Ботаническая иллюстрация на службе науки
Со временем изображения растений стали служить не только мистическим и декоративным целям, но и научным. Лекари и ученые Древнего мира ботанический рисунок при составлении травников и лечебников, в которые наряду с описанием свойств целебных растений помещали и их изображения. Ученики и преемники составителей таких документов дополняли их новыми зарисовками и описаниями, постепенно накапливая научные знания о пользе трав, ягод и кустарников и передавая их последующим поколениям.
Псевдо-Апулей, Incipit Herbarium, страница из книги. Источник
Несмотря на то, что самые ранние экземпляры таких книг были утрачены, известно, что еще в IV веке до н. э. Аристотель изучал применение растений в медицине и не обходился без визуализации объектов исследования. Его ученик Теофраст (ок. 371–287 годов до н. э.), которого справедливо называют отцом ботаники, внес огромный вклад в развитие естественных наук и медицины. Он оставил два многотомных труда — трактаты «История растений» (Historia Plantarum) и «Причины растений» (De causis plantarum), — в которых впервые предпринял попытку систематизировать растительный мир и подробно описал структуру, размножение, пользу и вред, а также места произрастания более 500 видов растений.
Теофраст. Источник
Наряду с древнегреческим фармакологом Кратеуасом (I век до н. э.), чьи рисунки многократно копировались его последователями, именно Теофраст заложил основы ботанической иллюстрации в традиционном ее понимании.
Зарождение живописной традиции
Первые изображения растений появились еще в Древнем Египте и Месопотамии около 4000 лет назад. Эти цивилизации славились развитым сельским хозяйством и высоким уровнем художественной культуры, поэтому неудивительно, что свои истоки ботаническое искусство берет именно там. Изображениями растений в первую очередь декорировали стены дворцов правителей, сосуды для вина, вазы, посуду, реже — монеты, оружие и одежду.
«Спелый ячмень», ок. 1353–1336 до н. э. Реалистичность образа отличает рельеф от многих дошедших до нас живописных фрагментов древности, выполненных в стилизованной или орнаментальной технике. Источник
Культура Древнего Египта, во многом основанная на культе смерти, породила и другой тип изображений — наполненный мистическим, сакральным смыслом. Древние египтяне верили, что при переходе умершего в мир иной любые скульптурные и живописные изображения предметов быта, продуктов, оружия «оживают» и обеспечивают человеку безбедное вечное существование. Именно поэтому стены древнеегипетских усыпальниц нередко украшали рисунками или рельефами с изображениями различных плодов, сахарного тростника и лотоса.
«Алиса в Стране чудес», иллюстрации Сальвадора Дали
«Глава первая, в которой Алиса чуть не провалилась сквозь Землю». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
О книге
«Алиса в Стране чудес» — сказка, которую в 1865 году написал математик-профессор Оксфорда, писатель и поэт Чарльз Лютвидж Доджсон. Он работал под псевдонимом Льюис Кэрролл.
В центре истории — семилетняя девочка Алиса, которая попадает сквозь кроличью нору в фантастический мир со странными существами. Но сказку любят не только дети. Взрослые, особенно читающие «Алису» в оригинале, замечают языковые, математические и философские шутки, а иногда и политическую сатиру. Так, образ Червонной Королевы, очень вероятно, пародировал королеву Викторию.
О художнике
Сальвадор Дали (1904–1989) — художник, график, скульптор, режиссёр, писатель и самый известный представитель сюрреализма.
Его живопись — ребус, в котором сны перемешаны с галлюцинациями, фетишами и религиозными символами. Его привлекали изменчивость образов и свобода ассоциаций, свой метод создания произведений он называл параноидально-критическим. Дали увлекался психоаналитическими теориями и вводил в своё творчество темы эротизма, смерти и разложения.
Художник намеренно создавал образ безумного гения, совершая эксцентричные выходки: он появлялся на публике с протухшей селедкой на шляпе и водил на поводке бородавочника.
Об иллюстрациях
В произведении Кэрролла много странностей, пространственных искажений и парадоксов, реальность переплетается со сном и фантазией. Неудивительно, что издательство Random House предложило проиллюстрировать эту историю сюрреалисту Дали.
Это было в 1969 году, художнику заказали рисунки для ограниченного тиража «Алисы в Стране чудес», который должен был выйти в серии «Книга месяца».
Художник сделал 12 иллюстраций — по одной к каждой главе плюс одну заглавную. Изображения выполнены в технике гелиогравюры.
«Глава вторая, в которой Алиса купается в слезах». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава третья, в которой происходит Кросс по Инстанциям и история с хвостиком». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава четвертая, в которой Тритон Билль вылетает в трубу».Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава пятая, в которой Червяк дает полезные советы». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава шестая, в которой встречаются поросенок и перец». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
Дали создал яркие изображения, на которых пространство зачастую абстрактно, а персонажи объединяются произвольно, как коллаж. Художник воплотил в иллюстрациях иррациональность сказки: здесь нет ни конкретных времени и пространства, ни явной логики, ни реалистичных пропорций.
В некоторые рисунки Дали ввёл образы из своей живописи. Например, изобразил Алису прыгающей на скакалке — такая героиня уже встречалась на его картине «Пейзаж с девушкой со скакалкой». Эта фигура есть на каждой из 12 иллюстраций. А знаменитые тающие часы из «Постоянства памяти» появились прямо в центре рисунка к «Чаепитию у шляпника».
«Глава седьмая, в которой пьют чай как ненормальные» (Чаепитие у шляпника). Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава восьмая, в которой играют в крокет у Королевы». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
«Глава девятая, в которой рассказана история Деликатеса». Иллюстрация: Сальвадор Дали / иллюстрация к сказке «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла
Всего вышло 2700 экземпляров «Алисы в Стране чудес» с иллюстрациями Дали, и для каждого художник подписал гравюры вручную.
Эко-арт эпохи экологического кризиса
С наступлением эпохи глобальных экологических проблем ситуация начинает меняться. Экологический бум конца 1970-х — появление первых зеленых организаций, рост интереса к садоводству и разведению растений в домашних условиях, проведение масштабных кампаний по сохранению биоразнообразия — побуждает художников снова обратиться к миру флоры в поисках вдохновения.
Маргарет Ми, Aechmea tillandsioides, 1976 год. Margaret Mee/RBG Kew
По этому поводу Екатерина Баранова пишет:
Смена потребительских привычек (к примеру, распространение веганства) и внедрение программ экологического образования в школах оказывают сильное влияние на отношение человека к природе. Зеленая эстетика всё большую популярность — и мода на традиционную ботаническую иллюстрацию возрождается.
Филиппа Никулински, Eucalyptus Sweedmaniana. Philippa Nikulinsky/State Buildings
Флора заокеанья
В эпоху Великих географических открытий (XV–XVII века) и последующей колонизации новых земель крупнейшими европейскими державами представление человека об окружающем мире, в частности о флоре и фауне, изменилось. В это время происходит так называемый «Колумбов обмен» — перемещение растений, животных, культурного наследия, человеческих популяций, болезней, технологий между Старым Светом, Америкой и Африкой, — который полностью меняет существующий миропорядок.
Именно в это время в Европу такие сельскохозяйственные культуры, как помидоры, картофель, рис, табак, кукурузу, какао, которые довольно быстро полюбились жителям метрополий и значительно изменили их потребительские привычки.
Прибытие англичан в Вирджинию в конце 1500-х годов. Источник
Установление связей с Новым Светом повлияло и на науку. С получением доступа к тысячам неизвестных ранее видов растений и животных, требующих изучения, зоологи и ботаники поняли, что существующего свода знаний о флоре и фауне недостаточно. Однако привозимые из-за океана экземпляры не удовлетворяли их научных запросов: информацию о механизмах адаптации, особенностях размножения и распространения неисследованных видов можно было получить лишь в местах их обитания — в горах, джунглях и прериях.
Ботанические иллюстраторы за работой, гравюра из книги Леонарта Фукса «Описание растений» — одного из первых печатных изданий, содержащих изображения растений Нового Света. Источник
Так, в течение XVI–XVIII веков практически на каждом корабле, который шел в Африку или Америку, находился ученый, в чьи задачи входило не только исследование, но и зарисовка экзотической флоры и фауны. Ученый-живописец был одним из центральных членов первых географических экспедиций, однако нередко и торговые и военные корабли соглашались взять на борт дополнительного пассажира.
Одним из выдающихся художников того периода был естествоиспытатель Жак Ле Муан де Морг (1533–1588). В 1564 году король Франции Карл IX его как официального картографа миссии по колонизации полуострова Флорида, в ходе которой он создал несколько десятков рисунков, изображающих культуру местных народов, экзотические растения, пейзажи и представителей фауны. Альбом с 59 акварельными ботаническими иллюстрациями — его главный вклад в развитие этого жанра живописи.
Жак Ле Муан де Морг, «Пион», ок. 1575 года. Источник
Наряду с де Моргом значительными фигурами в истории ботанической живописи этого периода были Мария Сибилла Мериан (1647–1717) и две ее дочери — Йоханна Хелена (1668 — ок.1723) и Доротея Мария (1678–1743). Посвятив более 50 лет жизни научной работе в Германии и Голландии, в 1699 году художница решает покинуть Европу и уезжает в Нидерландскую Гвиану, ныне Суринам. Там она проводит более двух лет, совершая экспедиции в труднопроходимые джунгли, исследуя и зарисовывая различные растения, а также птиц и членистоногих.
Якоб Хоубракен, «Мария Сибилла Мериан, портрет в цвете», ок. 1700 года. Источник
Позже на основе своих наблюдений она подготовит двухтомную работу «Метаморфозы насекомых Суринама» (1705), в которой подробно опишет и изобразит все стадии жизненного цикла насекомых и их взаимосвязь с растениями-хозяевами. Вскоре после публикации книга произведет революцию в науке и внесет имя Марии Сибиллы Мериан в историю не только энтомологии и ботаники, но и искусства.
Мария Сибилла Мериан, «Метаморфозы насекомых Суринама» (1705). Источник
Мария Сибилла Мериан, «Метаморфозы насекомых Суринама» (1705). Источник
В то же время интерес к ботанической живописи возникает и в высших кругах европейского общества. Члены королевских семей, придворные вельможи и другие состоятельные европейцы заказывают у ботанических иллюстраторов так называемые флорилегиумы — богато иллюстрированные альбомы с акварельными рисунками растений. Некоторые заказчики посылают своих придворных художников за океан в составе географических экспедиций. Другие нанимают знаменитых живописцев для работы над созданием таких альбомов в своих дворцовых и приусадебных садах и парках, полных завезенных из Нового Света экзотических растений.
«Саломея», иллюстрации Обри Бёрдслея
Саломея с головой Иоанна Крестителя. Иллюстрация: Обри Бёрдслей / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
Саломея с головой Иоанна Крестителя. Иллюстрация: Обри Бёрдслей / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
О книге
«Саломея» — трагедия английского писателя Оскара Уайльда.
В основе пьесы — история ветхозаветной героини Саломеи, падчерицы правителя Галилеи Ирода Антипы. Она соблазнила его, исполнив знаменитый Танец семи покрывал. За это Ирод пообещал исполнить любое её желание. Она потребовала голову пророка Иоанна Крестителя на серебряном блюде. Это была месть за то, что он публично осуждал адюльтер матери Саломеи.
Уайльд оттолкнулся от библейской истории, но переработал её. Он сохранил конфликт между матерью героини и Иоанном Крестителем. Однако Саломея в интерпретации Уайльда влюбилась в заключённого в тюрьму пророка, трижды просила разрешения коснуться его тела, поцеловать его волосы и губы, но он трижды отверг её. После исполнения Танца семи покрывал Саломея попросила принести ей голову Иоанна Крестителя. А получив её, стала целовать мёртвого в губы и произносить слова любви. Ирод, испытав ужас от этой сцены, приказал солдатам убить Саломею.
Из-за такой интерпретации библейского сюжета разгорелся скандал, и в Великобритании «Саломею» надолго запретили.
О художнике
Обри Бёрдслей (1872–1898) — английский художник, график, иллюстратор и поэт. Больше всего он известен своими иллюстрациями, сделанными чёрной тушью, с эротическими и гротескными мотивами. В них он передавал противоречивые человеческие чувства, одиночество, страх, желание и чувственное наслаждение.
Художественный критик Сергей Маковский так описал творчество Бёрдслея: «… чёрный алмаз с тонко отшлифованными гранями, с острым, холодным блеском, чёрный алмаз в филигранной оправе, восхищающий совершенством работы и в то же время наводящий жуткий трепет, словно талисман волшебника».
Об иллюстрациях
Бёрдслей создал 16 иллюстраций к «Саломее» Уайльда в 1894 году. Он нарисовал их тушью, но из-за чёткости линий и силуэтов можно подумать, что это гравюра.
Серия получилась эротической, и это отражало содержание пьесы. Однако такая откровенность противоречила викторианским нормам морали, по которым женский образ должен быть целомудренным. Впервые все иллюстрации Бёрдслея издали только в 1907 году.
В рисунках есть пара особенностей. Первая — в них заметна эстетика японских гравюр: крупные элементы, полностью залитые чёрным цветом, сочетаются с тонкими гибкими линиями. Бёрсдлей действительно вдохновлялся японским искусством, в том числе эротическими гравюрами сюнга.
«Луна». Иллюстрация: Обри Бёрдслея / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
«Юбка с павлиньим узором». Иллюстрация: Обри Бёрдслея / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
«Чёрная накидка». Иллюстрация: Обри Бёрдслея / иллюстрация для пьесы «Саломея» Оскара Уайльда
Вторая особенность — рисунки не повторяют буквально текст Уайльда. В них нет ни конкретного времени, ни места, ни зачастую сюжета. Бёрдслей вольно интерпретирует сцены пьесы.
Например, «Туалет Саломеи» по тексту выглядит так: рабыни приносят героине благовония и семь покрывал и снимают с её ног сандалии. У Бёрдслея обнажённая Саломея сидит перед зеркалом, на полочке стоят разные косметические принадлежности, и парикмахер в чёрной маске припудривает пышную причёску героини.
Интересная деталь: под полкой с косметикой Бёрдслей поместил книги Апулея, Бодлера, Верлена, Маркиза де Сада и Эмиля Золя — этого не было в тексте Уайльда и не могло быть по сюжету в целом.
Первобытная «Сикстинская капелла»
Наука затрудняется сказать, когда именно люди начали создавать наскальные изображения при помощи краски. 60 тыс. лет назад? 40 тыс. А может, раньше? Так или иначе, это был homo sapiens, наш вид, которому свойственна тяга к художественному творчеству. Подобных палеолитических пещер с рисунками в возрасте 35 — 11 тыс. лет в Евразии известно более трёхсот, в том числе на территории России, но большая часть — во Франции и Испании. Рисунки в Альтамире, «королеве расписных пещер» (по выражению Герберта Кюна) — лишь самые совершенные с точки зрения живописи. Богатство цвета и тени, умело выраженные движения животных, гравировка и штриховка, резьба по камню для придания объёма изображениям, использование естественной фактуры каменных сводов — всё это поражает и современных художников. Самая крупная фигура быка — размером 2,2 м, вместе с другими составляет целые композиции. Бизоны и лошади, козлы, олень, кабан и кошка будто оживают, когда на них падает свет играющих языков пламени.
А ведь всё, что имел художник (или художники), — это лампа, резец, древесный уголь, охра и мастерство. Соперничать с ним могли лишь живописцы французской пещеры Ляско («Версаля первобытной живописи»), которые жили примерно в то же время с разницей всего от одного до нескольких тысячелетий. Некоторые приёмы первобытной живописи среди европейских художников считались новинками 19-го века, но оказалось, что всё это уже было. Восхищённый посещением Альтамиры Пикассо даже всерьёз говорил, что «ни один из современных художников не смог бы написать такое!»
Альтамира. (Wikimedia Commons)
Учёные по данным культурного слоя и радиоуглеродного анализа образцов древесного угля (довольно точный метод) полагают, что возраст изображений Альтамиры — от 13 до 16,5 тыс. лет (скорее всего около 14 тыс.). 280 метров залов пещеры покрыты рисунками, нарисованными в несколько этапов, — здесь и отдельные фигуры, и большие скопления. Самая прекрасное полотно — так называемый «Большой плафон», 18-метровый потолок одного из залов, покрытый изображениями бизонов и других зверей. Как и другие первобытные художники, мастер из Альтамиры рисовал в основном животных, так как вокруг них вращалось всё существование и быт человека палеолита. Животные — это жизнь, источник мяса, материала для изготовления одежды, жилища и инструментов. На зверей охотились, от них же спасались (хищники тоже времени зря не теряли).
Этническое происхождение художников Альтамиры неизвестно — ни следов его языка, ни иных признаков не осталось
Но так ли это важно? Это был человек. Наскальная живопись ещё в начале 20-го века заставила учёных пересмотреть свой взгляд на первобытность — высокие художественные способности предков не позволяют говорить о них как о примитивных созданиях
Художники из Альтамиры, Ляско, Шове и других пещер уж точно были способны на всё, на что способен человек 21-го века.
«Папа, смотри, быки!»
Дон Марселино Санс де Саутуола был археологом-любителем — бродил по испанским пещерам в поисках следов первобытного человека. В 1876 г. он заглянул в пещеру Альтамира в провинции Кантабрия, вход в которую за несколько лет до этого случайно обнаружил охотник из этих мест — его собака застряла в камнях, пришлось спасать её, отодвигая камни, и так открылся проход. В темноте, однако, Саутуола ничего примечательного не заметил — ну, пещера и пещера, да, с какими-то чёрными знаками на сводах, но и только-то. Он хотел начать там раскопки — Саутуолу интересовали не стены, а каменные орудия и останки, скрытые в почве. И кое-что действительно удалось обнаружить в 1879 г., но самое главное «просвещённый идальго» не замечал.
Дону Саутуоле помогла его дочь. Однажды он взял восьмилетнюю Марию с собой, и пока отец ковырялся в культурном слое, девочка рассматривала залы пещеры. Ей, маленькой, нетрудно было пробраться по узким и низким коридорам туда, куда отец ещё не захаживал. Там она и увидела их — бизонов: «Папа, смотри, быки!» Вот так Мария и открыла самые красивые в мире наскальные рисунки первобытного человека. Находка стала сенсацией. Картины оказались столь впечатляющими, что научный мир отнёсся к ним со скепсисом — не могли примитивные предки так рисовать! На любителя-Саутуолу обрушились профессионалы — мол, на скалах писал художник, якобы гостивший незадолго от «открытия» у дона Марселино. Дона объявили фальсификатором. Прошло больше двадцати лет, прежде чем учёные открыли другие подобные рисунки в разных уголках Европы и признали великое открытие Альтамиры. Произошло это в 1902 г. Но Саутуола скончался раньше, в 1888 г., и пережил долгие годы несправедливых обвинений в шарлатанстве.
Альтамира. (Wikimedia Commons)
Золотой век ботанической живописи
В 1750–1850-е происходит расцвет ботанического искусства. В Европе открываются публичные ботанические сады и аптекарские огороды, организуются научные конференции, посвященные вопросам изучения растений, проводятся первые выставки работ ботанических иллюстраторов — всё это подогревает общественный интерес к живописному жанру и обеспечивает ему огромную популярность.
Сиденем Эдвардс, «Пассифлора», 1799 год. Источник
С этим периодом связано имя Пьера-Жозефа Редуте (1759–1840), одного из самых продуктивных художников в истории живописи. За 67 лет активной творческой деятельности Редуте успел поработать учителем рисования последней королевы Франции Марии-Антуанетты, организовать классы по акварельной живописи для богатых аристократов при Национальном музее естественной истории в Париже, выпустить более десятка иллюстрированных каталогов, получить орден Почетного легиона — высшую награду Франции — и даже заслужить покровительство императрицы Жозефины де Богарне, первой жены Наполеона Бонапарта. По свидетельствам историков, императрица была одним из самых преданных поклонников творчества Редуте: свою спальню во дворце Мальмезон она именно его рисунками.
Пьер-Жозеф Редуте, Rosa Hudsoniana Salicifolia, 1817 год. Благодаря непревзойденной техники рисования, в особенности передачи цвета, Редуте справедливо называли «Рафаэлем цветов». Источник
Сегодня наследие художника насчитывает более 2100 ботанических иллюстраций, изображающих около 1800 различных видов растений. Главным плодом его творчества, бесспорно, является альбом «Лилейные» (Les Liliacées) — выдающийся памятник ботанической живописи, над которым он работал с 1802 по 1816 год. Полное издание альбома состояло из 486 точечных гравюр, раскрашенных вручную самим художником или его помощниками, а также сопроводительной информацией о каждом растении.
Пьер-Жозеф Редуте, Fritillaria imperialis. Источник
В это же время творят и другие талантливые живописцы, благодаря которым жанр ботанической иллюстрации достигает вершины своего развития. В их числе Уильям Кертис (1746–1799), Маргарет Мин (1751–1834), Франц (1758–1840) и Фердинанд (1760–1826) Бауэры и еще целый ряд художников. Одни служат при монарших семьях в Европе и создают серии рисунков для украшения их резиденций; другие преподают в академиях художеств и публикуются в периодических журналах; третьи продолжают научную работу в отдаленных уголках планеты и исследуют флору и фауну заокеанских колоний.
Фердинанд Бауэр, Banksia coccinea, ок. 1805 года. Источник
Однако к концу 1870-х интерес к этому направлению в искусстве стремительно угасает. Ученые теперь всё чаще обращаются к новому способу визуализации объектов исследования — фотографии, а молодые художники порывают с традициями классической живописи и манифестируют создание новых течений.
«Дон Кихот», иллюстрации Гюстава Доре
Фронтиспис — рисунок перед первой страницей книги — к «Дону Кихоту». Герой изображён среди своих видений из рыцарских романов. Иллюстрация: Гюстав Доре / иллюстрация к роману «Дон Кихот» Мигеля де Сервантеса
О книге
Произведение испанского писателя Мигеля де Сервантеса Сааведра «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский» — пародия на средневековые рыцарские романы: главный герой начитался их, погрузился в мир фантазии и возомнил себя рыцарем, долг которого — искоренять зло и вершить добро.
Когда воображаемый мир Дон Кихота сталкивается с реальностью, это одновременно и комично, и трагично. Такой эффект возникает, например, в знаменитой сцене, в которой главный герой сражается с ветряными мельницами.
О художнике
Гюстав Доре (1832–1883) — французский художник, скульптор, гравёр и один из главных иллюстраторов XIX века. Он рисовал с раннего детства, но так и не получил профильного образования. Зато он много практиковался, изучал картины старых мастеров в залах Лувра и старинные гравюры в Национальной библиотеке в Париже.
Доре иллюстрировал Библию, роман «Гаргантюа и Пантагрюэль» Франсуа Рабле, «Божественную комедию» Данте, «Потерянный рай» Джона Мильтона, «Сказки» Шарля Перро и многие другие произведения.
Об иллюстрациях
Гюстав Доре сделал 377 иллюстраций к роману Сервантеса, а мастер Элиодор Пизан выгравировал их в технике ксилографии.
Сам Гюстав Доре дважды ездил в Испанию, видел местную природу и архитектуру, деревенские танцы, бои быков. Он перенёс в иллюстрации образы крестьян, уличных музыкантов, рыбаков и комедиантов, чтобы правдиво передать испанский колорит.
Дон Кихот отправляется в странствие. Фото: Национальная библиотека Франции
Иллюстрации Доре можно разделить на две группы. Первая — листы, действие на которых происходит ночью. На них тёмный фон, а Дон Кихот предстаёт в лесу, в горах над пропастью. За счёт контраста темноты и лунного света Доре создаёт фантастическую атмосферу. Это рифмуется с тем, как воспринимает реальность сам герой: он принимает желаемое за действительное и в обычных явлениях и предметах нередко видит злые силы.
Чтобы создать эффект освещения на этих «ночных» листах, Доре использует такой приём: он расставляет яркие светлые пятна на фигурах, которые резко контрастируют с окружающей темнотой. От самых ярких частей к периферии свет постепенно рассеивается, мягко подсвечивая пространство вокруг, пока не уходит в чёрный цвет.
Встреча Дона Кихота и французского волшебника Мерлина. Иллюстрация: Гюстав Доре / иллюстрация к роману «Дон Кихот» Мигеля де Сервантеса
Дон Кихот и Санчо Панса в горах Сьерра-Морена. Иллюстрация: Гюстав Доре / иллюстрация к роману «Дон Кихот» Мигеля де Сервантеса
Дон Кихот принимает пустые доспехи за живого рыцаря. Иллюстрация: Гюстав Доре / иллюстрация к роману «Дон Кихот» Мигеля де Сервантеса
Вторая группа — это листы со светлым фоном. На них действие происходит днём, а сами сцены наполнены бытовыми подробностями, испанским колоритом, они переданы с юмором и иронией.
Когда иллюстрации Доре к «Дон Кихоту» увидел писатель и журналист Теофиль Готье, он воскликнул: «Какой дар! Какое богатство мысли, интуитивная глубина, какое проникновение в сердце различных вещей! Какое чувство реального и в то же время химерического!»