Клара петерс биография строительная площадка и использованная литература

Эдуард Мане, Букет из спаржи и спаржи (1880)

Эдуард Мане, Букет из спаржи , 1880. Музей Вальрафа-Рихарца, Кельн, Германия.

Вот нетрадиционная история в мире искусства и забавный анекдот, который светит в обществе. Эти два натюрморта — одно и то же, и они больше известны историей своего создания, чем чисто эстетическими качествами.

Давным-давно, в 1880 году, жил коллекционер произведений искусства и хороший друг импрессионистов: Чарльз Эфрусси . Он решил поручить своему любимому художнику, Эдуарду Мане, нарисовать натюрморт, изображающий гроздь спаржи. Он предложил ему 800 франков за картину . Мане принял, раскрасил спаржу и отправил результат своему покровителю. Получив его, это изумление: Чарльз Эфрусси любит картину , он был в восторге от этой великолепной связки спаржи и дает Мане 1000 франков (то есть на 200 франков больше, чем ожидалось). Затем художник решил предложить этому щедрому покровителю еще один натюрморт — «Спаржу» — со следующим комментарием: « В вашей группе не хватало одного». .

Эдуард Мане, Веточка спаржи , 1880. Музей Орсе, Париж, Франция.

Это все, что требовалось для того, чтобы внешне незначительное произведение искусства стало легендой в истории современного искусства. Сегодня эти два произведения искусства разделены: одно находится в Музее д’Орсе в Париже, другое — в Городском музее Кельна, но поскольку они оба так тесно связаны, мы всем сердцем надеемся, что они однажды появятся. вместе .

4. Поль Сезанн, Натюрморт с черепом (ок. 1898 г.)

Поль Сезанн, Натюрморт с черепом , около 1898 года. Фонд Барнса, Филадельфия.

Как можно говорить о самых известных натюрмортах в истории искусства, не упоминая бесспорного мастера этого стилистического упражнения: странного и завораживающего Поля Сезанна . Этот художник, влюбленный в юг Франции, за свою карьеру реализовал несколько сотен натюрмортов, одни из которых были более возвышенными, чем другие.

Для Василия Кандинского Сезанн «поднял натюрморт до такой степени, что он перестал быть неодушевленным. Он рисовал эти вещи как человеческие существа, потому что получил способность угадывать внутреннюю жизнь всего» . Прекрасная дань уважения этому страстному художнику, который посвятил себя анализу картины через призму математики.

Поль Сезанн, Корзина яблок, ок. 1892. Художественный институт Чикаго.

Если яблоки Сезанна так завораживают, то это потому, что он видел их как сферы и цилиндры, а не как простые объекты для представления. Если его композиции настолько естественны, то это потому, что они созданы не из линий и форм, а благодаря алхимии контрастов. Форма создается за счет точного сочетания тонов, и если это сочетание гармонично, то картина создается сама собой . На языке художников «моделирование» означает прежде всего «модулирование» . Творчество Сезанна является неотъемлемой частью истории искусства, предвосхищая основные художественные тенденции 20-го века, особенно кубизм .

5. Жорж Брак, скрипка и подсвечник (1910)

Жорж Брак, скрипка и подсвечник , 1910 год. Музей современного искусства Сан-Франциско.

Именно с Пабло Пикассо Жорж Брак стал соучредителем кубизма , доминирующего художественного стиля двадцатого века. Кубизм — это художественное направление, которое характеризуется в основном отказом от классической перспективы , разделением форм на различные геометрические грани (что создает впечатление «кубиков») и независимостью различных плоскостей композиции. Чтобы понять смысл своих исследований, Брак и Пикассо должны были создавать произведения искусства в соответствии с этими процессами: Брак сначала создавал пейзажи, затем он приступил к деконструкции традиционной темы натюрморта .

Скрипка и подсвечник , безусловно, самый известный кубистический натюрморт в истории искусства . Созданный в 1910 году, он является частью первой фазы кубизма, широко известного как аналитический кубизм . Здесь элементы композиции представлены простыми формами с использованием нескольких точек зрения в чисто монохроматическом стиле: художник использовал только разные тона одного цвета. С Браком и Пикассо искусство становится логическим и математическим упражнением .

Жорж Брак, Натюрморт со стеклом и буквами, 1914. МоМА, Нью-Йорк.

Ярлыки

«Вирсавия»
(1)
«Даная»
(1)
«Девочка с персиками»
(1)
«Девушка освещенная солнцем»
(1)
«Кружевница»
(1)
«Ночной дозор»
(1)
«Пётр на смертном ложе»
(1)
«Портрет неизвестной в тёмно-голубом платье»
(1)
«Последний день Помпеи»
(1)
18 век
(9)
Академия хкдожеств
(1)
Академия художеств
(1)
Александр Македонский
(2)
Алексей Петрович Антропов
(2)
амулеты
(1)
анималист
(1)
анималистический жанр
(1)
Антон Лосенко
(1)
Анубис
(1)
Апеллес
(1)
архитектура
(1)
барокко
(2)
богиня Хатхор
(1)
Брюллов К.П. Автопортрет
(1)
Брюллов Карл
(1)
Бурлаки
(1)
бытовой жанр
(1)
В.А. Тропинин
(1)
Валентин Серов
(4)
Василий Андреевич Тропинин
(1)
Великий сфинкс
(1)
Виргилиус Эриксен
(1)
Вишняков Иван
(1)
Гентский алтарь
(1)
Георг Кристов Гроот
(1)
Геродот
(2)
Гертье Диркс
(1)
Гиза
(1)
Гор
(1)
Горький
(1)
графиня Юлия Самойлова
(1)
грифоны
(1)
Губерт ван Эйк
(2)
Д.Г. Левицкий
(1)
Дашур
(1)
Джордж Стаббс
(1)
Джосер
(2)
Древний Египет
(8)
Египет
(1)
Екатерина II
(1)
Елизавета Петровна
(1)
Ермолова
(1)
Женский портрет 18 века
(1)
живописец Иван Аргунов
(1)
живопись
(3)
Живопись Нидерландов
(1)
Живопись Нидерландов 15 века
(2)
жизнь и творчество
(1)
И. Е. Репин
(2)
И.Е. Репин «Царевна Софья»
(1)
И.Е. Репин за границей. «Садко в подводном царстве»
(1)
Иван Аргунов
(2)
Иван Никитин
(3)
идущие вброд
(1)
изображение Мадонны
(1)
изображения лошадей
(1)
Икона «Ангел Златые власы»
(1)
Илья Репин
(1)
Имхотеп
(1)
интимный портрет
(1)
Иоганн Фридрих Гроот
(1)
Исаак Ильич Левитан
(1)
искусство портрета
(1)
историческая живопись
(1)
исторические картины
(1)
исторический жанр
(1)
история жизни и любви Рембрандта и Саскии
(1)
история создания Русского музея
(1)
К.Е. Маковский
(1)
канопы
(1)
Каравакк
(1)
Карл Брюллов
(2)
картина «Бурлаки на Волге»
(1)
картина «Воскрешение дочери Иаира»
(1)
классицизм
(1)
классицизм. Карло Расстрели
(1)
конный монумент
(1)
Константин Тон
(1)
Коровин
(1)
Красная пирамида
(1)
крепостной художник
(2)
критический реализм
(1)
Левитан
(1)
Левицкий
(1)
Ломаная пирамида
(1)
Лоренс Альма-Тадема
(1)
Луи Токке
(1)
М.И. Козловский
(1)
Мазини
(1)
Мари Анн Колло
(1)
Мари Луиза Элизабет Виже-Лебрен
(1)
Медный всадник
(1)
Медум
(1)
Мемфис
(1)
Микерин
(1)
Михаил Микешин
(1)
мумия
(1)
набережная
(1)
Наполеон Бонапарт.
(1)
натюрморт
(1)
Невский проспект
(1)
немес
(1)
Нидерланды
(4)
Никитин Иван
(1)
О. А. Кипренский
(1)
острохарактерные народные типажи
(1)
Павел Федотов
(1)
памятник А.С. Пушкину
(1)
памятник Екатерине Великой
(1)
парадные портреты
(1)
парадный портрет
(1)
парадный портрет Петра III
(1)
пейзаж
(1)
Пётр III
(1)
пирамида
(1)
пирамида Микерина
(1)
пирамида Хеопса.
(1)
пирамида Хефрена
(1)
Пирамиды
(3)
площадь Искусств
(1)
поздний академизм
(1)
Портрет
(1)
портрет А.С. Пушкина
(1)
портрет графини М.А. Румянцевой
(1)
портрет Е.С. Авдулиной
(1)
портрет Иды Рубинштейн
(1)
портрет императрицы Елизаветы Петровны
(1)
портрет Сары Фермор
(1)
портрет статс-дамы А.М. Измайловой
(1)
Портрет супругов Арнольфини
(1)
портретист
(2)
портреты
(2)
портреты Екатерины II
(1)
портреты Петра I
(1)
портреты Саскии
(1)
портреты светских красавиц
(1)
портреты смольнянок
(1)
прерафаэлиты
(1)
приветствие
(1)
придворный живописец
(1)
реализм
(2)
Рембрандт ван Рейн
(2)
Репин И.Е.
(2)
Риччи Себастьяно
(1)
Рождество Христово
(1)
рококо
(4)
Рокотов
(1)
романтизм
(2)
русский классицизм
(1)
Русский музей в СПб
(2)
русский пейзаж
(1)
русский реализм
(1)
Санкт-Петербург
(3)
саркофаг
(2)
Саския ван Эйленбюрх
(1)
Северное возрождение
(2)
Северное возрождение.
(1)
сентиментализм
(1)
сердаб
(1)
Серов Валентин
(2)
скарабей
(1)
скульптор М.К. Аникушин.
(1)
скульптура
(2)
Снофру
(2)
список литературы
(1)
строительство пирамиды
(1)
сфинксы
(1)
Таманьо
(1)
Титус ван Рейн
(1)
учеба в Академии художеств
(1)
Ф.С. Журавлёв
(1)
фараон
(4)
фараон Хеопс
(1)
фараоны четвёртой династии
(1)
Хеб-сед
(1)
Хендрикье Стоффельс
(1)
Хеопс
(4)
Хефрен
(1)
Химеун
(1)
Хкдожник-баталист В.В. Верещагин
(1)
Хуфу
(1)
Чемесов
(1)
Чудеса света
(1)
Шаляпин
(1)
Этьен Фальконе
(1)
Юсуповы
(1)
Ян ван Эйк
(4)
Ян ван Эйк — портретист
(1)
XIX век
(2)
XV век
(4)
XVIII век
(2)

Артемизия Джентилески (1593-1653 гг.)

Артемизия Джентилески. Автопортрет. 1615 г. Частная коллекция

Среди детей тосканского художника Орацио Джентилески талантливее всех оказалась его дочь Артемизия.

Уже в девичестве она стала писать удивительные картины. Настолько профессиональные, что несколько веков их приписывали отцу девушки, самому Орацио.

У Артемизии была насыщенная жизнь.

Она была … придворным художником! Дружила с Галилеем, Ван Дейком. И была тогда единственной женщиной, принятой в художественную академию Флоренции.

Одной из самых ярких работ Артемизии является картина «Юдифь, обезглавливающая Олоферна».

Артемизия Джентилески. Юдифь, обезглавливающая Олоферна. 1612 г. Национальный музей Каподимонте, Неаполь

Сколько же ненависти в полузакрытых глазах героини. Её рука тверда: как будто это НЕ первый опыт.

У того же Караваджо Юдифь более брезглива и растерянна, что кажется естественнее.

Юдифь, обезглавливающая Олоферна. Слева: Артемизия Джентилески. 1612 г. Справа: Караваджо. 1599 г.

Но такая безжалостность у героини Артемизии не случайна.

Картина написана после громкого судебного разбирательства. Юную художницу изнасиловал художник Агостино Тасси, ученик ее отца.

Артемизии пришлось пережить травлю и позорное для того времени гинекологическое обследование, прежде чем суд признал Тасси виновным.

Так что Артемизия явно вложила в образ Юдифи свои личные страдания. Считается, что Олоферна художница писала со своего обидчика.

Ещё одним символом непокорности тирании является ее «Лукреция».

Артемизия Джентилески. Лукреция. 1621 г. Дворец Катанео-Адорно, Генуя

У Джентилески она не стенает, не жалуется, а принимает отчаянное и страшное решение – лишить себя жизни.

Ее изнасиловал царский сын. И она заколола себя на глазах мужа, так как не могла стерпеть позора.

Лукрецию художница писала с себя. В то время женщине было немыслимо нанимать натурщиц. Поэтому перед нами – обычная женщина крепкого телосложения.

Этим она сильно отличается от красоток других мастеров 16-17 веков. Сравните хотя бы с Лукрецией Тициана.

Слева: Артемизия Джентилески. Лукреция. 1621 г. Дворец Катанео-Адорно, Генуа. Справа: Лукреция и Тарквиний. 1515 г. Музей истории искусств, Вена

В то время, когда творила Артемизия, женщинам доверяли разве что натюрморты и пейзажи. А она бралась за библейские сюжеты! И даже смогла добиться заказа на роспись церкви.

Несмотря на все достижения при жизни, после смерти она была забыта… Артемизию вспомнили и оценили только в 20 веке.

Подготовка

Натюрморт с цветами и золотыми почетными кубками , 1612 г., с отражениями художника на бобышках кубка справа

Первая известная картина Петерса, подписанная и датированная 1607 годом, отражает технические и композиционные навыки подготовленного художника. Ее стиль предполагает обучение в Антверпене, раннем центре натюрморта.

В то время как большинство художников и учеников были включены в записи местной гильдии Святого Луки , никаких записей о Петерсе не было найдено ни в Антверпене, ни в центрах искусства в Голландской республике. Ученые предполагают, что она могла быть дочерью художника, и поэтому ее не нужно включать в записи об ученичестве.

Многие ученые полагают, что ее работы очень похожи на работы Осиаса Берта, и предполагают, что она, возможно, была его ученицей. Беерт начал свою карьеру в качестве художника-натюрморта, когда он стал мастером гильдии Антверпена в 1602 году. Однако ни одна из его работ не датирована, хотя на некоторых медных пластинах их поставщик проштампован датами с 1606 по 1609 год. Она также была связана с антверпенскими художниками Хансом ван Эссеном и Яном ван дер Беком . Ян Брейгель Старший также был предложен в качестве возможного учителя.

Хотя ее и не было в записях, по крайней мере, одна картина Петерса имеет печать Антверпенской гильдии на обороте, что указывает на то, что она действительно могла быть членом или, по крайней мере, работала на панелях, сделанных членами Антверпенской гильдии.

Жизнь [ править ]

Натюрморт , 1607 год, подпись «CLARA P 1607», также с П-образным кренделем.

Подробности жизни Пеэтера неясны. Ученые в целом согласны с тем, что ее работа указывает на то, что она уроженка Антверпена . В городских архивах Антверпена хранится запись о Кларе Петерс, дочери Жана (Яна) Петерса, крестившейся 15 мая 1594 года в церкви Св. Вальбурга в Антверпене. Второй документ указывает на брак между Кларой Петерс и Хенрикусом Йоосеном 31 мая 1639 года в одной церкви. Однако и Клара, и особенно Петерс были обычными именами в Антверпене. Крещение в 1594 году означало бы, что ее картины, датированные 1607 годом, были написаны, когда ей было 12 или 13 лет. Некоторые ученые сомневаются, что эти ранние работы могли быть написаны таким молодым человеком, и утверждают, что она родилась в 1580-х годах.

Петерс была основана в Амстердаме в 1611 году и задокументирована в Гааге в 1617 году. Некоторые предполагают, что в свете отсутствия каких-либо очевидных работ Петерс после 1621 года она перестала рисовать после замужества, как, например, фактически сделала Джудит Лейстер. . Из-за количества очевидных копий ее работ, сделанных разными руками, некоторые предполагают, что она, возможно, возглавляла небольшую школу художников. Никаких записей, указывающих дату смерти Петерса, обнаружено не было; однако ученые предполагают разные даты: 1621 год или позже; после 1654 г .; после 1657 г .; 1659 и 1676 гг.

Феде Галиция, Натюрморт (ок. 1610 г.)

Феде Галиция, Натюрморт, около 1610 года. Частное собрание.

Что, если бы мы начали с того, что вернули немного справедливости в историю искусства? Это может показаться сюрпризом, учитывая место, оставленное женщинам в художественной эпопее последних нескольких столетий, но появление натюрморта как самобытного стиля в основном является результатом неистовой женской воли .

Девушка? Нет, женщины . Именно в начале 17 века расцвели первые настоящие эксперименты с натюрмортами в современном понимании этого слова (вдали от старой суеты) , означающем композиции из неодушевленных предметов, как правило, фруктов, продуктов питания, посуды и животных.

Феде Галиция, Натюрморт с яблоками на майоликовой тазце, с медалями и белой смородиной , ок. 1612. Неизвестная локализация.

В то время натюрморты не обесценивались, а сосуществовали с другими традиционными жанрами: мифологическими и религиозными картинами , портретами или пейзажами . Однако художники в основном писали портреты (потому что им за это платили), затем мифологические и религиозные картины (потому что это сделало их знаменитыми) и постепенно отказывались от суеты, натюрморты и пейзажи, которые не принесли им ни славы, ни богатства. Европа находится в полном художественном возбуждении, от Нидерландов до Италии, через Францию, многие художественные места кипят талантами всех мастей. Среди этих художников три женщины оторвутся от здравого смысла и посвятят большую часть своего творчества реализации натюрмортов .

Но кто эти Крутые девчонки из натюрмортов?

Сначала в Милане (Италия) Fede Galizia создает серию вкусных фруктовых корзин. В нескольких тысячах километров отсюда одна из ее современниц, Клара Петерс , живущая в Антверпене (Нидерланды), расцветает на сотнях натюрмортов, представляющих столы, накрытые для обильных и изысканных блюд. Наконец, несколько лет спустя, около 1630 года, французская художница Луиза Муайон также создала многочисленные натюрморты в духе Феде Галиции.

Клара Петерс, Натюрморт с позолоченной серебряной таззой , 1613 г. Частное собрание.

Эти три женщины, несомненно, популяризировали этот жанр по всей Европе, как среди коллекционеров, так и среди других художников. Однако именно их коллеги-мужчины, прибывшие позже, получают место в истории искусства. Давайте отдать должное этим трем женщинам, которые были несправедливо забыты, несмотря на их новаторскую работу, и заслуживают того, чтобы их заново открыли .

Луиза Муайон, Натюрморт с корзиной фруктов и спаржей, 1630 год. Институт искусств Чикаго.

Если реабилитация женщин-художников в истории искусства близка вашему сердцу, ознакомьтесь с нашими специальными статьями: 4 необычайно крутые женщины, изменившие (очень патриархальную) историю искусства, и 4 женщины-художницы, омраченные славой своего мужа .

Элизабет Виже-Лебрен (1755-1842 гг.)

Элизабет Виже-Лебрен. Автопортрет. 1790 г. Галерея Уффици, Флоренция

Свои первые заказы Элизабет Виже-Либрен стала получать … в 15 лет! Впрочем, частенько портреты заказывали поклонники. Они искали повод познакомиться с прехорошенькой художницей :).

Элизабет с раннего детства была окружена неординарными людьми. Отец был художником, брат – писателем. В доме частыми гостями были Дидро, Вольтер. Да и в мужья девушка выбрала художника и торговца живописью.

Элизабет творила в эпоху рококо, самую женственную пору в истории живописи. В это время дам изображали гораздо чаще мужчин. И художник женского пола тоже не вызывал отторжения.

Поэтому Элизабет могла трудиться, рассчитывая на признание. Сосредоточившись на жанре портрета, она очень быстро прославилась. Ей покровительствовала Мария-Антуанетта и другие аристократы.

В чем же был секрет ее славы? Взглянем на портрет «Мария-Антуанетта и её дети».

Элизабет Виже-Лебрен. Мария-Антуанетта с детьми. 1787 г. Версальский дворец

Это прекрасный пример портрета-комплимента – главного жанра, в котором работала художница.

Элизабет знала, как писать своих заказчиц истинными красавицами. Вот и королева Франции белокожа и розовощека.

Но затем грянула революция. Портреты-комплименты во Франции стали никому не нужны. И Виже-Лебрен поехала покорять Россию.

Здесь она создала ряд портретов выдающихся личностей, например, Станислава Понятовского и графини Строгановой. И даже написала портрет принцесс.

Элизабет Виже-Лебрен. Портрет дочерей Павла 1. 1797 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург

Дочери Павла I вышли идеальными. Да и с нарядами художница расстаралась. Элизабет была большой модницей и «наряжала» моделей по своему вкусу.

То есть на самом деле у девочек не было таких платьев: их выдумала мадам Лебрен. В наше время она непременно стала бы модельером :).

Заказчики были довольны. Какой же женщине не понравится увидеть себя идеальной! Да ещё в прекрасном платье с изящно рассеянными по нему солнечными бликами.

Хотя нет, одному человеку Элизабет все же не угодила. Екатерине II. Как раз умение живописно льстить очень не нравилось ее Величеству. Поэтому художнице так и не удалось написать портрет императрицы. Хотя, конечно, хотелось.

Сегодня мы вполне можем понять Екатерину II. Работы художницы и правда однотипны. Ведь она всех подгоняла под стандарты красоты той эпохи. Сейчас красотки с пухлыми губами пресловутой уточкой так же похожи друг на друга.

Но у Лебрен есть оправдание. Она была типичным представителем эпохи рококо. Эпохи торжества красоты, легкости и праздности.

Тональный натюрморт. Питер Клас и Виллем Клас Хеда

Для современников были актуальны и понятны символы, которыми насыщен традиционный голландский натюрморт. Картины по содержанию были подобны многостраничным книгам и особенно ценились за это. Но существует понятие, в не меньшей степени впечатляющее и современных знатоков, и любителей живописи. Его называют «тональный натюрморт», и главное в нем – высочайшее техническое мастерство, удивительно изысканный колорит, потрясающее мастерство в передаче тонких нюансов освещения.

Этим качествам всемерно соответствуют полотна двух ведущих мастеров, картины которых относят к лучшим образцам тонального натюрморта: Питера Класа и Виллема Клас Хеда. Они выбирали композиции из небольшого количества предметов, лишенных ярких красок и особой декоративности, что не мешало им создавать удивительные по красоте и выразительности вещи, ценность которых не уменьшается со временем.

Мэри Кассат (1844-1926 гг.)

Мэри Стивенсон Кассат. Автопортрет. 1878 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Какие перспективы открывает жизнь, когда родители – миллионеры!

Но своевольная американка Мэри Кассат шла своим путём. Она посвятила жизнь живописи, к великому неодобрению богатых родителей.

Художница радикально изменила образ ребенка в искусстве. Посмотрите на ее «Маленькую девочку в голубом кресле».

Мэри Кассат. Маленькая девочка на голубом кресле. 1878 г. Национальная галерея Вашингтона, США

$Петерс, клара. картины с названиями и описанием. художник \\\\\ века$

До Кассат детей было принято рисовать ангелочками. Умилительная серьезность, аккуратные наряды.

Художница же изобразила обычную девочку-непоседу. Платье её задралось, обнажив коленки. Поза говорит об усталости, а на лице написана раздражённость.

Картины Кассат очень разные. Например, работа «В омнибусе» ничем не напоминает «Девочку в голубом кресле».

Мэри Кассат. В омнибусе. 1897 г. Чикагский институт искусств

Художница была свободолюбивой натурой. Поэтому в её творчестве можно найти и работы в духе импрессионистов, и реалистичные полотна, и графические рисунки.

«В омнибусе» – это как раз рисунок. Простые линии рождают выразительные образы двух женщин с младенцем. Эта работа создана, конечно, под влиянием японских гравюр.

Чаще всего Кассат писала матерей с детьми. Сама она отказалась и от замужества, и от материнства ради живописи.

Увы, в 19 веке женщине приходилось выбирать. Лишь вынужденное монашество открыло Кассат дорогу в искусство.

Работы Мэри Кассат. Слева: Мать и дитя. 1913 г. Справа: Мадам Лефевр держит ребёнка. 1903 г.

Но ее матери часто … грустят. И здесь мы можем только гадать, почему.

То ли это грусть самой Мэри по несостоявшейся роли матери. То ли художница изображала состояние многих женщин: неудовлетворенность из-за невозможности заниматься чем-то еще, кроме «женских дел».

Мэри думала, что нашла выход. Но, судя по этим грустным глазам, полноценного счастья ей это не принесло.

Жизнеописание

По предположениям, родилась в городе Антверпен, герцогство Брабант, Южные Нидерланды (ныне Бельгия). Найдены свидетельства о её крещении в Антверпене в 1594 году. Происходила из богатой семьи, так как делала натюрморты с изображениями ценной посуды (золотые бокалы, фарфор, драгоценные бокалы из стекла, недешевые сыры и выпечка). Наиболее раннее произведение Клары датировано 1607 годом.

Не сохранено свидетельств о годах учёбы и её учителях, поскольку часть документов о гильдии Св. Луки в Антверпене была утрачена. Клара Петерс не имела собственного историографа и многие страницы её жизни остались неизвестными.

Замуж вышла в 1639 году в Антверпене. Её судьба — судьба типичной эмигрантки, что перебралась из испанских Южных Нидерландов в Голландию; она жила и работала в городах Амстердам и Гаага. Её последний натюрморт датирован 1657 годом. Точная дата смерти не установлена, условно принимают 1657 год или сразу после него.

Принадлежала к забытым мастерам первой половины XVII века и из-за значительного количества художников в это время, и из-за женского пола, потому что заинтересованности в женщинах-художницах не было из-за значительной конкуренции среди нидерландских художников. Часто её произведения относили к творчеству других мастеров вроде фламандца Осиаса Беерта-старшего (по причине ошибочно прочитанной подписи или ошибочно трактуемого стиля).

Работа

Натюрморт с орехами, конфетами и цветами , 1611 год, с неоднократным отражением художника в металлических изделиях.

Петерс подписала тридцать одну работу «CLARA PEETERS» или «CLARA P.» и датировала многие из них, что оставляет сильные записи о ее работах с 1607 по 1621 год. Восемнадцать из них были завершены к тому времени, когда ей исполнилось восемнадцать. Кроме того, предполагается, что еще семьдесят шесть работ относятся к ее творчеству, хотя документации не хватает, чтобы утвердительно отнести их к Петерсу. На нескольких ее картинах, в том числе на двух, изображенных здесь, есть подпись в виде выгравированной надписи на боковой стороне рукоятки того же украшенного ножа. У ножа есть две обнаженные женские фигуры на основной стороне рукоятки, которая видна, и он типичен для своего рода «ножа невесты» ( bruidmessen ) антверпенских серебряных дел мастеров, произведенных примерно в 1595–1600 годах. Они могут представлять собой настоящий нож, принадлежащий Петерсу, или просто вымышленный.

Петерс был одним из первых художников-специалистов по натюрмортам и цветам, которые работали, когда этот жанр еще только зарождался. Менее десяти картин с изображением цветов и менее пяти изображений еды, произведенных в Нидерландах, могут быть датированы 1608 годом, когда она написала свою первую записанную работу. Она нарисовала набор из четырех натюрмортов большего размера (все 50 × 51 × 71 × 73 см), три из которых датированы 1611 годом, которые в следующем веке хранились в королевской коллекции Испании (теперь в Прадо ). В набор входит самый ранний натюрморт с мертвыми птицами , за исключением знаменитого « Натюрморта с куропаткой и рукавицами» Якопо де Барбари (1504 г., ныне Мюнхен) из совсем другой традиции. Группа Прадо была разделена между испанскими дворцами в 18 веке, а самая ранняя инвентаризационная запись для любого существа относится к 1734 году, когда один был спасен в огне, уничтожившем Королевский Алькасар в Мадриде . Ее картины с рыбами и дичью 1611 года появляются задолго до того, как другие художники использовали аналогичные сюжеты.

Натюрморт с позолоченной серебряной таззой

В своих работах до 1620 года Петерс была особенно очарована падением света на металлические предметы — монеты, кубки, оловянную посуду и т. Д. — и их отражения. Она изобразила себя в отражении кубков и позолоченных чашек многих своих картин — обычай в искусстве Нидерландов, уходящий корнями в вековую историю , как это видно в таких произведениях, как « Дева с младенцем» Яна ван Эйка с каноником ван дер Паэле (1434–1436). .

Фрида Кало (1907-1954 гг.)

Фрида Кало с фигуркой ольмеков. 1939 г. Фото Николаса Мурая. Rutage.com.

Что приходит в голову при упоминании имени Фриды Кало?

Темпераментная натура, брак с художником Диего Ривера, тяжёлая авария, сквернословие и, конечно, знаменитая монобровь…

За интересной биографией порой теряется само творчество. Но только не у Фриды. Ее картины столь же яркие и неповторимые, как она сама.

Больше всего Кало прославилась автопортретами. Причём почти всегда они были отражением её внутренних переживаний.

Картина «Диего и Я» – не исключение.

Фрида Кало. Диего и я. 1949 г. Частная коллекция. Pinterest.ru.

Фрида считала, что знакомство с Диего было одним из двух несчастий ее жизни. Он всегда был в её мыслях. Поэтому частые измены мужа были для неё крайне болезненными. Оттого мы и видим слёзы на глазах.

Вторым несчастьем Кало считала аварию, в которую попала. Она получила очень тяжёлые травмы: автобус, в котором ехала девушка, врезался в трамвай.

Она долго восстанавливалась после этого. Но до конца здоровье так и не вернулось. Она всю жизнь мучилась от постоянных болей, а ещё так и не смогла стать матерью.

Для Кало рисование было арт-терапией. Поэтому ее тело на полотнах то утыкано гвоздями, то покрыто алыми шрамами. Боль настоящая перерождалась в символы боли на картинах.

«Сломанная колонна» – тоже психотерапевтическая для Фриды работа.

В 1940-х ее ждало еще одно серьезное испытание. Когда-то сломанный в нескольких местах позвоночник не выдерживал нагрузок.

Врачи заставили Фриду носить полгода (!) стальной корсет. Это было невообразимо сложно и мучительно.

Фрида Кало. Сломанная колонна. 1944 г. Музей Долорес Патиньо в Мехико. Artchive.ru.

И вот Фрида рисует свой больной позвоночник в виде разрушающейся древнеримской колонны. В собранном состоянии ее удерживает только пресловутый стальной корсет.

Фриду не интересовало, что от женщины ждали эстетичной живописи. Для неё это была возможность хоть как-то ужиться со своей болью и предчувствием смерти.

В результате Кало выработала уникальный стиль. Что-то среднее между сюрреализмом и фолк-артом. Она стала художником, чью кисть узнают сразу, даже без базовых знаний живописи.

Клара Петерс (Clara Peeters). Натюрморт. (Июнь 2024)

Клара Петерс (крещеная 15 мая 1594 года, Антверпен, Бельгия — умерла после 1657 года?), Фламандская художница-натюрморт, известная своей дотошной кистью, утонченным расположением материалов, низким углом зрения и способностью точно захватить текстуры Разнообразные предметы она рисовала. Она была значительным популяризатором так называемых банкетных (или завтраковых) предметов, т. Е. Роскошных экспонатов с кубками, керамическими сосудами, посудой, едой и напитками и цветами. Как одна из единственных фламандских женщин-художников, которые исключительно рисовали натюрморты в 17-м веке, она была также одним из первых известных художников, которые включили автопортрет в натюрморты.

викторина

Этот или тот? Художник против архитектора

Жак Франсуа Блондель

Хотя Питерс была влиятельной фигурой в ее эпоху, очень мало известно наверняка о ее жизни. Даже даты, данные для главных событий в жизни художника, таких как крещение и брак, явно не связаны с художницей Кларой Петерс. Считается, что она была крещена в 1594 году и вышла замуж в 1639 году, оба события происходят в Антверпене. В некоторые моменты своей карьеры она могла проживать как в Амстердаме, так и в Гааге. Однако в существующих записях гильдии художников Антверпена нет упоминаний о ней, что затрудняет составление надежной хронологии ее жизни.

Известно, однако, что ее самые ранние датированные картины маслом были закончены в 1607 и 1608 годах. Эти мелкомасштабные композиции включали продукты и напитки, которые были изображены с низкой точки зрения. Предмет, перспектива и композиция ее ранних картин задают основу и тон для ее будущей работы. Анализ этих работ показывает, что она хорошо подготовлена мастером масляной живописи. Некоторые ученые предполагают, что ее учителем, возможно, был Осиас Берт, известный художник-натюрморт из Антверпена, хотя их связь не зарегистрирована.

Даже на этом раннем этапе ее карьеры очевидно, что она обладала талантом отличаться от других художников натюрмортов. Спустя несколько лет привередливые мазки Петерса получили дальнейшее развитие благодаря производству серии картин, в том числе «Натюрморт с рыбой», «Свеча», «Артишоки», «Краб и креветки» (1611). Хорошо известная картина, на которой изображены недавно пойманные рыбы, креветки и крабы, помимо прочего на банкетном столе, демонстрирует дотошную и кропотливую технику художника. Каждый масштаб на рыбе представлен очень детально. Питерс также применил эту технику для визуализации ценных предметов, используемых для украшения этих банкетных столов.

Ценные предметы, которые обычно представляли собой полированные вазы и кубки, также служили центральным элементом для другого важного нововведения: автопортрета в натюрморте. Одним из таких примеров этой авангардной техники является «Натюрморт с цветами», серебряно-позолоченный кубок, сухофрукты, конфеты, хлебные палочки, вино и оловянный кувшин (1611 г.), в который включено несколько искаженное отражение художника-живописца

в полированные поверхности украшенного позолотой кубка и кувшина. Благодаря этой работе Петерс стала одним из первых художников, которые включили автопортрет в свои натюрморты. Этот инновационный элемент вскоре проник в мир искусства, и он стал ассоциироваться с работами других фламандских художников 17-го века, которые находились под влиянием ее работ.

Хотя Петерс была одной из единственных женщин-художников 17-го века, специализировавшихся на натюрморте, ее отличие было обусловлено не столько ее сосредоточенностью на одном жанре, сколько ее полным владением им. Влиятельные техники и идеи художника были распространены на всей территории нынешних Нидерландов и Германии. Следовательно, те, кто принял стиль Петерс, считаются членами ее небольшой, но выдающейся художественной школы, которую некоторые ученые называют «кругом Петерс».

Ресурсы интернета

Brief biography of Clara Peeters
«Peeters, Clara» in Gaze, Delia, ed. Dictionary of Women Artists. 2 vols. Chicago: Fitzroy Dearborn, 1997.
Example of Clara’s work
Stilleven met een Venetiaans glas, een roemer en een brandende kandelaar, 1607, Kunsthandel Hoogsteder & Hoogsteder, Den Haag , Nederland
Stilleven met vissen, oesters en garnalen, 1607, Rijksmuseum Amsterdam, Amsterdam, Nederland
Stilleven met fruit en bloemen, ten vroegste 1608/9, The Ashmolean Museum of Art and Archaeology, Oxford , Verenigd Koninkrijk
Stilleven met vis, 1611, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met rozijnen, 1611, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met bloemen en bokalen, 1612, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Karlsruhe (stad)|Karlsruhe, Duitsland
Stilleven met bloemen, 1612, privécollectie
Bloemen in een glazen vaas, 1615, Pasadena. R. Stanton Avery Collection
Stilleven met kazen, artisjok en kerzen (недоступная ссылка), ca. 1625, Los Angeles County Museum of Art (LACMA), Los Angeles, Verenigde Staten
Vanitas, 1640, privécollectie
Stilleven met olijven, 1640, Museo del Prado, Madrid, Spanje
Stilleven met kat en vis, National Museum of Women in the Arts, Washington D.C., Verenigde Staten

В заключение

Такие разные, удивительные, неповторимые женщины-творцы стали яркими символами своих эпох:

Артемизия Джентилески – это барокко XVII века;

Клара Петерс – натурализм малых голландцев того же XVII века;

Элизабет Виже-Лебрен – рококо XVIII века;

Мэри Кассат – импрессионизм XIX века;

Наталья Гончарова – русский авангард XX века;

Джорджия О’Кифф – модернизм XX века;

Фрида Кало – сюрреализм того же XX века.

Не все имена, к сожалению, у любителей живописи на слуху. Но сейчас мы постепенно вспоминаем их. Ведь они покорили-таки живописный Эверест.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.