Современное искусство

Несколько пикетито (несколько небольших нарезок)

Одно количество пикетов (1935)

Это яркое полотно было создано в 1935 году. В то время Фрида Кало прочитала газетный репортаж о том, что мужчина зарезал свою партнершу до смерти. На вопрос о преступлении мужчина ответил, что это «несколько мелких порезов».

Тогда Фрида решила изобразить эту сцену в очень тревожном произведении искусства. В нем художник изображает обнаженное, окровавленное и безжизненное тело женщины в постели. Рядом с ней муж с легкой улыбкой в руке держит нож.

По всей комнате следы крови, в том числе на холсте нарисована какая-то рамка. Выше также есть две птицы, которые держат знамя с надписью: Одно количество пикетов.

В этой работе мы видим важность искусства в общественной и повседневной жизни. Художница использовала свои работы, чтобы занять позицию и осудить многочисленные случаи убийства женщин, которые долгое время называли «преступлением на почве аффекта»

Художница использовала свои работы, чтобы занять позицию и осудить многочисленные случаи убийства женщин, которые долгое время называли «преступлением на почве аффекта».

Этот вид преступлений, которые мужчины совершают против женщин из-за чувства «одержимости», в настоящее время называется фемицид.

Картина имеет размеры 30 х 40 см и является частью коллекции музея Долорес Ольмедо в Мексике.

Примечания и ссылки

Произносить: «Пит Мон-дри-анн».
(in) на britannica.com (по состоянию на 21 мая 2018 г. ) .
, с. 28.
, с. 128.
, с. 121.
, с. 17.
, с. 124.
↑ и Эрик Биетри-Ривьер, «Мастерская столицы, парижский тропизм», Le Figaroscope , неделя с 22 по 28 марта 2017 г., стр. 3.
Мондриан , , в части «Искусство строительства» Сержа Лемуана, параграф 2, «От кубизма к абстрактному искусству», с. 32 .
.
, стр. 8.
Мондриан , издание Центра Жоржа-Помпиду , Париж, 2010, в части «Искусство строительства» Сержа Лемуана, абзац 3, «С 1914 по 1919 год, Исследования», стр. 32 .
↑ и .
.
Марк Триле, « Дада Лион: доктор Эмиль Малспайн » Память Лионской академии, 4- я серия, т. 4, 2004 г. ,2005 г., п. 227-234.
.
↑ и , с. 85.
Жан-Р. Герран, Сувенирный производитель седел. Полвека в Hermès , Париж, Éditions Olivier Orban, 1987.
, с. 21.
, стр. 2.
Пит Мондриан, French Writings , Париж, Editions du Centre Pompidou,октябрь 2010, 240 с. ( ISBN 978-2-84426-453-4 ).
Пит Мондриан ( перевод с голландского из Бельгии), Естественная реальность и абстрактная реальность , Париж, Editions du center Pompidou,октябрь 2010, 96 с. ( ISBN 978-2-84426-488-6 ).
Сьюзан Дайчер и Мишель Шрейер, Пит Мондриан, 1872-1944: строительство в пустоте , Лондон, Париж, Ташен ,2000 г.( ISBN 978-3-8228-6175-2 ).
Цитируется , стр. 29.
Damisch Cadmium Yellow Window , 1984: Пробуждение взгляда .
: Париж, 26 rue du Départ и Нью-Йорк, 15 East 59th Street.
Цитируется , стр. 31: Мондриан, 1931, L’art nouveau, la vie nouvelle (Культура чистых отношений) . В Мондриане, 1986, Новое искусство — Новая жизнь: собрание сочинений Пита Мондриана , Гарри Хольцмана и Мартина Джеймса (редакторы): Лондон: Темза и Гудзон, c1987 ( ISBN 0-500-60011-2 ) ; Нью-Йорк, Да Капо, 1993; Темза и Гудзон, 1999.
, с. 86.
Раймон Гвидо, История дизайна: 1940–1990 , Хазан,1994 г., стр. 27
↑ et Дольф ХУЛЬСТ, Мондриан, Школа Гааг-де-Стидж , Париж, Буккинг Интернешнл,1994 г., 200 с. ( ISBN 978-2-87714-247-2 ).
.
.
.
Мондриан с 1892 по 1914 год. Пути абстракции , Собрание национальных музеев, 2002, с. 68 .
.
.
.
.
.
↑ и .
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.
.

«De Stijl». Неопластицизм

В 1917 году Дусбург и Мондриан основали группу De Stijl (голл. «стиль») и запустили одноимённый журнал. В группу помимо основателей вошёл целый ряд нидерландских авангардных художников, дизайнеров, архитекторов и скульпторов, среди которых Барт ван дер Лек, Вильмос Хушер, Геррит Ритвельд, Якобс Йоханнес Ауд, Жорж Вантонгерло и некоторые другие. Позднее к ним примкнули Константин Бранкузи, Эль Лисицкий, Джино Северини и Жан Арп.

Через журнал члены группы транслировали принципы и философию неопластицизма – направления абстракционизма, отторгавшего любые фигуративные элементы и стремящегося, по выражению Мондриана, к «выражению чистой пластики». Неопластицизм аскетичен и использует минимальное количество цветов: ахроматические, красный, жёлтый и синий. Догматичная палитра объясняется необходимостью «абстрагирования от естественного цвета в первоначальный цвет». Эта идея была позаимствована у философа и математика М.Г. Шунмакерса, предложившего ограничиться тремя красками в книге «Новый образ мира». Объём и изгибы изгнаны, допускаются лишь базовые геометрические формы – линии и точки. Мондриан, скрупулёзно разрабатывавший и шлифовавший свою теорию на протяжении всей жизни, призывал отказаться от всех форм выразительности в пользу «чистой» обобщённой формы.

Журнал «Стиль» был оформлен всецело в соответствии с эстетическими принципами группы. Реклама присутствовала только на внутренней стороне обложки, минималистичные иллюстрации были выполнены в мондриановской цветовой гамме. Подсчитано, что Мондриан обеспечивал порядка 70 % содержания ранних выпусков журнала. Он наконец-то получил возможность опубликовать все свои теоретические изыскания, начиная с 1909 года.

В 1919 году в Париже был опубликовано сочинение Мондриана «Неопластицизм», где подробно изложены основные тезисы. «Я выстраиваю линии и цветовые сочетания на плоских поверхностях, чтобы вполне осознанно передать общее представление о красоте», — писал Мондриан. Он верил, что при помощи простейших, но выверенных форм он сможет наиболее точно отразить вселенскую гармонию. Его тщательно продуманные композиции не имеют центра и буквально принуждают зрителя воспринимать картину в целом, не сосредоточиваясь на какой-либо детали или области полотна. Горизонтальные и вертикальные линии создают впечатление равновесия, но равновесия динамического. Несмотря на эмансипацию цвета в неопластицизме, с точки зрения художника именно форма определяет цвет: чем напряжённее линия, тем интенсивнее оттенок. Прямая линия сообщает цвету максимальную определённость.

В свою живопись Мондриан закладывал определённое социальное послание. «Прояснение идеи уравновешенности средствами живописи имеет огромное значение для человечества, — утверждал он. — Визуализация этой идеи должна показать, что, хотя человеческая жизнь в настоящее время обречена на хаос, она, тем не менее, в глубине своей основывается на уравновешенности. Люди поймут, что со временем уравновешенность и гармония смогут все более и более полно жить в нас».

В 20-е годы имя Мондриана уже у всех на слуху, его картины раскупают американские коллекционеры и попадают на престижные выставки. В 1926 году «Анонимное общество» — американская организация, возглавляемая Кэтрин Дриер, Марселем Дюшаном и Ман Реем – приобретает несколько работ Мондриана и организует выставку в Бруклине.

5. Эль Суэньо, Ла Кама (Мечта или Кровать)

Эль Суэно (Кровать), на португальском языке Мечта (Кровать), 1940

В этой работе 1940 года онейрическая вселенная сливается с идеей смерти. Здесь Фрида изображает себя спящей на кровати с балдахином, в той же модели, в которой она спала каждый день.

Художница лежит, а вьющееся растение обвивает ее тело как символ жизни. Однако на кровати в таком же положении лежит огромный скелет. Скелет служит напоминанием о том, что жизнь скоротечна и неизбежно приходит смерть.

Среда, в которую вставляется кровать, диффузная, без контуров, и кровать кажется плавающей. Это говорит о другом измерении или даже о том, что действие происходит в облаках.

Произведение также может иметь прямое отношение к выражению на латыни Somnus est frater mortis, что означает «Сон — брат смерти».

Важно подчеркнуть, что в Мексике фигура скелета и концепция смерти являются частью культуры и почитаются в так называемый «День мертвых», который ежегодно отмечается 2 января. Может быть, поэтому Фрида оправдывает этот экран, говоря, что это «забавное напоминание о смертности», которому все мы подчиняемся

Может быть, поэтому Фрида оправдывает этот экран, говоря, что это «забавное напоминание о смертности», которому все мы подчиняемся.

Размер работы 74 х 98 см, находится в частной коллекции.

Композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим (1921)

В 1920-х годах Мондриан начал создавать абстрактные картины, благодаря которым он наиболее известен. Он ограничил свою палитру белым, черным, серым и тремя основными цветами, при этом композиция была построена из толстых черных горизонтальных и вертикальных линий, которые очерчивали контуры различных прямоугольников цвета или резерва

Упрощение изобразительных элементов было важно для создания Мондрианом нового абстрактного искусства, отличного от кубизма и футуризма. Разнообразные цветовые блоки и линии разной ширины создают ритмы, которые текут и текут по поверхности холста, отражая разнообразный ритм современной жизни

Композиция асимметрична, как и во всех его зрелых картинах, с одним большим доминирующим цветовым блоком, здесь красным, уравновешенным распределением вокруг него более мелких блоков желтого, сине-серого и белого цветов. Этот стиль цитируется многими художниками и дизайнерами во всех аспектах культуры с 1920-х годов.

Наследники

Mondrian является одним из главных деятелей искусства XX — го века , мир современного искусства , и за его решающий вклад в зарождающейся абстрактной живописи, но и влияние его работы в таких разнообразных областях , как архитектура, декоративно — прикладного искусства , мебель, мода, графика или промышленный дизайн. « Неопластицизм был общим языком, к которому стремились основатели журнала De Stijl , способного проявлять себя во всех областях поэзии — благодаря Энтони Коку, который сводит язык к его основным элементам, слову и букве — к архитектуре. и мебель: кафе De Unie (nl) ( Роттердам , 1925) JJP Oud , дом Шредера (Утрехт, 1923-24) Геррита Ритвельда (архитектор и дизайнер ) или его синий стул и красный (1918) входят в число самый образцовый. «. Сам журнал был привилегированным носителем неопластических практик в области графического дизайна.

Бесчисленные художники, и не только художники, архитекторы и дизайнеры, но и режиссеры, такие как Жан-Люк Годар (в частности, в « Пьеро ле Фу» в 1965 году) или великий кутюрье Ив Сен-Лоран и его платье Мондриана , созданное в 1965 году, ссылались на Мондриана. 1920-1940 годов. Рационализм бескомпромиссной работы Мондриана принесла ему «претендуют некоторых современных художников , работающих в рамках конкретного искусства , в оптическом искусстве , в минимальной искусства и т.д.)»

Дизайн и потребительские товары также вдохновлены работами Мондриана. При создании в 1985 году линии продуктов L’Oréal для укладки Studio Line использовалась упаковка, вдохновленная картинами Мондриана. Она очень долго сохраняет этот дизайн и сегодня делает выбор в пользу упрощенного дизайна.

Биография Пита Мондриана

Питер Корнелис Мондриан родился 7 марта 1872 года в городе Амерсфорт, Голландия. Он был сыном директора школы и вырос в среде кальвинистов.

Его отец ожидал, что он продолжит карьеру педагога, однако после того, как он получил высшее образование в области техники Мондриан отказался преподавать и в 1892 году поступил в Амстердамскую академию изящных искусств.

Портрет Пита Мондриана

Его ранние работы были фигуративными, они изображали пейзажи, такие как мельницы, фермы и деревья. Среди художников, оказавших на него влияние в этот период, — Винсент Ван Гог и Сёра.

Он стал заниматься теософией в 1908 году, начав изучать мистические концепции буддистов и других орденов, которые раскрываются в его картинах.

Он переехал в Париж, Франция, три года спустя, развивая интерес к кубизму Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Таким образом, его работа начинает демонстрировать геометрические элементы, но по-прежнему с использованием образных форм.

Художник возвращается в родные Нидерланды, Нидерланды, в годы Первой мировой войны (1914-18). Там он общался с другими художниками, такими как Тео ван Дусбург, и в 1917 году они создали движение. Stijl, с португальским переводом «O Estilo».

В этом движении люди верили в чистое и объективное искусство, в котором использовались четкие линии и цвета для передачи универсальных концепций. Это был принцип неопластицизма, абстрактного художественного течения, величайшим представителем которого является художник.

После войны он вернулся в Париж и выставил очень сбалансированную постановку. Он обретает финансовую стабильность и фактическое признание примерно в 1925 году, когда он начинает выставлять свои работы в музеях и галереях.

В последние годы жизни жил в США, в Нью-Йорке. Таким образом, культурная и динамичная жизнь города влияет на его живопись. Пит Мондриан умирает в возрасте 71 года на Манхэттене, штат Нью-Йорк, 1 января 1944 года.

Вам также может быть интересно:

новообразование
Современное искусство
Европейский авангард

Нью-Йорк I (1942).

Нью-Йорк I«Нью-Йорк», или, скорее, серия работ, позже объединенная под названием «Нью-Йорк», знаменует начало нового этапа в творчестве Мондриана. Черные линии исчезли вместе с прямоугольниками основного цвета, которые, начиная с «Композиции: цветные плоскости с серыми контурами» 1918 года, образовывали сплошную плоскую целостность с линиями и белым цветом, который раньше был фоном. Вместо этого линии основных цветов – желтого, а также красного и синего – пересекают квадратный холст, переплетаясь друг с другом.

По большей части желтые линии пересекают линии других цветов, но кое-где красные и синие линии самым тонким образом пересекают желтые. Однако этот стиль не порождает иллюзорного пространства; цветные полосы накладываются и перекрывают друг друга на поверхности, на глазах у зрителя. Вполне разумно принять предложение Мишеля Сефора и приписать этот эффект пересечения и переплетения методу Мондриана задумать и проработать эти картины: он использовал полоски цветной бумаги и перемещал их по холсту, чтобы получить желаемый эффект. Таким образом, он почти автоматически представил перекрестные варианты и идею переплетения цветных полос.

Влияние на мировую культуру

В 1938 году Мондриан сбежал от нарастающей фашистской угрозы в Великобританию. В Лондоне он приступил к работе над масштабными композициями «Трафальгарская площадь» и «Площадь согласия». После начала Второй мировой войны и падения бомбы на соседний дом, художник всерьёз испугался за свою жизнь и принял решение покинуть Европу навсегда. Осенью 1940 года он поселился в Нью-Йорке. Его работы попали в экспозицию печально известной нацистской выставки «Дегенеративное искусство», что, впрочем, ничуть не расстроило художника – он принял это как похвалу.

В США художника приняли действительно тепло, пресса назвала его «одним из величайших беженцев Европы».

В 1942 году в Галерее Дуденсинг в Нью-Йорке состоялась первая и последняя прижизненная ретроспективная выставка работ Мондриана.

В 1943 году Мондриан написал картину под названием «Победа буги-вуги». Сегодня она считается воплощением неопластицизма и квинтэссенцией фирменного мондриановского стиля. В этой картине он достиг совершенства несмотря на то, что она осталась незавершённой. «Победа» оказалась самой последней работой художника, в конце 1943-го он попал в больницу с воспалением лёгких. 1 февраля 1944 года он скончался.

Первым музеем, решившим включить работу Мондриана в постоянную экспозицию, оказался Национальный музей Сербии.

В 1965 году выдающийся дизайнер Ив Сен Лоран создал платье, вдохновлённое «Композицией с красным, жёлтым, синим и чёрным», которое принесло ему славу и стало визитной карточкой Модного дома.

Сегодня Мондриан единодушно признан отцом-основателем абстрактного искусства наряду с Кандинским и Малевичем. Но его влияние на мировую культуру выходит далеко за рамки изобразительного искусства и охватывает все виды дизайна, типографию, архитектуру.

Композиция № 10 (Пирс и океан, 1915)

В «Композиции номер 10» Мондриан достиг полного развития своей неопластической, нерепрезентативной формы. Многие из его картин содержали основные элементы взаимосвязанной сетки черных линий и блоков трех основных цветов. Хотя элементов было немного, он изменил структуру каждого из элементов таким образом, что смог создать из каждого разную эстетику. Именно в этот более поздний период своей работы Мондриан работал до тех пор, пока у него не покрывались волдырями руки или он не заставлял себя плакать. В это время он также перестраивал и раскрашивал свою квартиру-студию на Манхэттене с использованием аналогичной сетки и блоков, которые он менял и перекрашивал после завершения определенных холстов или проектов.

Особенности и противоречия

Мондриан говорил, что единственное гениальное изобретение XX столетия – это скотч (появившийся в 1921 году). С его помощью он и создавал свои знаменитые «решётки», наклеивая тонкие полоски на холст и закрашивая свободное пространство. При этом он мог трудиться над одной картиной месяцами, применяя математический расчёт и нанося слой за слоем, до тех пор, пока не получал удовлетворяющий его результат. Математика провозглашалась основой эстетического впечатления. В 1914 году Мондриан заявил о желании сделать абстрактное искусство классическим, сопоставимым с «архитектурой древних дреков». В его записных книжках можно обнаружить воображаемые диалоги со старыми мастерами: «Рембранд, мы идём не в том направлении, не так ли?». С точки зрения художника, его современники-абстракционисты якобы чересчур увлекались декоративизмом, он же стремился совместить традиции и инновации, сделать так, чтобы абстракционизм выглядел логическим продолжением эволюции живописи.

Дэвид Шапиро полагает, что своими теоретизированиями Мондриан временами загонял себя в угол и обнаруживает у него некоторые противоречия между теорией и практикой. Так, в период с 1899 по 1910 и позднее, в начале 1920-х, художник создал целый ряд акварелей с изображениями цветов, напоминающих своим сочетанием скрупулёзной детализированности и нейтрального фона ботанические иллюстрации. «Если состоятельная публика требует натуралистического искусства, то художник может использовать свои навыки, чтобы писать такие картины, но их нужно ясно отличать от самостоятельного творчества», — утверждал Мондриан. Между тем, в его доме имелась стена, на которой он развешивал свои цветочные акварели и которую он показывал только близким друзьям.

Шапиро пишет: «Меня страстно увлекли Мондриановские цветы как пример того, что кажется чувственным в работах, в которых чувственность подавляется». Дэвид Сильвестр рассматривает акварели художника как способ фокусирования на внутреннем мире, в то время как абстракции адресованы миру внешнему. Мондриановские абстракции парадоксальным образом отмечены влиянием реализма. Хэл Фостер отмечает, что «остатки референциальности» это именно то, что определяет и обосновывает абстракцию, спасая её от бессмысленности.

Все самые известные портреты Мондриана являются постановочными фотографиями, на которых художник позирует в интерьере своего парижского ателье или нью-йоркской студии. Британский искусствовед Фред Геттингс описывает мастерские Мондриана следующим образом: «Начиная с самой первой мастерской на улице дю-Депар в Париже, в мастерских Голландии и в последней мастерской на 59-й восточной улице в Нью-Йорке, внутреннее убранство до мелочей повторяло те строгие прямоугольники, которые преобладают в его картинах и которые сделали его знаменитым… он утверждал, что антикварные вещи, а ими художники любят загромождать своё рабочее пространство, превращая мастерскую в «музей старинного искусства», в действительности только мешают поддерживать контакт со своим временем».

Мондриан создал образ аскетичного, сурового и беспристрастного аналитика, вероятно, полагая, что именно таким его хотят видеть. При этом на создания своих наиболее зрелых и важных полотен его вдохновляли джаз – в особенности Луи Армстронг – и фильмы вроде «Серенады солнечной долины». Но самым наглядным доказательством противоречия между имиджем и сущностью Мондриана является огромная фотография Елены Блаватской, украшавшая стену в одном из его жилищ и висевшая среди монохромных прямоугольников.

После «Стиля»

Группа De Stijl распалась в 1931 году. Мондриан ввиду непримиримых разногласий с другими участниками покинул сообщество ещё в 1925. Он уединился в Париже и вёл аскетичный образ жизни, оставался довольно замкнутым, однако продолжал принимать активное участие в творческой жизни столицы. В 1929 году он вступил в группу Мишеля Сейфора и Торреса-Гарсиа «Круг и квадрат», в 1931 примкнул к движению «Абстракция – Творчество».

В том же году Мондриан приступил к новой серии полотен, в которой увеличил количество чёрных параллельных полос. Два года спустя была написана знаменитая «Композиция с жёлтыми линиями», на которой разноцветные линии разной ширины пересекают белый ромб. Затем последовал цикл «решёток» с плотно сгруппированными пересекающимися линиями (характерная работа этого цикла – «Композиция с красным и синим», 1937).

В 20-е годы благодаря своей деятельности в «Стиле» Мондриан получил довольно широкую известность и признание в художественных кругах, однако это никак не отразилась на его плачевном финансовом состоянии. В 1936 году его фамилия попала в список «бедствующих интеллектуалов», ежегодно составляемый Союзом благотворительных организаций Парижа.

Кем была Фрида Кало?

Портрет Фриды Кало. Здесь она появляется в серьгах Пабло Пикассо.

Магдалена Кармен Фрида Кало и Кальдерон, Фрида, родилась в 1907 году в деревне Койоакан, недалеко от Мехико. Его отец был немецким фотографом, а мать — мексиканкой.

В жизни артиста было несколько трагических эпизодов. Когда ему было 6 лет, он заболел полиомиелитом.

Затем, в 18 лет, она попала в серьезную аварию в трамвае, когда она долгое время была прикована к постели и с тех пор начала рисовать.

В 1928 году он вступил в Коммунистическую партию Мексики и там познакомился с художником по росписи Диего Риверой, в которого влюбился, и у него началась долгая семейная история.

Фрида посвятила себя живописи всю свою жизнь, и помимо создания произведений искусства, она также была преподавателем в Мехико в Национальной школе живописи и скульптуры «Ла Эсмеральда» (La Esmeralda).

13 июля 1954 года в возрасте 47 лет Фрида умирает от пневмонии.

Чтобы также узнать о важных работах других художников, прочтите:

Самые известные картины в мире
Работы Портинари, которые вам нужно знать
Модернистские работы Тарсила ду Амарал
Произведения Сальвадора Дали, которые произведут на вас впечатление
Важные произведения кубизма

Примечания

Для получения дополнительной информации об утерянном оригинале Караваджо см. Мина Грегори, «Мальчик, который чистит фрукт», в книге « Караваджо и его время », каталог выставки (Неаполь, Национальный музей Каподимонте), Милан: Electa, 1985, стр. 200- 203, а также Франко Палиага, «От Винченцо Кампи и Бартоломео Пассеротти до Феде Галиции и Панфило Нуволоне», итальянский натюрморт между шестнадцатым и восемнадцатым веками , каталог выставки, кураторами которой были Мина Грегори и Иоганн Георг Принц фон Гогенцоллерн (Мюнхен, Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung), Милан: Electa, 2002, стр. 88.
Фердинандо Болонья, недоверие Караваджо и опыт естественных вещей , Турин: Боллати Борингьери, 1992, стр. 298.
Фердинандо Болонья, Неверие Караваджо … соч. цит. , стр.298.
Мина Грегори, «Два выезда в Ломбардию за натюрмортом», в итальянском натюрморте между шестнадцатым и восемнадцатым веками , каталог выставки под редакцией Мины Грегори и Иоганна Георга Принца фон Гогенцоллерна (Мюнхен, Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung), Милан : Электа, 2002. С.28.