«Авиньонские девицы»: вызов, провокация, скандал
В конце лета 1907 года Пикассо завершил огромное полотно, начатое несколькими месяцами ранее. Почти шесть квадратных метров, сотни подготовительных рисунков и этюдов. Пабло заперся в мастерской, чтобы писать картину. И в один прекрасный день открыл двери перед близкими друзьями. Изумление, шок, потрясение… Нет таких слов, чтобы передать их реакцию.
Для многих историков искусства «Авиньонские девицы» послужили символом начала современного искусства
А ведь они привыкли к живописи Пабло и всегда первыми отстаивали ее. Но даже для них это было чересчур: они категорически осудили увиденное.
Матисс, великий художник, был в ярости! Сам Жорж Брак, с недавних пор друг Пабло, говорил: «Это как если бы ты хотел накормить нас паклей или напоить керосином!»
Даже Аполлинер, обычно безоговорочно принимавший сторону друга, осудил его. В этом хоре порицателей нашлось одно исключение — молодой немецкий коллекционер Даниэль-Анри Канвейлер. Ему картина понравилась с первого взгляда, и он сразу подружился с Пикассо. Эта дружба продлилась всю жизнь.
Описание картины Пабло Пикассо «Акробаты мать и сын»
В период 1904г.-1906г. у известного итальянского художника Пабло Пикассо выдался особый этап в творческой жизни, в котором он наносил на холст только образы артистов, акробатов и циркачей. Именно в этот период Пикассо создаёт свой знаменитый шедевр «Акробаты (мать и сын)».
Мы видим, как за столом расположились мать с сыном, одетые в обтягивающую цирковую одежду. Перед ними стоит практически пустая тарелка, одна на двоих. Мать задумчиво опустила голову на руку, но в глазах прослеживается глубокая печаль и безысходности, а сын, отвернувшись от матери, с любопытством смотрит в противоположную сторону.
Это был очень сложный период в семье цирковых артистов. Люди все время были в пути, вынужденные постоянно гастролировать, чтобы хоть как-то прокормить себя. Глядя на пустую одинокую тарелку на столе, в которой должен был быть вкусный обед, понимаешь, на сколько, бедны были артисты, ведь заработанных денег катастрофически не хватало на нормальное существование. Несмотря на отвергнутое лицо мальчика, также не сложно догадаться, какие эмоции присущи юному акробату, вынужденному уже с малых лет трудиться, чтоб заработать хоть какую-то копейку для своей семьи.
Период, в который была написана картина «Акробаты (мать и сын)» условно получил название «розовый», ведь для большинства работ Пабло Пикассо использовал сочетание именно розового оттенка, разбавляя его золотыми и серыми тонами. Данная картина не является исключением. Весь задний план заполнен теплой гаммой нежного розового оттенка, приближенного к нежному красному цвету. Костю мальчика для выступления художник изобразил в контрастном синем цвете с белоснежным жабо на шее и рукавах. Примечательно, что для своих работ данного периода, Пикассо использовал реальных персонажей из цирка Медрано.
Антиподы
Девочка и атлет показаны как символы двух противоположностей. Легкая воздушная гимнастка и тяжелый мускулистый силач находятся на таких же разных поверхностях: девочка балансирует на неустойчивом шаре, атлет – на основательном прочном кубе.
Девочка
Эквилибристка пытается устоять на круглом предмете, устремляя руки к небу. Этот момент написан для общего понимания картины – молодая девушка уподобляется абсолютно неустойчивому воздушному пространству и является как бы продолжением шара. Даже ее трико по цвету напоминает голубой цвет небосклона.
Атлет
Мужчина показан не полностью, только со спины, но и этого хватает для оценки силы, мощности и некой приземленности. Своей позой он буквально врастает в землю. Если гимнастка описана в серо-голубых воздушных тонах, то у силача преобладают светло-розовые оттенки.
Куб и шар
Эти фигуры смело можно назвать антиподами друг к другу. Если массивный устойчивый куб олицетворяет собой неподвижность, земные, правильно очерченные материи, лишенные какой-либо одухотворенности, то шар предстает перед нами символом неустойчивости, воздуха и грации. Круг относится к будущему, прогрессу, движению и божественному началу.
К моменту написания картины Пабло Пикассо уже несколько лет общался с представителями французского клуба интеллектуалов и посещал лекции парижского поэта, который проповедовал истинность греко-латинской мифологии. Из этих посещений художник уяснил, что богиня Фортуна сидит на круге, а Доблесть (ассоциируется с кубом) – на квадратном.
Очень похоже на то, что Пикассо прибегнул к этой метафоре, когда поставил девочку на шар, а силача на куб. Потому что дело не только в разной геометрии фигур, каждая из них олицетворяет того, кто на них поставлен (усажен).
Единство противоположностей
Образы циркачей, если рассматривать их символику, в связке очень напоминают весы или застывший маятник, который может качнуться в любую сторону. Действительно, хрупкость гимнастки подчеркивает силу исполина, фигура силача, в свою очередь, оттеняет грацию эквилибристки. На полотне изображена гармония правильной геометрии и легкости движения. Между персонажами существует четкая, оформленная цветовой палитрой связь. Их непохожесть создает ощущение того, что они составляют гармонию, и это равновесие приводит к пониманию, что один не может существовать без другого.
Общие сведения о картине
Сюжет «Девочка на шаре» представляет собой размышления художника о судьбе воссоединения живописи и творца. Так, на полотне размером 147х95 см изображены цирковые артисты во время отдыха между нескончаемыми представлениями. На переднем плане «Девочка на шаре» располагаются атлет, который располагается на кубе и тонкая, словно березка, гимнастка.
Именно здесь Пикассо отобразил весь контраст тел и основ:
Во-первых, круг, на котором располагается гимнастка, представляет собой неустойчивую фигуру, которая обладает всего лишь одной опорной точкой, которую и пытается «поймать» гимнастка. Во-вторых, куб – фигура, основание которой полностью расположилось на плоскости пола, что делает его предельно устойчивым и позволяет расположиться в более подходящей позе
Без внимания нельзя оставить и интересные сведения о картине «Девочка на шаре»: Интересно, что в 1905 году, когда идеи кубизма только начинали формироваться, Пикассо уже прорабатывал картину и сконцентрировал все свое внимание именно на формах. Именно «Девочка на шаре» выражает идеи художника, его мироощущение
Нельзя упускать и цветовую гамму полотна «Девочка на шаре», которая преобладает розовыми тонами с отголосками предшествующего творческого периода мастера – «голубого», который был посвящен нищей жизни людей, их тяготам. Обобщая, картины Пикассо «голубого» периода оставляют тяжелое впечатление, поскольку они насыщены синими оттенками, передающими печаль, скорбь, пустоту и безнадежность тех времен. Поскольку «Девочка на шаре» была создана в «розовый» период творения мастера, необходимо отметить его тесное общение с циркачами. Дело в том, что в 1904 году, когда Пикассо переехал в Париж, он безумно полюбил город за его шум, суету, множество событий, разнообразие жизни и постоянное движение. Каждую неделю, 2-3 раза, художник посещал цирк Медрано, где познакомился со всеми артистами и решил написать их семью (картина «Семья акробатов»). Во время творения этой картины, Пикассо отдалился от первоначального замысла. Эпизод, который отображается на полотне «Девочка на шаре» первоначально должен был отображать мальчика на полотне «Семья акробатов». Однако во время выполнения работы, Пикассо отказался от такой части и оформил данный эпизод в отдельную картину, нарисовав не мальчика, а девочку-гимнастку.
Внезапный уход
1973 год. Пикассо 92 года. Но в нем по‑прежнему сильно́ желание вызвать эмоции, пролить свет на темные области, используя собственный свет: цвет, форму, образ, символ.
Его вера в свою способность творить, в умение придать точную, лучшую форму тому, что должно быть выражено, непоколебима. Из-за необыкновенной жизненной мощи его смерть застает всех врасплох.
Пикассо умер 8 апреля 1973 года, и весь мир потрясла эта новость. Кажется, люди уже поверили, что в нем живет какой‑то свет, который никогда не угаснет.
Он часто говорил: «Полотна никогда не бывают закончены <…>. Обычно они останавливаются в определенный момент, потому что приходит нечто, что прерывает работу».
По материалам книги «Человек, который стал Пикассо»
Описание картины Пабло Пикассо «Пьеро»
Испанский художник и декоратор Пабло Пикассо был основоположником кубизма в жанре живописи. Его работы были пронизаны эпохой классицизма. Эта направленность сопровождалась строгими канонами, которые придавали изображениям формы, соответствующие мирозданию. Художник любил кубический стиль, так как картины отличались своей тонкостью передачи чувств.
Работа «Пьеро» была создана в период классического начала ровных форм. Актёрская игра для Пикассо стала значимой стороной в изображении кубических образов. Грустный кукольный герой изображён на стуле, с опущенной головой. Его задумчивый взгляд напоминает чувства, когда нужно выходить на сцену, а ты боишься и теряешься. Пьеро, по сути, всегда выступает печальным и трагическим героем театральной игры.
При написании картины художник отчётливо выражает белый костюм актёра, с некоторыми разноцветными линиями. Непосредственность и угрюмость актёра, заставляет наблюдателей замирать. Пьеро не смог использовать время для счастливой жизни. Его удел играть на сцене, и развлекать зрителей. Поток красок театральной комнаты, больше напоминает кабинет мыслителя, об этом свидетельствует книга на столе. В целом картина составлена композиционно и правильно, что подчёркивает профессионализм художника.
Гигантская сила труда показывает не только восприимчивость живописца к творческой проблематике, но и говорит о его личности. Полное перечисление циклов жизни художника встречается в каждой его работе. Воплощение многих парадоксов увлекает зрителя, и втягивает в мир вдохновений.
Традиционный стиль живописи присутствовал в шедеврах Пикассо всегда, он умело воссоздавал изображения, как вызов прошлому, так и реальности. Пабло Пикассо – успешный деятель, творчество, которого практически никогда не поддавалось критике.
Скрытый контекст
На полотне «Девочка на шаре» Пикассо изображает бродячую труппу циркачей, которые были изгоями во всем мире, но при этом были настоящей семьей друг для другаа. Мастер создает отдельную вселенную, где отображает жизнь людей, нуждающихся друг в друге.
Именно дружба объединяет столь разных персонажей: хрупкую гимнастку и грациозного атлета. Отображенная на картине хрупкость гимнастки сумела подчеркнуть все величие и массивность атлета. Фигура же гимнастки «Девочка на шаре» – воплощение мечты мастера о поэзии, которая напоминает мимолетные моменты. Мощность атлета – защита этих моментов от свирепости настоящего.
Следует отметить, что задний фон все также перекликается с «голубым» периодом творчества, который непринужденно делает полотно более прозрачным и воздушным, но в тоже время наблюдается материальное стушевывание различия между двумя «эпохами» творчества творца.
Задний план
Предыдущий «голубой» период картин Пикассо соответствовал тяжелой жизненной стадии художника, и герои его полотен занимали почти весь размер холста. В описываемой картине, относящейся к его лучшему творческому периоду, границы как бы раздвигаются, появляется пейзаж в розово-голубых тонах и фигуры на заднем плане.
Вдали видны очертания женщины, которая несет на руках младенца и рядом ведет еще одного ребенка, их сопровождает собака. Они имеют второстепенное значение, однако без этих образов картина была бы неполной. Женщина с детьми и собакой не смотрят в сторону циркачей. Существует мнение, что это показательное пренебрежение есть метафора, олицетворяющая невостребованность художественного искусства широкими массами.
Помимо описанных фигур проглядывают очертания еще одного живого существа – белой лошади. Она часто появляется и в других полотнах мастера. Но в этой картине она не может быть сквозным моментом:
Лошадь присутствует практически во всех цирковых труппах, без нее не бывает цирка;
Белая лошадь – символ надежды, возрождения, духовного просветления и самой жизни (полотно относится именно к этому периоду).
«Голубой» период
Весна 1901 года. Пикассо исполнилось 20 лет. Новый период, новое возвращение, новый адрес в Париже: бульвар Клиши, 130… Маленькая комнатка, где Пабло жил и творил. А также «Голубая комната», одна из картин, ознаменовавших «голубой» период. Это его любимый цвет, таким он в то время видел мир и одевался тоже в голубое. О голубом он говорил тогда как о «цвете всех цветов». Этот этап его творчества назвали «голубым» периодом.
Картина «Жизнь» (слева) и «Автопортрет» (слева)
Картины «голубого» периода — в числе самых известных и любимых в творчестве Пикассо. Разумеется, потому, что изображенные на них персонажи еще довольно реалистичны. А сюжеты полотен отражают знакомые всем чувства.
Краткая биография (подробно)
Великий испано-французский художник Пабло Пикассо родился в Малаге 25 октября 1881 года. Уже в восемь лет он создал свою первую серьезную работу под названием «Пикадор».
В 1891 году Пабло с семьей переехал на север Испании. Там он в течение года посещал школу искусств, а после учился художественному мастерству в Барселоне.
В 1897 году юноше удалось стать студентом Королевской академии изящных искусств в Мадриде. Вскоре молодой Пабло вернулся в Барселону, где прошли две его первых выставки (1900).
После самоубийства друга — художника Касахемаса Пикассо создал серию печальных депрессивных картин: «Женщина с пучком волос» (1903), «Трагедия» (1903) и др. Этот период его творчества был назван критиками «голубым».
В 1904 году художник поселился в Париже. Там начался «розовый период» его творчества. На полотнах того времени изображены бродячие артисты и клоуны: «Семья акробата с обезьяной» (1905).
С именем Пикассо связано появление кубизма. В этом жанре написаны его «Гитара и скрипка» (1913), «Портрет девушки» (1914), «Мандолина и гитара» (1924) и др.
В 1916—1919 годах Пикассо занимался созданием декораций и костюмов для Русского балета. После 1925 года художник обратился к написанию сюрреалистичных картин: «Сидящая купальщица» (1929), «Фигуры на берегу моря» (1931).
В 30-е годы Пикассо занимался преимущественно скульптурой. В этот период также было создано известное своим масштабом полотно «Генрика» (1937).
Во время войны творчество Пикассо обрело мрачные краски. Несмотря на угрозу жизни, художник до 1944 года оставался в Париже.
К числу знаменитых послевоенных произведений Пикассо относится картина «Голубь мира» (1950). Скончался художник 8 апреля 1973 года в возрасте 91 года.
Сочинения-описания картин Пабло Пикассо:
«Герника», Пикассо
«Девочка на шаре», Пикассо
«Мать и дитя», Пикассо
«Плачущая женщина», Пикассо
«Ребёнок с голубем», Пикассо
«Старый гитарист», Пикассо
Очень краткая биография (в двух словах)
Родился 25 октября 1881 года в Малаге, Испания. С 1894 по 1895 год обучался в школе искусств. В 1895 году поступил в школу изящных искусств Ла-Лонха в Барселоне. В 1897 году поступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде. В 1904 году переехал в Париж. В 1917 году женился на русской балерине Ольге Хохловой, от которой имел сына. В 1944 году вступил в Коммунистическую партию Франции. В 1961 году женился на Жаклин Рок. Имел трёх внебрачных детей. Считается самым «дорогим» художником в мире, а также самым «похищаемым». Умер 8 апреля 1973 года в Мужен, Франция в возрасте 91 года. Похоронен возле собственного замка Вовенарг. Главные картины: «Девочка на шаре», «Герника», «Любительница абсента», «Сон», «Купальщица», «Старый гитарист», «Авиньонские девицы», «Жизнь» и другие.
О авторе
Пабло Пикассо – талантливый творец, который появился на свет в 1881 году в городе Малаге. Отец мальчика был выдающимся и напористым художником, который и научил своего сына рисовать. Так, уже в 15 лет Пабло знал основы живописи и умел владеть кистью.
В 16 лет Пикассо отправился в Мадрид для прохождения обучения в Королевской академии Сан-Фернандо. Несмотря на то, что уроки для юноши казались невероятно скучными и неинтересными, именно в этом возрасте и были сформированы эстетические взгляды будущего художника.
В 1904 году Пикассо переехал в Париж. Этот период был сложным для художника. Некоторые искусствоведы называют этот период «розовым», поскольку именно в Париже художник рассеивает синюю палитру картин, а начинает отдавать предпочтение розовато-пепельным тонам. Именно в этот период и была создана лучшая картина тех лет – «Девочка на шаре».
Пикассо сражает жюри
Семья Пикассо переезжает в Барселону, где дон Хосе занял должность в Школе изящных искусств. Она называлась Ла Лонха: это была старая академия с закосневшими традициями, где изучали в основном «антики», неустанно копируя гипсовые слепки.
Два автопортрета входят в число ученических работ периода 1897 — 1899 годов. Здесь Пикассо — воплощение богемного художника
Пабло всего 14 лет. Он слишком юн для этой школы. Но по просьбе отца ему позволили участвовать во вступительном конкурсе. «Антик, натюрморт, живая модель и живопись» — такова программа экзамена…
Юноша ошеломил жюри: за день он выполнил задание, на которое отводился месяц.
И сделал все с таким мастерством и точностью, что никто уже не сомневался: это истинное дарование.
Выставка в папском дворце
1 мая 1970 года в Авиньонском папском дворце открылась гигантская выставка недавних творений Пикассо: 167 полотен, 45 рисунков. Те, кто знакомился в Авиньоне с последними его работами, были поражены необычайным обновлением художника во всем — в манере письма, цветах и сюжетах — и возвращением в его творчество Испании с мужчинами при шпагах, мушкетерами и матадорами.
Зрителей окружал буйный и красочный маскарад мужчин со шпагами, пар, обнаженных женщин, торжественных портретов
К тому же Пикассо восстановил связи с родиной и своими испанскими корнями. Благодаря самому преданному другу — Хайме Сабартесу — в Барселоне, в великолепном дворце XV века, в самом сердце старого города, открылся музей Пикассо. И художник подтвердил, что Барселона — самый дорогой его сердцу испанский город: подарил музею почти все юношеские работы.
Первые рисунки Пикассо — это… лапки голубей
Отец Пикассо дон Хосе был художником, специализировавшимся на росписи столовых комнат. Его излюбленные мотивы — перья, листья, попугаи, сирень, а главное — голуби. Площадь Мерсед, где жила семья, обрамляли платаны, на которых гнездись тысячи этих птиц. Дон Хосе без устали рисовал их, заполнял ими картины, гармонично включал в свои композиции.
Первые рисунки голубей сделаны Пабло в 9 лет (1890)
Спустя несколько лет, когда дон Хосе, очарованный талантами Пабло, постепенно передавал ему свои кисти, он первым делом уступил сыну… лапки своих голубей. Однажды вечером дон Хосе ушел, оставив сына заканчивать натюрморт. Вернувшись, он увидел завершенную работу. И птичьи лапки выглядели так живо, что взволнованный отец отдал Пабло свою палитру, кисти и краски. Решил: сын талантливее, поэтому сам он больше не будет рисовать.