Борис Кустодиев. «Купчиха в окне»
Черно-белый карандашный рисунок Бориса Кустодиева стал эскизом не только к большой работе, написанной маслом, но и одноименной акварели. В начале 1922 года художник предложил своему другу, владельцу издательства «Аквилон» Федору Нотгафту выпустить альбом, в который вошли бы 23 его акварели. Для книги был нужен сопроводительный текст, и в качестве автора Нотгафт пригласил Евгения Замятина. Личное знакомство художника и писателя произошло уже в процессе работы над книгой.
«Осенью 22-го года издательство «Аквилон» прислало мне «Русские типы» Кустодиева, чтобы я о них написал статью. Статьи я не стал писать, я сделал иначе: просто разложив перед собой всех этих кустодиевских красавиц, извозчиков, купцов, трактирщиков, монахинь, я смотрел на них так же, как когда-то на его картину на выставке, — и сама собой написалась та повесть», — вспоминал Замятин.
Текст очень понравился Кустодиеву, и он дописал еще восемь иллюстраций. Так альбом акварелей превратился в книгу «Русь», она вышла в марте 1923 года. Первую часть книги составила повесть Замятина, действие которой происходит в городе Кустодиеве, а второй раздел был посвящен рисункам художника. На эскизе к акварели «Купчиха в окне» — набросок изображения главной героини повести, Марфы Ивановны. Рисунок поместили на фронтиспис книги — перед первой страницей.
Персидские миниатюры 14-16-го века
Одна из великих традиций миниатюрной живописи на бумаге, это традиция Персии, которая позже распространилась на мусульманскую Индию. Эти сложные изображения, предназначенные для иллюстрации рукописей. Обычно изображают сцены истории или романтики с маленькими фигурами, участвующими в битве или ухаживании в приятно стилизованных пейзажах.
Самые ранние картины такого рода датируются Персией в 14 веке. Монголы в это время господствуют на всем пространстве Азии от Китая до Черного моря. Вероятно, именно влияние китайской пейзажной живописи (и, возможно, даже приход китайских художников) стимулирует персидское искусство развиваться в этом новом направлении.
Город Тебриз, хорошо расположенный на международных торговых путях, является первым центром этой школы живописи. Сцены из персидской легенды и истории изображены в энергично хаотичном стиле, переполненном движением и цветом. Шахнаме — это любимый источник.
Ближе к концу XIV века, в 1392 году, Тебриз был взят завоевателем столь же свирепым и грозным, как монголы — Тимуром или Тамерланом. Но Тимур не враждебен искусству (одна из его страстей — украшать свою столицу Самарканд). И его потомки, известные как Тимуриды, оказываются восторженными покровителями каллиграфии и миниатюрной живописи.
В течение 15-го века Герат, а не Тебриз, становится центром персидской живописи при сыне Тимура, Шахрухе. Сын Шахруха, Байсункар Мирза, основывает библиотеку и академию. Где сорок каллиграфов и художников работают над созданием иллюстрированных рукописей.
Стиль Герата постепенно становится скучным и условным. Но в конце 15-го века академию сотрясает новая жизнь ее руководитель, Камаль-уд-Дин Бихзад, ныне считающийся величайшим художником в персидской традиции.
Бихзад вводит новую анимацию в фигуры сцены, делая их более реалистичными и в то же время, устанавливая их в более унифицированную композицию линии, пространства и цвета. Его пример, и творчество его последователей определяют стиль искусства могущественной новой Персидской империи XVI века — династии Сефевидов.
Тем временем ученики Бихзада переносят свою традицию на плодородные новые территории. Два из них были использованы в середине 16-го века для обучения живописи художников в Северной Индии, регионе, завоеванном потомками Тимура. Здесь появляются художники, которые вскоре соперничают со старой персидской традицией. Эти талантливые люди находятся в мастерских могольских императоров.
Михаил Соколов. «Дама»
Михаил Соколов. Дама. 1940-е. Частное собрание, Москва
В 1932 году было принято постановление, согласно которому главенствующим и, по сути, единственным разрешенным стилем в живописи стал соцреализм. Участники всех творческих объединений, кроме официальной АХРР (Ассоциации художников революционной России), а также Московского и Ленинградского областного союзов художников, оказались вне закона. Среди них был, например, художник Михаил Соколов, выпускник Строгановского училища.
Благодаря тому, что какие-то олухи причислили его к формалистам, человек живет в невероятных условиях, голодает — одним словом, бедствует, пожалуй, так, как бедствовать у нас сейчас приходится немногим. А художник воистину замечательный, впитавший в себя все благородные традиции французских мастеров последнего столетия, он все-таки с очень яркой своей физиономией создал шедевры, которые будут в состоянии выдержать соседство любого импрессиониста. Из письма скульптора Сергея Орлова, 1937 год
В 1938 году Соколов, как и многие другие, был арестован и отправлен в исправительно-трудовой лагерь на станции Тайга. Несмотря на то что формально запрета на рисование в лагерях не было, найденные при обыске рисунки изымали. Формат миниатюры стал для Соколова единственным способом продолжать работать. Рисунки размером с этикетку спичечного коробка художник делал подручными материалами, например сажей, и вкладывал в письма домой — так ему удалось сохранить часть работ.
«Мне кажется, я овладел тайной вложить в квадратный вершок, что другие в метрах. И в маленьком это даже сжатее — яснее выражено чувство и дыхание жизни», — писал художник уже после освобождения из лагеря.
«Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала куратора выставки «Маленькое» искусство» Марию Гадас.
Хочешь стать одним из более 100 000 пользователей, кто регулярно использует kiozk для получения новых знаний?Не упусти главного с нашим telegram-каналом: https://kiozk.ru/s/voyrl
Миниатюры на эмали
Изобретение во Франции в середине XVI века металлических красок, способных выдержать высокую температуру, положило начало распространению миниатюры на эмали. В собрании музеев Кремля такая миниатюра представлена в основном в работах русских художников XVIII—XIX веков, ранние образцы относятся к петровскому времени.
Начало миниатюры в России специалисты связывают с инициативой Петра I. За время своего путешествия в Англию в 1698 году он познакомился с известным английским миниатюристом Ш. Буатом и поручил ему сделать несколько своих портретов с оригинала Г. Кнеллера. Эти изображения Петра I положили начало развитию эмалевого портретного искусства в России. Первыми известными в России миниатюристами-эмальерами были живописцы Оружейной палаты, а впоследствии Мануфактур-коллегии в Петербурге А. Г. Овсов и Г. С. Мусикийский. Их произведения представляют большой интерес как из-за высокого мастерства исполнения, так и из-за особых приемов, методов работы.
Цветовая гамма портретов Мусикийского — звонкая, несколько пестрая, с преобладанием красного, голубого, малинового и изумрудного тонов, — несомненно, восходит к традициям русского эмальерного искусства XVII века, достигшего своего блестящего расцвета в изделиях знаменитых эмальеров Сольвычегодска. Его произведениям присуща ярко выраженная реалистическая трактовка человека петровского времени, столь характерная для русской портретной живописи первой четверти XVIII века.
Г.Мусикийский. Портрет Петра Первого. Россия. Начало XVIII века. Эмаль
На портрете работы Г. С. Мусикийского Петр I предстает молодым человеком в доспехе и подбитой горностаем красной мантии, скрепленной на груди запоной. Уложенные локонами длинные волосы обрамляют смелое одухотворенное лицо. Эта работа является копией с миниатюры Ш. Буата, но с иным цветовым и композиционным решением. Виртуозный миниатюрист сумел на небольшом пространстве не только воспроизвести все детали костюма, но и передать тончайшие красочные оттенки.
Эмалевая миниатюра «в малом виде» воспроизводила живописные произведения, главным образом парадные или интимные портреты. Миниатюристы, изображавшие Екатерину II, очень часто обращались к ее портрету в дорожном костюме, написанному художником М. Шибановым. Одна из работ на этот сюжет миниатюристки Л. Куглер представлена в собрании музеев Кремля.
Л.Куглер. Портрет Екатерины II в дорожном костюме. Россия. XVIII век. Эмаль
Параллельно с развитием станковой миниатюры на эмали с середины XVIII века развивается миниатюра, имеющая декоративный характер и предназначенная для украшения различных предметов прикладного искусства. Частые парадные приемы, балы, изощренность в украшении одежды, придворный этикет требовали большого количества ювелирных изделий, в декоре которых миниатюра на эмали занимала одно из главных мест. В 1759 году на петербургском Императорском фарфоровом заводе была выполнена партия табакерок, роспись которых посвящена победе русской армии при Кунерсдорфе 1 августа 1759 года. Главное художественное достоинство табакерок — композиционная связь портретного изображения с остальными элементами украшения.
Одним из крупных художников, работавших в области эмали на рубеже XVIII — XIX веков, был Д. И. Евреинов (1742 — 1814), многоплановый, обладавший поразительным чувством цвета и гармонии тонов художник, безукоризненно владевший всеми тайнами работы по эмали, академик Петербургской Академии художеств, придворный мастер. Работ этого тончайшего миниатюриста сохранилось немного. Одна из них находится в собрании музеев Московского Кремля и поражает высоким техническим исполнением: приемом написания волос, лица, отдельных деталей костюма. Художник работал небольшими мазками и выпуклыми плотными точками разноцветной эмали с широким использованием белой краски.
Палех
В 1924 году в старинном ивановском селе Палех семь бывших художников-иконописцев организовали «Палехскую артель древней живописи», дав начало современному Палеху. В создании новой живописи Палех исходил из старой художественной традиции, сложившейся к XVIII веку. В основании системы декора, тесно связанного в единое целое с формой, очень помогало палешанам присущее им народное чувство материала. Быстрому успеху Палеха способствовали свобода и радость творчества, когда каждый художник получал возможность воплощения своего замысла, раскрытия особенностей своего таланта.
Постепенно был создан своеобразный художественный язык Палеха, где действительность причудливо соединяется с фантастикой; увиденные художником в натуре зеленые луга, хлебные нивы, иссиня-черные ручьи и реки изображаются с особой пластичностью, уживаются рядом с фантастическими травами, сказочными птицами, зверями, диковинными палатами. Эта иносказательность, близкая мышлению крестьянских художников, расписавших предметы народного быта, стала одной из своеобразных черт палехской миниатюры.
Одним из основателей и создателей стиля Палеха был И. И. Голиков — выдающийся художник (1886-1937). Его по праву называют вождем Палеха. Произведения И. И. Голикова пронизаны страстным чувством жизни, бурным движением, эмоциональным напряжением. Одна из работ Голикова изображает выступление Степана Разина перед голытьбой. Страстность революционной идеи, неудержимое стремительное действо выражено у Голикова не только острой композицией, динамикой поз, но и колоритом, сильными, звучными красками, контрастным соотношением цветов. Красный, полыхающий цвет рубахи Разина, яркое соцветие одежд людей, стоящих вокруг, приобретают живописную декоративность, отражающую образ символического значения.
Фольклорность образов, песенная напевность и мягкая лиричность отличают многие произведения палехской миниатюры. Плавные текучие линии, пластичные образы, нежная певучая гармония красок свойственны работам лучших художников-палешан И. Маркичева, А. Котухина, А. Дыдыкина, И. Вакурова, И. Зубкова.
Мотивы творчества палешан созвучны современности: в них нашли отражение излюбленные сюжеты крестьянского труда, тема коллективизации деревни, социалистического строительства, иллюстрации к произведениям русской и советской литературы: А.С. Пушкина, М.Ю. Лермонтова, А.А. Фадеева, А.М. Горькова. Связь с литературным текстом, с русской народной сказкой, былиной, песней, обращение к темам далекой и славной истории нашей Родины помогают палехским миниатюристам создавать образы глубокого содержания, проникнутые большим жизненным чувством. Современные палехские художники обогащают творческое наследие своего знаменитого промысла, решая новые художественные задачи.
Илья Репин. «Парижское кафе»
Илья Репин. Парижское кафе. 1870-е. Частное собрание, Санкт-Петербург
В апреле 1873 года Илья Репин, имевший право на заграничную поездку как пенсионер Академии художеств, отправился в путешествие по Европе. Он побывал в Вене, Венеции, Риме и Неаполе, а в ноябре приехал в Париж, откуда писал художнику Ивану Крамскому: «Я, преодолев трусость, остался в Париже на целый год, взял мастерскую на Rue Véron, 13 — квартира, а 31 — мастерская». На следующий год в ателье Надара прошла первая выставка импрессионистов. Под впечатлением от экспозиции и в целом от французского образа жизни Репин начал писать картину «Парижское кафе».
Перед тем как начать работу над полотном размером 1,7 на 2,7 метра, живописец создал множество этюдов для каждого из героев. Их он писал с натуры, но денег на оплату натурщиков у художника было немного, поэтому работу часто приходилось приостанавливать. Персонажами картины стали люди, хорошо известные парижской богеме: певица Анна Жюдик, художник Жан-Леон Жером, поэт Катюль Мендес, художник и натурщик Эмиль Бело, который до этого позировал Эдуарду Мане, и другие.
Репин рискнул показать картину на выставке парижского Салона в 1875 году. У художника не было необходимых связей, чтобы повесить полотно на выгодное место, поэтому оно просто затерялось среди тысяч других работ. На третий день картиной заинтересовался вице-консул из США, но сделка сорвалась: Репин счел, что «так дешево» он продаст ее и в России.
Валентин Серов. «Северная Двина»
Валентин Серов. Северная Двина (фрагмент). 1894. Ивановский областной художественный музей, Иваново
В 1890-х годах меценат Савва Мамонтов занимался строительством железной дороги в Архангельской области и предложил своим друзьям — художникам Валентину Серову и Константину Коровину — отправиться в путешествие на Север.
Мы вас приговорили в Сибирь, в ссылку. Вот что: в Нижнем будет Всероссийская выставка, мы решили сделать проект павильона «Крайний Север», и вы должны поехать на Мурман. Вот и Серов хочет поехать с вами. Покуда Архангельская дорога еще строится, поедете от Вологды по Сухоне, Северной Двине, а там на пароходе «Ломоносов» по Ледовитому океану. Из письма Саввы Мамонтова Константину Коровину
Художники поехали в двухмесячный вояж, из которого привезли множество этюдов. Не обошлось и без приключений. В Белом море Серова настигла морская болезнь, друзья чуть не заблудились в таежном лесу и познали все трудности работы в полевых условиях.
«Серов и я увидели, что днем писать с натуры нельзя, — вспоминал Коровин, — мешают мириады всевозможной мошкары, комаров и слепней. Лезут в глаза, в уши, в рот и просто едят поедом. Намазались гвоздичным маслом — ничуть не помогало. Мошкара темными облаками гонялась не только за нами, но и за паровозиком времянки», — вспоминал Коровин.
Они посетили Ярославль и Вологду, потом по рекам Сухоне и Северной Двине добрались до Архангельска и Мурманска, затем отправились на Новую Землю и в Северную Норвегию, побывали в Стокгольме и Гельсингфорсе (сейчас Хельсинки).
Заметки
- Николь Garnier-Pelle: главный хранитель наследия, архивариус-палеографа, бывший студент де Шартр École и Эколь дю Лувр , бывший житель Académie де Франс в Риме ( Вилла Медичи ), специалист в области живописи в XVII — м , XVIII — го и XVIII — го века, он несет ответственность за музей Конде в Шантильи с 1992 года она опубликовала между каталогами картин 1995 и 1997 XVIII — го , XIX — го и XX — го веков Chantilly и каталоги временных выставок.
- Миниатюра — это объект, который предлагается иногда разным персонажам. Очевидно, что испытуемый не позирует для каждого экземпляра. Для достижения каждого из них миниатюрист может работать по памяти (редко) или «копировать» другой портрет (картина на холсте или другая существующая миниатюра). Иногда объект позирует только лицу, и художник затем «одевает» человека.
- Существует несколько версий портрета Дидье Эразма Роттердамского (1466 / 1469-1536), выполненного в 1523 году по картине Ганса Гольбейна Младшего . Один хранится в Музее Конде в Шантильи , другой — в Музее изящных искусств в Базеле , два других — в коллекциях Оранж-Нассау (Schaffers-Bodenhausen and Tiethoff-Spliethoff, 1993, стр. 475 и 691).
- ↑ и Паппе Бернд, Миниатюра из слоновой кости: техники исполнения и проблемы сохранения . Бернд Паппе — реставратор HES ( Университет прикладных наук ), историк магистра искусств (магистр искусств), автор нескольких статей о методах реставрации миниатюр на слоновой кости, в частности о мастерских Исабей и Августина. . Он отвечает за реставрацию миниатюр Лувра . Участвовал в написании нескольких книг, посвященных технике миниатюр из слоновой кости.
- Доктор искусствоведения. В 2004 году в Сорбонне она защитила диссертацию о Ван Бларенберге, династии художников-миниатюр.
Василий Поленов. «К.А. Коровин в лодке»
Василий Поленов. К.А. Коровин в лодке. 1888. Собрание Алексея Жилина, Москва
Василий Поленов был преподавателем Константина Коровина в Академии живописи, ваяния и зодчества. Он сразу разглядел в ученике талантливого колориста, оценил его работу с цветом. И вскоре даже обратился к нему за помощью: «Я мешаю краски несколько приторно и условно. Прошу тебя — помоги мне отстать от этого». Художники быстро стали близкими друзьями. Коровин часто гостил у Поленова в подмосковной деревне Жуковке на реке Клязьме. В один из таких приездов Поленов написал небольшой этюд «К.А. Коровин в лодке». А в 1888 году Коровин воспользовался этим этюдом для работы над собственной картиной «В лодке». Это живописное полотно практически полностью повторяет этюд, за исключением дописанной женской фигуры. Для нее позировала Вера Якунчикова — сестра художницы Марии Якунчиковой, которая, в свою очередь, приходилась Поленову свояченицей (сестрой жены).
Коровин и Поленов оставались близкими друзьями на протяжении всей жизни.
Три года назад я получил письмо здесь, в Париже, что умер Василий Дмитриевич Поленов. Письмо было от его жены, Наталии Васильевны. Она трогательно написала мне, что Василий Дмитриевич, умирая от старости, был в полном сознании. «За два дня до смерти он сказал мне, — писала жена, — достань мне этюд Константина, речку в Жуковке И повесь здесь, передо мной на стене. Я буду смотреть. А если умру, напиши ему в Париж поклон, скажи, что увидимся, может быть, опять на этой речке… Из воспоминаний Константина Коровина
История европейской портретной миниатюры
Миниатюрный автопортрет Жана Фуке , ранее присутствовавший на диптихе Мелена
Портрет Генриетты Английской работы Жана Петито , эмаль
Слово миниатюра происходит от латинского miniare, что означает писать минимум . Это искусство получило свое название от миния , оксида свинца, используемого в качестве оранжево-красного пигмента для начертания букв на освещенных рукописях. В средних веках , то каллиграф , который использовал этот оксид был назван miniator , на латыни. Когда эта практика развивалась с использованием золота и серебра в пигментах, это искусство превратилось в искусство освещения . Miniator становится осветитель.
Первые самостоятельные миниатюры книг появились около 1520 года. Пергамент , традиционный материал для освещения, уступил место пергаменту . Учитывая тонкость кожи, ее необходимо растянуть на пластине из меди или дерева или даже наклеить на прочный картон. Размер эскиза теперь ограничен только размером скина. В Версальском дворце хранится миниатюра размером 93 × 60 см, созданная Луи-Николасом Ван Бларенбергом , художником сражений при Людовике XIV .
XVII — го века увидел появление новых средств массовой информации и новых технологий . В то время миниатюристы использовали не только «водяные» краски ( акварель , гуашь ), но и «масляные» краски, уже не только на пергаменте, но и на листовой меди , фарфоре , золоте, бумаге , даже камне или даже сланце . Исключительно миниатюры, написанные акварелью и гуашью на стекле или мраморе.
Лист из слоновой кости вошел в историю миниатюрной живописи только примерно в 1700 году . Его использование было введено венецианкой Розальбой Каррьера (1673-1757), известной своими парообразными пастелями . Качество новой среды быстро оценили в нескольких европейских странах (Англия, Нидерланды, Германия). Светлые тона используют прозрачность акварели, чтобы подчеркнуть белизну эбернской среды . Французские миниатюристы продолжали предпочитать ему пергамент до прибытия во Францию Пьера Адольфа Холла (1739-1793), миниатюриста шведского происхождения, который поселился в Париже в 1766 году и произвел революцию в искусстве миниатюры во Франции. Благодаря систематическому использованию слоновой кости . Это новое производство преобладает средний покойной восемнадцатом е и все XIX — го века .
В 1810 году Жан-Батист Исабей (1767-1855) ввел использование бумажной подставки. Причина проста: картина на бумаге выполняется намного быстрее, чем на слоновой кости. Бумагу прикладывают к металлу, стараясь изолировать его слоем масляной краски для предотвращения коррозии.
До фотографии миниатюра представляет собой единственный способ выделить лицо на расстоянии. Используя выражение Николь-Гарнье Пелле, «миниатюра интимным объектом»: она обменивается в браках по договоренности между женихами, которые никогда не видели друг друга; предлагается между разлученными родителями; она вспоминает ребенка, который умер слишком рано. Его может даже использовать полиция для распространения отчета (это может быть миниатюра, которую полиция Фуше использовала для идентификации и ареста Кадудала ).
Поэтому миниатюристы пользовались большим спросом и обладали большим талантом. Один из них, Изаб , ученик Давида , был мастером церемонии в коронации от Наполеона .
Изобретенный в 1839 году дагерротип , предок фотографии , является грозным конкурентом, который иногда скрывается под лаком или краской, чтобы придать ему более традиционный вид. Это соревнование в конечном итоге приводит к фактическому исчезновению миниатюры из слоновой кости. Есть еще несколько американских художников в XX — м веке: Lucy мая Stanton (еп) (1875-1931), Eulabee Ten (1878-1961), Eda Nemoede Кастертон (1877-1969).
Виды миниатюрной живописи
Если рассматривать в общем, то все картины, имеющие маленький размер относятся к миниатюрам. Но и в этой области есть несколько видов, использующихся при классификации.
Так нарисованные маленькие картины, оформляющие книги тоже относятся к миниатюре. Данное утверждение не относится к оформлению при помощи компьютерной техники.
Крохотные портреты, выполненные кистью художника, смело можно отнести к данному жанру. Если раньше изображения человека вставляли в кулоны, то в настоящее время такая необходимость отпала.
Еще одна разновидность миниатюр — это создание копий картин великих художников в значительном уменьшении. Теперь великое полотно можно держать на ладони и рассматривать его через стекло увеличения.
Ну и знаменитая лаковая миниатюра. При упоминании данного направления стоит вспомнить Федоскинскую и Палехскую миниатюры. Выпуском изделий с расписной поверхностью занимаются местные предприятия. Они ведут свою историю с царских времен. И если в прежние времена основой деятельности было изображение церковной жизни, то сейчас это бытовые сцены.
С развитием технологического прогресса развиваются техники использования поверхностей и создания материалов для написания художественных работ.
Мастера русской миниатюры использую классические приемы создания поверхностей из папье-маше. Это предметы бытового использования и украшения интерьера.
В качестве основного тона используется черный цвет. А по нему наносится изображения красными красками и золотом. Сюжеты миниатюр могут быть различными. Здесь присутствуют сказочные герои, бытовые сцены, достижения страны за текущий период. Но неизменным остается высокое качество исполнения, художественный вкус и мастерство. Любое изделие с миниатюрами красиво как в естественном рассмотрении, так и при увеличении.
История развития миниатюры
Возникновение изображений малых форм возникло в период античности. Но плохо сохранившиеся артефакты не дают в полной мере представить данный вид творчества.
Свое развитие миниатюра получила в средние века при создании книг. Вначале это были замысловато выписанные заглавные буквы. А позднее в книгах появились иллюстрации к описываемым событиям.
Несколько позднее распространение получают маленькие портреты представителей власти и высшего общества. Несколько позднее распространение получают изображения батальных, бытовых, церемониальных и праздничных сцен.
В 14-15 веках постепенно главенствующая роль в изображении библейских сюжетов сводится к минимуму. В эти века на первые позиции выдвигаются сцены жизни царственных персон и их ближайшего окружения.
С приходом эпохи возрождения популярность получает портретная миниатюра. При этом портреты обрамлялись богатыми рамками из кости, эмали и фарфора.
На востоке сформировалось свое направление миниатюрной живописи. Специалисты определяют несколько ведущих школ, отличающихся друг от друга манерой письма и основными сюжетами.
С развитием данного жанра в живописи сформировались основные требования, предъявляемые к работам малых форм. Миниатюра не должна по качеству выполняемой работы уступать крупным произведениям. Работая в таком формате, используются мелкие мазки и при увеличении все написанное должно составлять единое целое.
Холуй
Холуйская лаковая миниатюра зародилась в селе Холуй Ивановской области. Миниатюры исполняют на папье-маше с использованием специальных темперных красок.
Темпера была основным материалом для самостоятельной живописи еще 5-7 веков назад, а история использования этих красок насчитывает более трех тысяч лет. Например, темперными красками были выполнены росписи саркофагов египетских фараонов, так же их широко использовали византийские художники и русские мастера (вплоть до конца XVII века). Темпера используется и в монументальной живописи, т.к. она водостойкая, а многообразие приемов и фактурность позволяют мастерам работать в различных техниках, будь то письмо тонким слоем или густое пастозное письмо.
Темпера присутствует в традиционной технике иконописи. Ее наносят по левкасу (грунт с добавлением льняного масла) на деревянную основу. Холуйские мастера (так же, как и мастера из Мстеры и Палеха) основывают свое творчество на технике древнерусских иконописцев. По мнению искусствоведов, первыми иконописцами в Холуе были монахи Троицкого монастыря, принадлежавшего Троице-Сергиевой лавре. Они обучали местных жителей, и к концу XVII века Холуй стал носителем традиций иконописи лавры СергиевогоПасада.
Главное отличие холуйских мастеров от их соседей из Мстеры и Палеха в том, что они обучались мастерству на покрытых лаком и окрашенных в черный цвет листах картона. Данное решение предложил искусствовед А.В. Бакушинский для экономии материалов, чтобы не портить предметы, планируемые для росписи.
В 1861 году в Холуе было открыто первое во Владимирской губернии художественное училище. Затем в 1882 году появились рисовальные классы, которые были преобразованы в иконописно-рисовальную школу. А в 1901 году появились иконописные мастерские.
После революции Холуйские мастерские были закрыты, и людям приходилось заниматься делами, далекими от художества. Но вопреки тому, в 1934 году, по примеру своих соседей, холуйские мастера объединились в артель и стали искать свой собственный стиль в лаковой миниатюре.
В 1959 году был создан Музей Холуйского искусства, сейчас он имеет статус Государственного музея.
С 1961 г. холуйская миниатюрная живопись стремительно развивалась. Она вышла на международный рынок. Первые заказы на лаковые миниатюры были из Лондона, затем из Германии, Франции, США, Бельгии и Италии.
Помимо миниатюр, мастера начинают изготавливать декоративные лаковые панно. Тиражи лаковых изделий насчитывают более 700 штук. Помимо традиционного черного фона, в работах все чаще начинают использовать насыщенный красный, зеленый и вишневый цвет. Сюжеты разнообразны: русский фольклор, былинные и сказочные мотивы, исторические, литературные, пейзажные песенные, сатирические и многие другие сюжеты, образы деятелей русской культуры. У каждого мастера есть индивидуальные отличия, своя манера исполнения сюжета. При этом сохранено единство стиля, а Холуй обрел статус мирового центра лаковой миниатюрной живописи.
В 1989 году образовалось Холуйское художественное училище миниатюрной живописи, которое и сейчас готовит мастеров для народных художественных промыслов.
В наши дни так же существует Холуйская художественная фабрика лаковой миниатюры, где на сегодняшний день трудится около 200 человек. Стиль и традиции тщательно сохраняются и контролируются художественным советом.