Русский авангард

И: Инхук

Инхук, или Институт художественной культуры, появился в Москве в 1920 году по инициативе Василия Кандинского. Кандинский продвигал идеи нового искусства, которое строилось на синтезе живописи, танца и музыки. Ему в Инхуке противостояла группа конструктивистов во главе с Александром Родченко, для которых синтетическое искусство было обращением к прошлому, «предательством» модернизма. Инхук просуществовал недолго — до 1924 года, но в нем успели поработать многие знаковые деятели русского авангарда.

Василий Кандинский. Фотография: wassilykandinsky.ru
Инхук (Институт художественной культуры). 1920 год. Фотография: wassilykandinsky.ru
Александр Родченко на строительстве Беломорканала. 1933 год. Мультимедиа Арт Музей, Москва

Щ: Щукин

Сергей Щукин — московский купец, меценат и коллекционер, человек, открывший России французских импрессионистов. Его коллекция вместе с собранием Ивана Морозова стала основой экспозиции авангардной живописи Эрмитажа и Музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Щукин приобретал картины, которые в то время вызывали негативные отклики критиков и зрителей, а позже оказались знаковыми для живописи рубежа XIX–XX веков. Именно Щукин открыл российским зрителям Пабло Пикассо и Анри Матисса. За два панно Матисса — «Танец» и «Музыка» — коллекционер заплатил огромную на тот момент сумму: 15 и 12 тысяч франков. Особняк Щукина с произведениями художников-новаторов был открыт для посещения, и молодые авангардисты 1910-х годов могли знакомиться там с творчеством своих западных коллег.

Анри Матисс. Танец. 1910. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Христиан Корнелиус (Ксан) Крон. Портрет Сергея Щукина. 1915. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Анри Матисс. Музыка. 1910. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Ф: Футуризм

Футуризм (от итальянского futuro — «будущее») — это новый язык искусства. Своего расцвета направление достигло в литературе. В первую русскую футуристическую группу вошли Владимир Маяковский, Давид Бурлюк, Велимир Хлебников, Алексей Кручёных. Они называли себя «будетлянами», как позже писал Маяковский: «люди, которые будут». Футуристы отвергали реализм и старались сломать старые традиции в искусстве. Слово у них активно взаимодействовало с изображением: именно в это время появилась культура плакатов. Издавались рукописные книги, поэты иллюстрировали сборники, художники писали стихи.

Владимир Маяковский
«А вы смогли бы?»

Я сразу смазал карту будня,
плеснувши краску из стакана;
я показал на блюде студня
косые скулы океана.
На чешуе жестяной рыбы
прочел я зовы новых губ.
А вы ноктюрн сыграть могли бы
на флейте водосточных труб?1913

Давид Бурлюк
«Камень, брошенный с вершины»

Камень, брошенный с вершины,
Не вернется никогда! —
В лаве бурныя морщины, —
Камень книзу без следа;
Но сказали мне японцы,
Что к вершине, где так солнце
Светит ярко — ветер часто
Камень гонит вспять несчастной.1921

Алексей Кручёных
«Тропический лес»

Пробуждается и встает
в белых клубах негр
смотрит на круглый живот
пробует острый верх
водомет голубой крыло головы
зубы сверкают среди барвинков
лежа на копьях листвы
кто-то играет на скрипке.1913

У: Уновис

Уновис, или «Утвердители нового искусства», — художественная группа, которую создал Казимир Малевич в Витебске в 1920 году. Приехав сюда преподавать, художник собрал вокруг себя группу учеников. Они собирались на философские дискуссии, проводили выставки, оформляли город к разным праздникам. В 1921 году в местном журнале «Искусство» был опубликован манифест Уновиса. В основу педагогической системы Малевича легли принципы супрематизма, и целью объединившихся художников стало «создание чистого живописного образа».

Участники группы Уновис. Витебск, 1922 год. Слева направо: стоят Иван Червинко, Казимир Малевич, Ефим Рояк, Анна Каган, Николай Суетин, Лев Юдин, Евгения Магарил; сидят Михаил Векслер, Вера Ермолаева, Илья Чашник, Лазарь Хидекель. Фотография: thecharnelhouse.org
Участники группы Уновис. 1920 год. Фотография: evitebsk.com
Занятия в мастерской Уновиса. Сентябрь 1920 года. Справа налево: на переднем плане — Иван Червинко, Георгий Носков, Михаил Векслер, Н. Фейгельсон; над ними — Ефим Рояк; сидит — Николай Суетин; за столом — Лев Юдин, Нина Коган, Вера Ермолаева; у доски стоит Казимир Малевич, рядом — Лазарь Хидекель, Илья Чашник. Фотография: thecharnelhouse.org

Х: Хлебников

Группа «Гилея» была одной из первых в русской авангардной поэзии, а поэт Велимир Хлебников — ее постоянным участником. Его произведения, которые многим казались бессмысленными, существовали в новой семантической системе, построенной на неологизмах. «Заумь» нового языка, игра со смыслами и фонетикой — все это для того, чтобы читатель не мог быть уверен, что понимает смысл стихотворения правильно. «Слова особенно сильны, когда они имеют два смысла, когда они живые глаза для тайны и через слюду обыденного смысла просвечивает второй смысл», — писал Велимир Хлебников.

«Времыши-камыши…»

Времыши-камыши
На озера береге,
Где каменья временем,
Где время каменьем.
На берега озере
Времыши, камыши,
На озера береге
Священно шумящие.1908

«Россия забыла напитки…»

Россия забыла напитки,
В них вечности было вино,
И в первом разобранном свитке
Восчла роковое письмо.
Ты свитку внимала немливо,
Как взрослым внимает дитя,
И подлая тайная сила
Тебе наблюдала хотя.Начало 1908-го

«Облакини плыли и рыдали…»

Облакини плыли и рыдали
Над высокими далями далей.
Облакини сени кидали
Над печальными далями далей.
Облакини сени роняли
Над печальными далями далей…
Облакини плыли и рыдали
Над высокими далями далей.Март 1908-го

Плакаты

Плакат. (wikipedia.org)

Расцвет творческой деятельности художника пришелся на 1920-е годы. В 1919—1920 гг. вместе с А. Шевченко, Л. Поповой и др. входит в объединение Живскульптарх. В 1920-е гг. Родченко был преподавателем во ВХУТЕМАСе, возглавлял Лабораторию по изучению живописи при ВГХМ.

Плакат. (wikipedia.org)

В 1922 году вышла его книга «Лабораторное прохождение через искусство живописи и конструктивно-пространственные формы к индустриальной инициативе». Одновременно с подготовкой книги Родченко работал в области плаката — фотомонтажа. В 1923 году готовил обложки для «ЛЕФа». В 1929 году оформил спектакль «Клоп» В. Маяковского.

Плакат. (wikipedia.org)

Плакат. (wikipedia.org)

Плакат. (wikipedia.org)

Плакат. (wikipedia.org)

Плакат. (wikipedia.org)

Д: Дягилев

Сергей Дягилев — юрист по образованию — учился живописи, собирал произведения искусства, организовывал выставки, стал одним из основателей группы «Мир искусства». Но имя его прочно связано с балетом — искусством, которое поначалу казалось Дягилеву недостойным внимания. Именно он открыл для европейской публики эстетику дворянской культуры XVIII–XIX веков, когда в 1909 году впервые привез за границу русский балет. Пользовавшиеся бешеной популярностью Русские сезоны позже трансформировались в «Русский балет Дягилева» — труппа базировалась в Монако, гастролируя по Европе и США.

На вокзале — композитор Роже Дезормьер, Сергей Дягилев, танцовщик Серж Лифарь, писатель и театрал Борис Кохно, балерины Александра Данилова, Фелия Дубровская и Любовь Чернышева. Фотография: persons-info.com
Сергей Дягилев. 1910 год. Фотография: wikipedia.org
Композитор Игорь Стравинский и Сергей Дягилев в аэропорту Лондона. 1926 год. Фотография: persons-info.com

Э: Эль Лисицкий

Архитектор, художник, конструктор, первый отечественный графический дизайнер, мастер фотомонтажа, инженер. Лазарь Лисицкий, позже взявший себе псевдоним Эль Лисицкий учился живописи у Юделя Пэна. Влияние на его творчество оказали идеи супрематизма и конструктивизма. На их основе Лисицкий сформировал собственный стиль и разработал концепцию проунов — «проектов утверждения нового», — в которых плоскостной супрематизм переходил в архитектуру. Лисицкий назвал их «пересадочной станцией от живописи к архитектуре». Помимо архитектурных проектов (например, проекта горизонтальных небоскребов), художник занимался фотомонтажом и дизайном.

Эль Лисицкий. Проун 19D. 1922. Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Эль Лисицкий. Клином красным бей белых. 1920. Российская государственная библиотека, Москва
Эль Лисицкий. Проун 1С. 1919. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания

Я: Якулов

Георгий Якулов известен как театральный художник и теоретик искусства, автор «Теории разноцветных солнц», которая объясняла как солнечный свет в разных странах влиял на происхождение разных стилей в искусстве. Цвет он считал отдельным самостоятельным элементом, который сам создает художественный образ. Якулов также работал в театре — например, оформлял знаменитые балеты Дягилева.

Георгий Якулов. Бар. 1911–1912. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Георгий Якулов. Портрет А.Г. Коонен. 1920. Частное собрание
Георгий Якулов. Нападение льва на лошадь. Эскиз панно для кафе «Стойло Пегаса». 1919. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Портал «Культура.РФ» благодарит Ирину Локтионову-Долинскую, куратора и продюсера образовательных программ ВДНХ за помощь в подготовке спецпроекта.

Главное изображение: Владимир Бехтеев. Бой быков. 1919. Екатеринбургский музей изобразительных искусств, Екатеринбург

Хочешь стать одним из более 100 000 пользователей, кто регулярно использует kiozk для получения новых знаний?Не упусти главного с нашим telegram-каналом: https://kiozk.ru/s/voyrl

Фотограф

Плакаты, дизайн, реклама — об этом сказано достаточно. А то, что Родченко был ещё и неплохим фотографом, известно не всем.

Работа Родченко. (wikipedia.org)

Первые шаги Родченко на ниве фотографии относятся к 20 годам, когда он, в то время театральный художник и дизайнер, столкнулся с необходимостью фиксировать на пленку свои работы. Открыв новое для себя искусство, Александр был им полностью очарован.

Лестница, 1930. (wikipedia.org)

Свой главный вклад фотограф внес в развитие жанра фоторепортажа — именно Александр Родченко первым применил многократную съемку человека в действии, которая позволяет получать собирательное документально-образное представление о модели.

Фоторепортажи Родченко публиковались в целом ряде центральных изданий: газете «Вечерняя Москва», журналах «30 дней», «Даешь», «Пионер», «Огонек» и «Радиослушатель».

1907 – 1911 гг. Синтетический период

Знакомство с Давидом Бурлюком в 1907 году придало новый
импульс творческим исканиям Михаила Федоровича. Совместно они организовали
выставку «Стефанос», ставшую первым смотром сил нового русского авангарда и
вызвавшую бурную критику.

Ларионов тем временем движется в сторону неопримитивизма и
начинает осмыслять зарождающуюся тенденцию «ухода от предмета». Он действует в
своей манере – изучает, анализирует и выплескивает на холсты свой взгляд и свое
высказывание.

Неопримитивизм стал первым открытием зарождающегося русского
авангарда и вышел из переосмысления лубка и иконы. В новом течении Ларионов
демонстрировал отказ от подражания западной традиции, в частности примитивам
Гогена, и резкий уход от классических догм живописи.

Впервые свои примитивистские работы Ларионов показал в 1909
году на выставке «Золотое руно».

Грубость сюжетов, нарочитая небрежность, явное
издевательство и пародия на «высокое искусство» совсем не понравились публике.
Именно тогда обозначился резкий разрыв в понимании эстетики между творцом и
зрителем. Возникла совсем новая для России ситуация в искусстве. Художники стали
работать без оглядки на зрителя. Зародился русский авангард.

«Парикмахер» 1907
«Пекарь» 1909
«Провинциальная франтиха» 1907
«Месильщики теста» 1907

Как и большинство авангардистов, Ларионов придерживался
левых взглядов. Возможно поэтому в его работах так много представителей рабочих
профессий. Да и сам он, часто нуждаясь в деньгах, подрабатывал на
низкооплачиваемых работах. В картины Ларионов вкладывал и свой опыт, и тонкие
наблюдения за окружающим миром и прозрения, свойственные гению.

Михаил Федорович одним из первых заметил огромную пропасть
между реальной жизнью и респектабельным искусством. Он понял, что необходим
новый язык для обновления живописи. Жизнь, с ее кабаками, трактирами,
безработными и обездоленными, нужно было впустить в искусство. Новые ценности
должны были отображаться на холстах.

«Ссора в кабачке» 1911

Уникальность Ларионова в том, что он с одной стороны говорил
на обманчиво простом, «детском» языке, понятным каждому, но с другой стороны
представлял сложную работу с глубочайшим смыслом.

В 1910 году Ларионов вместе с Ильей Машковым, Аристархом
Лентуловым и Петром Кончаловским организовал выставку «Бубновый валет». О
реакции публики на это событие Казимир Малевич писал в автобиографии –
«выставка была подобна взрыву сильного вулкана».

Критика не приняла «Бубнового валета». На художников
обрушился шквал негативных публикаций. Самым безобидным был отзыв Максимилиана
Волошина. О Ларионове он отозвался очень тактично: «Что он очень талантлив это
бесспорно, но в его талантливости есть что-то весело-дурацкое. Стоит только
посмотреть на его солдата».

«Курящий солдат» 1910-1911
«Отдыхающий солдат» 1911

Через год Ларионов с Гончаровой создали объединение
художников «Ослиный хвост». К ним присоединились Казимир Малевич, Кирилл
Зданевич, Михаил Ле-Дантю, Александр Шевченко и другие. Целью группы была русская
живопись без оглядки на европейские течения.

В 1912 была организована выставка «Ослиный хвост», где кроме
работ художников группы выставлялись рисунки детей и произведения маляров.
Жизнь стремительно входила в искусство, а искусство теряло свою элитарность. К
чему, собственно, и стремились авангардисты.

Последней яркой вспышкой примитива в творчестве Ларионова стал
цикл «Времена года». В нем художник объединил детский рисунок и архаику, но
пошел еще дальше – создал второе символическое дно, пространство смыслов, где фигуры-знаки
и криптограммы слагаются в стихотворения, состоящие из образов.

«Весна. Из цикла Времена года» 1912
«Лето. Из цикла Времена года» 1912
«Осень. Из цикла Времена года» 1912
«Зима. Из цикла Времена года» 1912

Биография

Родился в 1913 году в Москве в семье греческого коммерсанта, эммигранта с острова Закинф Дионисия Спиридоновича Костаки и Елены Эммануиловны Костаки. Был третьим из пяти детей. Имел греческое подданство. Работая в 1930-е годы шофёром в греческом посольстве, возил дипломатических работников в антикварные магазины и постепенно сам втянулся в коллекционирование.

С 1940 года он был шофёром в английском посольстве. Затем перешёл в посольство Канады, где в течение 37 лет, с 1942 по 1979 год работал завхозом. Заведовал местной советской прислугой посольства: шоферами, садовниками, поварами и горничными, ежедневно отчитываясь перед самым младшим чиновником посольства. Имел высокую зарплату и дипломатический статус.

Собрал большую коллекцию живописи. Она хранилась и выставлялась прямо в квартирах Костаки: сначала на Ленин­ском проспекте, потом на проспекте Вернадского. Здесь собирались большие компании — художники, поэты, музы­канты. В гостях у Костаки в разное время побывали Лев Ландау, Марк Шагал, Гленн Гульд, Игорь Стравинский, Микеланджело Антониони, Дэвид Рокфеллер.

Владел также коллекцией старинной русской игрушки, которую выкупил у наследников актера Николая Церетелли.

В 1973 году ездил по миру с серией лекций по русскому искусству, в том числе 9 октября 1973 выступил с лекцией в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.

В 1977 году уехал со своей семьёй из СССР в Грецию. При этом меньшую часть коллекции вывез с собой, большую был вынужден подарить Третьяковской галерее, музею имени Андрея Рублева (коллекцию икон), музею-заповеднику «Царицыно».

В 1988 году находился на лечении в Стокгольме, так как не доверял греческим больницам, так же как ранее советским. Скончался в 1990 году. После его смерти греческое государство выкупило часть коллекции Костаки и поместило её в основанном в 1997 году Государственном музее современного искусства в Салониках.

Семья

Жена — Зинаида Семёновна Костаки.

• Дети:
  • Костаки (Дымова), Инна Георгиевна
  • Костаки, Алики Георгиевна (р. ) — греческий галерист, искусствовед. Член совета директоров Музея современного искусства в Салониках.
  • Костаки, Наталья Георгиевна — греческий и российский художник.
  • Костакис, Александр Георгиевич
• Внуки:
  • Страментова-Костаки, Катерина (дочь Алики Костаки) — греческий дизайнер, антиквар.
  • Денис Александрович Костакис (сын Александра)
  • Елена Ильинична Дымова (дочь Инны)
  • Георгий Валерьевич Нечаев (сын Натальи)
  • Дария Владимировна Зажирей (дочь Натальи)
  • Дмитрий Владимирович Зажирей (сын Натальи)
  • Зинаида Владимировна Зажирей (дочь Натальи)

Ж: Журнал «Леф»

Журнал издавало творческое объединение ЛЕФ — Левый фронт искусств. Главным редактором был поэт Владимир Маяковский. За два года существования журнала в нем печатались Борис Пастернак, Велимир Хлебников, Николай Асеев, Алексей Кручёных и другие. Перед художественными произведениями размещали теоретические комментарии: например, перед поэмой Маяковского «Про это» пояснялось, что это «опыт полифонического ритма». Над обложками всех выпусков работал Александр Родченко. Журнал закрыли в 1925 году: официально из-за нерентабельности, на самом деле — из-за противоречий между литературными группировками внутри редакции.

ЛЕФ: журнал Левого фронта искусств, № 1. Фотография: vnikitskom.ru
Новый ЛЕФ: журнал Левого фронта искусств, № 4. Фотография: monoskop.org
ЛЕФ: журнал Левого фронта искусств, № 1. Фотография: litfund.ru

З: Злотников

Художник Юрий Злотников — абстракционист второй волны авангарда — был убежден, что на первое место в искусстве должен выйти язык науки. Он увлекался работами ученого-биолога Павлова, и не стремился в первую очередь перенести на полотно эмоцию, как художники-авангардисты начала ХХ века. Злотников изучал психофизиологическую моторику и «природу реакций на цвет и форму». В 1956 году он начал работать над серией беспредметных работ «Сигнальные системы» и создал более 100 графических рисунков, которые должны были положительно влиять на психику зрителя.

Юрий Злотников. Композиция №39. 1972. Московский музей современного искусства
Юрий Злотников. Композиция №71. 1982. Московский музей современного искусства
Юрий Злотников. Композиция №92. 1982. Московский музей современного искусства

Коллекция русского авангарда

«Зелёная полоса» Ольги Розановой, с которой якобы началась коллекция Костаки, была подделкой

На обороте картины Климента Редько «Восстание» (), купленной у вдовы художника Татьяны Фёдоровны Редько, Костаки незадолго до передачи картины Третьяковской галерее написал: «Картина века, самое великое произведение революционной России. Георгий Костаки. Москва, 14 апреля 77 года».

Коллекция включала живопись и графику представителей русского и советского авангар­да: Поповой, Родченко, Малевича, Шагала, Кандинского, Клюна, Клуциса, Древина, Редько, Татлина, Пуни, Эндеров, Матюшина, Чашника, Эль Лисиц­кого, Анатолия Зверева, Дмитрия Краснопевцева, Лидии Мастерковой.

Живопись

«Композиция Побеждающее Красное». (wikipedia.org)

В 1917 году, сразу же после Февральской революции в Москве создается профсоюз художников-живописцев. Родченко становится секретарем его Молодой Федерации, и занимается, в основном, организацией нормальных условий жизни и работы для молодых художников.

«Необъективная композиция». (wikipedia.org)

Родченко с 1918 по 1921 служит в отделе ИЗО Наркомпроса, заведует Музейным бюро. Одновременно с работой в наркомате разрабатывал серии графических, живописных и пространственных абстрактно-геометрических минималистских работ. С 1916 начал участвовать в важнейших выставках русского авангарда (на выставке «Магазин», организованной Владимиром Татлиным) и в архитектурных конкурсах.

«Танец», 1915. (wikipedia.org)

Он относился к искусству как к изобретению новых форм и возможностей, рассматривал своё творчество как огромный эксперимент, в котором каждая работа представляет минимальный по форме живописный элемент и ограничена в выразительных средствах. В 1917—1918 работал с плоскостью, в 1919 написал «Черное на чёрном», работы, основанные лишь на фактуре, в 1919—1920 ввел линии и точки как самостоятельные живописные формы, в 1921 на выставке «5×5=25» (Москва) показал триптих из трех монохромных цветов (желтый, красный, синий).

К: Кандинский

Василий Кандинский — один из основателей русского абстракционизма. Первым абстрактным полотном принято считать именно его «Картину с кругом» 1911 года. В трактате «О духовном в искусстве» Кандинский пытался разобраться, как цвет воздействует на сознание зрителя. «Цвет — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу», — писал он. Свои абстрактные картины он делил на три категории: импрессии, импровизации и композиции. Первые — прямые впечатления от созерцания; вторые — поток бессознательного; третьи, напротив, сознательно выстроенные.

Василий Кандинский. Картина с кругом. 1911. Грузинский национальный музей, Тбилиси
Василий Кандинский. Синее небо. 1940. Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж, Франция
Василий Кандинский. Композиция VIII. 1923. Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк, США

Ц: Цветозрительное (оптофоническое) фортепиано Баранова-Россине

Владимир Баранов-Россине, художник и скульптор, занимался также аудиовизуальными исследованиями. Еще в 1920 году он разработал оптофоническое пианино — оно же «цветозрительное» — и создал прообраз современных мультимедийных инсталляций. Его инструмент одновременно воспроизводил музыку и проецировал изображение. Каждая клавиша пианино соответствовала определенному звуку и цвету, причем яркость изображения можно было изменять с помощью фильтров. Баранов-Россине выступал с «цветомузыкальными концертами» в России и Европе, а оптофон часто использовали на своих выставках художники-авангардисты.

Оптофон Владимира Баранова-Россине. Фотография: cuntroll.ru
Оптофон Владимира Баранова-Россине. Фотография: artchive.ru
Оптофон Владимира Баранова-Россине. Фотография: arthive.com