Л.в. позен. скульптура о судьбе народа

Последний период

С конца 1960 годов отечественное искусство проникнуто возбуждением и радостным подъемом оттепели, жаждой познания запретной прежде западной культуры, переосмыслением собственного творческого взлета 1910–1920 гг. Несмотря на последующие попытки советской системы обуздать, начавшееся обновление в отечественном искусстве, творческий прорыв остановить было уже невозможно. Особенно это выражалось в скульптуре 1970–1980 годов посредством новых форм, материалов, мотивов и пластических решений.

Оказавшись в столичной творческой среде, Лавровы с приумноженным энтузиазмом принялись за работу. В трудах Георгия Дмитриевича явственно проявляется школа парижского периода. Бережное следование натуре, тонкая передача душевных качеств, баланс обобщенности и подробностей выражены в лучших портретных работах Лаврова с конца 1950 по 1980 годы. Он создает портреты выдающихся ученых, творческой интеллигенции, военных. Работает над любимыми образами Сурикова и Павловой, портретами дорогих ему людей. Он много рисует обнаженной натуры, пейзажей, автопортретов и лиц знакомых.

Авторская ретроспективная выставка Лаврова открылась в 1982 г. на Беговой в здании МОСХа. Экспозицию высоко оценили зрители, коллеги, пресса. В 1982 г. государство удостоило Георгия Дмитриевича званием «Заслуженного художника РСФСР».

Тяжело болея в последние годы жизни, скульптор не мог проводить много часов перед скульптурным станком и увлекся литературной деятельностью. Опубликовано немало его уникальных воспоминаний при жизни и после смерти в 1991 году. Каталог только известных его работ насчитывает 229 единиц скульптурных работ.

Биография

Лев Кассиль родился 27 июня (10 июля) 1905 год в Покровской слободе (ныне город Энгельс, Саратовская область) в еврейской семье врача Абрама Григорьевича Кассиля и учительницы музыки, затем зубного врача Анны Иосифовны Перельман. Учился в гимназии, после революции преобразованной в Единую трудовую школу, которую окончил в 1923 году.

Сотрудничал с Покровской детской библиотекой-читальней, при которой организовывались для детей рабочих различные кружки, в том числе издавался и рукописный журнал, редактором и художником которого был Кассиль.

С 1923 года жил в Мос­кве. В 1927 году окончил три курса физико-математического факультета МГУ. К третьему курсу студента физмата «неотвратимо потянуло писать», и он принялся строчить домой письма, которые порой достигали 25-30 страниц. Кассиль много бродил по Москве и в письмах описывал все, что видел: новостройки, футбол, театры, выставки, музеи… А младший брат Кассиля, Иосиф (Оська), забирал эти письма у матери, перепечатывал на машинке и относил в местную газету. Там появился целый цикл «Письма из Москвы». Оська получал гонорары и на эти деньги водил своих приятелей в кино, угощал их пирожными — «за здоровье брата». Узнав об этих проделках, старший брат решил, что и сам мог бы позаботиться о своем здоровье. С 1925 года начал заниматься литературой. В 1928—1937 годах был очеркистом, фельетонистом и специальным корреспондентом газеты «Известия». В 1937 году, затем в 1941—1942 — ответственный редактор журнала «Мурзилка».

В годы Великой Отечественной войны Л. А. Кассиль выступал по радио, в школах, воинских частях, на предприятиях Москвы и Урала. В 1947—1948 годах работал председателем комиссии по детской литературе СП СССР. В 1947—1949 годах был руководителем семинара детской литературы в Литературном институте имени А. М. Горького.

Как детского писателя его первым представил В. В. Мая­ковский (журнал «Новый ЛЕФ», 1927). Самое значительное из его произведений, «Кондуит и Швамбрания» (1928—1931), написанное на автобиографическом материале, рассказывает о жизни гимназистов в дореволюционной России. После ареста младшего брата писателя Иосифа Кассиля в 1937 году книга много лет не переиздавалась, но не была изъята из библиотек. «Вратарь Республики» (1937) — первый советский роман о спорте. Участник групп «ЛЕФ» и «Реф».

Автор идеи проведения Книжкиных именин, трансформировавшихся со временем в Неделю детской книги.

Жил в Москве, с 1947 по 1970 — в Камергерском переулке, № 5/7 стр. 1, кв. № 23 (на доме установлена мемориальная доска).

Умер Кассиль в Москве 21 июня 1970 года (от инфаркта, случившегося, когда он смотрел телетрансляцию финального матча на первенстве мира по футболу). Похоронен на Новодевичьем кладбище (участок № 2).

В городе Энгельс существует Дом-музей Льва Кассиля и улица его имени, а в сквере его имени на Площади Свободы ему установлен памятник.

Флорентийская живописная мозаика

Геннадий Дмитриевич Павлишин — не только известный иллюстратор, но и мастер флорентийской мозаики, получивший высокую оценку своего мастерства на родине этого вида прикладного искусства. Во Флоренции ему вручили премию Леонардо да Винчи.

Навыки камнерезания Г. Павлишин приобрел еще в детстве в ремонтных цехах — сначала наблюдал со стороны за рабочими, а потом учился у них. Наиболее известная мозаичная работа — «Поэма о Приамурье», созданная в 1979 году. Ее площадь — 12 м². Чтобы найти материалы для изготовления панно художник с рюкзаком за плечами проехал и прошел сотни километров. Река Зея подарила ему халцедоны, Кульдур — офикальциты, Хинган — кальциты, Нижний Амур — морионы и лазуриты, Якутия — нефриты, Приморье — ониксы и агаты, удалось даже добыть редкую синюю удскую яшму. При создании панно было использовано более 100 тысяч камней, которые распиливались на тонкие пластинки с созданием нужного контура. Это была кропотливая работа, требующая не только художественных способностей, но и огромного терпения и усидчивости.

Мозаика Геннадия Павлишина «Поэма о Приамурье»

Из интервью Геннадия Павлишина еженедельнику «Аргументы и Факты» № 37, «АиФ Даль-Информ» 12.09.2018: 

Сегодня это произведение искусства, служащее визитной карточкой Дальневосточного края, находится в Хабаровске в Доме приемов.

Геннадий Павлишин и его дочь Ирина, продолжающая творческие традиции своего отца, часто работают для русской православной церкви, создавая поразительные мозаичные иконы. С 2003 года в технике мальтийской мозаики начала работать и младшая дочь Геннадия Дмитриевича — Наталья, долгие годы занимавшая пост главного художника Хабаровского Театра кукол, член Союза Художников с 2006 года.

Знаменательным событием стало сооружение православной часовни Святого воина Виктора на Большом Уссурийском острове. Павлишины создали и подарили мозаичное панно-икону Святого воина Виктора, изготовленную из смальты и камней-самоцветов. Для этой же часовни была изготовлена икона-мозаика «Порт-Артурская Божья Матерь». В 2009 году на фасаде храма архангела Михаила установили икону, которую семья Павлишиных создавала в течение года из тысяч каменных элементов.

Новая должность

Рабочие успехи Малера в Гамбурге заметили даже в Вене. Правительство хотело видеть маэстро в своей стране. В 1897-го Густав крестился в католицизм. В том же году он подписал контракт с Придворной оперой. Он получил должность третьего дирижёра.

Спустя некоторое время Густаву удалось занять пост директора Придворной оперы. Популярность маэстро в Вене зашкаливала. На волне успеха он презентовал поклонникам своего творчества Пятую симфонию. Это произведение разделило общество на два лагеря. Одни превозносили Густава за новаторство, а другие открыто обвиняли Малера в вульгарности и откровенной безвкусицы. Но сам маэстро не интересовался мнением современников. Он выпустил Шестую, Седьмую и Восьмую симфонии.

Кроме того, в театре Густав установил новые правила. Не всем нравились новые законы Малера, но те, кто хотел работать в Придворной опере дальше – были вынуждены принимать условия. И если ранее публика, войдя в театр, чувствовала себя как дома, то с наступлением правления Густава вступил в силу запрет входить в театр, когда вздумается.

Театру он отдал более 10 лет своей жизни. В последние годы Густав почувствовал сильное недомогание, которое было вызвано на фоне постоянных стрессов и тяжелого рабочего графика. Он был вынужден оставить работу.

Руководство театра назначило маэстро пенсию с одним условием – Малер не должен больше работать ни в одной из опер Австрии. Он подписал контракт, но когда увидел какое жалование его ждёт, то был разочарован. Он понял, что трудиться ему всё равно придётся, но уже не в австрийских театрах.

Вскоре он поступил на работу в Метрополитен-оперу (Нью-Йорк). Тогда же состоялась премьера произведения «Песнь о земле» и Девятой симфонии. В этот период времени на его творчество повлияли работы таких писателей как Ницше, Шопенгауэр и Достоевский

Основные моменты жизни и творчества Климта

Будущий яркий представитель ар-нуво рано начал заниматься творчеством, брать заказы. Если вначале он точно следовал консервативным рекомендациям академического образования, то позднее показал себя как художник-портретист, аллегорист. Его работы были смелыми, открытыми новым направлениям.

Ниже представлены основные события из жизни Климта:

1. 1880 г. Густав, а также его младший брат Эрнст, который поступил в ту же художественную школу, решают объединиться для совместной работы в так называемую компанию художников. Они берут с собой однокурсника Франца Мача.
2. 1880-1882 гг. Группа получает свои первые заказы на потолочные и театральные украшения в Вене, Карловых Варах и Рейхенберге. Молодые художники оформляют внутренние дворы исторического музея аллегорическими рисунками, изображают путти с изречениями и именами известных художников.
3. 1883 г. Братья Климт вместе с Францем Мачем переезжают в свое совместное ателье в Вене.
4. 1883-1887 гг. Студийное сообщество выполняет работы для национального театра в Бухаресте, а также потолка в императорской вилле.
5. 1888 г. Император Франц Иосиф I награждает братьев Климт и Ф. Мача золотым крестом за заслуги перед искусством.
6. 1889 г. Климт путешествует по Европе. Он посещает Триест, Венецию, Мюнхен.
7. 1891 г. Густав становится членом «Сообщества изобразительных художников Вены».
8. 1892 г. Умирает брат Климта, Эрнст. Густав переживает глубокий кризис. Чтобы найти свой стиль, он перестает работать в паре с Мачем. Также происходит отстранение от традиционной живописи, которой обучали в художественной школе.
9. 1894-1896 гг. Климт фокусируется на выполнении 3-х монументальных потолочных изображений. Министерство образования дает задание, выполнить проекты декора потолка Венского университета. Густав аллегорически изображает три факультета: юриспруденцию, философию и медицину.
10. 1897 г. Климт – соучредитель, а также первый президент Венской сецессии. Именно создание сецессии и обращение к формальному языку авангарда помогло преодолеть тяжелое для художника время.
11. 1898-1900 гг. Интенсивная работа в ассоциации. В этот период Климт развивает почти экспрессионистскую, плоско-орнаментальную форму изображения, напоминающую мозаику.
12. 1900 г. Произведение «Философия» получает золотую медаль на Всемирной выставке в Париже.
13. 1900-1910 гг. Климт выступил с такими работами, как «Афина Паллада», «Обнаженная истина» и «Портрет Сони Книпс». Картины впервые оформлены золотым листом.
14. 1914-1916 гг. Первую мировую войну художник провел в Вене. Он также часто посещает озеро Аттерзее в Форстхаусе.
15. 11 января 1918 г. Густав Климт перенес инсульт в своей квартире. Климт был наполовину парализован. Его доставили в госпиталь. Через 2 дня неизвестные воры ворвались в его заброшенное ателье и украли всё, что смогли.
16. 6 февраля 1918 г. Художник умер в больнице от воспаления легких. Через 3 дня его похоронили на кладбище в Хитцингер.

Густав Климт в 1914 г.

Творчество

Академию Виктор Васнецов окончил в 1873 году, а выставляться начал еще во время учебы, в 1869 году. Сначала работы художника включались в экспозиции Академии. Позже, после его вступления в 1878 году в Товарищество передвижных художественных выставок, – в выставках, организуемых товариществом.

Картина Виктора Васнецова «Витязь на распутье»

Творчество Васнецова делится на два больших этапа. Изначально художник творил в социально-критическом жанре. Среди его героев – чета обедневших стариков на картине «С квартиры на квартиру», скучающе-унылые мещане на картине «Преферанс». Работы художника напоминают в этот период произведения Федора Достоевского, проникнутые иронией и состраданием одновременно.

В конце 19 века начался второй этап творчества Васнецова, логично связанный с интересом общества к «преданьям старины глубокой». Особенности творчества состояли в сочетании исторических фактов и фольклорных мотивов. Художник писал невероятно волнующие полотна, затрагивающие душу любого русского человека.

Картина Виктора Васнецова «Три богатыря»

К этому периоду относятся произведения «Гусляры», «Витязь на распутье», «Алёнушка», «Иван-Царевич на Сером Волке», «Три богатыря». Последняя, на которой стоят на страже границ земли русской Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алеша Попович, пожалуй, визитная карточка Васнецова.

«Эпический» период живописца стал, по мнению ценителей-современников, ярким примером «нового русского стиля». Новаторство привнес Васнецов и в сценографию, создав эскизы костюмов и декораций для оперы «Снегурочка» Римского-Корсакова. Чего стоит только декорация, которая должна изображать палаты царя Берендея.

Декорация Виктора Васнецова «Палаты царя Берендея» к опере «Снегурочка»

Помимо «Снегурочки», художник приложил руку к театральному оформлению драмы Шпажинского «Чародейка» и оперы Даргомыжского «Русалка». Подводный пейзаж в «Русалке» и поныне изображают, основываясь на созданных Васнецовым декорациях.

Благодаря таланту Васнецова посетители Исторического музея в Москве до сих пор любуются живописным фризом «Каменный век». Коллеги дали этой работе мастера, выполненной в 1883-1885 годах, высокую оценку.

Картина Виктора Васнецова «Аленушка»

Вскоре Васнецов увлекся религиозной темой. Его кистью выполнена роспись в петербургском храме Спас-На-Крови. Он прорабатывал стенную живопись для Храма Рождества Иоанна Предтечи на Пресне, в соавторстве с другими живописцами создавал интерьер храма-памятника Александра Невского в Софии.

Много сил и десять лет жизни потребовалось живописцу на роспись Владимирского собора в Киеве. С 1880 по 1890 годы Васнецов с помощниками расписал почти 3000 квадратных метров стен собора. Строгость византийских канонов художнику удалось смягчить лирическим, поэтичным началом, сказочными мотивами.

Картина Виктора Васнецова «Иван-царевич на Сером волке»

Собственное видение мира привнес Васнецов в архитектуру. «Русский стиль» для него означал не подражание старинным мотивам, а разумное заимствование особых свойств зодчества Древней Руси. С его легкой руки в усадьбе Абрамцево появились церковь Спаса Нерукотворного, выстроенная в соответствии с псковско-новгородской традицией, и сказочная беседка «Избушка на курьих ножках».

Дом для собственной семьи художник тоже спроектировал сам с помощью архитектора Василия Башкирова. Ныне это здание, расположенное по адресу Москва, переулок Васнецова, 13, является домом-музеем живописца.

Дом музей Виктора Васнецова

После первой русской революции 1905 года и Кровавого воскресенья Васнецов, как истинный гений, проникся происходящим. Его убеждения, практически совпавшие в тот период с доктриной ультраконсервативного «Союза русского народа», привели к участию в финансировании и оформлении монархических изданий.

Поздние картины Васнецова наполнены тревогой, предчувствием неизбежных перемен. Тогда на свет появилось полотно «Варяги», на котором пришли на Русь по призванию новгородцев Рюрик, Синеус и Трувор.

Картина Виктора Васнецова «Варяги»

Свершившаяся революция 1917 года положила конец активному участию Васнецова в художественной жизни. Художник перешел на иллюстрации к русским сказкам. Над темами «Спящая царевна», «Царевна-лягушка», «Царевна Несмеяна» мастер работал до последних дней, но, по мнению некоторых критиков, сила образов была уже не та. Зато в этот период живописец создал ряд прекрасных портретов.

Венский сецессион

В 1897 году Климт стал соучредителем объединения Венский сецессион. Отвергая традиционно консервативную художественную традицию, Климт и его единомышленники задумывали это движение как освободительное. Они ставили под сомнение правила классического искусства, поскольку оно не могло описать то, что было за пределами реальности, и художникам требовалось больше свободы для самовыражения. Сецессион должен был дать возможность экспериментировать, развиваться, обмениваться идеями.

К Венскому сецессиону примкнули все молодые и талантливые художники того времени. Альфред Роллер, например, считается одним из отцов-основателей австрийского модерна (который в немецкоязычной среде называется югендстилем). Он был не только президентом сецессиона, но и главным художником Венской оперы и руководил Венской художественно-промышленной школой. Он же разработал сецессион-шрифт, который часто можно встретить на венских плакатах эпохи модерна.

Коломан Мозер выставлялся в Австрии и Германии, а до этого какое-то время преподавал живопись у детей австрийского эрцгерцога Карла Людвига. Йозеф Хоффман, ученик знаменитого Отто Вагнера, долгое время являлся главным архитектором Вены. Йозеф Мария Ольбрих — известный архитектор, построивший здание, где проходили выставки сецессиона.

За теоретическую базу архитектурного стиля сецессиона отвечал Отто Вагнер. Многие из более молодых представителей кружка были его учениками. Вагнер вёл курсы в Академии художественных искусств Вены и разрабатывал новую концепцию «практической полезности». Суть её состояла в сочетании простых геометрических форм и орнаментов — именно поэтому архитектуру сецессиона иногда называют «квадратным стилем».

Афиша первой выставки сецессиона работы Густава Климта. (commons.wikimedia.org)

В живописи представители сецессиона далеко не всегда использовали исключительно прямые линии. Но суть оставалась той же — искусство из музейного становилось прикладным. Коломан Мозер работал над дизайном почтовых марок, керамических изделий и мебели. Карл фон Хазенауэр помогал Отто Вагнеру проектировать Венскую железную дорогу. А Густав Климт создавал полотна для украшения актового зала в главном здании Венского университета, а также помогал декорировать залы для показов мод.

Ранние работы участников Венского сецессиона были в основном выдержаны в стиле ар-нуво. Повлияло на них также английское и восточное искусство. Создавая кружок, венские художники вдохновлялись опытом Берлинского и Мюнхенского сецессионов. В Берлине несколько молодых художников, в том числе Франц Скарбина и Макс Либерман, создали отдельное объединение ещё в 1892 году. Причиной раздора был отказ комиссии Союза берлинских художников выставлять картины Эдварда Мунка. В том же году был создан и Мюнхенский сецессион. Вскоре Мюнхен превратился в столицу современного искусства, там работали Пабло Пикассо, Василий Кандинский, Пауль Клее и Анри Матисс.

Свою первую выставку художники провели в 1898 году. Специально для неё Ольбрих построил выставочный зал, известный под именем Дом сецессиона. Белоснежное здание венчает купол из золочёных ягод и лавровых листьев. Такой же орнамент рассыпан и по фасаду здания. Золото, цвет, волны были отличительными чертами югендстиля. Главный вход здания украшен лозунгом «Der Zeit Ihre Kunst — Der Kunst Ihre Freiheit» («Эпохе — своё искусство, искусству — своя свобода»). Это фраза известного критика Людвига Хевеши, который одним из первых сообщил о создании сецессиона. Самой известной выставкой объединения стала 14-я по счёту, посвящённая Бетховену. На ней в 1902 году была впервые показана знаменитая фреска «Бетховенский фриз» работы Густава Климта. Это один из лучших шедевров венского югендстиля.

В 1905 году в Венском сецессионе произошёл раскол. Группу покинул Густав Климт, а вместе с ним и несколько других художников, в том числе и Карл Молль. Но кружок не распался и продолжил свою работу. В поздние годы сецессион отошёл от принципов ар-нуво и находился под влиянием функционализма, а потому поддержал идеи Ле Корбюзье и немецкого Баухауса.

Биографические данные

Henri Julien Felix Rousseau родился в 1844 г. в Лавале департамента Майенн (Франция), отец его работал в жестяной мастерской. Сведений о его детстве и молодости очень мало. Учился он плохо, проявляя способности только к музыке и сочинению стихов, выпускные экзамены в школе сдать не смог. Затем он записался добровольцем во французскую армию, где служил в качестве полкового музыканта-кларнетиста в оркестре пехотной части до 1868 г.

По его рассказам, Руссо бывал в Мексике, однако по данным историков, он всю жизнь прожил во Франции и никогда никуда не выезжал. После выхода в отставку он поступил клерком в судебную контору и в 1869 г. женился по любви на К. Буатар. Однако их семейная жизнь была не очень счастливой: из рожденных 7 детей выжили только двое, затем старший сын умер в 18 лет. В живых осталась единственная дочь, а жена в 1888-м умерла от чахотки. Второй женой художника в 1899 г. стала Жозефина Нури.

В 1871 г. он поступил на работу в таможню. Впоследствии именно поэтому ему дали прозвище Таможенник (Le Douanier). Он занимался сбором пошлин с крестьян и выдачей квитанций, проводя рабочее время у городских ворот или в пригородах Парижа на таможенных пунктах.

Уже в зрелые годы он неожиданно для всех занялся созданием живописных полотен. Творческий период в биографии Анри Руссо начался в 1886 г., когда он впервые показал свои работы на «Выставке независимых». Картины были оценены зрителями, которым понравились оригинальные сюжеты и яркая колористика полотен. Однако при жизни художник вел нищенское существование, часто писал картины в кредит или просил задаток даже у друзей.

Кроме рисования, Руссо занимался игрой на скрипке и написанием литературных произведений. Из-под его руки выходили мелодраматические романы, наполненные такой же фантазией и наивностью, как и его картины.

Художник умер совершенно нищим в возрасте 66 лет в сентябре 1910-го в Парижской больнице Неккера, куда попал для лечения раны на ноге. В результате занесения инфекции у него развились гангрена и заражение крови. Похоронен был в Париже, через год на его могиле друзья установили барельеф с эпитафией, выполненный скульптором К. Брынкуши, французом румынского происхождения.

В 1947 г. его останки были перевезены на родину в город Лаваль, где удостоились торжественной церемонии. Слава пришла к нему только после смерти.