Интересные факты о картине Пабло Пикассо «Девочка на шаре» » Tribuna Club
В молодости, после окончания художественной академии в Мадриде, Пикассо отправился во Францию, где и остался впоследствии жить. В Париже, молодой художник, благодаря своему увлечению цирком, попал в среду цирковых артистов, с которыми близко сдружился. Наблюдая за их специфическим бытом, Пикассоо быстро вдохновился на создание картин.
Одной из первых картин на цирковую тематику была «Семья акробатов». На ней впервые появилась фигура подростка, балансирующего на шаре. Существует мнение, что идею изобразить мальчика на шаре Пикассо позаимствовал у немецкого скульптура Йоханнеса Гётце, которую тот создал в 1888 году. Возможно.В процессе многократного перерисовывания «Семьи акробата», Пикассо в конце-концов решил разделить эту картину на две отдельные. «Семья акробата» в финальном варианте осталась без мальчика на шаре, зато добавился бабуин
Мальчик же превратился в девочку и стал центральной темой другой картины — «Девочка на шаре».На что же стоит обратить внимание, рассматривая эту замечательную и известную картину? Назовём наиболее интересные моменты
1. Поза девочкиНесмотря на то, что фигура девочки изгибается в поиске баланса, а руки изящно и логично подняты вверх, не трудно заметить, что в целом, стоя на той части шара, на которой она стоит, удержать равновесие практически невозможно и никакая акробатическая выправка в этом не поможет. Из этого можно заключить, что в процессе создания картины, Пикассо никто не позировал.
2. ШарПо мнению ряда искусствоведов, в шаре заключается один из вложенных символизмов этой картины. Женщина -фортуна, стоящая на шаре или колесе, символизирует своё непостоянство, неустойчивость и капризность.
3. Фигура мужчины-акробатаВ фигуре атлета специалисты разглядели зарождение идей «кубизма» у Пикассо. Пикассо, как известно, считается одним из основателей этого авангардистского направления живописи прошлого века. И действительно, черты фигуры мужчины нарочито выпуклые, туловище приобретает правильные геометрические формы, что в целом выглядит немного даже не естественно.
4. Розовый цвет на картинеВ начале своего творческого пути, Пикассо, как сказано выше, часто бывал в цирке. Освещение парижской цирковой арены имело розоватый оттенок, поэтому у художника выстроилась стойкая ассоциация между розовым цветом и всем, что связано с цирковой тематикой. Розовый цвет доминирует на всех картинах Пикассо, посвящённых цирку или цирковым артистам.
5. Задний план картиныЕсли попробовать угадать место, к которому относится сюжет картины, то это скорее Испания, чем Франция. Для Испании в большей степени характерен каменисто-холмистый ландшафт с небогатой растительностью. Кроме того, на заднем плане видна лошадь, которую использовали бродячие артисты для переездов на новое место и в своих цирковых номерах. Видеть бродячих артистов Пикассо мог в юношестве, когда ещё жил в Испании.
6. ЦветокНа голове девочки виден цветок. Пикассо изобразил его нечётким, как бы растворяющимся на общем фоне — в этом также можно прочитать символизм, который говорит нам о том, что красота мимолётна, ранима и не вечна. Есть ещё одна версия: Пикассо нарисовал цветок, чтобы на интуитивном уровне показать зрителю точку вхождения оси равновесия, что бы девочка воспринималась как более устойчивый объект.
7. ГеометрияИ всё таки, основной символизм на картине просматривается в противопоставлении геометрических фигур — устойчивого куба, на котором сидит фактурный атлет, и шара — на котором балансирует хрупкая девочка. В дальнейшем, эти, а также другие геометрические фигуры станут неотъемлемой частью творчества Пикассо. Основой новаторского направления в живописи — кубизме.
Войти на сайт
Картину «Старый гитарист» Пабло Пикассо написал в 1903 году после самоубийства своего близкого друга. Этот период в творчестве художника принято называть «голубым». В это время Пикассо с особым трепетом относится к судьбе униженных, пишет много полотен, изображающих страдания бедных, больных, и тех, кого изгнали из общества. «Старый гитарист» при кажущейся простоте и незатейловости сюжета хранит множество секретов.
1. Пикассо передал картиной свое душевное состояние
«Старый гитарист», Пабло Пикассо. Есть мнение, что именно такое положение картины правильное.
В 1902 году, когда Пикассо было 22 года, он впал в депрессию, что и отразилось на многих других картинах так называемого «голубого периода». Это видно по монохроматичности и отсутствии объема на данных полотнах. Подобная безысходность, которой веет от картины, неудивительна: в то время художник жил в нищете.
2. Картина больше, чем считают многие люди
Пабло Пикассо.
Из-за искаженной перспективы обычно все считают, что «Старый гитарист» — очень небольшое полотно. На самом деле, его размеры — 123 x 83 см.
3. Человек на картине слепой
Слепые видят что-то за пределами этого мира.
Закрытые глаза, отрешенность от всего мира и только инструмент в руках имеет значение. «Старый Гитарист» стал одним из символов в литературе, который часто используется для того, чтобы передать то, как слепые видят что-то «за пределами этого мира».
4. Человеческие страдания – основная тема «голубого периода»
Селестина,1903 г.
Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Особо его интересовала тема слепоты, а слепых людей можно найти в ряде его произведений. На «Скромной трапезе» (1904) изображены слепой мужчина и зрячая женщина, которые сидят перед практически пустым стволом. Похожая ситуация изображена на «Завтраке слепого» (1903). Наконец, на портрете «Селестина» (1903) нарисована женщина с бельмом на одном глазу.
5. Частично эту картину можно считать автопортретом
Гитарист находит утешение среди однообразия окружающего мира в гитаре.
Единственным элементом «Старого гитариста» не синего цвета является гитара. Гитарист якобы находит утешение среди однообразия окружающего мира в своем инструменте. Точно так же и Пикассо рассматривал возможность вторить, как единственное светлое пятно даже в самые плохие времена.
6. Композиция «Старого гитариста» намекает на творчество Эль Греко
Конечности преувеличенно удлиненны — дань творчеству Эль Греко.
Как и все картины голубого периода, это полотно непосредственно связано с художником Эль Греко. Пикассо был большим поклонником этого художника, несмотря на то, что на то время в фаворе были другие художники эпохи Возрождения. Искусствоведы предполагают, что Пикассо специально выбрал странную угловатую позу гитариста, а также изобразил его конечности преувеличенно удлиненными. Якобы это было сделано в качестве дани таланту Эль Греко.
7. Картина, возможно, послужила вдохновением для стихов
Американский модернист Уоллес Стивенс.
Через три года после того, как «Старый гитарист» был выставлен в художественном музее Уодсворт Атенеум в Хартфорде, штат Коннектикут, американский модернист Уоллес Стивенс опубликовал стихотворение «Человек с голубой гитарой». Несмотря на, казалось бы, очевидную связь между живописью и поэмой, Стивенс отрицает какую-либо причастность к работе Пикассо.
8. На картине есть скрытая женщина
За ухом гитариста едва заметные лоб и глаза.
Если внимательно присмотреться, то можно разглядеть за ухом гитариста едва заметные лоб и глаза. Ученые художественного музея при Институте Искусств Чикаго, где хранится картина, просветили картину с помощью инфракрасного излучения и рентгена. Они обнаружили, что под слоем краски скрывается недописанное изображение обнаженной молодой женщины, которая кормит грудью ребенка, а также изображения теленка и коровы.
9. «Старый гитарист» — самое знаковое произведение голубого периода Пикассо
Старый гитарист — кубизм.
В течение 1900-1904 годов Пикассо написал довольно много картин, в которых преобладали оттенки синего и голубого цветов. Но ни одна из них не стала столь популярна, как «Старый гитарист».
10. Институт Искусств Чикаго вошел в историю благодаря этой картине
Институт искусств Чикаго.
Институт искусств Чикаго приобрел картину в 1926 году. «Старый гитарист» стал первой картиной Пикассо, которая была приобретена американским музеем, а также первой картиной Пикассо, которую любой музей мира приобрел для своей постоянной коллекции.
ДЕВОЧКА НА ШАРЕ
Андрей Россохин:Фактически, это маленькая Лолита, которая ищет любви отца — атлет может быть и ее старшим братом, но это неважно, в любом случае перед нами зрелый мужчина, отцовская фигура. Она чувствует, что не нужна матери, и в поисках любви обращается к ближайшей мужской фигуре. Как и подобает истерику, она соблазняет, играет, увлекает и не может успокоиться, обрести устойчивость
Она балансирует между матерью и отцом, между желанием и запретом, между детской и взрослой сексуальностью. И этот баланс очень важен. Любое неверное движение может привести к падению и к травме, которая нарушит ее развитие
Как и подобает истерику, она соблазняет, играет, увлекает и не может успокоиться, обрести устойчивость. Она балансирует между матерью и отцом, между желанием и запретом, между детской и взрослой сексуальностью. И этот баланс очень важен. Любое неверное движение может привести к падению и к травме, которая нарушит ее развитие.
«Розовый» период
Каждое произведение великого художника имеет свою историю. Эта картина не является исключением. Молодой Пабло Пикассо, обосновываясь в начале прошлого века в Париже, постигал мир богемы. В его бедной художественной мастерской зимой даже вода замерзала — так бывало холодно. А на Монмартре часто отключали электричество. Но зато на дверях мастерской красовалась надпись «Место встречи поэтов», радующая глаз. Мир богемы, отвергаемый обывателями, прочно входит в жизнь Пабло Пикассо. А тема родства и общечеловеческих отношений — в в тот период
Главные персонажи, герои картин — странствующие циркачи, комедианты, артисты и балерины, которые, вопреки общественному вкусу, приковывали к себе внимание молодого таланта, вызывали в нем неподдельное участие и интерес
Описание картины Пабло Пикассо “Девочка на шаре”
Пабло Пикассо, 1905 год, картина «Девочка на шаре», Фото: content.choiz.me
| Название | Девочка на шаре |
| Страна, художник | Испания, Пабло Пикассо |
| Год | 1905 |
| Жанр | Жанровая сцена |
| Находится | Пушкинский музей, Москва |
| Материалы | Холст, масло |
После «голубого» периода Пабло Пикассо, в котором он запечатлевал нищенскую тему, одиночество и отчаяние, используя мрачные голубые оттенки, наступает «розовый» период, радовавший как жизнерадостными красками, так и приятными темами: клоуны, арлекины и карнавальные артисты. Интуиция, лежащая в основе данного периода, преобладала в большей степени, чем конкретное наблюдение. Стилистические эксперименты живописца с обдуманным упрощением картины стали частью «розового» периода.
Данная картина – это синтез первого и второго цветного этапа творчества художника. Здесь и совмещение неуловимой тревожности «голубого» периода, и легкая умиротворенность «розового», словно прошлое и будущее столкнулись в одном месте. На картине мы видим бродячую группу, которую составляют акробаты. Большую часть пространства занимает две фигуры. Хрупкую гимнастку в тесной одежде мы застаем за репетицией циркового номера, балансирующую на шаре, словно ею продолженном. Неустойчивая поза девочки походит больше на одну из игр.
Сильный спортсмен, сидящий недалеко, отдыхает. Его монументальность поражает своим размахом. Картина полна внутреннего драматизма, лежащего в композиционной основе. Также она строится на контрастах. Унылая природа, наводящая тоску, выжженная холмистая равнина с проселочной дорогой, на которой приостановились бродячие артисты. Задний план полотна показывает случайную прохожую с дитем, собаку и пасущуюся белую лошадь. На картине явен контраст унылого фона с задорной профессией циркачей, зрителями которых становится шумная веселая толпа.
Куб и шар являются противоположностями: одно выражает движение, другое – неподвижность. Ребенок с присущей ей грацией раскачивается, стараясь удержать баланс, мужчина сидит, как камень. Он будто врос в постамент, являясь олицетворением постоянства и неподвижности. Цвет подчеркивает незримый контакт между большим человеком и крошечной на его фоне ребенком.
Живописец показывает свою заинтересованность эмоциональным состоянием героев: они оба погружены в свой внутренний мир, природа только усиливает это ощущение. Девочка является воплощением мечты Пикассо о лирики жизни и напоминанием о быстротечности красоты, а сила спортсмена спасает ее от безжалостности этого мира. Идеальная гармония баланса, в котором одно не существует без другого.
Авиньонские девицы
«Авиньонские девицы», написанная в 1907 году картина относится к самым типичным примерам кубизма. Казалось бы, кубизм совершенно не уместен там, где нужно изобразить гибкие женские тела, но Пикассо удается сделать это так, что никакого диссонанса при взгляде на холст не чувствуется. Несмотря на то, что колени, лица, груди девушек изображены угловатыми, мы понимаем, что перед нами – жрицы любви. Прообразом для них стали реальные девушки из публичного дома в квартале Авиньон в Барселоне. Изначально на картине должны были присутствовать еще иные образы, олицетворяющие смерть, но впоследствии художник оставил лишь изображения женщин и фруктов как символ плодовитости. Здесь вызов заключается не в теме, не том, что изображается, а в форме, том, как это изображено.
Работы послевоенного периода (1945 — 1960e)
«Череп, книга и керосиновая лампа» 1946«Франсуаза, Клод и Палома» 1951«Клод (сын Пикассо)» 1948«Палома и Клод» 1950«Палома Пикассо» 1956«Портрет Франсуазы» 1946«Портрет сидящей женщины» 1960«Портрет Сильвет» 1954«Рыцарь, паж и монах» 1951«Женщина с зелеными волосами» 1949«Женщина в кресле» 1948«Палома с целлулоидной рыбой» 1950«Голубь» 1949
В 1961 году именитый художник, которому на тот момент было 80 лет, женился на 34-летней Жаклин Рок. В это время в творчестве Пикассо преобладали портреты Жаклин, которая была с живописцем до самой его смерти 8 апреля 1973 года в городе Мужен (Франция). Великий живописец скончался на 93-ом году жизни, будучи мультимиллионером. О смерти он высказывался так: «Я все время думаю о Смерти. Она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня».
Пабло Пикассо покоится у своего замка Вовенарг. Еще при его жизни, в 1970 году в Барселоне, был открыт Музей Пикассо, куда картины передавал сам художник. Позднее в 1985 году наследники живописца открыли Музей Пикассо в Париже.
Пабло Пикассо «Девочка на шаре». Описание картины
Самая узнаваемая картина художника. На смену щемящему «голубому» периоду приходит «розовый» — жизнерадостный, живой и лирический. Такая разительная метаморфоза в характере творчества Пикассо была вызвана знакомством с зеленоглазой красавицей Фернандой, с которой художника будет связать крепкие, но невечные чувства.
В начале 1900-х Пабло Пикассо увлёкся цирком Медрано. Его манили уличные арлекины, гимнасты и прочий цирковой люд, чья жизнь была свободной, полной специфической романтики. К слову сказать, мастер был не оригинален, многие художники того периода испытывали слабость к цирковому колориту.
Картина изображает тоненькую хрупкую девочку, старательно пытающуюся удержать равновесие, стоя на небольшом шаре. Наблюдающий за успехами девочки, массивный громоздкий силач-атлет поражает мускулистой спиной и мощной фигурой.
Удивительным образом решена композиционная сторона картины – две фигуры уравновешивают картину, демонстрируя невидимую нерушимую связь. Хотя взгляды главных героев полотна не пересекаются, кажется, что существовать в рамках этого сюжета они могут только вместе, они связаны одной судьбой: убери девочку-гимнастку и присутствие силача будет лишено всякого смысла, а убери атлета – девочка в тот же миг потеряет равновесие.
Сюжет картины дополнен ещё некоторыми фигурами, которые можно сразу и не заметить, ввиду яркой трактовки главных персонажей – это пасущаяся лошадь и женщина с детьми и собакой. Эти герои увеличивают глубину фона, расширяя тем самым пространство картины.
Фон картины тоже вызывает у зрителя вопросы, так как цирковые артисты отчего-то изображены не в привычной обстановке, а в декорации бескрайней степи или пустыни. Сложно сказать, отчего именно этот фон был выбран Пикассо, хотя многие исследователи склонны видеть в этом скрытый глубокий смысл.
Гамма картины отличается приятным «лёгким» характером – это розово-голубой колорит с бежевыми оттенками. Основным приёмом воплощения сюжета является тёмная линия.
Вся «конструкция» картины пронизана антонимами – грузный силач и гибкая грациозная девочка, куб и шар, подробный близкий передний план и максимально далёкий задний.
Эту знаменитую работу можно представить и как предвестником кубизма – картина отличается удивительным сочетанием геометрических форм предметов и человеческих фигур.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Девочка на шаре» 1905 г. Холст, масло. 147 x 95 см. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина
Техника, исполнение, приемы
Основным приемом художника все равно остается четкая линия, но в отличие от картин «голубого» периода в творчестве мастера тут уже прослеживается более выраженный объем и реалистичность.
Пустынный желтоватый фон передает атмосферу жизни бродячих артистов за пределами сцены, демонстрирует бедность и скуку, которые окружают этих людей в обычном мире, где нет зрителей и аплодисментов.
Нужно отметить, что любимый голубой цвет автора, который ранее он активно использовал в своих картинах, тут остался только для подчеркивания фигур гимнастки и силача. Другие элементы композиции нарисованы в розово-желтых оттенках.
В молодом возрасте Пикассо отправился жить в Париж, где очень быстро подружился с местными цирковыми артистами, поскольку очень активно интересовался данным видом творчества. Именно поэтому в творчестве художника прослеживается достаточно яркая сюжетная линия, связанная с жизнью бродячих циркачей.
К слову, есть легенда, что идея фигуры акробатки, балансирующей на шаре, была позаимствована художником у известного скульптора Гётце. Правда, у немецкого творца в задумке был мальчик, а у Пикассо на картине тренируется именно девочка.
Изначально фигура задумывалась, как часть общей картины «Семья акробатов», но в итоге работы над проектом девочка на шаре стала самостоятельной идеей.
Пабло Пикассо
покидает родину и поселяется в Париже. Его жизнь становится светлее, более насыщенная яркими красочными образами и «голубой период» его творчества сменяется «розовым».
Картина «Девочка на шаре»
является первым творением и открывает новый цикл образов, созданных величайшим художником современного искусства.
Тема низших слоев общества, изгоев, актеров и циркачей была весьма популярна в изобразительном искусстве с приходом такого направления как натурализм.
Люди и места их обитания изображались откровенно и детально, быт разных верст населения изучался и отображался в искусстве. Произведения были в большей мере весьма пессимистичны.
Вероятно, в цирке и его актерах Пикассо больше всего заинтересовал контраст: яркие представления и жестокий быт после них, богатство цветов и красок и нищета артистов, невероятная популярность представления и любовь публики, граничащая с презрением, как к самым низшим слоям общества.
Одновременно, во время представлений можно было видеть и контрастные номера, в которых участвовали большие страшные животные и легкие воздушные гимнастки, огромные силачи, нелепые клоуны и ужасные карлики. В своей картине «Девочка на шаре» Пабло Пикассо постарался передать именно этот контраст – контраст во всем.
Профессию двух персонажей, что занимают практически все полотно, угадать весьма просто – это артисты цирка. Но они сейчас не дают представление, полное красок и огней.
Вероятно, они путешествуют от одного города к другому и остановились где-то в пустынной местности, где нет ни людей, ни домов, ни растений, ни животных. Лишь вдали прогуливается кто-то из артистов цирка с черной собакой, и белая лошадь пытается найти хоть какую-то растительность.
От такого пейзажа уныло у всех на душе, жизнь представляется весьма тяжелой, полной лишений и нищеты. За блеском и яркостью скрываются тяжелые голодные будни. Но мастерство нужно поддерживать, и артисты постоянно репетируют свои номера.
Огромный силач-атлет отдыхает, присев на куб, а девочка-подросток тренируется. Между этими двумя персонажами существует очень много различий. Он – огромный и могучий, с хорошо развитыми мышцами, она – тонкая и хрупкая, с изящными линиями и великолепной грацией.
Еще один контраст этих артистов цирка в том, что он сидит и отдыхает. Все его мышцы расслаблены и атлет является олицетворением спокойствия и основательности, в то время как поза девочки напряженная.
Она пытается устоять на большом шаре, и каждая клеточка ее тела находится в напряжении. Одновременно, чтобы подчеркнуть разницу между этим двумя полярными людьми, Пабло Пикассо помещает шар и куб.
Цветовая гамма картины также контрастна. Голубой цвет, предпочитаемый Пикассо в предыдущей серии картин, сквозит лишь в одежде девочки и атлета, а основу составляют различные оттенки розового.
Картина Пабло Пикассо «Девочка на шаре»: сюжет
На полотне изображены сидящий взрослый мужчина-акробат и хрупкая девочка, которая грациозно балансирует на шаре. Именно в противопоставлении этих двух фигур, их пластики и массивности, грациозности и силы, многие критики видят изюминку произведения. Тема дружбы, внутренней общности и взаимопомощи также просматривается в работе. Художника привлекает язык контрастов и пластики, способствующий созданию гармонии в композиции картины. Ведь согласитесь, если представить себе на миг только лишь балансирующую девочку, то без молчаливой поддержки сидящего циркача она моментально может потерять равновесие, соскользнув с шара. Согнутая под прямым углом нога мужчины воспринимается образно, как некая опора для хрупкой фигурки девочки.
Все волшебство, пронизывающее произведение великого мастера, основывается и на магии освещения, созвучии цветов, точности мазков. Словно бы у фигур нет чувства скованности, а пространство холста раздвинуто и наполнено воздухом. Одновременно с этим, автор использует и огрубление фактуры живописи, опрощение стиля, проявившееся в более ранние годы.
Несмотря на кажущуюся грубость изображения, произведение несет светлое и нежное настроение, описанное в розовых и голубых тонах, с оттенками пепельного. Эти тона дополнительно создают впечатление романтической реальности жизни.
Сочинение «Девочка на шаре» в деталях
Картина «Девочка на шаре» Пабло Пикассо ярко и неповторимо воплощает мир цирковой атмосферы начала XX века. Созданная в 1905 году, она словно мгновенно переносит зрителя в атмосферу бродячего цирка, наполняя его звуками музыки, шумом толпы и ароматом подсевших сена.
Главные герои полотна, девочка-акробатка и могучий атлет, занимают почти весь холст, словно превращаясь в живые персонажи цирковой площадки. Девочка изящно изогнута, пытаясь сохранить равновесие на шаре, который, кажется, навсегда встал в покорном ожидании ее следующего шага. В то время как ее фигура олицетворяет легкость и грацию, атлет, сидящий рядом, выражает мощь и неподвижность. Его мускулистое тело словно слито с кубическим постаментом, символизируя устойчивость и постоянство в мире перемен.
Задний план картины несет свой смысловой груз, дополняя историю цирковой жизни. Женщина с двумя детьми, собака и белая лошадь создают контраст между радостью выступлений и суровой реальностью жизни бродячих артистов. Изображение выжженной солнцем холмистой равнины, по которой протянулась просёлочная дорога, добавляет в общую картину нотку меланхолии и трудового тяжелого пути цирковой труппы.
Шар и куб, стоящие на земле, становятся цирковым реквизитом, а вместе с тем символизируют противоположности. Девочка покачивается на неустойчивой поверхности, удерживая равновесие, в то время как атлет застывает, словно камень, представляя собой неподвижность. Этот контраст движения и неподвижности придает картины особый художественный налет и эмоциональное напряжение.
Уникальность «Девочки на шаре» также проявляется в использовании символики. Шар, несмотря на свою цирковую принадлежность, становится отсылкой к Фортуне, символизируя неустойчивость судьбы и изменчивость жизни. Цветок, едва различимый на голове девочки, добавляет картины нотку красоты, которая, как и мимолетность, также может быть недолгой.
Таким образом, «Девочка на шаре» оказывается не просто картиной циркового представления, а настоящим художественным произведением, в котором Пабло Пикассо умело сочетает в себе радость и трудности жизни, легкость движения и тяжесть существования, создавая удивительный портрет цирковой атмосферы начала XX века.
Работы «голубого» периода (1901-1904)
«Завтрак слепого» 1903«Суп» 1902«Мать и дитя» 1903«Любительница абсента» 1901«Гладильщица» 1904«Нищий старик с мальчиком» 1903«Жизнь» 1903«Две сестры (Свидание)» 1902«Голубая комната (Ванна)» 1901«Гурман» 1901«Сидящая женщина в капюшоне» 1902
В «розовом» периоде (1904 — 1906) главной темой в творчестве художника был цирк и его персонажи — акробаты и комедианты. Преобладали яркие жизнерадостные цвета. Любимым персонажем этого периода можно назвать арлекина, который наиболее часто встречался в работах Пикассо. Помимо цирка вдохновляла его еще и модель Фернанда Оливье, с которой познакомился в 1904 г., в самом начале «розового» периода. Её же была музой художника на протяжении всего периода.
Общие сведения о картине
Сюжет «Девочка на шаре» представляет собой размышления художника о судьбе воссоединения живописи и творца. Так, на полотне размером 147х95 см изображены цирковые артисты во время отдыха между нескончаемыми представлениями. На переднем плане «Девочка на шаре» располагаются атлет, который располагается на кубе и тонкая, словно березка, гимнастка.
Именно здесь Пикассо отобразил весь контраст тел и основ:
Во-первых, круг, на котором располагается гимнастка, представляет собой неустойчивую фигуру, которая обладает всего лишь одной опорной точкой, которую и пытается «поймать» гимнастка. Во-вторых, куб – фигура, основание которой полностью расположилось на плоскости пола, что делает его предельно устойчивым и позволяет расположиться в более подходящей позе
Без внимания нельзя оставить и интересные сведения о картине «Девочка на шаре»: Интересно, что в 1905 году, когда идеи кубизма только начинали формироваться, Пикассо уже прорабатывал картину и сконцентрировал все свое внимание именно на формах. Именно «Девочка на шаре» выражает идеи художника, его мироощущение
Нельзя упускать и цветовую гамму полотна «Девочка на шаре», которая преобладает розовыми тонами с отголосками предшествующего творческого периода мастера – «голубого», который был посвящен нищей жизни людей, их тяготам. Обобщая, картины Пикассо «голубого» периода оставляют тяжелое впечатление, поскольку они насыщены синими оттенками, передающими печаль, скорбь, пустоту и безнадежность тех времен. Поскольку «Девочка на шаре» была создана в «розовый» период творения мастера, необходимо отметить его тесное общение с циркачами. Дело в том, что в 1904 году, когда Пикассо переехал в Париж, он безумно полюбил город за его шум, суету, множество событий, разнообразие жизни и постоянное движение. Каждую неделю, 2-3 раза, художник посещал цирк Медрано, где познакомился со всеми артистами и решил написать их семью (картина «Семья акробатов»). Во время творения этой картины, Пикассо отдалился от первоначального замысла. Эпизод, который отображается на полотне «Девочка на шаре» первоначально должен был отображать мальчика на полотне «Семья акробатов». Однако во время выполнения работы, Пикассо отказался от такой части и оформил данный эпизод в отдельную картину, нарисовав не мальчика, а девочку-гимнастку.
ФИГУРЫ НА ЗАДНЕМ ПЛАНЕ
Мария Ревякина: На заднем плане мы видим фигуру матери гимнастки (5) с детьми, собаку и белого коня. Черная собака (6), как правило, была символом смерти и служила посредником между различными мирами. Белый конь (7) здесь выступает как символ судьбы и издавна наделялся способностью ее предсказывать.
Андрей Россохин: Символично, что мать повернута спиной к девочке на шаре
Когда женщина заботится о грудном ребенке, она переключает на него все внимание, психологически отстраняется от старших детей, а те начинают чувствовать фрустрацию. И поворачиваются к отцу в поисках его любви, внимания и поддержки
Здесь этот момент ярко показан: обе девочки отвернулись от матери и смотрят в сторону отца.