Лейтон, фредерик

Фото и описание

Музей Фредерика Лейтона у Холланд-парка – это дом великого викторианского художника, где он жил, творил и умер, где за год до смерти написал свою самую известную картину, «Пылающий июнь».

Шедевр, изображающий полулежащую молодую женщину в оранжевом одеянии, находится не в Лондоне, а в музее де Арте де Понсе в Пуэрто-Рико. Но в доме Лейтона есть 76 других его картин – от небольших эскизов до крупных полотен. В музее выставлены и «Смерть Брунеллески», написанная Лейтоном в 1852 году в качестве выпускной работы, и «Клития» – картина, над которой он работал сорок четыре года спустя, перед смертью.

В музее представлены слепки с трёх лейтоновских скульптур – «Лентяй», «Атлет, борющийся с питоном» и «Излишние волнения». Художник создал только эти три скульптуры, все силы он отдавал живописи. Музей располагает также крупной коллекцией рисунков и набросков, сделанных мастером как в детстве, так и в годы славы. Среди 700 работ – эскизы «Мадонны Чимабуэ», сделавшей его известным, и того самого «Пылающего июня». Выставлены и личные вещи Лейтона – печать, палитры, дипломы и награды.

Дом у Холланд-парка построен в 1866 году, когда Лейтон уже был знаменит произведениями на античные и библейские сюжеты. Он получал международные премии, стал ассоциированным членом Королевской академии (позже – её президентом). Конечно, ему нужен был достойный дом. Спроектировать его Лейтон попросил своего друга Джорджа Эйтчисона, промышленного архитектора. Дом получился таким интересным, что на Эйтчисона посыпались заказы на переделку интерьеров.

Внешне дом поразительно прост – красный кирпич, скупая отделка. Внутри сначала всё тоже было скромно, но Лейтон требовал расширений, и здание постепенно росло. Сначала на первом этаже появилась студия. Потом, после поездок по Ближнему Востоку, понадобилось место для привезённых оттуда коллекций текстиля, керамики, плитки. Пристроили двухэтажный «арабский зал». Он выглядит изумительно: мозаика, мрамор, деревянные решётки на окнах, те самые плитки, позолоченные капители колонн, а посередине, под куполом, – фонтан.

Последнее дополнение было завершено за несколько месяцев до смерти хозяина – это «шёлковая комната», отведённая под его коллекцию живописи. Сейчас в музее выставлены картины и рисунки Миллеса, Бёрн-Джонса, Уоттса, Сэндиса, Шоу, Говарда и других современников Лейтона.

Дом Лейтона так понравился его друзьям и коллегам, что вокруг выросла колония домов других художников, прозванная «Круг Холланд-парка». Дома проектировались по примеру лейтоновского – с обязательной студией и видом на парк.

Эпоха Ренессанса

Говоря об этикете эпохи Ренессанса, многие вспоминают придворный этикет Франции или строгость Англии, но первой заложила его основы Италия. Именно там начинается эпоха Возрождения. Люди начинают интересоваться красотой, искусством, литературой, что сказывается на общих правилах поведения.

Этика того времени возвеличивала человека. И придворные традиции демонстрировали это в полной мере. Например, во Франции во время трапезы короля, сидеть мог только он один. А герцог бургундский регулярно принимал прошения от подданных, но только из уст своих чиновников, стоявших на коленях. Каждый день придворных особ и все события шли по заранее определенному сценарию, в котором каждый выполнял свои роли даже в жестах.

Во начале Ренессанса следовать этикету должны были только представители высших сословий. Бедняки были «освобождены» от этого обязательства своим низким статусом. Их взаимоотношения были построены на религиозных законах.

Вынужденные постоянно терпеть многочасовые ритуалы, обожествлять короля и задумываться о статусе собеседника, придворные теряли собственный характер. Неудивительно, что со временем большую популярность набирают нормы английского поведения. Они проповедовали скромность, благочестивость, руководствуясь при этом здравым смыслом. Воспитанный мужчина того времени не позволял себе громкого смеха и долгих рассказов о себе. Он с уважением относился ко всем людям, включая слуг, держал в чистоте свой наряд и проявлял учтивость к женщинам.

Зачем интересоваться тем, что не нравится

Мы воспринимаем мир эмоционально, и первая реакция на картину: нравится — не нравится. Однако, зная историю произведения искусства, вы почувствуете гораздо больше. Например, у меня была долгая болезненная борьба с художниками эпохи Возрождения, особенно с Рафаэлем. Я никак не могла понять, что в нём такого находят. Ситуацию спасли музеи.

В Италии я увидела множество работ Рафаэля вживую. Помню, как стояла в Ватикане перед «Афинской школой» и просто обалдела от того, насколько это потрясающая фреска. Там такое всё человечное: философы — это не какие-то великие мыслители, а очаровательные настоящие люди, которые с диким интересом обсуждают и подсматривают, что делают их коллеги, изучают сообщающиеся сосуды. Я осознала, насколько надо любить жизнь и людей, чтобы это запечатлеть: Рафаэль Санти — гений.

Рафаэль Санти, «Афинская школа», 1510–1511

Другой пример связан с архитектурой XX века. Я была убеждена, что терпеть её не могу, пока не попала на экскурсию по московскому конструктивизму. Это был второй курс магистратуры, и мне стоило уже научиться любить XX век.

Девушка, которая вела экскурсию, так интересно объясняла, что я начала иначе смотреть на здания. В конце экскурсии мне казалось, что типовая застройка — это самые красивые дома всех времён и народов. С того момента я решила: «Если мне что-то не нравится, я попробую с этим пожить, разобраться».

Абстрактное искусство может нравиться, потому что зрителю приятно сочетание цветов. Других отталкивает отсутствие структуры и знакомых объектов. Дело в том, что мозгу легче воспринимать привычные образы: человека, собаку, лес. Если на картине нет чётких форм, мозгу приходится напрягаться, а он этого избегает. Поэтому непонятное часто вызывает негативные эмоции, ведь у нас нет стереотипа для обработки этой информации.

Василий Кандинский, «Композиция VII», 1913
Джексон Поллок, «№1», 1949

На выставке абстрактных картин важно понимать, что это направление живописи появилось в ответ на открытия в психологии. Некоторые художники пытались осмыслить теорию бессознательного Зигмунда Фрейда и погрузить зрителей в медитативное состояние. Тогда получается, картины абстракционистов — это чистое искусство, которое воздействует на мозг напрямую

Тогда получается, картины абстракционистов — это чистое искусство, которое воздействует на мозг напрямую.

Любовь и интерес к искусству развивают эмоциональный интеллект, способность сопереживать. Если вдумчиво рассматривать картины, пытаться проникнуть в мысли художника, вы увидите историю, которую он пытался рассказать на холсте. Каждая работа родилась в ответ на внешние обстоятельства под влиянием внутренних побуждений автора. Чтобы это расшифровать, нужно немного углубиться в историю. Человек, который может осмыслить шедевр, становится счастливее.

Оценка [ править ]

Пылающий июнь впервые был использован как мотив для украшения мраморной ванны в одной из других работ Лейтона, « Летний сон» . Он настолько увлекся дизайном, что решил создать его как отдельную картину.

Погребальная торжественность монументальной обнаженной натуры Микеланджело была значительно подогрета викторианским художником в процессе ее присвоения и адаптации. Лейтон устроил все таким образом, что, хотя он и одет, многие прелести его сонной девушки соблазнительно демонстрируются для восхищения зрителя, который неявно помещен в положение вуайериста … Ее щеки покраснели, покраснели от румян. предполагая, что каким-то образом она знает, что за ней наблюдают, хотя она спит.

По словам историка искусства Эндрю Грэма-Диксона, «ее поза в общих чертах смоделирована с позой знаменитой статуи Ночи Микеланджело в гробницах Медичи во Флоренции, которую Лейтон считал одним из высших достижений западного искусства».
Положение спящей женщины доставило Лейтон множество неприятностей. Он сделал несколько предварительных набросков, чтобы определить, как ей следует лечь; в частности, ему было трудно заставить угол ее правой руки выглядеть естественным. Его исследования показывают, что картина прошла по крайней мере четыре эволюционных эскиза, прежде чем Лейтон пришел к конечному результату. Четыре из этих этюдов были обнажены, а один задрапирован. Драпированная фигура выглядит наименее реалистичной, демонстрируя необходимость Лейтон рисовать с обнаженной модели, чтобы добиться верности природе.

Ветка токсичного олеандра в правом верхнем углу, возможно, символизирует хрупкую связь между сном и смертью.

Пылающий июнь стал самой узнаваемой картиной Лейтона. Самуэль Курто , основатель Института Курто , назвал это «самой замечательной картиной из всех существующих». Реализм прозрачного материала, который носит спящая женщина, потрясающе насыщенные цвета и идеально воссозданная мраморная окантовка характерны для работ Лейтона, как и его использование естественного света. Он позволяет закату на заднем плане казаться расплавленным золотом.

Influences and Connections

Influences on Artist

Influenced by Artist

Artists

• Jean-Auguste-Dominique Ingres
• Eugène Delacroix
• Jean-Baptiste-Camille Corot
• Michelangelo
• Paolo Veronese

Friends & Personal Connections

• Dante Gabriel Rossetti
• Alfred Elmore
• William Powell Frith
• E. M. Ward

Movements & Ideas

• Neoclassicism
• Romanticism
• Symbolism
• Aesthetic Art
• History Painting

Artists

• Dante Gabriel Rossetti
• Edward Burne-Jones
• John William Waterhouse
• Edward Onslow-Ford
• Harry Bates

Friends & Personal Connections

• Dante Gabriel Rossetti
• Alfred Elmore
• William Powell Frith
• E. M. Ward

Movements & Ideas

• The Pre-Raphaelites
• Symbolism
• Aesthetic Art
• The Holland Park Circle
• New Sculpture

Open Influences
Close Influences

Дом

Картина имела немедленный успех в 1855 году, когда Лейтон представил ее на выставке Королевской академии в Лондоне: она получила почти единодушную похвалу своего автора. Королева Виктория купила в первый день выставки за 600 гиней. Национальная галерея цитирует то, что королева написала в своем дневнике об этой картине:

Английский художник Данте Габриэль Россетти писал, что эта работа доказала большую способность Лейтона создавать богатые аранжировки. Его брат, искусствовед и писатель Уильям Майкл Россетти , не был так очарован этой картиной: «В его картине есть объем, но не величие, стиль, но не интенсивность, дизайн, а не отражение, аранжировка, а не дизайн: это индивидуальная работа, не особо оригинально. »

Полный вид Богоматери Чимабуэ, перенесенной процессией во Флоренцию .

Здоровая кожа и скрытое тело в Средневековье

XV век

В Средневековье в Европе красивой считалась фигура с маленькой грудью и почти полным отсутствием талии. Стандарты красоты долгое время диктовала церковь. Тело считалось футляром для души — демонстрировать привлекательность было непопулярно и даже опасно. Христианство объявляло земную красоту грехом, косметику запрещали. 

При этом интересно, что в XIV веке у женских нарядов появилось декольте: девушки открывали часть груди, плечи и шею. Не всем современникам нравилась эта мода: многие считали такие наряды греховными и порочными.

Признаком красоты была здоровая кожа — в те времена свирепствовали болезни, которые оставляли пятна на теле. Если на лице девушки не было пятен, это значило, что она ничем не болеет и может родить здоровых детей. 

В позднем Средневековье красивыми считались открытый высокий лоб и тонкие брови. Чтобы сделать лицо более открытым, девушки зачёсывали и убирали волосы под капюшон. Также они специально сдвигали линию роста волос — выщипывали волосы и брови пинцетами.

Мария Магдалина / Неизвестный художник / Wiki­me­dia Commons

В России XV века чем шикарнее была одета женщина, тем она считалась красивее. Девушки носили покрывала, сарафаны и кокошники, а также активно белились и румянились. Что касается телосложения, то красивыми считались высокие и полные женщины с овальным лицом. В те времена на Руси в женщинах ценилась главным образом их способность выносить ребёнка. 

Описание

На снимке изображена сцена из описания историком искусства XVI века Джорджо Вазари шествия XIII века по улицам Флоренции с запрестольным изображением Мадонны с младенцем . Мадонну несут из мастерской флорентийского художника Чимабуэ в церковь Санта-Мария-Новелла . Сам Чимабуэ изображен непосредственно перед Мадонной с лавровым венком на голове. За ним следует группа, в которую входят несколько ведущих флорентийских деятелей искусства того времени, в том числе его ученик Джотто , поэт Данте Алигьери (опирается на стену справа), архитектор Арнольфо ди Камбио , художники Гаддо Гадди , Андреа Тафи , Буонамико Буффальмакко. и Симона Мемми ; скульптор Никколо Пизано , и верхом на правом краю изображения, король Неаполя , Карл Анжуйский .

Изображенный Мадонна, видел в очень узком угле в центре картины, на самом деле не Чимабуэ, но вместо этого он является Rucellai Мадонна на Sienese художника Дуччо ди Buoninsegna . Эта ошибка является результатом неправильной атрибуции этого алтаря Вазари, которая сохранилась во времена Лейтона, ошибка, которая не была исправлена ​​до 1889 года Францем Викхоффом . И Мадонна Ручеллаи, и аналогичная работа, которая правильно приписывается Чимабуэ, Санта-Тринита Маэста , выставлены в галерее Уффици во Флоренции.

Useful Resources on Frederic Leighton

Books
websites
articles

Books

The books and articles below constitute a bibliography of the sources used in the writing of this page. These also suggest some accessible resources for further research, especially ones that can be found and purchased via the internet.
biography

The Life, Letters and Work of Frederic Leighton
By Mrs. Russel Barrington

written by artist

Addresses Delivered to the Students of the Royal Academy
By Frederic Leighton

artworks

• Frederic Leighton: Antiquity, Renaissance, ModernityOur Pick

  By Tim Barringer and Elizabeth Prettejohn

• Frederic Leighton 1830-1896
  By Richard Ormond et al

• Frederic Leighton: Death, Mortality, Resurrection
  By Keren Rosa Hammerschlag

View more books

websites

articles

Художники Винтовки

Лейтон с энтузиазмом был солдатом-добровольцем, записавшись в первую группу, присоединившуюся к 38-му Миддлсекскому (Артистскому) стрелковому добровольческому корпусу (позже получившему название Художники Винтовки ) 5 октября 1860 г.

Сэр Фредерик Лейтон к Джордж Фредерик Уоттс (1881)

Сэр Фредерик Лейтон, позже в своей карьере.

Его лидерские качества были немедленно выявлены, и в течение нескольких месяцев он был назначен командиром роты. 6 января 1869 г. Капитан Лейтон был избран командиром Артистов-стрелков на общем собрании корпуса. В том же году он получил звание майора, а в 1875 г. лейтенант полковник. Лейтон ушел в отставку командующий офицер в 1883 году. Джеймс Уистлер Классно описал тогдашнего сэра Фредерика Лейтона, командующего артистами стрелков, как: «Полковник Королевской академии и президент артистов стрелков — да, и он немного рисует!» На его похоронах 3 февраля 1896 г. его гроб внесли в Собор Святого Павла, макароны почетный караул сформированный Артистами Винтовки.

Несколько слов о биографии художника Чимабуэ (около 1240-около 1302)

Настоящее имя художника – Ченни ди Пепо. Прозвище Чимабуэ означает «быкоголовый». Он происходил из знатной и богатой фамилии Ч. Гвальтьерн. Работал в основном во Флоренции, а также в соседних Ассизи и Пизе. Некоторые моменты его биографии известны из трудов Джорджо Вазари (1511-1574), которого считают основоположником современного искусствознания – он создал свои знаменитые «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» о современных ему деятелях искусства. Вазари рассказал в своей книге о том, что Чимабуэ был учителем Джотто. Он повествует о том, что Чимабуэ был очень требовательным к себе художником и безжалостно уничтожал свои произведения, если они ему не нравились.

Чимабуэ «Мадонна с ангелами» (около 1280). 276 x 424 см. Лувр (Париж) Данте в своей «Божественной комедии» также упоминает этих художников:

Кисть Чимабуэ славилась одна, А ныне Джотто чествуют без лести, И живопись того затемнена.

ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИ ФРЕДЕРИКА ЛЕЙТОНА

В 1859 году в Лондоне принц Уэльский приобрёл его картину, после чего наследник престола стал не только дальнейшим покровителем живописца, но и его верным другом.

В Риме, где он с головой окунулся в вихрь светских удовольствий, руководительницей Лейтона в его похождениях стала Аделаида Сарторис, известная оперная певица. Салон Аделаиды Сарторис открыл возможность молодому живописцу познакомился со многими замечательными людьми своего времени, в том числе с Уильямом Теккереем. В 1879 году Аделаида Сарторис скончалась, и эту смерть Лейтон переживал очень тяжело.

Дороти Дин стала его новой натурщицей после смерти Аделаиды Сарторис. Дороти послужила моделью для таких работ Лейтона, как «Пылающий июнь», «Плененная Андромаха» и «Сад Гесперид». А после смерти мастера она получила по его завещанию значительную сумму. Кроме того, известно, что Лейтон всегда с удовольствием посещал дом родителей Дороти (она родилась в бедном рабочем квартале Лондона), говоря, что там он отдыхает душой, и занимался образованием девушки.

Особенно тесные дружеские отношения завязались у него с «поэтической» семьёй Браунингов. Впоследствии, Лейтон создал серию иллюстраций к поэме Элизабет Барретт Браунинг, а после её смерти спроектировал надгробие на её могиле.

Лейтон был первым из британских художников, кто удостоился титула барона.

«Пылающий июнь» упоминается в песне английского рок-музыканта Пола Уэллера с альбома «Stanley Road» и в клипе на песню «Amarte es un placer» мексиканского певца Луиса Мигеля. Репродукция картины использована в оформлении обложки альбома «Waltz Darling» британского музыканта Малкольма Макларена. Картина также дала название одноимённой композиции Тиграна Петросяна с альбома «Тикомикс».

Отрывок, характеризующий Пылающий июнь

«Ах, поскорее бы он приехал. Я так боюсь, что этого не будет! А главное: я стареюсь, вот что! Уже не будет того, что теперь есть во мне. А может быть, он нынче приедет, сейчас приедет. Может быть приехал и сидит там в гостиной. Может быть, он вчера еще приехал и я забыла». Она встала, положила гитару и пошла в гостиную. Все домашние, учителя, гувернантки и гости сидели уж за чайным столом. Люди стояли вокруг стола, – а князя Андрея не было, и была всё прежняя жизнь. – А, вот она, – сказал Илья Андреич, увидав вошедшую Наташу. – Ну, садись ко мне. – Но Наташа остановилась подле матери, оглядываясь кругом, как будто она искала чего то. – Мама! – проговорила она. – Дайте мне его , дайте, мама, скорее, скорее, – и опять она с трудом удержала рыдания. Она присела к столу и послушала разговоры старших и Николая, который тоже пришел к столу. «Боже мой, Боже мой, те же лица, те же разговоры, так же папа держит чашку и дует точно так же!» думала Наташа, с ужасом чувствуя отвращение, подымавшееся в ней против всех домашних за то, что они были всё те же. После чая Николай, Соня и Наташа пошли в диванную, в свой любимый угол, в котором всегда начинались их самые задушевные разговоры. – Бывает с тобой, – сказала Наташа брату, когда они уселись в диванной, – бывает с тобой, что тебе кажется, что ничего не будет – ничего; что всё, что хорошее, то было? И не то что скучно, а грустно? – Еще как! – сказал он. – У меня бывало, что всё хорошо, все веселы, а мне придет в голову, что всё это уж надоело и что умирать всем надо. Я раз в полку не пошел на гулянье, а там играла музыка… и так мне вдруг скучно стало… – Ах, я это знаю. Знаю, знаю, – подхватила Наташа. – Я еще маленькая была, так со мной это бывало. Помнишь, раз меня за сливы наказали и вы все танцовали, а я сидела в классной и рыдала, никогда не забуду: мне и грустно было и жалко было всех, и себя, и всех всех жалко. И, главное, я не виновата была, – сказала Наташа, – ты помнишь? – Помню, – сказал Николай. – Я помню, что я к тебе пришел потом и мне хотелось тебя утешить и, знаешь, совестно было. Ужасно мы смешные были. У меня тогда была игрушка болванчик и я его тебе отдать хотел. Ты помнишь? – А помнишь ты, – сказала Наташа с задумчивой улыбкой, как давно, давно, мы еще совсем маленькие были, дяденька нас позвал в кабинет, еще в старом доме, а темно было – мы это пришли и вдруг там стоит… – Арап, – докончил Николай с радостной улыбкой, – как же не помнить? Я и теперь не знаю, что это был арап, или мы во сне видели, или нам рассказывали. – Он серый был, помнишь, и белые зубы – стоит и смотрит на нас… – Вы помните, Соня? – спросил Николай…

биография

Пылающий июнь (1895; Museo de Arte de Ponce ).

После вечерни (1871; Художественный музей Принстонского университета )

Лейтон родился в Скарборо Августе Сьюзен и доктору Фредерику Септимусу Лейтону. У него было две сестры, в том числе Александра кто был Роберт Браунинг биограф. Он получил образование в Школа университетского колледжа, Лондон. Затем он получил художественное образование на европейском континенте, сначала в Эдуард фон Штайнле а затем из Джованни Коста. Летом 1847 года в 17 лет он познакомился с философом Артур Шопенгауэр во Франкфурте и нарисовал свой портрет графитом и гуашью на бумаге — единственное известное полнометражное исследование Шопенгауэра, выполненное с натуры. Когда ему было 24 года, он был в Флоренция; он учился в Accademia di Belle Arti, и нарисовал процессию Чимабуэ Мадонна через Борго Аллегри. С 1855 по 1859 год он жил в Париже, где познакомился Ingres, Делакруа, Коро и Просо.

В 1860 году он переехал в Лондон, где связался с Прерафаэлиты. Он разработал Элизабет Барретт Браунинг могила для Роберт Браунинг в Английское кладбище, Флоренция в 1861 г. В 1864 г. он стал сотрудником Королевская Академия а в 1878 году он стал ее президентом (1878–96). Его скульптура 1877 года, Спортсмен борется с питоном, в свое время считалось началом возрождения современной британской скульптуры, известной как Новая скульптура. Американский искусствовед Эрл Шинн утверждал в то время, что «кроме Лейтон, вряд ли кто-нибудь сможет поставить правильную фресковую фигуру в сводчатом проходе Кенсингтонского музея». Его картины представляли Великобританию на великой 1900 Парижская выставка.

Лейтон был посвященный в рыцари в Виндзор в 1878 г., и был создан баронетом на Холланд-Парк-роуд в приходе Сент-Мэри Эбботс, Кенсингтон, графство Мидлсекс, восемь лет спустя. Он был первым художником, получившим пэрство, в 1896 Новый год с отличием. Патент на его создание Барон Лейтон, из Стреттон в графстве Шропшир — 24 января 1896 г .; Лейтон умер на следующий день стенокардия.

Знаменитая Мадонна Чимабуэ проходит процессией по улицам Флоренции, 1853–1855

Дафнефория, холст, масло, картина 1874–1876 гг., Художественная галерея Леди Левер

Лейтон остался холостяком; слухи о том, что у него был незаконнорожденный ребенок от одной из его моделей, в дополнение к предположению, что Лейтон мог быть гомосексуалистом, продолжают обсуждаться. У него, безусловно, были интенсивные и романтически окрашенные отношения с поэтом. Генри Уильям Гревилл которого он встретил во Флоренции в 1856 году. Пожилой мужчина осыпал Лейтона письмами, но его романтическая привязанность, похоже, не была встречена взаимностью. Кроме того, расследованию препятствует тот факт, что Лейтон не оставил дневников, а в его письмах отсутствует ссылка на его личные обстоятельства. Пока не обнаружено никаких определенных первичных доказательств, которые эффективно развеивают секрет, который Лейтон создавал вокруг себя, хотя ясно, что он ухаживал за кругом молодых людей вокруг своей художественной студии.

После его смерти его баронство погас, просуществовав всего сутки; это рекорд в Пэра. Его дом в Holland Park, Лондон был превращен в музей, Дом-музей Лейтон. Он содержит множество его рисунков и картин, а также часть его бывшей коллекции произведений искусства, включая работы Старые мастера и его современники, такие как картина, посвященная Лейтону. Сэр Джон Эверетт Милле. В доме также есть много идей, вдохновленных Лейтоном, в том числе его коллекция плитки Изника. Его центральным элементом является великолепный Арабский зал. Зал представлен в десятом выпуске Рог изобилия.А синий налет отмечает Лейтон в доме-музее Лейтон.

Творчество[ | ]

В этом разделе не хватает ссылок на источники информации. Информация должна быть проверяема, иначе она может быть поставлена под сомнение и удалена. Вы можете отредактировать эту статью, добавив ссылки на авторитетные источники. Эта отметка установлена 4 ноября 2020 года

Итальянскую живопись до Чимабуэ назвали византийской, подчёркивая не столько отсутствие у итальянских живописцев своеобразия, сколько бесконечное повторение одних и тех же приёмов и отсутствие новизны. Живопись в Италии повторяла одни и те же давно установившиеся типы изображений, соблюдала одни и те же условности в рисунке, колорите и технических приемах, пренебрегая наблюдением природы и не давая художникам возможности высказывать их индивидуальное чувство. Под природой тогда понимали не фауну и флору, а природу вещей, то, что заложено в виде возможностей в каждом явлении. Это понимание природы отвечало духу времени, требовавшим новизны, исследований и движения вперёд.

В первых своих иконах Богоматери Чимабуэ является ещё вполне традиционным мастером; но вскоре в его произведениях старинные, традиционные композиции и фигуры стали более оживлёнными, привлекательными и величественными, а краски более свежими, изящными и натуральными. Этого было достаточно для возбуждения в современниках художника восторженного отношения к его работам. Тем не менее Чимабуэ также называют последним крупным живописцем, работавшим в византийском стиле. Это противоречие связано с устойчивыми следами традиции в работах школы Чимабуэ, наряду с одновременными чертами новизны.

Первые истоки этикета

Само понятие «этикет» пошло от слова «этикетка». Его начало положил французский король Людовик XIV, который с помощью карточек устанавливал нормы на своих званых ужинах. Но определенные правила поведения начали складываться гораздо раньше. Их потребовалось ввести с началом объединения людей в общины. Все члены сообщества должны были с уважением относиться к старшим, слушать слова шамана, заботиться о женщинах, а они в свою очередь ухаживали за детьми.

Эти правила еще не являлись этикетом, но были его предшественниками. Они служили инструментом для создания комфортной остановки. Нравственность того времени помогала людям объединиться во время опасности, учила основам общения и чтению традиций. Сам же этикет появляется только с развитием государства.

Прием [ править ]

Картина имела немедленный успех для Лейтона, когда он представил ее на летней выставке 1855 года Королевской академии художеств в Лондоне, где она получила почти всеобщее признание. Королева Виктория купила его в первый день выставки за 600 гиней. Национальная галерея отмечает запись в дневнике Виктории о картине: «Это была очень большая картина, написанная человеком по имени Лейтон. Это красивая картина, очень напоминающая картину Поля Веронезе , такая яркая и полная света. Альберт был очарован ею. — настолько, что он заставил меня купить это ». Английский художник Данте Габриэль Россетти писал, что эта работа доказала «огромную силу богатой аранжировки» Лейтона. Его брат, искусствовед и писатель Уильям Россетти , не был так очарован: «Его картина имеет размер, но не величие; стиль, но не интенсивность; дизайн, а не мысль; расположение, а не концепция: это индивидуально, а не особенно оригинальный «.

Панорамный показ знаменитой Мадонны Чимабуэ .

Рекомендации

1. «Пылающее солнце июня, Лейтон | Путеводитель по истории искусств» . art.laguia2000.com . Проверено 31 мая 2020 г. .
2. ↑ Кеннеди, Маев (20 июня 2016 г.). «Пламенный июнь» Лейтона будет выставлен в мастерской, где он был написан» . The Guardian (на британском английском) . . Проверено 31 мая ,
3. «Музей в Пуэрто-Рико завершает выставку английского художника Фредерика Лейтона» . www.efe.com . Проверено 31 мая 2020 г. .
4. «ITP 266: Пылающий июнь Фредерика Лейтона | Эндрю Грэм-Диксон» . Эндрю Грэм-Диксон.com . Проверено 31 мая ,
5. Монахан, Патрик. «Странное путешествие одной из самых известных картин мира» . Ярмарка тщеславия (на английском языке) . Проконсультируйтесь с 31 мая 2020 года .
6. Кэмпбелл-Джонстон, Рэйчел. «Пылающий июнь осветит тьму . . Проверено 31 мая 2020 г. .

В чём же уникальность сервиза «Мадонна» и почему он стал таким легендарным

Особенностью сервиза «Мадонна» можно считать роспись, выполненную в ретростиле. Все столовые приборы, входящие в набор, украшены изображениями полуобнаженных девушек.

Декор в стиле барокко делает посуду поистине изящной. Узор росписи оформлен с помощью позолоты. Сам по себе фарфор был достаточно высокого качества, как, впрочем, и вся подобная посуда, выпускаемая в ГДР.

Высокое качество посуды из Германии известно еще с XVIII века, когда впервые удалось получить фарфор, не уступающий по качеству китайскому. Для Германии фарфор долгое время был одним из основных товаров, который пользовался большим спросом в других странах.

Первые сервизы «Мадонна» завезли на просторы Советского Союза возвращающиеся из Германии офицеры.

Больше всего почитали немецкую фарфоровую посуду жены генералов. Именно благодаря женам высокопоставленных военных по стране начала распространяться слава о сервизе. Стремясь подчеркнуть свою причастность к советской элите, и другие домохозяйки старались заполучить тот самый немецкий столовый сервиз.

На сегодняшний день любой предмет из этого сервиза, будь-то салатник или чашка с блюдцем (не говоря уже о всём сервизе) пользуется большой популярностью среди коллекционеров антиквариата.

Подлинные сервизы, изготовленные на фарфоровых заводах ГДР, имеют высокую стоимость на рынке антиквариата. К примеру, сервиз семидесятых годов, состоящий из 94 приборов (набор рассчитан на 12 персон), предлагается в ценовом диапазоне от 270 до 700 долларов США. На цену влияет состояние посуды и год выпуска: чем старее набор, тем дороже он будет стоить.

На данный момент сервизы «Мадонна» не выпускают на территории Германии. Их производство ведется в Чехии и Польше. Но нынешняя продукция очень отличается по качеству от той, которая была выпущена в пятидесятых годах прошлого века.

А чтобы купить подлинный сервиз, следует обратить внимание на клеймо, которое есть на каждом приборе

СОВЕТ

Также предлагаю тебе узнать удивительную историю знаменитых двухслойных стаканов крепостного Вершинина, секрет которых так и не разгадали за 200 лет! На сегодняшний день «вершининские» стаканы мечтают заполучить самые крупнейшие музеи мира.

Сервиз «Мадонна» легко узнаваем, благодаря изображению полуодетых нимф на фоне позолоты и перламутра! Такая фарфоровая посуда с эффектом старины подчеркивает богатство ее владельца.

Именно из чашек такого сервиза в детстве я пила чай, когда гостила у своей тети. А теперь он есть и у меня!

И, пожалуй, его я точно выбрасывать не буду, сохранив тем самым память о том, что было дорого моим родным людям. И кто знает, может через какое-то время и моим внукам удастся отведать чайку с этих самых кружечек…

ТВОРЧЕСТВО ХУДОЖНИКА

В Германии Лейтон преступил к работе над первыми масштабными полотнами (сюжеты, взятые из жизненных сцен итальянского живописца Чимабуэ, жившего во второй половине XIII столетия). Подобный выбор был характерен для художника, воспитанного в традициях классической школы. Чтобы лучше проникнуться творчеством великих итальянских живописцев, Лейтон в 1852 году принял первое в своей жизни самостоятельное (одиночное) путешествие.

Крупнейшим произведением, созданным живописцем в 1869 году, стали две фрески «по индустриальным мотивам».

Лейтон писал картины главным образом на сюжеты из античной литературы и истории с изображениями обнаженных женских фигур. Он часто вводил в свои композиции сентиментальные подробности. Именно эта особенность его работ стала одной из причин популярности художника.

Среди наиболее известных картин Лейтона – Сиракузская невеста (1866); Электра у гробницы Агамемнона (1869); Летняя луна (1872); Купание Психеи (1890). Скульптурные работы Лейтона, такие, как Атлет, борющийся с Пифоном (Лондон, галерея Тэйт), выполнены в неоклассицистической манере.

КАРТИНА «ПЫЛАЮЩИЙ ИЮНЬ»

Картина была написана в 1895 году и считается важнейшим произведением художника. Возможно, на изображение фигуры спящей женщины на картине Лейтона вдохновили многочисленные греческие скульптуры спящих нимф и наяд. В правом верхнем углу находится ветка олеандра, сок листьев которого ядовит, что может быть намёком на тонкую грань между сном и смертью.

Картина никак не связана ни с мифологическими, ни с библейскими темами. Фредерик Лейтон написал ее только ради удовольствия, сумев уловить очарование июньского дня и прекрасной женщины. В качестве модели художнику позировала актриса Дороти Дени. Она же запечатлена на картинах художника «Купание Психеи», «Феба» и других.

Происхождение [ править ]

Первые владельцы картины, журнал The Graphic , купили ее, чтобы создать высококачественную репродукцию, которую подарили в качестве рождественского подарка в 1895 году. Когда Лейтон умер в январе 1896 года, картина была помещена в окно их офиса, мимо которого проходила похоронная процессия. В начале 1900-х он был передан в аренду Ашмоловскому музею , его местонахождение после этого неизвестно; он был заново открыт в доме Баттерси в начале 1960-х годов, заключенный в коробку над дымоходом. Эндрю Ллойд Уэббер вскоре увидел его в магазине на Кингс-роуд, но его бабушка отказалась одолжить ему запрашиваемую цену в 50 фунтов, заявив: «У меня в квартире не будет викторианского барахла».

В 1963 году Луис А. Ферре  — известный пуэрториканский промышленник и политик, который будет избран губернатором через пять лет — совершил поездку по Европе, покупая картины и скульптуры для Museo de Arte de Ponce в Пуэрто-Рико. основал. «Чрезвычайно любопытно узнать, что это произведение столь поздней викторианской эпохи было куплено в Амстердаме Луисом А. Ферре менее чем за 1000 долларов в 1960 году». Картина также выставлялась на важных выставках по всему миру. Пылающий июнь был выставлен в музее Прадо в Мадриде в 2008 году, в Государственной галерее Штутгарта.в Германии в 2009 году и в коллекции Фрика в Нью-Йорке в 2015 году.

В 2015 году на задней двери спальни в особняке, унаследованном Бамбером Гаскойном после смерти его двоюродной бабушки Мэри Иннес-Кер, герцогини Роксбургской, был найден оригинальный карандаш и меловой этюд для картины — голова модели .

В 2016 году картина была одолжена в Дом-музей Лейтон в Кенсингтоне и выставлена ​​в студии, где она была создана.

Рисование светом

www.lightpaintingphotography.com

Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.

www.tutophoto.com

А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.