Самые известные картины XX века
«Черный квадрат», Казимир Малевич
Год создания : 1915Музей : Третьяковская галерея, Москва
«Черный квадрат»
Малевич писал «Черный квадрат» несколько месяцев; легенда гласит, что под слоем черной краски скрывается живописное полотно – художник не успевал закончить работу в срок и в приступе гнева замазал изображение. Существует как минимум семь копий «Черного квадрата», выполненных рукой Малевича, а также своеобразное «продолжение» супрематических квадратов – «Красный квадрат» (1915) и «Белый квадрат» (1918).
«Крик», Эдвард Мунк
Год создания : 1893Музей : Национальная галерея, Осло
«Крик»
Из-за необъяснимого мистического воздействия на зрителя картину похищали в 1994 и 2004 годах. Бытует мнение, что созданная на рубеже XX века картина предвосхитила многочисленные катастрофы грядущего столетия. Глубокий символизм «Крика» вдохновил многих художников, в том числе и Энди Уорхола, режиссеров, музыкантов и даже аниматоров.
«Прогулка», Марк Шагал
Год создания : 1918Музей : Русский музей, Санкт-Петербург
«Прогулка»
Если вас тоже мучил вопрос: «Почему люди на картине Марка Шагала парят в воздухе?», вот ответ от самого художника – силой, способной дать человеку возможность летать, является не что иное, как любовь. Считается, что мужчина и женщина на полотне – это Марк Шагал и его супруга.
«№5, 1948», Джексон Поллок
Год создания : 1948Музей : Частная коллекция, Нью-Йорк
«№5, 1948»
Данное полотно до сих пор вызывает множество споров. Часть искусствоведов полагает, что ажиотаж вокруг картины, нарисованной в фирменной технике разбрызгивания, был создан искусственным образом. Полотно не продавали, пока не были куплены все остальные работы художника, соответственно, цена за беспредметный шедевр взлетела до небес. «Пятый номер» был продан за $140 миллионов, став самой дорогой картиной в истории.
Самые известные картины эпохи Возрождения
«Сикстинская Мадонна», Рафаэль Санти
Годы создания : 1512–1513Музей : Галерея старых мастеров, Дрезден
«Сикстинская Мадонна»
Если пристально всмотреться в задний фон, на первый взгляд состоящий из облаков, можно заметить, что на самом деле Рафаэль изобразил там головы ангелов. Два ангелочка, расположенные в нижней части картины, известны чуть ли не больше, чем сам шедевр, из-за широкой растиражированности в массовом искусстве.
«Рождение Венеры», Сандро Боттичелли
Год создания : 1486Музей : Галерея Уффици, Флоренция
«Рождение Венеры»
В основе картины – древнегреческий миф о рождении Афродиты из морской пены. В отличие от многих шедевров эпохи возрождения, полотно дошло до наших дней в отличном состоянии благодаря защитному слою из яичного желтка, которым Боттичелли предусмотрительно покрыл работу.
«Сотворение Адама», Микеланджело Буонаротти
Год создания : 1511Музей : Сикстинская капелла, Ватикан
Потолок Сикстинской капеллы
Одна из девяти фресок на потолке Сикстинской капеллы, иллюстрирующая главу из Бытия: «И сотворил Бог человека по образу Своему». Именно Микеланджело первым изобразил бога в как умудренного сединами старца, после чего этот образ стал архетипичным. Современные ученые полагают, что контуры фигуры бога и ангелов олицетворяют человеческий мозг.
«Ночной дозор», Рембрандт
Год создания : 1642Музей : Государственный музей, Амстердам
«Ночной дозор»
Полное название картины – «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга». Современное название картина получила в XIX веке, когда была найдена искусствоведами, из-за покрывавшего работу слоя грязи решившими, что действие на картине происходит под покровом ночного мрака.
«Сад земных наслаждений», Иероним Босх
Годы создания : 1500–1510Музей : Музей Прадо, Мадрид
«Сад земных наслаждений»
Пожалуй, самый известный триптих Босха, названный в честь центральной части композиции: изображенные на ней фигуры самозабвенно предаются греху сладострастия. В отличие от полной маленьких, «суматошных» деталей средней части, изображающая подлинный рай левая створка картины передает атмосферу умиротворения и спокойствия, а правая створка, полная дьявольских механизмов, напротив, напоминает об адских муках.
Самые известные картины Леонардо да Винчи
«Мона Лиза»
Годы создания : 1503–1505Музей : Лувр, Париж
«Джоконда»
Шедевр флорентийского гения, не нуждающийся в представлении. Примечательно, что культовый статус картина получила после инцидента с похищением из Лувра в 1911 году. Два года спустя похититель, оказавшийся сотрудником музея, пытался продать полотно в галерею Уффици. События громкого дела подробно освещались в мировой прессе, после чего в продажу поступили сотни тысяч репродукций, а таинственная Джоконда стала объектом поклонения.
«Тайная вечеря»
Годы создания : 1495–1498Музей : Санта-Мария-делле-Грацие, Милан
«Тайная вечеря»
По прошествии пяти столетий фреска с классическим сюжетом на стене трапезной доминиканского монастыря в Милане признана одной из самых загадочных картин в истории. По задумке Да Винчи, картина изображает момент пасхальной трапезы, когда Христос оповещает учеников о скором предательстве. Огромное количество скрытых символов породило столь же огромное множество исследований, аллюзий, заимствований и пародий.
«Мадонна Литта»
Год создания : 1491Музей : Эрмитаж, Санкт-Петербург
«Мадонна с младенцем»
Так же известная как «Мадонна с младенцем» картина долгое время хранилась в коллекции герцогов Литта, а в 1864 году была куплена петербургским Эрмитажем. Многие эксперты сходятся во мнении, что фигура младенца была написана не лично да Винчи, а одним из его учеников – слишком нехарактерная для живописца поза.
Лагорио Лев Феликсович (1827 — 1905)
Лагорио Лев Феликсович. / Императорская яхта «Держава». (1886).
Лев Лагорио — один из самых известнейших русских художников-маринистов. Первый ученик и подмастерье метра морской живописи — Ивана Айвазовского, выпускник Академии художеств Петербурга. Родился будущий художник в Феодосии, в купеческой семье. Отец был выходцем из аристократического генуэзского рода, масоном и вице-консулом королевства Сицилии.
Окончив Академию, Лагорио принял российское подданство и отправился в пенсионерскую поездку по Европе, где совершенствовался живописи у французских и итальянских мастеров. По возвращении в Россию получил звание профессора живописи. Много работал на Кавказе, выполняя заказ императора. Художник написал серию работ о русско-турецкой войне.
Биография художницы Марии Ивановны Васильевой
М.И. Васильева родилась в Смоленске в 1884 году в семье землевладельцев. Поскольку семья имела финансовые возможности дать девочке хорошее образование, в 18 лет Мария уехала на учебу в Санкт-Петербург. Обучалась она медицине и в частной школе постигала азы живописи. К рисованию девушка проявляла куда больший интерес и за успехи в нем даже получила стипендию от императрицы Марии Федоровны для поездки в Париж.
М.И. Васильева (1884–1957)
Воспользовавшись возможностью обучаться у французских мастеров, в 1905 году девушка отправилась в Париж, где волею судеб задержалась надолго. Там она постигала таинства живописи у Анри Матисса, училась в художественной академии La Palette, там же была очарована кубизмом и стала одной из первых русских художниц-кубисток. Вообще Мария имела широкий кругозор, много читала, посещала различные выставки, концерты и другие мероприятия, что подвигало ее творить в самых разных стилях.
К этой жажде знаний добавилась невероятная общительность и решительность, благодаря которым девушка не только стала заметной личностью Монпарнаса, но и превратилась в ее легенду. Вокруг нее вертелась вся артистическая жизнь того времени. Это стало возможным в первую очередь благодаря открытой ей так называемой свободной академии искусств, в которой собирались именитые и малоизвестные художники, музыканты, писатели и другие представители парижской богемы. Интересно, что здесь не было классического обучения, и каждый делился своим опытом в свободной форме. Одни читали лекции, другие устраивали дискуссии, третьи играли на музыкальных инструментах или танцевали.
С началом Первой мировой войны академия превратилась в благотворительную столовую, где разорившиеся в трудное время художники могли поесть. Место стало невероятно популярным и позволяло в том числе самой художнице обогащать свою живопись и активно участвовать в выставках в таких крупнейших городах, как Москва, Париж, Лондон, Нью-Йорк и другие. Творчество ее было разнообразным. Она писала картины в стиле , лучизма, сюрреализма, мистицизма и других направлениях, создала известные гротескные куклы, занималась дизайном мебели, оформляла театральные постановки, расписывала стены и вышивала. Неиссякаемая энергия позволяла ей ярко выражать себя в творчестве.
В качестве примеров ее известных работ приведем картины «Девочка с кошкой», «Танец», «Цирк», «Ребенок с куклой» и другие.
М. Васильева. «Девочка с кошкой». 1915 г.
Прожила Мария Васильева 73 года, и в последние пару лет жизни сама была вынуждена переехать в дом для престарелых художников. Скончалась она в 1957 году. Однако мир не забыл ее вклад в искусство, и после ее смерти в ее бывшей мастерской был организован Музей Монпарнаса, который действовал до 2013 года.
Биография[править | править код]
Серафима Иасоновна Блонская родилась 3 октября в г. Верхнеднепровск Екатеринославской губернии. В 1875 году семья переезжает в Таганрог. Отец, Иасон Иванович Блонский, был юристом, мать — из семьи Стрельнева, профессора медицины Харьковского университета.
В 1887 году заканчивает таганрогскую Мариинскую гимназию с золотой медалью. В 1891 году заканчивает Киевскую рисовальную школу Н. И. Мурашко. С по 1900 год учится в Петербургской Академии художеств. В 1900 году получила звание художника за дипломную работу «Девочки» («Вербное воскресенье») — единственная многофигурная композиция, созданная Блонской. По окончании Академии Художеств Серафиму Блонскую посылают на казенный счет в Италию совершенствоваться. В Италии она начала изучать итальянский язык и до конца дней своих любила его и читала по-итальянски свободно.
В 1909 году Блонская возвращается в Таганрог. В 1910 году она с мужем А. М. Леонтовским открывает школу рисования и живописи с курсом лекций по анатомии, перспективе и истории искусства. Занятия в школе велись в две смены. Плата взималась ничтожная, около 25 копеек в месяц. Детдомовские ребята учились бесплатно. Также освобождались от платы за обучение ученики, проявившие особые способности. После смерти А. М. Леонтовского () школа прекратила своё существование. Блонская после закрытия школы давала уроки на дому. Жила с семьёй своей сестры, Валентины Иасоновны Рухлиной, учительницы одной из городских школ.
В -е годы Блонская состоит членом таганрогской организации «Всекохудожника». В 1942 году Блонская преподнесла в дар городу свою лучшую работу — полотно «Девочки» («Вербное воскресенье»). С 1944 года работает в Таганрогском отделении Художественного фонда РСФСР. В 1946 году участвует в областной выставке с работой «Обаятельный женский портрет».
Умерла С. И. Блонская 9 августа 1947 года в Таганроге. Похоронена на старом городском кладбище. Памятник на могиле художницы был восстановлен лишь в 2010 году, за счёт средств городского бюджета.
«Портрет хористки» Константина Коровина
Константин Коровин. Портрет хористки. 1887. Государственная Третьяковская галерея / Оборотная сторона портрета
На обороте холста исследователи обнаружили послание от Константина Коровина на картоне, которое оказалось едва ли не интереснее самой картины:
«Письмо» обезоруживало прямотой и дерзким вызовом всему художественному сообществу: «Серов еще не писал в это время портретов» — зато их писал он, Константин Коровин. И он же якобы первым использовал приемы, характерные для того стиля, который потом назовут русским импрессионизмом. Вот только все это оказалось мифом, который художник создал намеренно.
Стройная теория «Коровин — предтеча русского импрессионизма» была беспощадно разрушена объективными технико-технологическим исследованиями. На лицевой стороне портрета нашли подпись художника краской, чуть ниже — тушью: «1883, Харьков». В Харькове художник работал в мае — июне 1887 года: писал декорации для спектаклей Русской частной оперы Мамонтова. Помимо этого, искусствоведы выяснили, что «Портрет хористки» был выполнен в определенной художественной манере — a la prima. Эта техника масляной живописи позволяла написать картину за один сеанс. Коровин начал использовать эту технику только в конце 1880-х годов.
Проанализировав эти две нестыковки, сотрудники Третьяковской галереи пришли к выводу, что портрет был написан только в 1887 году, а более раннюю дату Коровин дописал, чтобы подчеркнуть собственное новаторство.
Море, море
Есть такое направление в пейзажной живописи — маринистика, в котором в качестве натуры выступают исключительно прекрасные морские виды. Море на таких картинах можно увидеть в любом виде: тихом и ласковом или, наоборот, грозном и штормовом. Художники-маринисты — это те люди, которые целиком или частично посвятили себя рисованию таких морских пейзажей (марин).
Их можно понять. Разве бывает что-то прекрасней морей и океанов с их завораживающей дух широтой, безмерностью и небесной синью, переливающейся в лучах солнца тысячами нежнейших оттенков? А эта красота цвета волн! Такие пейзажи во все времена пользовались громадной популярностью у любителей живописи.
ОПИСАНИЕ ВЫСТАВКИ
Картины были написаны под «рыцарским девизом» — «Жизнь в розовом цвете» (La Vie en Rose). Через него я передаю послание в своей живописи: не теряйте надежды, продолжайте замечать и видеть красоту, наслаждайтесь торжеством моментов среди непостоянства мира.
Каждая работа задумывалась как нечто невообразимо красивое, желанное, как драгоценный камень или сплав. И в то же время хотелось сделать картины живыми и подвижными, изменчивыми, самостоятельными, имеющими собственную историю. Показанный на полотнах мир кажется прекрасным и легким, праздничным и торжественным. Но иллюзия исчезает, стоит лишь вглядеться в работы, вступить с ними в диалог. Яркие и барочные, картины движутся и рассыпаются на фрагменты, обрастают рогами, чешуей, перьями… обретают собственный характер и волю. Эта двойственность делает их притягательными и отталкивающими одновременно, заставляет всматриваться, открывая все новые детали.
Картины визуализируют хаос мира как его характерную черту. Сама манера живописи отражает это непостоянство. Я стремилась уравнять эстетики гармонии и несовершенства. Внутри самого живописного языка я создала намеренный конфликт красивого, пластичного, благородного — и грубого, нервного, изломанного. Я подбирала конкретные «идеальные» образы из картин Ренессанса и барокко, соединяла и сталкивала их между собой, разрушала и пересобирала. Эти периоды в искусстве для меня являются синонимами нарочитой красоты и высоких, недостижимых идеалов, я беру образы оттуда как метафоры и аллегории для своих работ. Через них и пластический язык я пыталась нащупать главный нерв концепции каждой картины.
В этой серии я продолжила свои эксперименты с живописью как явлением. Живопись здесь находится в напряженном переходном состоянии от образности к абстракции, показывая переменчивую суть вещей, пограничное состояние мира. Важная часть моей практики — это работа не с сюжетом, а с живописным языком, со способом нанесения краски на холст. Часто я нивелирую пространственный эффект, оставляю открытыми широкие мазки, потеки, намеренно подчеркивая, что картина — это иллюзия, только идея или состояние.
Даша Мальцева
Выставка Даши Мальцевой «Жизнь в розовом цвете» представляет собой единую историю, в которой последовательность залов и масштабных картин создает атмосферу забытого дворца. Помпезные, торжественные образы, отсылающие к эпохам Ренессанса и барокко, распадаются, искажаются, как воспоминания. В этом вихре живописи взгляд зрителя цепляется, как за якоря, за отдельные детали, которые художница с особым эстетствованием добавляет в картины. При этом мятежная, напряженная живопись Даши Мальцевой остается аскетичной по настроению, ее картины, в традиции прошлых эпох, представляют собой аллегории, несут мораль, научение. От зрителя требуется внимательное погружение для раскрытия всех оттенков смысла. Великая красота и ее распад, непостоянство мира и неумолимость времени — основные мотивы выставки.
Прогулка во дворце начинается с зала, украшенного потолочной «фреской» и парадным конным портретом. Этот зал представляет собой нечто среднее между будуаром для приватного приема гостей и парижским салоном (le Salon) — местом для обсуждения искусства. Затем зрителя приглашают в просторный каминный зал. Камин — символ домашнего очага, рядом с ним размещают портреты предков, семейные реликвии, трофеи. Апофеозом в этом зале выступает шестиметровая картина La Vie en Rose с мотивами охоты и крестовых походов. И далее — фонтан, украшающий интерьеры дворца и вместе тем выступающий местом для омовения перед посещением домашнего храма. Выставка заканчивается алтарем, в котором читаются известные аллегории распятия и «Погребение графа Оргаса» Эль Греко XVI века. Своеобразной точкой выставки выступает миниатюрная работа с виноградинкой, она как финальная нота и суть всей пьесы.
Куратор: Надя Октябрь
Информационные партнеры:
Краткая история морского искусства
Корабли и море были включены в искусство с незапамятных времен. Фактически, первые зафиксированные работы являются петроглифами 12000 г. до н.э. Со времен Древнего Египта сохранились изображения людей и богов, которые пересекают Нил на биржах. Ярким примером является великолепная мозаика Нильская мозаика (1 век до н.э.), композиция которой призвана показать все русло величественной реки. В Греции и Риме морская тематика часто служила украшением керамических изделий.
В 11 веке важным прецедентом с точки зрения маринистики можно считать гобелен Байе, описывающий вторжение норманнов в Англию. Но стремительное развитие жанра пришлось на конец Средневековья. Рисунки и наброски 15-го века можно считать точкой старта марины
Как многие другие виды и жанры искусства, развитие было связано с историческим контекстом, работы отражали важность внешней торговли и военно-морской мощи государств. Следует помнить, что художники того времени исполняли роли, которые сегодня предназначены журналистам и фотографам
Их работы носили не столько романтичный, сколько практический характер.
Ранние картины не отличались особой реалистичностью. Корабли обычно показывали сбоку без попыток отобразить масштаб и ракурс сверху, а океан изображался в виде плоской и неподвижной синей массы. Приблизительно в конце 15-ого века морские пейзажи стали более объемными и красивыми. Изображение фантастических бурь с гигантскими волнами и рассекающими небо молниями стали особенно востребованы.
К началу 1600-х годов, в голландский золотой век, морское искусство поднялось на новую высоту и к этому моменту стало чрезвычайно популярным. Новый голландский стиль живописи, разработанный Ван Дайком, был экспортирован в другие страны художниками, которые эмигрировали, и иностранными художниками, которые путешествовали.
Вероятно, одним из самых важных художников, оказавших влияние на современников за рубежом, был ведущий морской художник Виллем ван де Велде из Амстердама. Он провел десятилетия, документируя голландские морские победы над англичанами, и после краха арт-рынка в конце
1600-х принял приглашение от английского двора переехать в Лондон, и всю оставшуюся жизнь рисовал войну с другой стороны.
Значимой работой стала картина Корнелиса Антониса, который изобразил португальский флот. Лидером среди голландских маринистов стал Ян Порселис, в Италии морской пейзаж развивал Сальватор Розе.
Но даже на этом этапе морское искусство было предоставлено специалистам, за редким исключением. Одним из таких исключений был «Христос во время шторма на море Галилейском» Рембрандта, который интересен, поскольку это был его единственный настоящий морской пейзаж. В картинах Рубенса также были изображены море и корабли, но они настолько экстравагантны и стилизованы, что их нельзя назвать морским искусством, скорее, их можно было бы отнести к категории работ, посвященных религиозной символической живописи на море.
Профессиональных художников часто отправляли в исследовательские путешествия, например, Уильяма Ходжеса, который оказался художником во втором путешествии Джеймса Кука к Тихому океану. Его экзотические прибрежные сцены были популярны как картины, так и гравюры.
1800-е годы — время, когда морское искусство действительно приобрело популярность, поскольку на жанр сделали ставку импрессионисты. Некоторые искусствоведы утверждают, что именно морской жанр стал предпосылкой для появления импрессионизма и последующего развитию импрессионистского движения. Сцена с гаванью и рекой была очень распространена среди импрессионистов, особенно Моне и Альфреда Сислея.
Когда 1800-е годы сменились 1900-ми, многие американские художники начали рисовать пляжные сцены и берега. Они выбирали дикие пляжи, и не густо заселенные прибрежные города, давая зрителю возможность насладиться красотой природы.
Жанр переживал революцию, и окончательным результатом стало возникновение поджанров, которые получили названия «морской импрессионизм», «реализм в морской живописи», «морской натурализм», «морской люминизм».
Краткая характеристика направления
Маринист – это живописец, занимающийся разработкой морской темы в изобразительном искусстве. Само название данного жанра происходит от термина «морской». Также это понятие применимо к тем людям, которые рисуют марины (например, во Франции).
Предпосылкой для развития этого направления стало бурное развитие судоходства в Западной Европе в Новое время. Успехи великих географических открытий способствовали тому, что многие авторы стали писать океанские пейзажи, корабли, сцены морской жизни.
Маринист – это мастер изображения водной стихии. Этот жанр прошел эволюцию со времени своего возникновения. Первоначально художники рисовали баталии на воде, однако постепенно данная тема отошла на задний план, и авторы обратились к собственно самому морю, которое стало главным объектом картин.
Персональная выставка произведений Любови Малышевой «Роман с Уралом»
Министерство культуры Пермского края
Пермское отделение ВТОО «Союз художников России»
НП «Центр культурных технологий. Дом художника»
02 декабря — 18 декабря 2020 года,
открытие выставки 01 декабря в 16-00
Любовь Викторовна Малышева – известный и популярный художник, произведения которого сразу узнаются на выставках. Сегодня Малышева отмечает свой юбилей новой персональной выставкой, на которой представлено более 100 работ последнего пятилетия. Все они посвящены Уралу и написаны, в основном, на пленэре, во время путешествий по таким красивым рекам, как Косьва, Вишера, Чусовая. Название выставки глубоко символично, поскольку родилась Любовь в древнем селе Ильинском, на берегах реки Обвы, что навсегда привязало ее к родному пейзажу, в котором много неба и много воды, отражающей неспешный ход облаков и бесконечную игру светотени…
Путь в искусство начался с обучения в Свердловском художественном училище, затем в Уральском филиале Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова (мастерская заслуженного художника России Т.Е. Коваленко). Академия – «школа реализма» – приучила художника к работе с натурой, научила отбирать и обобщать свои впечатления от реальности.
Л. Малышева не только прекрасный пейзажист. Она работает и в других жанрах живописи – портрете, бытовом жанре и натюрморте. Человек интересен для нее трудной судьбой, ярким характером, «лица необщим выраженьем». Его образ всегда правдив и поэтичен. Очень привлекает художника натюрморт, который создается с неподдельным удовольствием и восторгом.
Л.В. Малышева принимает участие во всех значительных выставках, проходящих не только на разных площадках Перми, но и далеко за пределами Пермского края. С начала 1990-х годов художник регулярно демонстрирует персональные выставки, которых наберется уже не один десяток. Не так давно ее очередная персональная выставка демонстрировалась в Москве, в Государственной думе. Малышева занимается не только творческой, но и общественной, и преподавательской деятельностью. Ее любят и ценят многочисленные ученики и благодарные зрители.
О.М. Власова, доктор искусствоведения
Выставка работает с 02 декабря по 18 декабря 2020 года
Посещение выставки будет проходить с соблюдением санитарных норм и правил Роспотребнадзора.
Режим работы: ежедневно с 11-00 до 19-00
суббота – с 11-00 до 17-00
воскресенье – выходной
Источники[править | править код]
- ↑ Ревенко Л. В. Блонская Серафима Иасоновна // Энциклопедия Таганрога. Таганрог: Антон, 1998. — С. 192—193. — ISBN 5-88040-017-4.
- Таганрог. / Под общ. ред. Е. П. Коноплёвой — М.: Планета, 1987. — С. 155.
- ↑ Автобиография // Образцова Н. Радиус детства. — Таганрог: БАННЭРплюс, 2004. — С. 54. — ISBN 5-98472-008-6.
- Лузгин А. Всегда в поиске // Таганрогская правда. — 1977. — 11 июня.
- Шелухина Е. Вопрос решён // Таганрогская правда. — 2010. — 18 ноября.
- ↑ Серафиме Иасоновне Блонской 135 лет. Буклет / Авт. текста О. Костина. — Таганрог: ТХМ, 2005. — 6 с.
- Таганрогский художественный музей: каталог. — М.: ГТГ, 2003. — 48 с. — ISBN 5-89580-025-4.
- Казакова Л. «Помнишь ли ты …» // Вехи Таганрога. Таганрогский художественный музей. — 2007. — № 32 — С. 62.
- ↑ Вовк Е. Навеки с Таганрогом // Таганрогская правда. — 2010. — 26 окт.
Л. Изабе
Французские живописцы также внесли свой вклад в развитие этого направления. Художники-маринисты, как правило, принадлежали к романтическому направлению, как, например, Изабе.
Он был одним из наиболее выдающихся живописцев своего времени. Вначале он писал на исторические темы, но впоследствии отошел от этой тематики и стал изображать картины бури, шторма, кораблекрушений. Автор создавал акварели, которые, несмотря на романтическую тематику, отличались реализмом. В его полотнах присутствуют элементы лирики и даже серьезной драмы. Одна из наиболее известных работ автора – «Буря у Сан-Мало».
Оценка, продажа и скупка картин Васильевой
В предыдущем разделе мы показали, что картины Марии Ивановны Васильевой могут претендовать на крупные суммы в сотни тысяч долларов. Это означает, что к оценке конкретного холста стоит отнестись серьезно и по возможности воспользоваться услугами эксперта. Именно специалист точно определит, к какому периоду творчества относится полотно, в каком оно находится состоянии, какую коллекционную ценность представляет и на какую сумму может претендовать.
Для получения максимальной прибыли мы рекомендуем потратить время на продажу через аукционные дома. Но если вам срочно нужны деньги, вы можете продать нам картины на условиях скупки. Для обсуждения деталей свяжитесь с нами по телефону: +7 (495) 969-14-05.
Диего Веласкес
Диего Веласкес – живописец из Испании, придворный художник Филиппа IV. Веласкес начал учиться живописи, когда ему было десять лет.
Уже в восемнадцатилетнем возрасте художнику удалось открыть собственную мастерскую: в этом ему помог Франсиско Пачеко, его учитель.
В начале творческого пути Веласкес изображал натюрморты, различные кухонные сценки. Особенностями этих картин стали цветотени, насыщенность цвета.
Потом мастер переехал в столицу Испании и стал придворным живописцем. Он не только писал заказные парадные портреты, но и старался запечатлеть самых несчастных, униженных людей: уродцев, шутов, карликов.
Известные портреты: «Трактирщик», «Старая кухарка», «Портрет короля Испании Филиппа IV в доспехах», «Портрет дамы с веером», «Шут Хуан Австрийский».