Мозайка стилей
Пикассо оставил после себя гигантское наследие — около 20000 работ, исполненных в самой разной стилистической манере. Хотя карьеру Пикассо принято делить на отдельные фазы, его мысль и рука творили с такой быстротой, что художник в своём стремлении к новому как бы обгонял самого себя. Он говорил: «Несколько стилей, используемых мною в работе, не следует рассматривать как эволюцию или как поиск идеала. Когда я хочу что-то выразить, я делаю это, не задумываясь ни о прошлом, ни о будущем…».
И в самом деле, Пикассо с завидной лёгкость переключался с почти абстрактных, искажённых образов на реалистический рисунок, в котором не уступал лучшим рисовальщикам XIX века.
Примечания и ссылки
, стр. 102.
↑ и , стр. 31.
Его изучали Пьер Дайкс и Жоан Росселе в 1979 году у , с. 278.
↑ и Pierre Daix, Dictionary Picasso , Paris, Robert Laffont, Bouquins, 1995, стр. 620 .
, стр. 102, примечание 1 (в котором подчеркивается, что это не первый коллаж в строгом смысле слова ) и , p. 30.
Анн Бальдассари : .
Воспроизведено у , с. 278.
, стр. 100-102.
Тезис Роберта Розенблюма о Пабло Пикассо из Музея Пикассо, Париж , выставка 1980 года в Центре искусств Уокера, Миннеаполис, и опубликованный в , стр. 102.
↑ и , стр. 30.
, стр. 101.
↑ и .
.
«Мы пытались избавиться от trompe-l’oeil, чтобы найти« trompe-esprit »»: О Пикассо, в The Arts , New York, vol III, n ° 5, May 1923, p. 69-70. Цитируется , с. 7: примечание 6. и далее: .
Он выдвигает две гипотезы ( , p. 244-245). Это может быть матросская веревка, привезенная Пикассо из его пребывания в Гавре вместе с Браком весной 1912 года. Или же веревка, которая была у Пикассо в его парижской мастерской. Однако кажется маловероятным, что Пикассо разработал формат этого овального холста так, чтобы он мог точно вписаться в эту бесконечную веревку. Вариант шнура, сделанный на заказ по формату полотна, кажется более правдоподобным. Кроме того, Palau i Fabre кладет эти «газету, трубку, стакан, нож, дольку лимона и скорлупу / яичную скорлупу» на сиденье стула. Уильям Рубин выступает против этого прочтения, как и у Дугласа Купера ( , p. 31). Рубин разделяет это мнение с Розалинд Краусс .
, с. 248. Этот стол-пьедестал изображен на фотографии 1911 года, воспроизведенной в , p. 31. По словам Уильяма Рубина, шнур » Натюрморт с тростниковым стулом» воспроизводит тесьму, окаймляющую эту скатерть, с которой свисают края шнура.
Особенно футуристы , выставлявшиеся в галерее Berheim Jeune в феврале 1912 года.
, стр. 22 и 238.
, с. 68: примечание 246: живопись на овальном холсте, 16 х 22 см. Воспроизведено в , p. 235, № 654.
, стр. 30 и , стр. 244-245.
Термин, введенный Уильямом Рубином в , p. 30.
, стр. 244-245.
Бутылка Перно и стекла , п о 460 от , с
277.
Потомство наклеенных работ: начиная с готовыми мейдами из Марселя Дюшана и важной частью деятельности дадаистов , от сюрреализма , но также, а за его пределы, в современном искусстве. « Техника бумаги , склеенных знаю неслыханное состояние в искусстве XX — го века, первоначально коллаж, готовый , то сборка из происходит так футуризма к поп — арту , через Швиттерс
» : , с. 36 «1895-1914: La transition», в Серж Лемуане ( реж. ), Современное и современное искусство: живопись, скульптура, фотография, графика, новые медиа , Париж, Ларусс,2007 г., 312 с. , 23 см. ( ISBN 978-2-03-583945-9 ) , стр. 13.
«Уникальная работа без прямого продолжения»: , с. 25.
Жан-Клод Лебенштейн в: Кубист , стр. 44.
, стр. 37.
, стр. 48 ( Мужчина с мандолиной ).
, стр. 179.
Жан-Клод Лебенштейн в: Кубист , стр. 44.
, стр. 52.
, стр. 182.
Старый гитарист
В 1898 году Пикассо распрощался с окончательно наскучившей ему Королевской академией изящных искусств и вернулся из Мадрида в Барселону. Вот где была настоящая жизнь! Творческая свобода, первые персональные выставки в знаменитом кафе «Четыре кота» и друзья-единомышленники, вместе с которыми можно было как обсуждать искусство, так и отправиться в загул по борделям. Самым близким из них стал ровесник Пикассо, художник Карлос Касагемас. Они были практически неразлучны, и Пабло всеми силами поддерживал друга, страдавшего от неразделенной любви. Но закончилось все трагически: Карлос попытался застрелить девушку, которая не отвечала ему взаимностью, после чего покончил с собой. После этого печального события в творчестве Пикассо начинается пронизанный тоской «голубой период». Художник до конца своих дней винил себя в смерти друга и считал, что мог предотвратить самоубийство Касагемаса. В 1901 году он пишет подряд несколько картин, изображая Карлоса в гробу (, ), но искусствоведы находят похожие черты лица и у героев более поздних картин Пикассо. Как бы там ни было, смерть друга повлияла на художника так сильно, что он спасался только работой, выплескивая на холст депрессию и отчаяние. Практически все полотна «голубого периода» несут на себе этот незримый отпечаток смерти. Не стала исключением и картина Пикассо «Старый гитарист».
При первом взгляде на эту работу создается впечатление, что слепой музыкант запечатлен в тот момент, когда он тихо испустил дух, не успев доиграть песню до конца. Он похож на привидение, почти сливающееся с фоном, его неестественно согнутая фигура надломлена то ли агонией смерти, то ли агонией тоски. Сумрачная цветовая гамма только усиливает этот эффект. Живой на этом полотне кажется только гитара: зритель почти слышит пронзительные, выворачивающие душу наизнанку аккорды. Примечательно то, что за «Старым гитаристом» под слоем краски проступает призрачное женское лицо. В тот период Пикассо не всегда мог найти деньги на новый холст, поэтому был вынужден писать одну картину поверх другой.
В 1937 году американский поэт Уоллес Стивенс написал поэму «Человек с голубой гитарой», которая считается посвящением «Старому гитаристу». В стихотворном диалоге между музыкантом и его слушателями Уоллес облекает в слова убеждение Пикассо в том, что искусство – это ложь, которая помогает нам увидеть правду.
Внешние ссылки
- Ресурсы изобразительного искусства
Музей Пикассо
:
|
Пабло Пикассо |
|||||
|---|---|---|---|---|---|
| Периоды |
|
||||
| Списки работ |
|
||||
| Основные работы |
|
||||
| Товарищи |
|
||||
| Семья |
|
||||
| Ассоциированные художники |
|
||||
| Музеи |
|
||||
| Другой |
|
Методы работы
Парадоксально, но Пикассо-новатор в художественной технике часто бывал довольно консервативен. Он любил писать маслом по холсту, иногда предпочитая дерево или картон. Для небольших картин использовал бумагу и акварель. Впрочем, Пикассо, не задумываясь, отвергал традиционные методы, если они становились для него веригами. Особенно это касается кубистических картин. Чтобы создать фактурную поверхность, он смело смешивал краску с песком или опилками. Свои картины художник чаще всего писал на столе, а не на мольберте, и обыкновенно работал по ночам, при электрическом освещении, находя это освещение более «восхитительным», чем солнечный свет. Большинство картин Пикассо не поражают внушительными размерами; «Гернику» можно назвать исключением. Рисунки Пикассо, как правило, представляют собой самостоятельные работы, хотя для самых значительных своих картин он делал ряд предварительных набросков.
Мнения критиков о последнем этапе творчества Пикассо неоднозначны. Некоторые склонны считать, что после окончания Второй мировой войны Пикассо не создал ничего значительного. Другие полагают, что он оставался выдающимся мастером до самой смерти. Его поздние работы отличаются богатством красок и свободой письма. Ряд специалистов называют позднего Пикассо предтечей неоэкспрессионизма — направления, ставшего доминирующим в авангардном искусстве 1980-х годов.
Сюрреализм
«Лежащая женщина читает»
В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создает атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931). Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрел в 1930 году. В 1930—1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создает их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса — «Конструкция», 1931). Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.
В 1937 году симпатии Пикассо — на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герника — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.
Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и ее кукла», 1938). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них — Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937). Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942). Немецкая оккупация не могла, понятно, испугать Пикассо, который оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Она также нисколько не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).
В 1944 году Пикассо становится членом Французской коммунистической партии. Гуманистические воззрения Пикассо проявляются в его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».
Примитивизм
Свободное владение различными стилями письма прекрасно иллюстрирует картина «Игра в мяч» 1928 г. Спустя шесть лет после «Бега» Пикассо вновь изображает крупные фигуры на фоне морского ландшафта, но теперь классические пропорции и изысканные формы заменены примитивными «детскими» фигурами. Цвет реформирован по тому же принципу. Эта картина лишь одно из многих, похожих по манере, полотен, написанных Пикассо в 1928 и 1929 годах, когда его семья проводила отпуск на нормандском побережье Франции.
Пикассо неоднократно говорил, как он восхищается примитивным искусством и рисунками детей. Однажды он сказал: «Когда я был в их возрасте, я умел рисовать как Рафаэль. Мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они».
Периоды жизни Пикассо в розовых и голубых тонах
В 1900 году Пикассо приезжает в Париж. Именно здесь он познакомился с работами
импрессионистов. Кроме того, именно в это время случается страшное. Покончил
жизнь самоубийством его лучший друг. Смерть ввела в Пикассо в определенную зону творчества, которая в последствии стала
называться голубым периодом. Все
работы этого времени носят печать старости и смерти, изображается нищета во
всей ее неприглядности, меланхолия и печаль сопровождает каждую картину Пикассо.
Примером может служить картина «Нищий старик с мальчиком» написанная в 1903
году.
Все произведения этого периода выполнены в голубых и синих
красках. Художник старался выразить на холсте человеческие страдания, изображая
всю глубину самой низшей прослойки социума.
А
вот чуть позже, где-то в 1904 году, Пикассо поселяется в монмартрском общежитии для
художников, которые влачили бедное существование. Он рисует мир цирка и театра,
и в творчестве великого художника начинается розовый период. Картины приобретают оттенок этого девственного
цвета, персонажами становятся акробаты и танцовщицы, странствующие комедианты.
«Акробат и молодой Арлекин» 1905 года – яркий пример творчества этого периода в
жизни Пикассо. Трагическое
одиночество проскальзывает в каждом произведении того времени.
Синтетический кубизм, 1911-1917
Если в аналитический период форма была разъята на части, то в синтетический, соответственно, она вновь собирается, методами коллажа и аппликации. Изображение становится более целостным, гармоничным, цветным и декоративным. В картинах появляется типографский шрифт, названия вин, номера телефонов, вывески кафе, где проводила время парижская богема. Прямо в живописную поверхность холста вклеиваются чужеродные материалы — куски обоев, обрывки газет, спичечные коробки. Полотно теряет свойство обособленности, его границы (границы искусства) размываются. Синтетический кубизм – это синтез холста и окружающего пространства, произведения художника и обстоятельств его биографии, искусства и жизни.
Пабло Пикассо «Гитара и скрипка». Описание картины
Ещё один шедевр, который находится в России, а именно в Государственном Эрмитаже Санкт-Петербурга – шедевр с мировым именем «Скрипка и гитара».
Картина написана в стиле кубизма, которым вплотную увлекался в то время Пабло Пикассо. «Синтетический кубизм» — именно к этому направлению относят работу. Эта фаза кубизма характеризуется контрастностью и декоративностью, чаще всего в данной манере пишут натюрморты, афиши или картины, где главными героями выступают предметы быта и музыкальные инструменты. Родоначальниками этого направления стали Брак и Пикассо. Они настолько увлеклись поисками новых средств выразительности, что стали использовать в своих работах нетрадиционные материалы, такие как песок, куски газет, верёвки, обрывки обоев и т.д.
В период с 1912 г. по 1913 г. Пикассо создал целый ряд произведений, главными героями которых выступали музыкальные инструменты («Гитара, бутылка Перно и стакан», «Женщина с гитарой», «Трубка и чернильница», «Скрипка и виноград»), однако, наиболее известной является именно «Скрипка и гитара».
Пространство картины расчленено на множество плоских элементов, которые соединяются и взаимопроникают друг в друга – узоры, кусок грифа, скрипичные «эссы», часть обоев, фрагмент столика, едва заметный намёк на бокал, и вот из хаоса разрозненных элементов рождается натюрморт, как осколок какого-то музыкального впечатления.
Как и любое сложное произведение, эту картину также трактуют по-разному, в зависимости от своего разумения и мироощущения. Одни видят в ней души инструментов, осязаемые и звучащие, другие же находят в ней большее – своеобразную иллюстрацию фрагмента чьей-то жизни, возможно, музыканта, а может просто завсегдатая кафе или кабаре.
Спокойные цветовые сочетания не отвлекают от восприятия формы, а выстроенная конструкция рождает сюжет, который звучит убедительно и смело.
Не глядя на многие споры вокруг кубизма и самого Пикассо, хвалебные оды или, наоборот, назойливую критику, примерно в это время жизнь художника динамично пошла в гору – работы в новой стилистике принесли ему долгожданную известность и успех, а вместе с этим и материальное благополучие.
Картина испанского художника Пабло Пикассо «Гитара и скрипка» (Скрипка и гитара) 1912 г. Холст, масло. 65,5 x 54,3 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия
