Введение
Прежде чем перейти к непосредственно анализу и сравнению двух произведений — натюрморта «Персики и груши» Поля Сезанна и натюрморта «Фрукты и бронза» Анри Матисса — мне представляется необходимым определить временные (и, соответственно, стилистические) рамки, к которым относятся данные полотна.
«Персики и груши» датируются 1895 годом. К этому моменту живопись уже успевает не только вырваться из оков академизма в мир реализма барбизонской школы и натурализма Курбе, но и совершить следующие, ещё более смелые шаги — сначала просто оттенить реальность мимолётным впечатлением художника (в импрессионизме), а затем и вовсе подменить её личным видением, весьма далёким от оптической достоверности (в постимпрессионизме) либо стремившимся к ней окольными путями (в неоимпрессионизме). В этом контексте термин «постимпрессионизм» — по крайней мере в применении к творчеству Поля Сезанна — немного вводит нас в заблуждение, ведь в его случае речь идёт скорее о планомерном, осознанном, основательном примирении классических живописных традиций и современных художественных тенденций, ярко проявившихся в рамках той же собирательной категории постимпрессионизма в виде, например, синтетизма Поля Гогена и собственной стилистики Винсента Ван Гога.
«Фрукты и бронза» написаны примерно пятнадцатью годами позже, в 1909-1910 годах. Это время уже оставило позади нео- и пост- эволюции идей импрессионизма, а к тому же новую революцию в виде явления художественному миру в 1905 году дикого, грубого, кричащего цветами фовизма. Как всегда происходит после очередного революционного сдвига границ в воодушевлённом порыве, началось медленное, планомерное, вдумчивое освоение новой территории и соединение её со старой. Если о Сезанне можно условно сказать, что указанную функцию он заботливо исполнял вслед за другими рвущимися вперёд, то в случае с Матиссом этим займётся собственно сам революционер (достаточно сравнить «Фрукты и бронзу» с, допустим, «Дамой в шляпе» 1905 года).
Иначе говоря, в обоих случаях нам следует говорить о работах скорее в эволюционном ключе, нежели чем в революционном; определённые отважные рывки делались и до, и после них, однако именно здесь, в промежутках, художникам удалось остановиться и рассудительно собрать достигнутое воедино.
Золотая рыбка и палитра (1914)
- Габаритные размеры: 116.2 см × 81.3 см (45.75 дюймов × 32 дюйма)
- Период: Фовизм, Модернизм
- Предмет: Картина, изображающая натюрморт с аквариумом с золотой рыбкой и палитрой художника, выполненный в упрощенной и стилизованной форме. Картина примечательна использованием ярких контрастных цветов и исследованием отношений между двумя изображенными объектами.
- среда: Масло на холсте
- Дата: 1914
- Клиентская поддержка: холст
«Золотая рыбка и палитра» (1914) — картина Анри Матисса, которая считается одним из его самых известных натюрмортов. На картине изображена миска с золотой рыбкой, поставленная на стол, а рядом лежат палитра художника и кисти. Композиция характеризуется использованием Матиссом ярких, контрастных цветов и отказом от традиционной перспективы и пространственных отношений. Картина отражает интерес Матисса к выразительному потенциалу цвета и его желание создать искусство, свободное от ограничений традиционных академических принципов.
Картина «Золотая рыбка и палитра» была создана в период больших художественных экспериментов в карьере Матисса. Это отражает его интерес к выразительному потенциалу цвета и его желание создать искусство, находящееся в гармонии с миром природы. Картина интерпретировалась по-разному: некоторые критики считали ее отражением увлечения Матисса красотой природы и его исследованием отношений между искусством и жизнью
Другие интерпретировали это как утверждение о важности цвета и света в создании ощущения жизненной силы и энергии в искусстве. Картина остается ярким примером новаторского подхода Матисса к искусству, и ее влияние можно увидеть в творчестве последующих поколений художников
Золотая рыбка и Палитра стали знаковым образом в истории современного искусства. Он широко воспроизводился в гравюрах и плакатах и стал символом фовистского движения. Использование в картине ярких цветов и отказ от традиционных академических техник вдохновили поколения художников на эксперименты с новыми формами выражения. Сегодня «Золотая рыбка и палитра» считаются мастерским примером подхода Матисса к живописи натюрмортов и остаются непреходящим изображением силы и красоты цвета в искусстве.
Le Bonheur de Vivre
- Date created: 1905-1906
- Dimensions: 176.5 × 240.7 centimeters (69.5 × 94.75 inches)
- Location: Barnes Foundation, Philadelphia, United States
Le Bonheur de Vivre is not only one of the most famous Henri Matisse paintings, but it’s also considered to be one of the most important paintings at the start of Modernism. In that sense, it’s comparable with Pablo Picasso’s “Les Demoiselles d’Avignon.”
Despite the important place the work has in the history of art today, it wasn’t received that well at its first exhibition, the Salon des Indépendants of 1906. The remarkable use of colors and the copious number of nude figures were heavily criticized.
Le Bonheur de Vivre / Wiki Commons
Женщина в шляпе (1905)
На 1905–1906 года пришёлся пик творчества Матисса в стиле фовизма. Смелое сочетание ярких цветов в те времена воспринимались как уродство и что-то несуразное. Особенно негативную реакцию вызвало у публики полотно «Женщина в шляпе». Его назвали «дикостью», по-французски fauve, от чего и произошло название течения — фовизм.
Если вспомнить, как публика принимала первых импрессионистов, то реакция на фовизм была ожидаемой. Публика негодовала, а художники нашли в этом направлении новую свежую струю.
«Женщина в шляпе» — неординарный, по мнению редакции most-beautyt.ru, женский портрет. На зелёном фоне зелёное асимметричное женское лицо смотрит на зрителей вполоборота — абсолютно не человеческий облик. Но художник видел образ по-своему и изобразил его без соблюдения правил и канонов.
4
The Open Window
- Date created: 1905
- Dimensions: 55.3 × 46 centimeters (21.25 × 18.12 inches)
- Location: National Gallery of Art, Washington D.C., United States
The Open Window is also known as “Open Window, Collioure,” and is yet another work that was exhibited at the Salon d’Automne in Paris in 1905. The painting depicts an open window with a view of sailboats in the town of Collioure on the southern coast of France.
The hotel window from which this painting was produced overlooked the harbor of the small town. Today, the painting is on display at the National Gallery in Washington D.C. after it was bequeathed in 1998 by the wife of John Hay Whitney (1904-1982), the U.S. Ambassador in the United Kingdom.
The Open Window / Wiki Commons
В поисках экзотики
Матисс много путешествовал, что не могло не сказаться на его живописи. Часто новая локация вдохновляла художников на смелые решения и позволяла посмотреть на свои работы под другим углом. Именно такими стали для него поездки в Марокко и Алжир.
Испепеляющее южное солнце, высокие финиковые пальмы, контрастирующие пестрые ткани и расписная керамика — все это погружало в совершенно другой мир, непривычный для Матисса, но столь близкий ему своей насыщенностью. На смену монохромному Парижу со свойственной интеллигентной сдержанностью пришла колоритная Африка с локальной культурой и обычаями. Ослепляющее солнце добавляло яркости и контраста местным пейзажам и витиеватым улочкам.
Во Францию Матисс вернулся с новым видением. В его картинах пропали агрессивные краски, а на смену им пришла гармония, спокойствие и глубина. Анри стремился запечатлеть эту едва уловимую вибрацию южных стран. Именно поэтому кажется, что краски на его полотнах будто бы светятся изнутри.
«Окно в Танжере», 1912 Зора на террасе, 1912-1913 Вход в Касбу, 1912-1913
С собой из путешествий Матисс привозил сувениры: пестрые орнаментальные ткани, ковры, скатерти, которые впоследствии можно было часто увидеть на его картинах. Распределяя одну декоративную материю относительно другой, он создавал иллюзию пространства, хотя формально правила перспективы на его полотнах не соблюдались. Интересно, что менее глубокими от этого картины не становились. Разная фактура задавала особую ритмичность, которая воздействовала не на рациональную, а на эмоциональную составляющую смотрящего.
Мастерская художника (1911)
Благодаря заказам и покупкам Сергея Ивановича Щукина (1854-1936) Анри Матисс уже в 1909 году смог стать полноправным владельцем дома в Исси-ле-Мулино над Парижем, где и было создано произведение «Мастерская художника». Историк, изучая работы Матисса, назвал картину «симфоническим интерьером».
Помимо «Мастерской художника» (или по-другому «Розовая мастерская») в сюиту Анри Матисса вошли работы «Семейный портрет», «Интерьер с баклажанами», «Красная мастерская». Все работы схожи культурой Востока и кричащей декоративностью. Ведущая роль в полотне Матисса отводится розовому цвету – он занимает почти все пространство интерьера.