От ильи репина до петра кончаловского

Биография

Он родился в 1588 году в Нидерландах . О месте его рождения нет согласия между источниками: в Гааге или в Оверэйсселе (возможно, в Девентере ). Он поселился в Утрехте в очень молодом возрасте , где стал учеником Авраама Блумарта . Хотя дата его поездки в Италию не определена ( или ), считается, что он жил в Риме до года, когда о нем сообщают в Милан по дороге домой. Если достоверно известно, что в Риме он познакомился с картиной Караваджо, то рассуждения о дате его поездки в Италию как бы опровергают гипотезу о непосредственном знакомстве с художником. Во всяком случае он встречал своих последователей, таких как Орацио Джентилески , Джованни Серодине , Карло Сарачени и других. Вернувшись на родину, он ненадолго вернулся в Рим в начале 1920-х годов. Встреча с картиной Караваджо и караваджистов глубоко повлияла на него, полностью интегрировав в свои работы как использование светотени , так и драматически заряженных сюжетов. Он умер в Утрехте 1 ноября 1629 года.

Свидетельства его жизни

Нет современных письменных упоминаний о жизни Тер Брюггена . Его отец Ян Эгбертс тер Брюгген, уроженец Оверэйссела , переехал в Утрехт, где он был назначен секретарем при дворе Утрехта принцем Оранским Вильгельмом Молчаливым . Он был женат на Софии Диркс. В 1588 году он стал судебным приставом провинциального совета Голландии в Гааге , где, как считается, родился Хендрик .

Первое краткое упоминание о художнике содержится в « Кабинете Het Gulden » Корнелиса де Би (1661 г.) , где он ошибочно упоминается как Verbrugghen . Еще одно краткое свидетельство можно найти в « Teutsche Academie » Иоахима фон Зандрарта (1675 г.) , где его зовут Verbrug . Таким образом, из этого последнего источника мы знаем, что Тер Брюгген был учеником Авраама Блумарта в Утрехте, художника — маньериста . Сандрарт также цитирует «глубокие, но меланхолические мысли в своих произведениях ( tiefsinnige, jedoch, schwermütige Gedanken in seinen Werken )» .

Рихард тер Брюгген и восстановление памяти его отца

На основе этих сомнительных свидетельств Рихард тер Брюгген, сын художника, пытался в начале 18 века восстановить репутацию своего отца как живописца. Он получил письмо от Адриана ван дер Верфа из Роттердама от 15 апреля 1707 года, в котором последний свидетельствует о своем уважении к работам Хендрика. Позднее в том же году, 5 августа 1707 года, Ричард подарил четыре картины евангелистов правительственному совету Девентера , чтобы повесить их в ратуше как постоянное напоминание о его отце .

Гравюра, скорее всего, заказанная самим Рихардом тер Брюггеном у Питера Бодарта и основанная на более раннем рисунке Джерарда Хута , была сделана примерно в 1708 году. На ней изображен идеализированный портрет Хендрика, фамильный герб и печатная подпись:

Гипотеза о его пребывании в Италии

Корнелис де Би в своем Spiegel vande Verdrayde Werelt (1708) и Арнольд Хубракен в своем De Groote Schouburgh (1718-1721) написали биографии, в которых они повторяли утверждения Рихарда о встрече Рубенса с отцом. в Риме и в период его работы в Неаполе . Так как был одноимённый кадет, служивший в армии Эрнесто Казимира Нассау-Дитца весной 1607 года, по этой причине Тер Брюгген, как полагают, находился в Италии , но только с этого года, а не с 1604 года. … согласно тому, что считалось ранее (как следует из надписи в прессе Бодарта). Это, безусловно, означало бы, что он никогда не встречался с Караваджо в Риме, как некоторые думали, потому что он бежал из города в 1606 году по обвинению в убийстве. В любом случае достоверно известно, что он был единственным голландским художником в Риме при жизни Караваджо .

В 1614 году Тер Брюгген возвращался домой через Милан. 1 апреля 1615 года Тиман ван Гален и Тер Брюгген выступают свидетелями перед судом Утрехта . В 1616 году он уже был зарегистрирован как член Утрехтской гильдии живописцев, а 15 октября того же года женился на Якомейне Вербек, падчерице своего старшего брата Яна . Он снова вернулся в Рим в начале 1920-х .

Смерть

Тер Брюгген умер в Утрехте 1 ноября 1629 года, возможно, жертвой чумы . Семья жила в Сниппенвлухте. Последний из восьми детей Тер Брюггена, Хенникген, родился через четыре месяца после его смерти 14 марта 1630 года .

«Нищая». Илья Репин

По мнению искусствоведов, этюд «Нищая» является лучшей работой молодого Репина. Полотно, изображающее девочку с рыбацкими сетями в руках, написано в 1874 году во французском городе Вёль, куда художник отправился после окончания Петербургской академии искусств.

Репин одним из первых русских художников овладел искусством живописи на пленэре. Из Вёля, где обосновалась колония русских художников, тридцатилетний живописец увез 12 этюдов. Среди них была и работа из коллекции музея, «Нищая», односеансный натурный этюд французской девочки.

Широкая известность пришла к картине в 1948 году, когда цветная репродукция «Нищей» была опубликована в капитальном труде «И. Е. Репин. Художественное наследие» под редакцией известных искусствоведов Игоря Грабаря и Ильи Зильберштейна. Она значилась среди вновь найденных вёльских этюдов художника.

«Взлохмаченные белокурые волосы, лицо с ещё не потемневшим розовым загаром, грустное, сосредоточенное выражение глаз, худенькая детская шея, загрубелые детские ручки. Все нарисовано безукоризненно, выписано тонко. Пейзаж сильно обобщен, почти не привлекает внимания. Но девочка словно живет в атмосфере летнего светлого дня…» — писала искусствовед Ольга Лясковская.

В работе «Нищая» впервые соединились все грани таланта художника: умение проникнуть во внутренний мир героя, мастерство живописца и графика. Владимир Сукачёв приобрел картину в мастерской у художника в 1880-е годы.

ТВОРЧЕСТВО

В Италии Тербрюггена привлекло новаторское искусство Караваджо. Обра­щение Караваджо к бытовому жанру и приближение рели­гиозной картины к земной действительности сделали ху­дожника основоположником реалистического направления в искусстве XVII века. Творчество гениального итальянца нашло широкий отклик: в его произведениях живописцам открылись пути создания реалистического искусства, к тому времени ставшего настоятельной необходимостью во всех художественных школах Европы.

Зре­лое творчество художника отмечено большой цельностью. Тербрюгген писал картины на религиозные сюжеты и пояс­ные однофигурные композиции или сцены с несколькими персонажами, изображающие игру в карты, концерты, кава­леров с бокалами вина, женщин с музыкальными инструмен­тами — мотивы, обычные у Караваджо и младших современ­ников Тербрюггена, утрехтских караваджистов Геррита Хонтхорста и Дирка ван Бабюрена. Облик героев Тербрюггена не будничен, почти маскараден — художник обла­чает их в заимствованные у Караваджо и его итальянских последователей живописные наряды с широкими рукавами, в свободное пастушеское платье, в береты, украшенные пыш­ными перьями.

Органично соединил заимствованные из Италии светотеневые эффекты и монументальность композиций с типически нидерландским чувством характерной детали. Хотя и создавал иногда модные в ту пору «ноктюрны», озаренные свечой (таков, к примеру, его хранящийся в Эрмитаже Концерт, 1624), в целом не любил слишком резких световых контрастов, виртуозно используя возможности рассеянного дневного света и размещая обычно фигуры не на темном, а на нейтральном фоне.

Писал религиозные, антично-мифологические и жанровые картины. Тербрюгген удалил отвлеченную риторику и аффектацию, свойственную картинам маньерис­тов

Ограничивая число участников действия основными героями, немногими, точно найденными жестами раскрывая смысл происходящего, характером освещения концентрируя внимание на главном, художник превращает религиозную картину в повествование о событиях из жизни простых лю­дей. Среди его лучших вещей – “Распятие с Богоматерью и святым Иоанном”, “Святой Себастьян под заботой Ирины и ее служанки”, “Спящий Марс”, парные “Смеющийся Демокрит” и “Плачущий Гераклит” (обе 1628, Государственный музей, Амстердам)

Органичнее всего эти две грани дарования Тербрюггена — живописный талант и лиризм — объединялись в изображе­нии музицирующих компаний, придавая «концертам» ху­дожника особую привлекательность.

С полотен художника как будто доносятся звуки веселой песенки («Концерт», 1626, Государственный Эр­митаж, Ленинград) или мелодия лирического дуэта («Кон­церт», 1628/29, Ледбери, собрание Батхерст). Особой красо­ты выражения достиг Тербрюгген в картине «Флейтист» (1621, Государственные художественные собрания, Кассель). Ме­лодия флейты, которую с серьезной сосредоточенностью вы­водит юноша, кажется материализованной в струящихся потоках дневного света, объединяющих в гармоничный ак­корд светло-желтые, голубые и оливковые тона. Серебрис­тый колорит и созерцательное настроение этого произведе­ния предвещают поэтическое искусство Вермера Дельфтского.

«Игроки». Герард Зегерс

Фламандский художник Герард Зегерс в юности учился в Антверпене. В возрасте 17 лет его приняли в гильдию Святого Луки — профессиональное объединение художников. Членство в гильдии давало важные преимущества: живописец мог открыть мастерскую, официально продавать свои работы, преподавать. Кроме того, художник получал социальную защиту.

Зегерс завершил свое художественное образование в Риме. В 1611–1621 годах он работал в Испании и Италии, где особенно увлекся искусством знаменитого итальянца Микеланджело Караваджо. В этот период Зегерс изображал солдат, играющих в карты и кости, музыкантов и певцов.

После 1630 года под влиянием Питера Пауля Рубенса палитра Зегерса стала значительно светлее. Влияние Рубенса прослеживается в одной из самых известных работ мастера, «Поклонении волхвов», хранящейся в Церкви Богоматери в Брюгге. В это время художник писал многочисленные алтарные полотна для церквей и монастырей Фландрии и Германии, создавал произведения на темы древней и современной ему архитектуры.

Иркутское полотно «Игроки» Зегерс создал в традициях караваджизма. Приверженцы этого направления стремились точно передать особенности натуры, реалистично изображали предметы. В их работах отсутствует театральный антураж: нарядные костюмы, пышные платья, барочные завитки. Работы Караваджо и его последователей отличаются максимальной передачей объемности фигур, а также резким контрастом света и тени. Как правило, светлые силуэты людей они помещали на темный, почти черный фон. Несмотря на простоту сюжетов, в произведениях этого стиля ощущается драматическая сила.

Картина «Игроки» — яркий пример типичной для творчества художника композиции. Неровные отблески от пламени свечи создают резкий контраст света и тени, придавая людям некоторую взволнованность и напряженность. Композиция построена таким образом, что зрители словно оказываются внутри картины, становятся сопричастными происходящему.

«Зимний закат в еловом лесу». Юлий Клевер

Юлий Клевер — яркий представитель позднего романтизма в русском пейзаже конца XIX — начала XX века. Он родился в Дерпте (Тарту) в семье магистра химии. В 1870 году Клевер поступил в Петербургскую Академию художеств. Спустя два года его отчислили «за посещаемость»: академические занятия наводили на юношу скуку.

Несмотря на это, к живописцу рано пришла слава: в 26 лет Клевер получил звание классного художника первой степени, а еще через два года стал академиком. В 1886 году на выставке в Берлине его наградили золотой медалью. Не обладать ни одной картиной Клевера у состоятельных людей считалось признаком дурного тона.

Художник постепенно выработал свой стиль создания пейзажа: с золотыми закатами и эффектными красочными сочетаниями. Для работ Клевера характерны свободная манера письма, декоративность, пренебрежение частностями ради выразительности картины в целом. В лучших своих произведениях художник всегда оставался романтиком, заражающим зрителя любовью к природе и неспешной жизни вдали от городской суеты.

Юлий Клевер много и тщательно работал с натурой. Художники и знатоки особенно ценили его небольшие полотна, тонко передающие состояния природы. В картине «Зимний закат в еловом лесу» завораживают узловатые стволы старых елей, вздымающихся к небу, подтаявший снежный покров. Художнику удалось показать атмосферу таинственности, тишины и меланхолии.

Иркутская публика впервые увидела эту работу в 1890 году на открытии знаменитой благотворительной выставки «Зимний вечер в Эстляндии». В ней приняли участие многие иркутские коллекционеры. В собрание музея картина поступила в 1920 году из коллекции генерала Алексея Эверта, командующего войсками Иркутского военного округа.

«Утро в Венеции». Иван Айвазовский

Эта поздняя работа Айвазовского, в которой мастер достиг удивительной прозрачности, более полувека хранилась в запасниках музея. Из-за осыпающегося красочного слоя картину долгое время не могли восстановить. Работа иркутских реставраторов заняла годы, но ее результаты поражают.

Иван Айвазовский родился в Феодосии в семье купца. Художник, чье детство прошло на берегах Черного моря, был наделен даром глубоко чувствовать водную стихию. Красота Крыма стала источником вдохновения для будущего мариниста.

В собрании Иркутского художественного музея хранятся десять произведений Айвазовского: пять живописных и пять графических. Картина «Утро в Венеции» 1875 года — жемчужина музейной коллекции. Александр Сибиряков, иркутский предприниматель и благотворитель, приобрел её, скорее всего, на выставке в Петербурге. Два года спустя он подарил картину Иркутской мужской классической гимназии. В 1920 году работу передали в картинную галерею городского музея. Позднее на основе коллекции галереи создали Иркутский художественный музей.

«Утро в Венеции» входит в число произведений 1870-х годов. Тогда наряду с загадочными ночными пейзажами и яркими, динамичными картинами раннего периода в творчестве Айвазовского появились тонкие, словно акварельные работы. При помощи тончайших цветовых нюансов живописцу удалось передать состояние раннего утра.

Судьба картины складывалась трагически: работу дважды отвозили в Москву в реставрационные мастерские имени Грабаря. Но красочный слой продолжал разрушаться. Спасла полотно Галина Муравьева — сотрудница музея, которая более 20 лет занималась его реставрацией и завершила работу в 2009 году.

«Ужин трактористов». Аркадий Пластов

Одна из самых известных картин Пластова из серии «Люди колхозной деревни» находится в собрании советского искусства нашего музея. В Иркутск полотно попало после Всесоюзной выставки в 1952 году, где было подвергнуто критике. Однако позднее Третьяковская галерея заказала у автора ее копию. Пластов выполнил заказ, но иркутский «Ужин» по-прежнему считается лучшим.

Несмотря на живописные достоинства, картина «Ужин трактористов» стала объектом критики. Ругали произведение за «увлечение живописностью в ущерб идейному содержанию». Третьяковская галерея и Русский музей, обладавшие правом первыми закупать картины с выставок, отказались от нее, и картина была передана Иркутску по заявке музея. В годы «оттепели» о ней вспомнили, и в 1955 году она была временно передана в Третьяковку на выставку, посвященную XX съезду КПСС, с гарантией возврата. Но прошло более семи лет, а Третьяковская галерея картину не вернула.

Дело в том, что за эти годы она успела побывать на международных выставках в разных странах. После такого успеха картины за рубежом Третьяковская галерея подала министру культуры прошение о том, чтобы полотно оставили им. В ответ из Иркутска в Москву полетели письма и телеграммы с требованием вернуть картину домой. 9 января 1958 г. было отправлено коллективное письмо в высшие органы власти: ЦК КПСС и Совет Министров СССР. Рассказывают, что письмо попало к Хрущеву. Он долго возмущался и требовал, чтобы картину немедленно вернули Иркутску — «энергетическому центру Сибири». Он также добавил в адрес Третьяковской галереи: «Прошляпили в свое время, так уж нечего теперь…»

Настоящее признание пришло к Аркадию Пластову лишь во времена оттепели: в 1958 году за картины «Ужин трактористов» и «Девушка с велосипедом», являющиеся собственностью Иркутского художественного музея, он был награжден золотой медалью Министерства культуры СССР, а в 1966 году ему присудили Ленинскую премию.

Очень оригинальная композиция

Святой Себастьян, за которым ухаживают Ирен и ее служанка , 1625, Мемориальный художественный музей Аллена , Оберлин, Огайо .

Очень оригинальная композиция (Святой Себастьян, за которым ухаживают Ирэн и его слуга) тер Бругхена нарушает традицию, которая способствует изображению святого, пронизанного стрелами, как в версии его современника Геррита ван Хонтхорста (1623, Лондон, Национальная галерея ) .
Тер Бругген описывает момент, когда Ирэн Римская и ее слуга спасают то, что осталось от жизни в умирающем теле, где смерть уже охватила его конечности: ступня и правая рука сделаны из могильного мрамора, а профиль с полузакрытыми глазами выглядит как пораженный холодным сиянием в вечернем свете. Тело жалко свисает, рухнет на землю. В спешке женщины поддерживают это тело, извлекают смертоносные стрелы, выпускают кулак, который больше не орошает кровью.
Плотная группа сформирована вокруг трех диагоналей, пересекающих всю композицию. Три наложенных друг на друга головы справа, неподвижное тело, удерживаемое рукой, в центре, нога, вытянутая стрелой, и дерево слева (тройной ритм).

Руки на пике действия

Оттенки зелени на теле оживлены мягкостью розовых тонов, утончаемых с утонченностью: от бледно-розового пальто Ирэн до винно-красного цвета служанки, включая сиреневый. В центре искусные складки напудренного тюрбана Ирен отражают свет, придавая драгоценный оттенок цвету ее лица. Замыкает композицию силуэт служанки, более приглушенных оттенков, накинутый на покрасневшее лицо платок. Взгляд направлен на его руки, кульминацию действия, чтобы освободить его от ремней.

Обратное чтение

Эти три головы и эти три диагонали перекликаются с тремя стрелами. Они пронзают багровое тело, с которого снимаются белая ткань и парча, сотканная из золота и алого. Таким образом, обращенная к земле голова святого могла заставить нас поверить в свой конец. Но эффективная в действии помощь женщин меняет направление чтения в работе. Ось их голов, направленная вверх, выпрямляет голову измученных, их поднятые руки контрастируют с обвисшим телом, их освещенные лица отбрасывают болезненные тона.
Заказчика работ мы не знаем; это может быть благотворительное учреждение, посвященное пациентам, страдающим от чумы, бушевавшей в Соединенных провинциях около 1600 года, или человеку, который предназначил его для своей частной часовни. Святой Себастьян призван излечить чуму, болезнь которой нисходит на людей, как стрелы ( Список злобных святых ). Тер Бругген умер преждевременно от чумы в 1629 году , через пять лет после написания этой картины, которая считается его шедевром. Он блестяще овладел мягкими нюансами и воскрешением смерти в драматургии Караваджо .

«Утро Москвы». Константин Юон

Константин Юон был мастером архитектурного пейзажа. Он писал среднерусскую природу и величайшие памятники древнего зодчества. Художник изображал старинные провинциальные русские города и свою родную Москву. На протяжении всей Великой Отечественной войны он оставался в столице. Даже зимой продолжал работать в своей холодной и нетопленой мастерской. Юон, как и многие художники в военное время, считал своим долгом творить и таким образом вносить посильную лепту в общее дело Победы.

Однажды декабрьским утром, проходя через Москворецкий мост, художник увидел Кремль, озаренный лучами восходящего солнца. На покрытом утренним туманом мосту кипела жизнь: пробираясь по заснеженным улицам, спешили на фабрики рабочие, провозили заградительные аэростаты, навстречу двигались отряды солдат. Это сочетание оживленного ритма военной столицы и величественной красоты Кремля в лучах солнца поразило Юона. Живописец поспешил в мастерскую, чтобы запечатлеть все на полотне.

Спустя годы Константин Юон говорил, что у него сложился своеобразный рабочий метод: выносить холст на натуру, а потом дома продолжать работать в ожидании нового подходящего момента в природе. Он точно знал, в какое время появится нужное ему освещение, и приходил ровно за час. «А когда этот момент наступал, я клал кисть и лишь наблюдал взаимосвязь всех частей картины, ее существо», — говорил мастер.

Над картиной он трудился всю зиму. В 1942 году Юон завершил работу над полотном, которое назвал «Утро Москвы». Картина поступила в музей в 1948 году из Комитета по делам искусств при Совете министров СССР.

Работа и влияние

Игрок Файф , 1621 г., Старая галерея драгоценных камней (Кассель) .

Примечательно, что все сохранившиеся картины Тер Бруггена датируются 1619 годом; до этой даты мы просто ничего не знаем о его карьере художника. Он рисовал «исторические картины», в его случае в основном широкоформатные изображения библейских сцен, и хотя он, несомненно, сам был протестантом, некоторые из этих сюжетов явно католические. Кроме того, он также сделал несколько групповых портретов и, как и многие другие художники Караваджо, несколько жанровых сцен , часто музыкантов или пьющих изображали в одиночестве, в пояс.

В Италии на Хендрика тер Бруггена, вероятно, повлиял не только Караваджо, чьи работы отмечены ярким контрастом между светом и тенью и драматическим характером его сюжетов. Он также, кажется, позаимствовал у своих последователей: у Орацио Джентилески более свежую палитру и менее драматичную обработку света, а у Бартоломео Манфреди — вкус к изображению музыкантов среднего тела. Вскоре после года характер Караваджо в его творчестве стал более заметным. Это можно объяснить второй поездкой Тер Бруггена в Италию, но доказательств этому нет. На это также могло повлиять возвращение из Италии Геррита Ван Хонтхорста и Дирка Ван Бабурена, которое произошло в это время.

Предполагается, что в Утрехте он тесно сотрудничал с Ван Бабуреном в соответствии с их очень похожими стилями. Однако Тер Бругген сохраняет очень личный стиль, явно перенесенный на голландские традиции. Примечательно, что иногда мы можем обнаружить в его работах элементы, вдохновленные средневековьем. Его лучшие картины отличаются тонким использованием цвета, иногда с необычными сочетаниями. Хотя его стиль не был единообразным, вряд ли о нем можно говорить о линейной эволюции, так что трудно определить местонахождение его недатированных работ в хронологическом порядке.

«Портрет предков». Неизвестные китайские художники XVII–XIX веков

Генеалогические древа знатных семей Китая, написанные минеральными красками на шёлке и бумаге, — редкость не только для коллекции Иркутского художественного музея. Произведения этого жанра не имеют аналогов в собраниях других музеев России. Подобные картины создавались после смерти портретируемых как дань уважения и почитания.

Четыре групповых портрета представляют собой своего рода генеалогические древа знатных семей и связаны с почитанием предков, имеющим особое значение в Китае. Древние китайцы считали, что благополучие их жизни полностью зависит от покровительства умершего предка, главы рода, старшего в семье. Почившие родственники изображались на свитках, которые помещались в родовых храмах или украшали парадные залы дома.

Такие портреты создавались по определенным правилам. Позы, жесты, осанка изображенных на свитках передают не столько индивидуальную, сколько социальную значимость человека. Костюм в портрете занимал одно из важнейших мест как знак социального статуса человека, его места в общественной иерархии, поэтому предки ― мужчины и женщины ― изображались в парадном одеянии.

Свитки были переданы в Иркутск музею Восточно-Сибирского отдела Русского географического общества в 1888 году ламой Гусиноозёрского дацана Дампилом Гомбоевым, исследователем и знатоком восточного искусства. Однако они нуждались в реставрации.

В 1958 году «Предки» были отправлены во Всероссийский художественный научно-реставрационный центр имени академика И. Э. Грабаря. Потребовалось 50 лет, чтобы справиться с заданием и спасти эти редкие произведения китайских мастеров. Работа над всеми портретами была завершена лишь в 2008 году.

Иркутский художественный музей является единственным обладателем подобных групповых портретов в России. После реставрации «Портреты предков» были впервые продемонстрированы в Москве на выставках «Реставрация музейных ценностей в России» и «Возрождение сокровищ России» и произвели настоящий фурор.

«Натюрморт». Петр Кончаловский

Петр Кончаловский — один из самых известных русских авангардистов, мастер портрета и натюрморта. Он родился в Харьковской губернии в семье литератора. Склонность к живописи проявилась у него еще в детстве, но по настоянию родителей Кончаловский поступил на естественный факультет Московского университета. Позднее он все же решил посвятить жизнь искусству и отправился в Париж обучаться в Академии Жюлиана. Уже после возвращения в Россию в 1907 году Кончаловский окончил Академию художеств.

В том же году он снова поехал во Францию, где испытал сильное влияние французского постимпрессиониста Поля Сезанна. В поисках новых форм художник обратился к современной французской живописи, а затем увлекся русским народным искусством. Этот творческий симбиоз и определил своеобразие его манеры.

В 1911 году вместе с другими живописцами-экспериментаторами Кончаловский образовал «Бубновый валет» — крупнейшее художественное объединение авангарда в России.

Петра Кончаловского называют богатырем русской живописи. Его произведения полны страсти и неудержимого темперамента, для них характерна красочная палитра. Конструируя свой мир, Кончаловский формировал объем цветом и старался охватить предмет во всех его пластических измерениях. Так, в «Натюрморте» обычные вещи из мастерской самого художника: ящик с холстами, топор, ведро, буржуйка — словно оживают, громоздясь в нетерпеливом движении.

В своем любимом жанре, натюрморте, художник предпочитал изображать самые простые вещи, которые в его работах обретали символический смысл и становились приметами своего времени. Мастер стремился передать новую эстетику революционного времени. После 1917 года Кончаловский стал одним из ведущих мастеров социалистического реализма. Работа поступила в наш музей в 1928 году из Государственного музейного фонда.