиків для продажу в Україні.
Анатолій Звіжинський, ЧЕЧ
Минулого року київський колекціонер Юрій Когутяк запропонував нам взяти участь у Kyiv Art Week й фінансово посприяв поїздці до столиці. Мали співпрацю з ним, коли показували в галереї ЧЕЧ та Музеї мистецтв Прикарпаття картини Олександра Ройтбурда з колекції пана Юрія. Минулорічна поїздка виявилася вдалою авантюрою: продали три роботи й завели нові знайомства, наприклад, з галереєю «Масло» з Хмельницького, багато спілкувалися.
Коли отримали запрошення на цьогорічний фейр, вирішили відгукнутися, бо для галереї з провінції це поле додаткових можливостей для пропагування своєї діяльності та кола художників, невідомих у столичному ареалі. Цього року представлятимемо актуальну творчість франківських художників різних поколінь. Ростислав Котерлін (1966) та Анатолій Звіжинський (1966), які розпочинали свою мистецьку діяльність у 90-х, працюють з темами часу, історії, насилля ідеологій та їх впливів на свідомість суспільства. Маріанна Глинська (1984) досліджує проблеми екзистенції, психічних розладів та людської самотності. Зоряна Козак (1994) у своїх творах рефлексує на сучасну моду, стиль та манери молодіжної поведінки на новітні віяння, що нав’язуються через соціальні мережі. Проект демонструє зріз різноманітних поглядів на інформаційну засміченість сучасного світу та реакцію на це людської свідомості.
Галерею ЧЕЧ створено у 2018 році при ГО «Ініціатива ЦСМ» з метою сприяння розвитку урбаністичної культури, популяризації сучасного мистецтва в місті та інтенсифікації мистецьких обмінів. Але галерея і центр в теперішньому вигляді є правонаступниками галереї «Маргінеси», котра працювала з 1996 по 2009 спочатку в Києві, а потім в Івано-Франківську, а також муніципального ЦСМ (2013-2016). Ці інституції були учасниками ART-KYIV contemporary (2008 – Український дім; 2013, 2014 – Мистецький арсенал).
Там ми презентовали твори івано-франківських митців — Ростислава Котерліна, Ігоря Перекліти, Ярослава Яновського, Мирослава Яремака, Володимира Мулика, Сергія Григоряна, Олекси Фурдіяка (Львів), Євгена Самборського (тепер Київ) та інших. В ярмарках за кордоном участі не брали, але представляли твори художників на колективних виставках, наприклад, Personal structures: Open borders у венеційському Палаццо Мора і на бієнале Ostrale у Дрездені.
Онлайн формат стане для нас новим досвідом, що буде набуватися у процесі тривання Kyiv Art Week. Сподіваюся, такий формат відкриє нові можливості для просування товарів на ринку мистецтва. Хоча, як на мене, мистецтво — це та сфера, з якою треба контактувати безпосередньо. Що з цього вийде — самому цікаво.
Возвращение домой
В 1936 году иллюстратор вернулся на родину. Теперь его город назывался Ленинград. Возвращение было опасным и рискованным, ведь его могли ждать репрессии со стороны советской власти. Многие художники, поэты и писатели, другие творческие личности пострадали после приезда из-за границы. Но в биографии Билибина было много заслуг перед государством, поэтому его оставили в покое.
Он приобрел квартиру и вместе с семьей поселился в Ленинграде. Как и прежде, Иван много времени посвящал творчеству. На родине художник продолжил свою деятельность. Он создавал декорации для театральных спектаклей, работал над костюмами актеров, а также иллюстрировал новые книги. Только теперь это были не сказки, а баллады, былины и даже романы. Билибин пытался придерживаться своего стиля, хотя советская власть строго ограничивала его.
Помимо творческой деятельности Иван Яковлевич стал преподавать во Всероссийской Академии художеств. Он жил в Ленинграде на улице Гулярной в доме № 25. Сейчас на этом здании висит мемориальная доска, посвященная художнику.