Детям об искусстве: поль гоген «таитянские пасторали»

Диковинное искусство

Несомненно, Гоген открыл новую эстетику в живописи для европейцев. С каждым пароходом он отправлял свои картины на «большую землю».

Полотна, изображавшие голых темнокожих красавиц в первобытном антураже вызывали большой интерес у европейского зрителя.

Гоген же скрупулёзно изучал местную культуру, обряды, мифологию. Так, в картине “Потеря девственности” Гоген иносказательно иллюстрирует предсвадебный обычай таитян.

Невесту накануне свадьбы крали друзья жениха. Они “помогали” ему сделать девушку женщиной. То есть по сути первая брачная ночь принадлежала им.

Правда, этой обычай к моменту приезда Гогена был уже искоренен миссионерами. О нем художник узнал по рассказам местных жителей.

Ещё Гоген любил пофилософствовать. Так появилась его знаменитая картина «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?».

ПОЛЬ ГОГЕН

Справа внизу: Pastorales Tahitiennos 1893 Paul Gauguin

В то время как картинам импрессионистов присуще определенное стилистическое единство, творчество Поля Гогена, третьего из крупнейших мастеров постимпрессионистического периода, совершенно не похоже на творчество Сезанна или Ван-Гога.
Гоген решил стать живописцем лишь в 40 лет, и был самоучкой. Начинал Гоген, отталкиваясь от импрессионизма и стремясь к обобщению цвета и формы. Лучшие свои произведения он создал на островах Тихого океана, где почти безвыездно провел последние годы жизни. В нетронутом первобытном рае экзотичных островов, красотах Таити и Маркизских островов он искал прибежища от угнетавшей его буржуазной цивилизации. Гоген решил окружить свое искусство ореолом тайны, скрытой символикой. Туземцы представлялись художнику прекрасными, гармоничными существами, живущими единой жизнью с окружающей природой. Воспевание «тихоокеанского рая» составляет содержание творчества Гогена.

Большую часть его работ решена в виде декоративного панно, построенного на сочетании длинных арабесок и больших плоскостей цвета, разбивающего пейзаж на части. Гоген не стремится к моделированию форм, предпочитая четкие, резко выдененные плоскости. С помощью ярких красок Гоген воспроизводит почти реальное чувство зноя. Гоген изображал таитянок на фоне тропической природы. Натуралистически выписанные фигуры женщин, их грубоватые лица привлекают своеобразной, «дикой» красотой. Монументальность образов, нарочистая статичность, игра больших световых пятен, символизирует единство человека с природой в нетронутой цивилизацией мире.

В Эрмитаже хранится картина, которой художник дает идиллическое, хотя и несколько манерное название «Таитянские пасторали».

Здесь, как и в других своих зрелых произведениях, Гоген совершенно отказывается от передачи освещения; цвет у него становится локальным и неподвижным. Одновременно он стремится к лаконичному упрощению формы и сокращению перспективной глубины. Картина приобретает плоскостный, декоративный характер. Гоген последовательнее и настойчивее других художников идет к цветовому синтезу. В его полотнах многообразные тональные оттенки превращаются в устойчивые, контрастирующие цветовые сочетания. Так, в «Таитянских пасторалях» воды реки, в которой отражается закатное небо, переданы сочетанием багровых, кроваво-красных и лиловых пятен. Таким же пятном чистого желтого цвета становится прибрежная песчаная полоса, а поросший травою противоположный берег реки дан художником в виде нерасчлененной изумрудно-зеленой плоскости.

Предельно насыщенный, одновременно празднично-яркий и напряженный колорит, придавая полотну сходство с восточным ковром, привносит в изображение дух пряной экзотики, усиливает отличие изображаемого мира от тоскливой повседневности «цивилизованной» жизни. Гоген хочет создать идиллию: это проявляется в свободной и простой композиции, в медленном, словно ленивом, ритме человеческих тел и растений. Художник пытается дать картину идеально прекрасного мира, хотя в «Таитянских пасторалях» есть определенный оттенок литературности, даже искусственности. И в то же время в фигурах таитянок, одетых в короткие белые одежды, в деталях переднего плана — сосуде, напоминающем древние амфоры, в лежащей рядом поджарой собаке — неожиданно ощущаются черты, родственные классически простому и спокойному духу античности.

В искусстве Гогена — один из истоков стиля модерн, расцвевшего на рубеже XIX — XX веков.

Картина поступила в Эрмитаж в 1948 году из Государственного музея нового западного искусства в Москве.

Сады Вожирара

Сады Вожирара, 1879

В начале своей карьеры Гоген не мог похвастаться взрывным ростом популярности. Он успел послужить в французском военно-морском флоте, поработать биржевым маклером. Живописью он занимался в свободное время. В Париже он увидел картины импрессионистов, особенно Камиля Писсарро. В 1877 году у Гогена появилась своя студия и его работы выставлялись на четвертой, пятой и шестой выставке импрессионистов. Сады Вожирара были показаны на пятой выставке в 1880 году. На картине изображены крыши домов, сады, небо и панорама Вожирара. Ранние работы похожи на стиль Писсарро, которого он старательно копировал.

Ранний вариант[править | править код]

Первый вариант картины (Штутгарт)

В отличие от версии «Женщины…» 1893 года, вариант, хранящийся в Государственной галерее Штутгарта, практически не пользуется известностью и считается одной из ранних «таитянских» картин Гогена. Кроме того, холст 1892 года несколько выше и уже окончательного варианта. В руках у «первой» таитянки нет плода — вместо него на картине присутствует молодой волчонок. Туземка, изображённая на полотне 1892 года, находится ближе к краю полотна, тогда как таитянка с картины 1893 года расположена ближе к центру, за счёт чего её фигура кажется более монументальной. Детали одежды и украшений женщины с поздней версии картины выписаны более тщательно, что позволяет зрителю понять символическое значение композиции.

В штутгартском варианте символизм практически отсутствует, и запечатлённая художником сцена носит скорее бытовой характер. Работа 1893 года, в свою очередь, рассматривается как более «зрелая» версия «Женщины, держащей плод» — с её появлением первая картина утратила свою актуальность.

Художественные особенности. Трактовка[править | править код]

«Женщина, держащая плод» ярко иллюстрирует своеобразие творческого метода, с которым художник подходил к изображению людей, за что, впрочем, часто подвергался критике и обвинениям в смещении и нарушении пропорций. Искусствоведы отмечают, что «Женщина, держащая плод», вкупе с рядом других картин, написанных Гогеном в Полинезии, отличается яркой цветовой палитрой, нарочитой экзотической декоративностью и необыкновенной поэтичностью. Формы человеческих фигур, изображённых на картине, статичны; неподвижен и тропический пейзаж, на фоне которого они находятся. В этом проявляется неразрывная связь между людьми и окружающей их средой, которая всегда была присуща работам Гогена. Работая над станковой картиной, художник всегда старался решить её декоративно: плавные контуры, рисунок тканей.

Главный персонаж картины — таитянка, держащая в руках плод, — является, по мнению ряда искусствоведов, олицетворением Евы. Часто обращавшийся к религиозной тематике в своих работах, Гоген видел в жительницах Таити первобытность и экзотичность, представлявшие собой, на его взгляд, неотъемлемые атрибуты этой библейской героини. «Женщина, держащая плод» — не единственная картина полинезийского периода, на которой Гоген изобразил полуобнажённую женщину с тропическим фруктом. Последний, в свою очередь, не только играет роль «запретного плода», в христианстве символизирующего грех, но и отсылает к теме материнства и продолжения жизни, а также плодовитости и изобилия. Расположение персонажей картины на заднем плане также имеет скрытый смысл, перекликаясь с центральной фигурой: девушка, находящаяся слева от центральной героини — незамужняя, а женщина справа — с ребёнком на руках. В последнем обстоятельстве исследователи видят намёк ещё и на то, что на момент создания «Женщины…» Техура была беременна от Гогена.

Положения, принятые девушками на заднем плане, похожи на позы персонажей персидских миниатюр, где люди традиционно изображались на корточках, тогда как напоминающий волну элемент в нижнем левом углу написан в духе традиционной японской живописи. Вместе с тем некоторые детали картины явно позаимствованы художником у самого себя. В частности, фигура девушки, сидящей напротив хижины, скопирована с полотна 1892 года «Когда свадьба?» (она также встречается на гогеновских картинах «Чёрные свиньи» и «Te Fare Hymenee»). Вторую юную таитянку, наполовину скрытую стволом дерева, а также женщину с ребёнком, стоящую вдалеке, можно обнаружить среди рисунков Гогена, выполненных графически — последнюю живописец изобразил на одной из страниц своего таитянского дневника.

Парау Парау — Беседа (1891)

На этой картине рукой самого Гогена сделана надпись, которая с языка островитян переводится как «сплетни». Женщины сидят кружком и заняты беседой, но будничность сюжета картины не лишает её таинственности. Эта картина не столько несколько конкретная реальность, сколько образ вечного мира, а экзотика природы Таити – всего лишь органичная часть этого мира.

Органичной частью этого мира стал и сам Гоген – он не переживал из-за женщин, не влюблялся и не требовал от местных дам того, чего они не могли дать ему изначально. После расставания с любимой женой, оставшейся в Европе, он утешался любовью телесной. Благо, таитянки дарили любовь любому неженатому мужчине, достаточно было только показать пальцем на понравившуюся барышню и заплатить её «опекуну».

Таитянские женщины на побережье (1891)

Таитянские женщины на побережье. 1891 год. Париж. Музей Д» Орсэ.

На Таити Поль Гоген написал более 50 картин, лучших своих картин. Особой темой для темпераментного живописца были женщины. Да и женщины в сравнении с чопорной Европой на Таити были особенными. Французский писатель Дефонтен писал: «Угодить на них невозможно, им всегда не хватает денег, как бы щедры вы ни были… Думать о завтрашнем дне и испытывать благодарность — и то, и другое одинаково чуждо таитянкам. Они живут лишь настоящим, о будущем не помышляют, прошлого не помнят. Самый нежный, самый преданный любовник забыт, едва ступил за порог, забыт буквально на следующий же день. Главное для них — опьянять себя песнями, танцами, алкоголем и любовью
».

Характеристики картины[править | править код]

Название и дата написания

Таитянские и маорийские названия Поль Гоген давал большинству своих полотен, написанных в Полинезии. «Женщина, держащая плод» не стала исключением — художник подписал её словами Eu haere ia oe. Искусствоведы Буже и Даниельссон в своих работах, посвящённых Гогену, переводили это словосочетание как «Куда идёшь?». Присвоение полотнам «вопрошающих» названий тоже было одной из особенностей художника.

1893 год, подписанный самим Гогеном в нижнем левом углу холста, оспаривается некоторыми исследователями творчества живописца. Так, Бернард Доривал и Чарльз Стерлинг полагали, что Гоген написал «Женщину…» в 1892 году, а подпись просто поставил позднее. Своё мнение они аргументировали тем, что женские фигуры в фоновой части полотна были «перенесены» скорее с полотен Гогена 1891—1892 годов, нежели последующего периода.

Описание и сюжет

События, которые запечатлел художник, разворачиваются в таитянском селении: перед зрителем предстают две простые хижины, крытые травой. На переднем плане картины изображена молодая таитянская женщина, держащая в руках зеленовато-лимонный плод манго, по форме напоминающий сосуд для воды (по иной версии, поддерживаемой крупным исследователем творчества Гогена Даниельссоном, героиня полотна держит за верёвочку специальный сосуд, вырезанный в полости тыквы, и собирается идти по воду). Лицо таитянки серьёзно и выразительно, взгляд — внимателен. Существует версия, что моделью для центрального персонажа картины послужила юная невенчанная жена Гогена, таитянка Техура — этого мнения придерживалась и искусствовед Анн Дистель. Загорелое, смуглое тело женщины, само по себе напоминающее спелый фрукт, написано красивым золотисто-коричневым тоном и передано намеренно плоскостно. Чёткая непрерывная линия, описывающая контур женской фигуры, делает её более плотной и выразительной, придаёт весомость и объём. Таитянский пейзаж на фоне трактован достаточно обобщённо: на картине нет солнечных лучей или вибрации воздуха, однако зной тропического солнца ощущается и в цвете кожи женщины, и в синеве неба, и в неподвижности ветвей, и в насыщенно-красных пятнах одежды. Жёлтый орнамент на красной юбке вторит узору, который образуют листья деревьев над головой туземки, за счёт чего сама она кажется неотъемлемой частью природы.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1669.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1669. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Картина «Блудный сын» — одно из самых ранних приобретений Эрмитажа. Она была куплена у французского герцога по приказу Екатерины II ещё в 1766 году.

Это последняя картина Рембрандта. У неё всегда собирается толпа. Потому что полотно на многих производит сильное впечатление.

Перед нами сюжет из Евангелия от Луки. Младший сын скитался по свету. Тратил наследство отца. Все промотал, находясь в плену своих страстей.

И вот уже в крайней нужде вернулся к порогу отцовского дома. Его одежда превратилась в лохмотья. Тапки стоптаны. Голова обрита, потому что за плечами каторга. Отец милосердно принимает сына. Он склонился над ним и мягко положил руки на его плечи.

На картине — полумрак. Лишь слабый свет вылепливает фигуры. Женщина на заднем плане еле различима. Возможно, это мать вернувшегося юноши.

Картина о родительском милосердии. О всепрощении. О том, что даже у опустившегося человека есть надежда обрести приют. Уняв гордыню. Преклонив колени.

О картине также читайте в статье «Возвращение Блудного сына» Рембрандта. Почему это шедевр?»

Гоген в Арле

Понятно, что случай с “Прекрасной Анжелой” заказчиков Гогену не прибавил. Нищета вынуждает его согласиться на предложение
о совместной работе. Он поехал к нему в Арль, юг Франции. Надеясь, что совместный быт будет легче.

Здесь они пишут одних и тех же людей, одни и те же места. Как, например, мадам Жиду, владелицу местного кафе. Хотя стилистика разная. Думаю, вы легко догадаетесь (если раньше не видели этих картин), где рука Гогена, а где – Ван Гога.

Информация о картинах в конце статьи*

Но властный, самоуверенный Поль и нервный, вспыльчивый Винсент не смогли ужиться под одной крышей. И однажды, в пылу ссоры Ван Гог едва не убил Гогена.

С дружбой было покончено. А Ван Гог, терзаемый угрызениями совести, отрезал себе мочку уха.

Таитянские женщины на побережье (1891)

Таитянские женщины на побережье. 1891 год. Париж. Музей Д» Орсэ.

На Таити Поль Гоген написал более 50 картин, лучших своих картин. Особой темой для темпераментного живописца были женщины. Да и женщины в сравнении с чопорной Европой на Таити были особенными. Французский писатель Дефонтен писал: «Угодить на них невозможно, им всегда не хватает денег, как бы щедры вы ни были… Думать о завтрашнем дне и испытывать благодарность — и то, и другое одинаково чуждо таитянкам. Они живут лишь настоящим, о будущем не помышляют, прошлого не помнят. Самый нежный, самый преданный любовник забыт, едва ступил за порог, забыт буквально на следующий же день. Главное для них — опьянять себя песнями, танцами, алкоголем и любовью
».

Примечания[править | править код]

1. ↑ , p. 84.
2. Перрюшо, Анри. Гоген. — М.: Искусство, 1979. — С. 317. — 320 с. — (Жизнь в искусстве).
3. ↑ , p. 85.
4. ↑ Barskaia, A. G., Georgievskaia, Evgeniia. Impressionist and post-impressionist paintings in Soviet museums. — London: Phaidon, 1985. — С. 21. — 406 p.
5. ↑ . Альбом «Государственный Эрмитаж. Ленинград». Изд. «Изобразительное искусство». М. 1975. agniart.ru. Дата обращения: 15 июля 2012.
6. ↑
7. ↑  (недоступная ссылка)
8. , p. 8.
9. Воронихина, Л. Н. Государственный Эрмитаж. — М.: Искусство, 1992. — С. 310. — 399 с.
10. Soviet Life: volumes 208—219. — Montpelier: Embassy of the Union of the Soviet Socialist Republics in the USA, 1974. — P. 47.
11. Всеобщая история искусств / Под редакцией Б. В. Веймарна. Научно-исследовательский институт теории и истории изобразительных искусств АХ СССР. — М.: Искусство, 1965. — Т. 6. Искусство 20 века. Книга 1. — С. 66.
12. , p. 84—85.
13. . art-stamps.narod.ru. Дата обращения: 15 июля 2012.
14.  (англ.). ohmygosh.on.ca. Дата обращения: 15 июля 2012.

Леонардо да Винчи. Мадонна Литта. 1490-1491.

Леонардо да Винчи. Мадонна Литта. 1490-1491. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Произведений Эпохи Возрождения в Эрмитаже немного. Но среди них аж две работы Леонардо да Винчи. Это при том, что в мире всего 19 работ мастера! Музей приобрёл шедевр в середине XIX века. У итальянской аристократической семьи Литта.

Картина вернулась в Россию. Потому что она там уже гостила. За полстолетия до этого ее привёз с собой Джулио Литта, представитель рода, после того, как стал подданым России. Женился на племяннице Потёмкина. Однако его наследница, дочь падчерицы, после его смерти вернула картину своим итальянским родственникам.

Картина небольшая, 41 на 32 см. Но через несколько секунд вы перестаете это замечать. В маленькое пространство картины вмещается что-то очень величественное. Вневременное.

Мать с большой нежностью смотрит на младенца. Он припал к груди. Немного грустными глазами он смотрит в нашу сторону. Ведь за пять минут до этого разыгралась маленькая драма. Дева Мария решила отлучить ребёнка от груди. Вырезы для кормления были аккуратно зашиты.

Но она не устояла перед просьбами и плачем младенца. Один вырез был в спешке разорван. Так Леонардо изобразил милосердие и любовь матери к своему ребёнку.

О картине также читайте в статье «Мадонна Литта. Необычные детали шедевра».

Рафаэль. Мадонна Конестабиле. 1502.

Рафаэль. Мадонна Конестабиле. 1502. Государственный Эрмитаж, г. Санкт-Петербург. Ещё один шедевр Эпохи Возрождения хранится в Эрмитаже. «Мадонна Конестабиле» Рафаэля. Ее купил для своей супруги Александр II. Покупка была скандальной.

Общественность в Италии была возмущена тем, что их наследие покидает страну. Ругали владельца, графа Конестабиле. Уговаривали не продавать. Даже собирали деньги, чтобы выкупить шедевр и оставить на родине. Но не собрали. Картина досталась России.

Хранится она в своей «родной» раме, которая была исполнена по рисункам Рафаэля.

Рафаэль. Мадонна Конестабиле (с рамой). 1504. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Рафаэль создал свой шедевр в юном возрасте. Ему едва исполнилось двадцать лет. Но этим работа и ценна. Она создана в городе Перуджи. В мастерской учителя. Рафаэль ещё не видел работ Леонардо и Микеланджело, которые сильно на него повлияют.

Его искусство ещё очень самобытно. Тонкие линии. Нежные краски. Гармоничный пейзаж. Мы видим его гений в первозданном виде. Благодаря «Мадонне Конестабиле».

О картине

Биография

Он был успешным предпринимателем и за несколько лет умудрился сколотить крупное состояние, которого хватило бы для обеспечения всей семьи – жены и пятерых детей. Но в один момент этот человек пришел домой и заявил, что хочет надоевшую финансовую занятость променять на масляные краски, кисти и холст. Таким образом, он покинул биржу и, увлекаясь любимым делом, остался ни с чем.

Художник Поль Гоген

Сейчас постимпрессионистские полотна Поля Гогена оцениваются не в один миллион долларов. Например, в 2020 году картина художника под названием «Когда свадьба?» (1892), изображающая двух таитянок и живописный тропический ландшафт, была продана на аукционе за $300 млн. Но получилось так, что при жизни талантливый француз, как и его коллега по цеху Ван Гог, так и не удостоился заслуженных признания и славы. Ради искусства Гоген сознательно обрек себя на существование бедного скитальца и променял богатую жизнь на неприкрытую бедность.

Те авае но Мариа — Месяц Марии (1899 г.)

Картина, главной темой которой стало цветение весенней природы, была написана Гогеном в последние годы жизни, которые он провёл на Таити. Название картины – Месяц Марии – связано с тем, что в католической церкви все майские службы были связаны с культом девы Марии.

Вся картина проникнута впечатлениями художника от экзотического мира, в который он погрузился. Поза женщины на картине напоминает скульптуру с храма на острове Ява. На ней белое одеяние, считающееся символом чистоты и у таитян, и у христиан. Художник в этой картине соединял различные религии, создавая образ первозданности.

Гейнсборо. Дама в голубом. 1778-1782.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. В начале XX века «Дама в голубом» была передана Эрмитажу по завещанию дворянина Алексея Хитрово. Безвозмездно.

Считается одной из лучших работ Гейнсборо. Хотя он не любил писать портреты. Вынужден был их выполнять на заказ, чтобы прокормить семью. Благодаря портретам и прославился.

Все лучшие черты Эпохи Рококо мы видим на этой картине. Лёгкие, тающие мазки. Идеал утонченной красоты. Воздушность образа. Элегантность в мимике и жестах героини.

При этом нет жеманности и наигранности. Женщина естественна. Именно такой графиня Бофор была в жизни. Изящной и женственной.

Удивительно, что ее мать была членом сообщества «Синий чулок». Это были этакие феминистки XVIII века. Начитанность и широкий кругозор они ценили выше женских нарядов и забот о доме.

Формирование собственного стиля

Для живописи Гогена
это был переломный момент. Школой художника был импрессионизм, достигший в тот период своего расцвета, а учителем — Камиль Писсарро
, один из основателей импрессионизма. Имя патриарха импрессионизма Камиля Писсарро
позволило Гогену
принять участие в пяти из восьми выставок импрессионистов между 1874 и 1886 годами.

«Водопой», Поль Гоген
, 1885, х.м., частная коллекция

В середине 1880-х годов начался кризис импрессионизма, и Поль Гоген
начал искать свой путь в искусстве. Поездка в живописную Бретань, сохранившую свои древние традиции, положила начало переменам в творчестве художника: он отошёл от импрессионизма и выработал собственный стиль, соединив элементы бретонской культуры с кардинально упрощённой манерой письма—синтетизм. Этому стилю свойственно упрощение изображения, передаваемого яркими, необычно сияющими красками, и намеренно чрезмерная декоративность.

Синтетизм появился и проявился около 1888 года в работах и других художников школы Понт-Авена—Эмиля Бернара, Луи Анкетена, Поля Серюзье
и др. Особенностью синтетического стиля было желание художников «синтезировать» видимый и воображаемый миры, и зачастую создаваемое на полотне было воспоминанием о некогда увиденном. Как новое течение в искусстве, синтетизм получил известность после организованной Гогеном
выставки в парижском кафе Вольпини в 1889 году. Новые идеи Гогена
стали эстетической концепцией известной группы «Наби», из которой выросло новое художественное течение «ар-нуво».

«Видение после проповеди (Борьба Иакова с ангелом)», Поль Гоген,
1888, х.м., 74,4 х 93,1см., Национальная галерея Шотландии, Эдинбург

Искусство древних народов как источник вдохновения для европейской живописи

Кризис импрессионизма поставил художников, отказавшихся от слепого «подражания природе», перед необходимостью найти новые источники вдохновения. Искусство древних народов стало поистине неисчерпаемым источником вдохновения для европейской живописи и оказало сильное влияние на её развитие.

Караваджо. Лютнист. 1595-1596.

Караваджо. Лютнист. 1595-1596. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Лютнист» Караваджо был куплен в начале XIX века. По просьбе Александра I. Долгое время картина висела в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Настолько юноша изображён чувственным. Лишь плоская грудь говорит о том, что перед нами не девушка.

Молодой Караваджо заметил, что картины с такими юношами пользуются успехом у некоторых представителей католической церкви. Поэтому он охотно их писал.

Но вскоре он отказался от подобных сюжетов. Все чаще изображал трагичные библейские истории. Поцелуй Иуды. Успение Марии. Положение во гроб.

Караваджо часто называли натуралистом. За его необычную проработку деталей. Подпорченные фрукты. Трещины на лютне. Потертые ноты.

В «Лютнисте» Караваджо впервые использует своё знаменитое тенебросо. Когда фигуры и предметы выхватываются тусклым лучом из кромешной темноты.

Так проявляется почти осязаемый объём. А эмоции персонажа приобретают драматический оттенок. Такой театральный эффект станет очень популярным в эпоху Барокко.

О работах художника читайте в статье «Караваджо. 5 невероятных фактов о его жизни и творчестве».

Начало искусства

Первые 10 лет брака Поля и Метте прошли спокойно и благополучно. Гоген был лишь любителем в живописи. И рисовал только в свободное от биржи время.

Более всего Гогена прельщали . Вот одна из работ Гогена, написанная с типичными для импрессионизма бликами света и милым уголком сельской местности.

Гоген активно общается с такими выдающимися живописцами своего времени как Сезанн, .

Их влияние чувствуется в ранних работах Гогена. Например, в картине “Сюзанна за шитьем”.

Девушка занята своим делом, а мы словно подглядываем за ней. Вполне в духе Дега.

Гоген не стремится ее приукрасить. Она сгорбилась, что сделало ее осанку и живот малопривлекательными. Кожа же “безжалостно” передана не только бежевым и розовым, но и синим и зелёным цветами. А это уже вполне в духе Сезанна.

А некоторая безмятежность и умиротворение взяты явно у Писсарро.

1883 год, когда Гогену исполняется 35 лет, становится переломным в его биографии. Он ушёл с работы на бирже, уверенный, что быстро прославится, как живописец.

Но надежды не оправдались. Накопленные деньги быстро закончились. Супруга Метте, не пожелав жить в бедности, уезжает к родителям, забрав детей. Это означало крах их семейного союза.