10 most famous paintings by wassily kandinsky

#10 Tintoretto

Lifespan:	October 1518 – May 31, 1594
Nationality:	Italian

Tintoretto

The Venetian School, that developed in Venice during the Renaissance, provided a new impetus in painting toward lush colors and lighting effects. The Venetian style exerted great influence upon the subsequent development of Western painting. Along with Titian and Veronese, Tintoretto was one of the three Venetian giants during the Renaissance. During the Renaissance, artists in Italy developed perspective to create an illusion of three-dimensional space. Tintoretto stretched this technique to its limit by using long and vast perspectives. Tintoretto’s style was innovative and dramatic and he had fervor for colossal works. His art is known for its radical nature, flamboyance and modernity. Tintoretto was a highly individualistic painter whose technique and vision evolved through his career. His experiments with light and space led to him achieving a luminous visionary quality in his later works. Tintoretto is regarded as one of the most important artists of the late Renaissance.

#1 Composition VII

Composition VII (1913)

Location	Tretyakov Gallery, Moscow, Russia
Style	Abstract
Year	1913

Composition VII is so renowned because it was the first time Kandinsky felt that he had achieved the ideal for which his Composition series was named. He moved toward complete abstraction in his earlier Compositions and Composition VI is almost totally abstract. Composition VII translates the abstract imagery of its predecessor into a purely geometric visual language. Though it might appear random, Kandinsky created over 30 sketches in several months prior to painting it, which he did in four days. The painting is believed to allude to the apocalyptic themes of Deluge, Last Judgment, Resurrection and Paradise. It was regarded by Kandinsky as his most complex work. A swirling hurricane of colors and shapes, Composition VII is considered by abstract art enthusiasts as the most important painting in the genre and it is Wassily Kandinsky’s most famous painting.

Кранах лукас старший

Кранах лукас старший — немецкий живописец и график.

Фа­ми­лия Кранаха свя­за­на с на­зва­ни­ем род­но­го го­ро­да. По всей ве­ро­ят­но­сти, обу­чал­ся вна­ча­ле у от­ца, за­тем с це­лью даль­ней­ше­го обу­че­ния уе­хал в Ба­ва­рию.

В 1501 (или 1502) — 1505 годах ра­бо­тал в Ве­не, где сбли­зил­ся с кру­гом ме­ст­ных гу­ма­ни­стов (К. Цель­тис и др.). В 1505-1550 годах ра­бо­тал в Вит­тен­бер­ге при дво­ре кур­фюр­ста Фрид­ри­ха Сак­сон­ско­го Муд­ро­го и его по­сле­до­ва­те­лей.

В 1508-1509 годах со­вер­шил по­езд­ку в Ни­дер­лан­ды; в 1550-1552 годах ра­бо­тал в Аугс­бур­ге, в 1552-1553 годах — в Вей­ма­ре.

Их яр­кий, звон­кий ко­ло­рит и экс­прес­сив­ность об­ра­зов сви­де­тель­ст­ву­ют о влия­нии позд­не­го­тической тра­ди­ции. В идил­лическом клю­че ре­ше­на кар­ти­на «От­дых на пу­ти в Еги­пет» (1504, Государственные му­зеи, Бер­лин), яв­ляю­щая­ся уже под­лин­но ре­нес­санс­ным про­из­ве­де­ни­ем.

Вни­ма­ние к пей­за­жу, ко­то­рый в ран­них ра­бо­тах за­ни­ма­ет центральное ме­сто, не­по­сред­ст­вен­ность вос­при­ятия при­ро­ды, реа­лизм отдельных де­та­лей об­на­ру­жи­ва­ют в Кранахе са­мо­быт­но­го ху­дож­ни­ка, ока­зав­ше­го влия­ние на фор­ми­ро­ва­ние ду­най­ской шко­лы.

В Ве­не Кранах соз­да­вал так­же порт­ре­ты (Ио­ган­на Кус­пи­ниа­на и его же­ны Ан­ны, 1502-1503 годы, со­б­ра­ние О. Рейн­хар­та, Вин­тер­тур, и др.), в ко­то­рых по­пы­тал­ся вы­явить ал­ле­го­рическую взаи­мо­связь че­ло­ве­ка и при­ро­ды.

В Вит­тен­бер­ге Кранах об­ра­щался к различным жан­рам в жи­во­пи­си и гра­фи­ке. Под влия­ни­ем А. Дю­ре­ра на­пи­са­ны круп­ные ал­тар­ные про­из­ве­де­ния (для церкви Святой Ма­рии в Тор­гау, 1509, ны­не — в Ште­де­левском институте ис­кусств, Франк­фурт-на-Май­не).

Ори­ен­та­ция на ни­дерландское искусство XV века ощу­ща­ет­ся в не­боль­ших «ка­би­нет­ных» про­из­ве­де­ни­ях, на­пи­сан­ных для вы­со­ко­по­став­лен­ных за­каз­чи­ков («Ро­ж­де­ст­во Хри­ста», 1515-1520 годы, КГ, Дрез­ден).

В конце 1500-х годов Кранах об­ра­тил­ся к ми­фо­ло­гическим те­мам, где гу­ма­ни­стические идеа­лы трак­то­ва­ны в ди­дак­тическом клю­че, эти­че­ская про­бле­ма­ти­ка ак­цен­ти­ро­ва­на в со­про­во­ж­даю­щих кар­ти­ну латинских над­пи­сях («Ве­не­ра и Амур», 1509, Эр­ми­таж, Санкт-Пе­тер­бург; «Ним­фа ис­точ­ни­ка», 1518, Му­зей изо­бра­зительных ис­кусств, Лейп­циг). Важ­ное ме­сто в твор­че­ст­ве Кранаха про­дол­жа­ют за­ни­мать порт­ре­ты как официального ха­рак­те­ра (гер­цо­га Ген­ри­ха Бла­го­чес­ти­во­го и Ка­та­ри­ны Мек­лен­бург­ской, 1514, КГ, Дрез­ден), так и не­боль­шие, ин­тим­ные по со­дер­жа­нию (бур­го­ми­ст­ра города Вай­сен­фельс, 1515, Государственные му­зеи, Бер­лин).

В начале 1520-х годов Вит­тен­берг стал цен­тром Ре­фор­ма­ции. Сбли­зив­шись с М. Лю­те­ром, Кранах стал прак­ти­че­ски его официальным порт­ре­ти­стом. В гра­ви­ро­ван­ных и жи­во­пис­ных порт­ре­тах Лю­те­ра, про­па­ган­ди­рую­щих его уче­ние и био­гра­фию, пред­став­лял его в различных об­раз­ах: гу­ма­ни­ста, ре­фор­ма­то­ра, свя­того и т. д.

В жен­ских порт­ре­тах Кранах стре­мил­ся к соз­да­нию иде­аль­но­го ти­па: ли­ца с уз­ки­ми рас­ко­сы­ми гла­за­ми, ост­рым под­бо­род­ком и слад­кой улыб­кой. С 1530-х годов мно­жат­ся ра­бо­ты на ре­ли­ги­оз­ные и ан­тич­ные сю­же­ты, где чер­ты ма­нер­но­сти пе­ре­пле­та­ют­ся с влия­ния­ми позд­не­го­тического искусства.

Кранах за­ни­мал­ся так­же кси­ло­гра­фи­ей (гра­вю­ры на сю­же­ты Свя­щен­но­го Пи­са­ния и ан­тич­ной ми­фо­ло­гии).

Мно­го­об­раз­ная дея­тель­ность Кранаха при сак­сон­ском дво­ре (ра­бо­тал как при­двор­ный ху­дож­ник, кос­тю­мер и де­ко­ра­тор), соз­да­ние им собственного ап­теч­но­го и ти­по­граф­ско­го дел от­вле­ка­ли художника от за­ня­тий жи­во­пи­сью, что по­бу­ди­ло его ор­га­ни­зо­вать круп­ную мас­тер­скую, по­пу­ля­ри­зи­ро­вав­шую т. н. стиль Кранаха. Её роль всё силь­нее об­на­ру­жи­ва­ет­ся с конца 1520-х годов, ко­гда уче­ни­ки и по­сле­до­ва­те­ли на­чи­на­ют ти­ра­жи­ро­вать про­из­ве­де­ния с мар­ки­ров­кой мас­те­ра (по­жа­ло­ван­ный Кранаху кур­фюр­стом в 1508 году герб — кры­ла­тый дра­кон).

Преданный кубизму лидер

Грис продолжал представлять иллюстрации к публикациям в течение нескольких лет, но на него сильно повлияли картины Пикассо и Жоржа Брака, создателей кубизма. Посвящая значительную энергию своей собственной живописи после 1910 года, Грис первоначально производил работы в аналитическом кубистском стиле, используя линейные сетки и ясные изображения. Его Посвящение Пикассо было среди картин, выставленных в Salon des Indépendants в 1912 году, и в том же году он подписал контракт, который давал исключительные права на свою работу немецкому арт-дилеру Даниэлю-Генри Канвейлеру.

Центр внимания Гриса вскоре перешел к синтетическому кубизму, стилю, обозначенному более экспансивным использованием цветов и добавлением коллажей и других материалов. Начавшаяся Первая мировая война нарушила его деловые отношения с Канвейлером, но Грис получил финансовую помощь от писательница Гертруды Стайн, и подписал новый контракт с французским торговцем Леонсом Розенбергом в 1916 году.

Грис взял на себя ведущую роль в кубистском движении в это время, создавая картины, такие как «Человек из Турина» (1918 г.), которая была связана с чувством классического порядка. Был награжден своей первой крупной персональной выставкой в галерее Розенберга Galerie l’Effort Moderne в Париже в 1919 году, но в следующем году его творческий процесс был приостановлен неизвестным заболеванием, возможно туберкулезом.

Истоки поверья

Прежде всего, необходимо понять, что такое «уста истины»? Это старинная круглая мраморная плита диаметром 1,75 м с изображением маски Тритона, датируется I веком нашей эры. Во времена Римской империи маска прикрывала один из люков Великой клоаки в Риме. Однако самой известной функцией «уст истины» является его роль детектора лжи. Еще со времен средневековья считалось, что если человек, который солгал, протянет руку в рот скульптуре, она непременно откусит ее. В XIV веке эта традиция превратилась в популярную историю. В настоящей сцене на полотне Кранаха «уста истины» представлены не маской речного бога, а устрашающей скульптурной в форме льва.

Скульптура «Уста истины

Переезд в Петербург

Леонардо да Винчи (1452—1519).

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.

Chalk Cliffs on Rugen

Caspar David Friedrich, Chalk Cliffs on Rugen, 1818-19, Stiftung Oskar Reinhart, Winterthur, Switzerland.

With its striking white chalk cliffs, Rügen was – and still is – a popular North German tourist destination. The painting was executed during a brief period of hope – both in Friedrich’s personal life and in the political life of the German nation. In the summer of 1818, Friedrich was on his honeymoon: the woman in the red dress is almost certainly his bride, Caroline. Meanwhile, Friedrich himself is the figure in the middle. The man dressed in the old German costume of the student fraternities that formed in the wake of the Congress of Vienna represents the liberal nationalists who, at the time, were still basking in Frederick William III’s promise of constitutional and democratic reforms.

#1 Leonardo da Vinci

Lifespan:	April 15, 1452 – May 2, 1519
Nationality:	Italian

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci was the ideal Renaissance man, the greatest Universal Genius, who, among other things, was a painter, mathematician, engineer, architect, botanist, sculptor and anatomist. However for four centuries after his death his fame rested primarily on his laurels as a painter. His detailed knowledge of anatomy, light, botany and geology helped him in creating some of the most renowned masterpieces in history. Da Vinci is known for capturing subtle expressions due to which his paintings look more alive than others. He made numerous contributions to the field of art including his pioneering of the techniques known as sfumato, the smooth transition from light to shadow; and chiaroscuro, use of strong contrasts between light and dark to achieve a three dimensional effect. Da Vinci painted the Mona Lisa, world’s most famous painting. Other famous works in art by him include The Last Supper, the most reproduced religious painting; and Vitruvian Man, one of the most reproduced artistic images. Leonardo da Vinci is, without doubt, the most famous artist of the Renaissance.

Обучение и заказы

В 1971 году Лоуренс получил должность ординарного профессора в университете Вашингтона в Сиэтле, где он преподавал до выхода на пенсию в 1986 году. Помимо обучения, он потратил большую часть заработанных на живописи денег, выпустив печатные издания с ограниченным тиражом, чтобы помочь финансировать некоммерческие организации, такие как Фонд правовой защиты NAACP , Фонд защиты детей и Шомбургский центр исследований черной культуры. Он также нарисовал фрески для Центра Гарольда Вашингтона в Чикаго, Университета Вашингтона и Университета Говарда, а также 72-футовую фреску для станции метро «Таймс-сквер» в Нью-Йорке.

Лоуренс даже рисовал за несколько недель до смерти, 9 июня 2000 года.

Презентация на тему: » Эль Греко. 2 часть. Эль Греко. 2 часть.. Толедо Эль Греко Погребение графа Оргаса 1586 Церковь Сан Томе, Толедо.» — Транскрипт:

1

Эль Греко. 2 часть. Эль Греко. 2 часть.

2

Толедо

3

Эль Греко Погребение графа Оргаса 1586 Церковь Сан Томе, Толедо

4

Некоторые особенности картины Соединение двух планов композиции – земного и небесного. Эффектное смешение исторических персонажей с современниками. Нижний ярус – земной – написан в реалистической манере. Верхний ярус – причудливая деформация фигур. Сальвадор Дали, впервые увидев эту картину, упал в обморок.

7

Тициан Ассунта Церковь Санта Мария Глориоза в Венеции. 1518

8

Человек, смотрящий прямо на нас – предположительно сам художник. На переднем плане художник поместил своего сына Хохе Мануэля. На сложенном носовом платке, торчащем из его кармана, можно прочитать дату его рождения

9

Главный герой полотна – граф Оргас умер в 1323, завещав своим наследникам оплачивать содержание церкви Санто Томе. Однако, Эль Греко одевает его в доспехи 16 века. Это должно было усилить непосредственность восприятия данного сюжета.

10

На ризе святого Стефана изображена сцена его мучений (он был побит камнями до смерти). Этот первый христианский мученик был небесным, а граф Оргас земным покровителем монастыря августинцев в Толедо. Бледные, элегантно удлиненные кисти рук отчетливо проступают на фоне черной одежды, указывая на совершающиеся чудеса.

11

Эль Греко Распятие 1589

12

Поклонение пастухов 1596 Благовещение 1596

13

Апостол Иаков Около 1600

14

Апостол Андрей и св.Франциск Около 1600

15

Евангелист Иоанн 1600-е гг

16

Апостолы Петр и Павел Огромная роль рук и жеста в произведениях Эль Греко=. Жест Петра как бы обращающегося с просьбой – несколько робкий и неопределенный, противопоставлен жестам Павла, активным и завершенным в действии. Павел был проповедником, и, согласно преданию, он принес христианство на Крит, родину Эль Греко

17

Христос на Масличной горе. 1605

18

Моление о чаше. 1610

19

Вид Толедо Музей Метрополитен. Нью-Йорк. 1.Один из первых самостоятельных пейзажей в мировой живописи. 2.Пронзительная тревога разлита в пейзаже. 3. Искажение некоторых топографических деталей для придания полотну большей выразительности.

20

«Лаокоон» (1613–1614, Национальная галерея, Вашингтон).

21

Н.Дмитриева: «…нечто загадочное начинает твориться с фигурами – они вытягиваются в длину и причудливо деформируются, словно в зеркале с кривой поверхностью. Как узкие колеблющиеся языки пламени, они тянутся ввысь. Хотя готические фигуры тоже очень вытянуты в длину, хотя изменение естественных пропорций встречается то и дело в искусстве – с сознательной деформацией мы впервые встречаемся только у Эль Греко. Если готические фигуры удлинены, то потому, что удлинены колонны, возле которых они стоят, потому что этого требует общая система готики, конструкция, наконец, общий стиль времени. У Эль Греко деформации выглядят неожиданными и загадочными, так как они не диктуются общим стилем времени, а вытекают из индивидуального стиля художника, построены по законам его духа». «Лаокоон» трактован как тема гибели и одновременно как тема Толедо.

22

Задание: 1.В Риме Эль Греко видел одноименную эллинистическую скульптурную композицию. Что воспринял художник у античных мастеров, и в чем его трактовка совершенно оригинальна? 2. Вглядитесь в фигуру юноши слева. Найдите близкие мотивы в творчестве Микеланджело.

23

Апокалиптический сюжет, где воспрянувшие тела, как раскрученные пружины, снизу вверх словно ввинчиваются в устрашающе грозное небо последнего дня мира «Снятие пятой печати» Метрополитен музей, Нью Йорк

24

Здесь покоится Грек. Природа ему завещала искусство, искусство — знание. Ирида – свои краски. Феб – свой свет, но не завещал свои тени Морфей. Луис де Гонгора Здесь покоится Грек. Природа ему завещала искусство, искусство — знание. Ирида – свои краски. Феб – свой свет, но не завещал свои тени Морфей. Луис де Гонгора

Архитектор

Не все архитектурные творения Вазари можно назвать успешными. Так, в частности, в работе над монументальными объектами мастеру не всегда удавалось сохранить единство стиля и форм, но в декорировании зданий чувствовался большой талант и неповторимый почерк.

https://www.youtube.com/watch?v=_dFdk7Up_YQVideo can’t be loaded because JavaScript is disabled: «Джорджо Вазари — архитектор». Лекция искусствоведа Марины Лопуховой | Часть 2 | ВАЗАРИ 2016 (https://www.youtube.com/watch?v=_dFdk7Up_YQ)

Сохранилось несколько архитектурных работ, выполненных по замыслу Вазари, отличающихся особой красотой и оригинальностью. К числу самых значимых относятся:

Вилла Джулия

Вилла Джулия (Villa Giulia) – архитектурный комплекс, возведенный в Риме для Папы Юлия III. Строительство началось в 1550, и завершилось спустя пять лет.

Грандиозный проект, выполненный в соавторстве с такими знаменитыми мастерами, как Джакомо да Виньола (Vignola), Бартоломео Амманати (Bartolomeo Ammannati) и Микеланджело, представлял собой великолепный дворец, состоящий из трех ансамблей.

Рыцарская площадь

Рыцарская площадь (Piazza dei Cavalieri) в Пизе и дворец рыцарского ордена святого Стефана, перестроенный из комплекса нескольких зданий. Работа осуществлялась в 1558 году по заказу герцога Тосканского Козимо I Медичи.

Фасад украшен в традиционной для средневековья технике граффито (graffito) с витиеватыми рельефными узорами, аллегорическими фигурами, зодиакальными знаками, надписями, а также установленными позже мраморными бюстами знатных граждан и фамильными гербами. Дворец носит название Палаццо делла Карована (Palazzo della Carovana), в наши дни в стенах великолепного здания размещена учебная и административная база итальянского государственного центра высшего образования и научных исследований (Scuola Normale Superiore).

Галерея Уффици

Галерея Уффици (Palazzo degli Uffizi) во Флоренции, сооружение которой началось в 1560 году и закончилось спустя 20 лет, уже после смерти Вазари.

Первоначально здание должно было играть роль главного административного центра, вмещающего в себя основные органы городского управления, канцелярию, архив и библиотеку. Первый проект, предложенный архитектором, был существенно изменен. В итоге дворец приобрел вид сооружения, состоящего из двух корпусов, соединенных между собой большой аркадой.

Оригинальное оформление фасада, наполненное легкостью и изяществом, признано истинным архитектурным шедевром Вазари.

Практически сразу после окончания строительства, с 1581 года в здании Уффици разместилась выставка искусств с уникальными экспонатами, коллекция которых постоянно пополнялась. Вот уже несколько веков старинный музей остается самой популярной туристической достопримечательностью не только Флоренции, но и всей Европы.

Синдром Тулуз-Лотрека

Анри де Тулуз-Лотрек родился в аристократом 24 ноября 1864 года в Альби, Франция. Его родители, Адель и Альфонс, были не первыми кузенами, которые, как говорят, произошли от предыдущих случаев семейного инбридинга, и поэтому Тулуз-Латрек и его двоюродные братья страдали от связанных с этим физических недугов. Оба бедра Тулуз-Лотрека были сломаны в подростковом возрасте, что способствовало его более позднему росту, молодой человек, достигал в высоту чуть выше 4 1/2 футов, имея полноразмерное туловище и укороченные ножки ходил с помощью трости. (Было высказано предположение, что он страдал от pycnodysostosis — также известный как синдром Тулуз-Лотрека, хотя другие сомневаются в этом.) Он также терпел болезненные зубные боли и деформации лица в течение всей жизни.

Тулуз-Лотрек, как и другие члены его семьи, искали утешение в мире искусства, в детстве и юности он занимался эскизом и оттачивал свое ремесло во время длительных периодов выздоровления от многочисленных болезней. Он посещал Лицей Фонтаны в Париже в течение некоторого времени в начале 1870-х годов, а затем учился у Рене Принсто и Джона Льюиса Брауна. Эти художники сосредоточились на портретной живописи и, таким образом, повлияли на некоторые чувства Тулуз-Лотрека, которые отразятся в дальнейшей его карьере. В 1882 Тулуз-Лотрек учился у Леона Бонна прежде чем работать у Фернанде Кормоне.

Рафаэль (1483—1520).

Рафаэль. Автопортрет. 1506. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.

О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.

Каспар Давид Фридрих: жизнь и творчество художника

Каспар Давид Фридрих (1774 — 1840) – немецкий пейзажист, художник романтичного направления в живописи.

Биография Каспара Давида Фридриха

Творчество Каспара Давида Фридриха

Работы художника

Картины Каспара Давида Фридриха

Библиография

Биография Каспара Давида Фридриха

Каспар Давид Фридрих родился в семье мыловара. В молодости лишился большинства родственников — в 1781 г. умерла мать художника, затем скончались его две сестры и брат.

В 1790 г. получил первые уроки рисования. С 1794 по 1798 г. Фридрих учился изобразительному искусству в Датской королевской академии изящных искусств в Копенгагене.

После возвращения из Дании путешествовал по различным городам Германии, пока не обосновался в Дрездене.

Сблизился с кружком романтиков, включавшим Л.Тика, Новалиса, Г.фон Клейста, а также Ф. О. Рунге; в 1810 познакомился с И. В. Гёте, а в 1821 — с В. А. Жуковским; был дружен и с натурфилософом и художником К. Г. Карусом.

Находился в близких отношения с норвежским художником Юханом Далем, оказал большое влияние на его творчество.

Творчество Каспара Давида Фридриха

Каспар Давид Фридрих представлял собой художника-пейзажиста романтического направления. По его словам, его пейзажи

« … не были точными изображениями воздуха, воды, скал и деревьев….но отражением души и эмоционального наполнения этих объектов».

Меланхолия, символические композиции Фридриха были исключительным, выдающимся выражением смысла пейзажа.

Он использовал необычные, часто зловещие, мрачные, световые эффекты, объединяющие по духу все работы художника. Лишь единицы людей были приближенными к художнику, а влияние Фридриха, как художника, было небольшим.

С 1824 был профессором дрезденской Академии художеств. Оставил афоризмы и наблюдения об искусстве, подчеркивающие необходимость сочетания верности натуре («душе природы») с внутренней духовной интуицией, которую считал «божественным глаголом» в сердце.

В 1835 г. художника разбил паралич, и с тех пор он больше не работал масляными красками, ограничиваясь небольшими рисунками сепией.

Художник скончался в бедности 7 мая 1840 г. в Дрездене.

На определенный период забытое, искусство Фридриха вновь привлекло внимание в 20 в., начиная с эпохи сюрреализма

Такие картины Фридриха, как «Capuchin Friar by the Sea», «Man and Woman Gazing at the Moon» (обе в Берлине), «Two Men Contemplating the Moon» (1830, музей Метрополитен, Нью-Йорк) являются характерными для художника, показывают мистическое, пантеистическое отношение к природе.

Работы художника

• «Пейзаж с радугой», 1809, Государственное художественное собрание, Веймар;
• «Возрасты», около 1815, Музей изобразительных искусств, Лейпциг;
• «Парусник», 1815, Kunstsammlungen, Хемниц;

• «Мужчина и женщина, созерцающие луну», около 1824, Национальная галерея, Берлин.
• «Месса в готической руине», 1819, Национальная галерея, Берлин;
• «Монастырское кладбище под снегом»,
• «Гибель „Надежды“ во льдах».

Библиография

• Азадовский К. М., Пейзаж в творчестве К. Д. Фридриха, в сборнике: Проблемы романтизма, вып. 2, М., 1971;
• Sumowski W., Caspar David Friedrich-Studien, Wiesbaden, 1970;
• Werner Busch: Caspar David Friedrich. Ästhetik und Religion. CH Beck, München 2003, ISBN 3-406-50308-X

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: all-biography.ru, ru.wikipedia.org

Каспар Давид Фридрих: картины художника

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Каспар Давид Фридрих: жизнь и творчество художника

#10 Composition X

Composition X (1939)

Location	Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf, Germany
Style	Abstract
Year	1939

The idea of music appears everywhere in Kandinsky’s art. For example, he gave many of his paintings musical titles like Compositions, Improvisations and Impressions. The most famous of these are his mighty 10 Compositions, which were created from Composition l in 1907 to Composition X in 1939. The last of the series, Composition X, is regarded as the pinnacle of his exploration of expression through non-representational form. At this time of his career, Kandinsky was influenced by Surrealism and this may be seen in the organic shapes in this painting. The black in the painting allows the colored forms to stand out. Composition X is seen as a representation of the circle of life and the emotional ups and downs that everyone experiences.