Символизм и эстетизм (середина

Эстетическая литература

Британские писатели-декаденты находились под сильным влиянием Оксфорд профессор Уолтер Патер и его эссе, опубликованные в 1867–1868 годах, в которых он утверждал, что жизнь нужно проживать интенсивно, с идеалом красоты. Его текст Исследования по истории Возрождения (1873 г.) был очень хорошо оценен юношами конца XIX века, ориентированными на искусство. Авторы Декадентское движение использовал слоган «Искусство ради искусства » (L’art pour l’art), происхождение которого обсуждается. Некоторые утверждают, что его изобрел философ. Виктор Кузен, несмотря на то что Анджела Лейтон в публикации О форме: поэзия, эстетизм и наследие слова (2007) отмечает, что фраза использовалась Бенджамин Констан еще в 1804 г. Принято считать, что продвижение Теофиль Готье во Франции, которые истолковали эту фразу, чтобы предположить, что не существует реальной связи между искусством и мораль.

Один из многих Удар мультики про эстетов

Художники и писатели эстетического стиля имели тенденцию заявлять, что искусство должно доставлять утонченное чувственное удовольствие, а не передавать моральные или сентиментальные послания. Как следствие, они не приняли Джон Раскин, Мэтью Арнольд, и Джордж Макдональд представление об искусстве как о чем-то моральном или полезном, «Искусство ради правды». Вместо этого они считали, что у искусства нет никаких дидактический цель; это только должно быть красиво. Эстеты развили культ красоты, которую они считали основным фактором искусства. Они утверждали, что жизнь должна копировать искусство. Они считали природу грубой и лишенной замысла по сравнению с искусством. Основными характеристиками стиля были: скорее предложение, чем утверждение, чувственность, умение использовать символы и синестетический /Идеастетический эффекты — то есть соответствие между словами, цветами и музыкой. Музыка использовалась для создания настроения.[нужна цитата ]

Предшественники эстетики включены Джон Китс и Перси Биши Шелли, и некоторые из Прерафаэлиты которые сами были наследием романтического духа

Между философией прерафаэлитов и философией эстетов есть несколько существенных преемников: приверженность идее «Искусство ради искусства»; восхищение красотой и постоянное стремление к ней; бегство от реальности через изобразительное и литературное искусство; мастерство, одновременно осторожное и застенчивое; взаимная заинтересованность в объединении искусств различных медиа. Эта последняя идея продвигается в стихотворении L’Art к Теофиль Готье, сравнивавшие поэта со скульптором и художником.Данте Габриэль Россетти и Эдвард Бёрн-Джонс наиболее прочно связаны с эстетизмом

Однако их подход к эстетизму не разделял кредо «Искусство ради искусства», а скорее «энергичное подтверждение тех принципов цвета, красоты, любви и чистоты, которые тусклый, взволнованный, унылый мир середины девятнадцатого века. так много нужно ». Это подтверждение красоты в сером мире также связано с эскапизмом прерафаэлитов в искусстве и поэзии.

В Британии лучшими представителями были Оскар Уальд и Алджернон Чарльз Суинберн, оба под влиянием французских символистов, и Джеймс Эббот Макнил Уистлер и Данте Габриэль Россетти. Стиль и эти поэты высмеивались Гилберт и Салливан комическая опера Терпение и другие работы, такие как Ф. К. Бернанд драма Полковник, а также в журналах комиксов, таких как Удар, особенно в произведениях Жоржа дю Морье.

Комптон Маккензи роман Зловещая улица использует тип как фазу, через которую проходит главный герой, находясь под влиянием пожилых декадентских личностей. Романы Эвелин Во, который был молодым участником общества эстетов в Оксфорде, описывал эстетов в основном сатирически, но также как бывшего участника. Некоторые имена, связанные с этим комплексом, Роберт Байрон, Эвелин Во, Гарольд Актон, Нэнси Митфорд, А.Э. Хаусман и Энтони Пауэлл.

Особенности живописи прерафаэлитов:

Что же они делали для этого?

Прерафаэлиты писали маслом по сырому белому грунту или по слою белил.

Помимо яркости красок, выбранная техника позволила сделать работы художников еще и более долговечными. Таким образом, работы прерафаэлитов сохранились в первозданном виде до наших дней.

Джон Эверетт Милле «Офелия» (1852)Тейт Британия, Лондон

Художники-прерафаэлиты достоверно изображали природу. Они начали писать на пленэре, отказавшись от работы в мастерской. Прерафаэлиты придавали большое значение тонкой проработке деталей. 

Еще задолго до импрессионистов они стали изучать особенности цвета и света. Многие холсты они писали прямо на открытом воздухе, стремясь передать все нюансы окружающего мира.

Художники-прерафаэлиты нередко черпали сюжеты из Библии и древнегреческой мифологии. Они увлекались темами Средневековья, идеализируя романтику того времени. Популярными были истории о короле Артуре, а излюбленными героями — Галахад и Элейн, Ланселот и Гвиневра, Мерлин и Дева Озера.

В качестве моделей они приглашали не профессиональных натурщиков/натурщиц, а своих родственников и знакомых, порой обычных людей с улицы.

Данте Габриель Россети «Портрет Марии Стиллман» (1878)Данте Габриеля Россети «Мадонна Пьетра» (1877)Рисунки Данте Габриеля Россети: «Портрет Марии Стиллман» (1878) и «Мадонна Пьетра» (1877)

Работы прерафаэлитов наполнены духовной символикой, отсылающей нас к идеалам рыцарства, христианским добродетелям и подвигам.

Многочисленные предметы на их полотнах не только скрупулезно написаны, но и полны смысла. Листва, цветы, деревья, стихии и силы природы — все имело значение.

Вот наиболее частые символы, к которым прибегали прерафаэлиты:

1. Лилия означала целомудрие, а розы и жимолость — земную любовь
2. Яблоко — грехопадение
3. Птица — душа или любовь
4. Ворон — смерть
5. Море — вечность, ручьи — поток, вода — связующее звено между жизнью и смертью
6. Ветер — тоска, безысходность, отчаяние
7. Книга — добродетель души

Идеи «Братства прерафаэлитов»

Художники-прерафаэлиты хотели воскресить традиции религиозной живописи. Но не стремились к условным образцам алтарной картины. Произведения прерафаэлитов не подходили для оформления церквей. Они носили скорее литературный и поэтический характер.

Данте Габриель Россети «Благовещение» (1850)Британская галерея Тейт, Лондон

В своих картинах молодые художники-прерафаэлиты воспевали культ женской красоты. Они считали, что женственность (рыжие длинные волосы, большие глаза) украшает женщину.

Для них они становились более очаровательными и очень привлекательными. Образы героинь полотен прерафаэлитов обладают истинной женской красотой, их внутренний мир наполнен гармонией и духовностью.

Художники-прерафаэлиты вдохновлялись романтической литературой (особенно сонетами Шекспира), поэтому и стремились сделать своих героинь схожими с романтическими героинями книг.

Данте Габриэль Россети «Видение Фьямметты» (1878)Данте Габриель Россети «Венера Вертикордия” (1864)Джон Уильям Уотерхаус «Душа розы» (1908)Картины Данте Габриеля Россети: «Видение Фьямметты»(1878), «Венера Вертикордия«(1864), Джона Уильяма Уотерхауса «Душа розы» (1908)

Художественный классицизм: идеальный эстетический эталон

Классицизм, это не только художественное направление в мировой живописи. Также, классицизмом принято считать философские школы времен Платона и Аристотеля и особый вид литературы. За образец классицизма, как правило берутся античные образы и формы, времен древнегреческих мистерий. Эталон художественных образов, в картинах художников классицизма, это эстетика вечности и неизменности. Красота человеческого тела здесь понимается на основании культуры и эпох древности. Считалось, что и мено в те времена, человечество было ближе к божественному и вечному и таким образом лучше понимало красоту окружающего мира.

Художники классицизма: Жак-Луи Давид, Жан Огюст Доминик Энгр, Пьер Огюст Ренуар и Робер Лефевр.

Юпитер и Фетида | Жан Огюст Доминик Энгр 1811Портрет Полине Боргезе | Робер Лефевр 1806Большие купальщицы | Пьер Огюст Ренуар 1887

Стиль Пин-ап: американская графика

Художественный стиль пин-ап, имеет английскую этимологию слова “to pin up” и буквально переводится как “прикалывать”. Иными словами вешать плакат на стену. Впервые термин был употреблен в 1941 году. Первоначально пин-апом считались вырезки из газет и журналов, которые прикалывались на стену. Позже в США, стали выпускаться календари с пикантными изображениями женщины и пин-ап получил свое дальнейшее развитие в современном изобразительном искусстве. 

Вторая мировая война послужила хорошим стимулом для развития этого направления. Американские издания печатали “тонны” плакатов и календарей с изображениями привлекательных женщин, которые скрашивали досуг солдат США.

Одной из самых узнаваемых черт пин-апа, является преувеличение. Известные художники этого стиля изображали топовых фотомоделей того времени, но делали их образы идеальными. Такую технику можно увидеть и в XXI веке, где изображение фотомодели на обложках журналов моды, подвергается цифровой ретуши.

Наиболее известными художниками этого жанра являются; Джил Элвгрен, Джордж Петти и Альберто Варгас.

Художник Джил Элвгрен | плакат в стиле пин-ап

Ренессанс

Определить стиль живописи эпохи итальянского Возрождения наверное, проще всего. Обращение к античности, восхваление человеческого тела как идеала мироздания, тщательная проработка всех деталей, точное следование греческим канонам красоты – все это сделало ренессанс с одной стороны очень реальным, с другой – чем-то фантастически прекрасным. Художники не отказывались от превосходства церкви, но говорили о том, что высшим творением Бога является человек. Они прославляли его физическую красоту, утверждали его право на свободу, гармонию и счастье.

Среди мастеров практически всем людям известны имена Л. да Винчи, Р. Санти, Микеланджело, Тициана.

Леонардо да Винчи. Тайная вечеря

Источники

• Денисов, Деннис. «Декаданс и эстетизм». Кембриджский компаньон Fin de Siecle. Кембридж: Cambridge UP, 2007.
• Галь, Мишалль. Эстетизм: глубокий формализм и появление модернистской эстетики. Peter Lang AG International Academic Publishers, 2015 г.
• Гонт, Уильям. Эстетическое приключение. Нью-Йорк: Харкорт, 1945. ISBN Нет.
• Хален, Видар. Кристофер Дрессер, пионер современного дизайна. Phaidon: 1990. ISBN  0-7148-2952-8.
• Ламбурн, Лайонел. Эстетическое движение. Phaidon Press: 1996. ISBN  0-7148-3000-3.
• О’Брайен, Кевин. Оскар Уайльд в Канаде, апостол искусства. Личная библиотека, издательство: 1982.
• Снодин, Майкл и Джон Стайлз. Дизайн и декоративное искусство, Великобритания, 1500–1900 гг. Публикации Виктории и Альберта: 2001. ISBN  1-85177-338-X.
• Кристофер Морли. «Реформа и восточное искусство» в журнале Общества декоративного искусства »2010
• Музей Виктории и Альберта «Более высокие амбиции: Оуэн Джонс (1809–1874 гг.). Www.vam.ac.uk / collection / painting / features / owen-jones / index /
• Галь, Мишалль. «Эстетизм, философская критика». в Оксфордской энциклопедии эстетики (Майкл Келли, ред.). Издательство Оксфордского университета, 2014.

Художественный стиль Ню: идеал красоты и совершенства

Свое начало художественный стиль Ню берет в XVII веке. Именно в эпоху Возрождения, возникает направление в живописи, где на первый план выходит фигуративный образ, часто в обнаженном виде, но обязательно с мифологическим или религиозным сюжетом.

Позже, такие художественные идеи начинают связываться с сенсуализмом, как единственным достоверным восприятием реальности и женская красота теряет свое небесное измерение. Иными словами, уже в XX веке, стиль Ню приобретает номинальные признаки красоты женского тела и становится популярным в широком обществе. Стараясь избавиться от вульгарности, художники стиля Ню пытаются раскрыть красоту женского тела, с помощью теней и иногда оригинальной палитры цветов. А также придать этому направлению живописи, качество настоящего искусства. Ню имеет французскую этимологию слова и часто переводится как “обнаженный”.

Наиболее известные художники стиля Ню в изобразительном искусстве: Андерс Цорн, Сальводор Дали, Ирина Верпета, Анри Матисс и другие.

Даларнийские девушки в бане | Андерс Цорн 1906Арбузные семечки | Ирина Верпета 2008Градива | Сальвадор Дали 1931

Стиль поп-арт: живопись потребления

Направление поп-арта, как изобразительного искусства, зародилось в 50-х годах XX века. Термин происходи из английской этимологии и выражения “popular art”, что буквально означает популярное искусство. Художники поп-арта воспроизводят в своих картинах жизнь и предметы общества потребления. Начиная от бутылок coca-cola и заканчивая автомобилями. А также образами известных деятелей киноиндустрии и политики.

Считается, что художественный поп-арт является американским культурным кодом. Но зародился он в Великобритании. Именно английские художники, после хаоса второй мировой войны, стали изображать недостижимые идеалы потребления, в своих работах. В 1952 году, в Лондоне, основывается творческое объединение “Independent Group” (IG). Которое включает и обобщает многих живописцев этого направления. Официальный статус, как термин и направление современной живописи, поп-арт получил в 1962 году, на симпозиуме в Нью-Йоркском музее современного искусства.

Поп-арт, как концептуальное направление современного искусства, является реакцией на слишком сюрреалистичные работы художников абстракционистов. Если абстракционизм нивелирует вещь до её абсурдности, то поп-арт её утверждает. Направление поп-арта считается основой того, что в мире сетевых технологий XXI века, получило название “Мем”.

Для поп-арта характерно смещение масштаба, коллажи, ирония, и помещение массовой культуры в новый контекст. Также художники этого направления имитируют рекламные банеры, слоганы и используют яркие цвета и наборы фотографий.

Наиболее известными художниками поп-арта являются: Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Джаспер Джонс и Мортон Уэйн Тибо.

Красный Мао | Энди Уорхол 1973Выставка тортов | Мортон Уэйн Тибо 1963Шоссе Пирблоссом | Дэвид Хокни 1986

Манифест символизма

Символисты не придерживались какого-либо единого стиля или одинаковой техники, но в 1886 году поэт Жан Мореас (1856-1910) опубликовал в «Фигаро» «Манифест символизма», где перечислил ценности символистов, среди которых главными были отказ от принципов реализма и натурализма. Мореас назвал трех поэтов, выразивших, по его мнению, суть символизма: Шарль Бодлер (1821-1867), Стефан Малларме (1842-1898) и Поль Валери (1871-1945).

Стефан Малларме (

Бодлер считал, что смысл и чувства могут быть переданы не только значением слов, но в равной мере их звучанием и ритмом. Его концепция оказала огромное влияние на символизм в целом. Собственные идеи в русле символизма в 1880-е развивал Поль Гоген (1848—1903), реализуя их в цвете, рисунке и ритме. Европейское искусство, по его представлениям, стало слишком банальным, скучным, ему недоставало символического прозрения, и работы Гогена наполнены скрытыми смыслами и намеками. Символистами, которые черпали вдохновение в фантазиях и мечтах, можно назвать Гюстава Моро (1826-1898), Пьера Пюви де Шаванна (1824-1898) и Одилона Редона (1840-1916).

Стиль фэнтези в изобразительном искусстве

Фэнтези имеет английскую этимологию и буквально переводится как “фантазия”. Этот жанр уходит корнями в глубину греческой мифологии и на каждом этапе развития человеческой цивилизации, получал новое дыхание. Для фэнтези характерен мифологический и фантазийный сюжет борьбы героев с силами зла и тьмы.

На всем протяжении развития этого эпохального жанра, с направления в изобразительном искусстве пытались вобрать в себя суеверия и религиозные идеи настоящего времени. Итальянский живописец Раннего Возрождения, Витторе Карпаччо, изображал в своих картинах не только царственных особ, но и мифологических драконов и существ потустороннего мира, как в его картине “Дочь императора Гордиана”.

Иероним Босх в работе “Сад неземных наслаждений”, показывает религиозный Парадиз, пропущенный через призму фантазий самого автора. Испанский художник XVIII-XIX веков, Франсиско Гойя, баловал себя сюжетами сатанинских полчищ, духов, ведьм и приведений, основываясь на своих католических взглядах.

Современный мир фэнтезийной живописи вобрал в себя как элементы поп-арта, так и классические сюжеты стиля барокко, преобразованные через чувственную импрессию, в реалистичный мир голливудского кинематографа и популярных комиксов. Современное фэнтези, это мир, который каждый художник старается сделать реальностью. Это эффективно показал такой мастер художественного фэнтези, как Джон Хоу.

Нужно отметить, что если художники прошлых эпох, на основании своих религиозных взглядов, отображали сюжетные линии, в которых экзотические существа могли существовать в какой-то другой реальности. То современное фентази состоит целиком из фантазий самих художников, которые заставляют поверить, что эти миры действительно существуют.

Наиболее яркие представители художественного фэнтези: Джон Хоу, Жан Жиро, Фрэнк Фразетта, Ханнес Бок, Артур Рэкхем, Джон Тенниел, Томас Майбанк, Эдмунд Дюлак, Борис Вальехо, Джули Белл и Максфилда Пэрриша.

Трехглавая гидра | Борис ВальехоДерево говорит со мной | Джули БеллWoman with Scythe | Фрэнк Фразетта

Романтизм

Стиль романтизм в живописи всегда присутствовал в мировой культуре. Глубоко личные, интимные переживания появлялись на картинах даже самых классических художников. Но как направление романтизм все же оформил свои четкие рамки в XIX веке, придя на смену неоклассицизму. Главными становятся эмоции, чувства человека, но не по отношению к обществу, а как части Вселенной. Художники-романтики несли не объективную реальность, а свое субъективное мнение, открывая собственную душу наблюдателям.

Стили живописи 19 века утверждали новый тип красоты – собственное ее видение. Создатели пытаются донести терпимость к любым людям, их национальностям, внешним и внутренним особенностям. Человек сравнивается с природой, у которой тоже есть и душа, и тело. Романтический мир насыщен красками, ассоциациями, сравнениями людей и вселенских явлений.

К. Фридрих. Странник над морем тумана

Реализм

В XVIII-XIX вв. в большинстве стран Европы происходит скачок в развитии науки и техники. С индустриальной культурой неразрывно связаны и новые стили архитектуры и живописи. В эпоху Ренессанса уже проявлял себя «идеализирующий реализм», воспевающий человека, но здесь в это время он стал главенствующим и настоящим.

Художники стремятся к максимальной объективности, историческому отражению действительности. Картины заговорили честным, ясным и твердым языком, рассказывая всю правду жизни. Изображались не только счастливые факты бытия, но и трагические события, развенчивающие иллюзии и мечты человека.

И. Репин. Бурлаки на Волге

Современный гиперреализм: чувственность в деталях

Современное течение гиперреализма в изобразительном искусстве, известно с конца 90-х годов, XX века. Но сам термин появился в далеком, 1973 году. Термин гиперреализм впервые использовался для названия выставки в бельгийском городе Брюсселе. На выставке выставлялись как работы именитых фотореалистов, так и молодых художников, которые впоследствии вошли в плеяду известных мастеров гиперреализма.

Отличие стиля гиперреализма от реализма:

Гиперреализм максимально сближает изображение картины с фотоснимком, с помощью специальной техники, в отличии от работ реалистов, в которых эксплицитно можно различить классические методы живописи. Кроме этого, если живопись реализма просто описывает объекты в своей сюжетной линии, то гиперреализм придает сюжетам чувственное и субъективное начало. Эта чувственность исходит из самой глубины художника-гиперреалиста. Иными словами гиперреализм, это преодоления реализма.

Гиперреализм и фотореализм:

Фотореализм, как и гиперреализм, старается придать максимальный эффект схожести своих работ, — с фотоснимком. Но по своей сюжетной линии и ее подаче, фотореализм, больше напоминает классический реализм прошедших эпох. Иными словами описывает реальность

Гиперреализм в отличии от последних стилей, придает и акцентирует внимание на деталях лица или предмета, стараясь раскрыть его основную суть, с помощью чувственной интерпретации самого автора

Художники гиперреалисты: Готфрид Хельнвайн, Чак Клоуз и норвежец Трулс Эспедаль.

Кент | Чак Клоуз 1971Гнездо | Трулс Эспедаль 2011Ропот невинных 10 | Готфрид Хельнвайн

Кубизм: объемные формы в изобразительном искусстве

Кубизм, это авангардное течение в изобразительном искусстве начала XX века. Задача кубизма состоит в минимизации, как чувственных форм, так и впечатлений от сюжетных линий. Термин происходит от французского слова “cube”. С точки зрения технического исполнения, кубизм является воплощением объемных форм на плоскости и пытается уйти от человеческого классицизма, импрессионизма, оставив только голую форму, как кантовскую “вещь в себе”. Впервые слово “кубисты” было употреблено художественным критиком Луи Вокселем, в 1908 году, как насмешка над художниками, изображавшими предметы в виде геометрических линий.

Художниками этого направления живописи являются: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Рене Магритт и Аристарх Лентулов.

Автопортрет | Рене Магритт 1923Астры | Аристарх Лентулов 1913Замок Ла Рош Гюйон | Жорж Брак 1909

Противоположности

Интересно, что мастера, официально исповедовавшие противоположные идеи, например реалисты, порой создавали произведения, которые вполне можно отнести к символизму. Милле, к примеру, часто помещал на своих картинах, изображавших крестьянский труд, символические знаки. В некоторых работах Курбе, похоже, скрыт иной, помимо очевидного, смысл. Каждый из символистов, будучи убежденным, что искусство должно быть субъективным и таинственным, а тема произведения определяется исключительно чувствами, фантазиями и внутренним восприятием автора, создавал собственную, порой весьма размытую, систему знаков, далекую от традиционных и всем известных религиозных и прочих образов.

Объединив вначале довольно узкий круг писателей-авангардистов, художников, скульпторов, архитекторов, символизм вскоре превратился в широкое культурное движение, охватившее Францию, Россию, Британию, Италию, Испанию и Скандинавию. В каждой из этих стран представители творческих профессий совершенно по-разному выражали свой взгляд на мир, но всех их объединяла концепция противодействия современным тенденциям художественного отражения действительности.

Герберт Джеймс Дрэппер (1864-1920)

Художник родился в Лондоне. Прежде чем начать интересоваться искусством, изучал науки. Дрэппер учился в Школе изящных искусств при Королевской Академии, регулярно выставлялся на академических выставках. В раннем возрасте пробовал себя как журнальный и книжный график, работал монументалистом.

Дрэппер был одним из последователей классической традиции прерафаэлитов. На художника особенно повлиял Джон Уильям Уотерхаус. В их работах много общего: живописная манера, выбор любимых тем и персонажей.

Processed with VSCO with presetКартины Джеймса Дрэппера: 1 — «Летающая рыба»(1910), 2 — «Мелодии моря», 3 — «Глубоководная идиллия»

Художник часто обращался к теме моря. Его знаковой работой на эту тему является картина «Морская дева», написанная в 1894 году. Чтобы создать эту картину, Дрэппер много времени проводил на рыбной шхуне, наблюдая за рыбками и делая зарисовки. Благодаря «Морской деве» художник завоевал репутацию мастера многофигурной композиции.

Еще художник создавал картины на сюжеты античной мифологии: «Оплакивание Икара»(1898), «Золотое Руно» (1904), «Дитя воды»(1900), «Одиссей и Сирены»(1909) и многие другие.

Картины Джеймса Дрэппера: 1 — «Ворота зари»(1900), 2 — «День и утренняя звезда»(1906), 3 — «Оплакивание Икара»(1898)

Критики оценивали работы Дрэппер как поверхностные и легкомысленные из-за кажущейся легкости, но на самом деле картины художника написаны с мастерством. К каждой картине Дрэппер создавал множество разнообразных эскизов и набросков. Это говорит о том, как много и кропотливо он работал над созданием образа персонажа.

«Видение после проповеди»

Это картина, которую обычно называют первым произведением живописи символизма, о человеческом сознании и внутреннем конфликте. Бретонские женщины только что услышали проповедь священника о ночном поединке Иакова с ангелом. На следующее утро, когда взошло солнце, ангел отступил и благословил Иакова. Реальный и воображаемый миры (земной и духовный), женские фигуры и видение, изображенные на красном фоне, разделены диагонально расположенным стволом дерева. Корова символизирует простоту сельской жизни Бретани и набожность крестьян, живущих на этой земле. Гоген стремился напомнить обществу потребления о духовном созерцании.

«Видение после проповеди (Борьба Иакова с ангелом)», Поль Гоген, 1888, холст, масло

Эстетизм

Эстеты, вслед за Готье, восторгались романтизмом и, категорически отказываясь от изображения окружающей действительности и разного рода этических оценок, подчеркивали абсолютную художественную ценность своих работ. Продукты промышленной революции вызывали их отвращение; ограниченные, недалекие, исполненные предрассудков нравы викторианского общества приводили в ужас

Эстеты страстно интересовались последними веяниями моды и уделяли огромное внимание собственной внешности, полагая красоту облика непременным условием жизни. Отчасти эти представления были реакцией на индустриализацию, но привели к радикальному изменению отношений между художником и обществом

Проникнувшись новыми идеями во время учебы в Оксфорде, Оскар Уайльд (1854-1900) стал подлинным глашатаем эстетизма, сохранив приверженность ему на всю жизнь. Он любил окружать себя красивыми вещами и прелестными вещицами, дерзко и легкомысленно шутил, и потому многие считали его самого столь же легкомысленным и пустоголовым. Но все особенности поведения писателя были лишь данью его эстетическим воззрениям. Как художественное течение эстетизм сошел с исторической сцены вскоре после 1895 года, после суда над Уайльдом.

Оскар Уайльд

Представители изобразительного искусства, исповедовавшие принципы эстетизма, — Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер (1834-1903), Альберт Мур (1841-1893), Фредерик Лейтон (1830-1896), Эдвард Берн-Джонс и Уильям Моррис (1834-1896) — стремились создать единое эстетическое пространство, что, разумеется, придавало их работе социальный и даже политический оттенок, поскольку изменяло условия жизни людей. Предшественниками эстетов можно считать прерафаэлитов, на творчество которых, несомненно, оказали влияние образы идеализированного Средневековья.

Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер

Эдвард Берн-Джонс

снижение

Эстетизму пришел конец в последние годы XIX века. Одна из причин — судебные проблемы писателя Оскара Уайльда. Его обвинили в гомосексуальных отношениях с молодыми людьми. Подобные встречи в то время считались неприличными и аморальными.

Отказ от гомосексуализма усилился после испытаний Уайльда, и его связь с эстетизмом нанесла большой ущерб искусству. Вот почему представители этого художественного направления стали игнорировать идеи поиска красоты.

Книга «Вырождение», опубликованная в 1895 году Максом Нордау, также сыграла важную роль в отказе от эстетизма.

Уайльда приговорили к нескольким годам принудительных работ, став символом конца эстетизма и зарождения основ модернизма.

происхождения

Эстетизм был периодом до модернизма. Его отправной точкой была Англия в середине 19-го века как способ отказаться от индустриализации вещей.

Как и все художественные периоды, которые проживали на протяжении всей истории, эстетизм взял некоторые характеристики одних движений прошлого и отверг идеи других. Хотя главной целью всегда было превозносить красоту вещей.

В 1980-е годы большую популярность приобрели природные аспекты и присутствие цветочных мотивов.

Противостояние косметологов Иммануилу Канту было очень очевидным. Причина заключалась в том, что философ предположил, что для создания художественных произведений следует соблюдать правила, основанные на морали, цели вещей и развлечениях, которые они создают.

Архитектор и дизайнер Уильям Моррис, художник Джеймс Макнил Уистлер, Данте Россетти и Обри Бердсли были очень важными фигурами в зарождении эстетизма как движения.

Возможно, картина была той веткой, с которой начался этот период. Историки считают, что это произошло потому, что это была дисциплина, в которой легче было воплотить новую идею просто думать об искусстве ради его красоты.

Стремление к красоте как к максимальному выражению сделало использование простых линий и цветов обычным явлением. Дизайнеры стали востребованными и актуальными персонажами.

Даже мода пережила особую революцию. Платья стали создаваться из более легких тканей и не столь жестких конструкций.

Художественный реализм: максимализм реальности

Реализм, как отдельное направление художественного искусства, возник в XIX веке. Стили и направления в изобразительном искусстве того времени, были ангажированы идеализмом мастеров эпохи Возрождения. Именно в это время, французскому живописцу Гюставу Курбе отказали в презентации его картины “Мастерская художника”, на всемирной выставке изобразительного искусства в Париже. Комиссия по отбору, сочла картину художника выходящей за рамки классического академизма и идеализма. После этого французский художник разбил палатку возле выставки и назвал эту акцию “Le Realisme” (Реализм). С этого примечательного факта, впоследствии и образовалось особое направление живописи, под названием реализм.

Картины известных художников этого направления, пытаются достичь предельной точности изображения, без чувственных преувеличений импрессионизма и эстетический эталонов классицизма. Реализм является предтечей таких современных направлений живописи как гиперреализм и фотореализм. Широкую популярность стиль реализма получил и в среде русских художников.

Наиболее известные русские художники этого направления: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков и Исаак Левитан.

Портрет Корнея Чуковского | Илья Репин 1910Осенний день. Сокольники | Исаак Левитан 1879Конопатчик | Василий Суриков 1882

Живопись в стиле арте повера: итальянский минимализм

Искусство живописи, такое как арте повера зародилось в середине XX века. Для этого стиля характерны черты минимализма и простоты восприятия мира. Арте повера буквально и в переводе с итальянского, означает “бедное искусство”. Бедность и итальянский художественный минимализм этого течения, постулирует прямой контакт человека и вещи. Зрителя и художника. Арт Повера, это направление художественной мысли, которое не признает чувственность, как посредника между человеком и материей. Представителями этого направления являются итальянцы Лучо Фонтана, Пьеро Мандзони и Джорджио Гриффа.

Achrome | Пьеро Мандзони 1958Лучо Фонтана 1965Tre linee con arabesco n. 834 | Джорджо Гриффа 1993

Сюрреализм

Удивительным проникновением в мироощущение человека, его внутренние переживания, интуицию, глубинные психологические состояния становится сюрреализм, и его действующее лицо С. Дали. Стиль живописи заставляет выйти за пределы не только реального, но даже выдуманного мира, сопоставляет несопоставимое, играет чувствами и психикой человека, разбивает логику. При том, что используется реальные предметы, которые идеально вписываются в бред сумасшедшего – все это заставляет терять рассудок, пытаясь разгадать истинный смысл картины.

Сюрреализм простыми словами

С. Дали. Постоянство памяти

Последователи прерафаэлитов, не входившие в «Братство»

Альма-Тадема Лоренс (1836 — 1912)

Художник в совершенстве владел техникой масляной живописи. Он умел передать глубину пространства и многочисленные нюансы воздушной среды, эффекты яркого солнечного освещения, ажурную прозрачность теней, складки ткани и фактуру мрамора. По мастерству изображения деталей Альму Лоренсу не было равных среди современников.

Альма-Тадема Лоренс очень любил путешествовать, особенно по Италии. Её природа и тысячелетняя культура служили для художника неиссякаемым источником вдохновения.

Альма-Тадема Лоренс «Под синим ионическим небом» (1903)

Тема античности в творчестве Лоренса занимала главное место. На своих полотнах художник изображал повседневную жизнь греков и римлян. Это могли быть праздники, рынки, термы, интерьеры вилл и простых домов, досуг знати и простых горожан, а также другие сюжеты.

В Италии Лоренс жадно впитывал все мелкие подробности яркой и самобытной жизни, открывшейся ему

Особое внимание он уделял шедеврам архитектуры, скульптурам и прикладному искусству

«Удобная позиция» 1895Альма-Тадема Лоренс «Колизей» (1893)Картины Альма Тадемы Лоренса

Мастер посетил развалины Помпей, сделал множество фотоснимков, которые впоследствии послужили богатейшим материалом для его полотен. Художник в течении всей своей жизни использовал фотографии в работе над своими картинами и не скрывал этого. Он не обращал внимания на презрительное отношение некоторых коллег и ценителей живописи.

Он был настоящим энтузиастом фотоискусства. Альма-Тадема Лоренс оставил после себя свыше 150 альбомов со снимками, которые сегодня хранятся в университете Бирмингема.

Альма-Тадема Лоренс «Колизей» (1896)Работы Альма-Тадемы Лоренса: «Колизей» (1896) и «Любимая привычка» (1909)

Почти ни одна картина художника не была обойдена критикой. Лоренса не раз упрекали в легкомыслии и отсутствии моральных установок. Доставалось и его жене Лауре, постоянной модели художника. Критики бесцеремонно обсуждали достоинства и изъяны ее фигуры.

Джон Кольер (1850 — 1934)

По некоторым источникам, художник все же входил в «Братство». Но информация двояка. Его работы по стилистике и приемам только частично схожи с картинами прерафаэлитов.

Кольер был автором многочисленных полотен на историко-мифологические темы, что помимо манеры, сближает его с прерафаэлитами.

Джон Кольер «Леди Годива» (1898)Художественная галерея и музей Герберта, Ковентри

Одна из самых известных картин художника — «Леди Годива». Сюжет для этой работы художник позаимствовал из народной легенды, согласно которой Годива, жена графа Леофрика, правителя Ковентри, обнаженная, проезжает на коне по опустевшему городу. Она приказала жителям Ковентри закрыть ставни и не выходить из домов, чтобы выполнить условие мужа, обещавшего взамен снизить налоги.

Кольер был также талантливым иллюстратором. Он сделал множество иллюстраций к произведениям английской классической литературы.