БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА
Питер Пауль Рубенс родился в Германии, в 1577 году, в семье фламандского юриста, по религиозным мотивам покинувшего родной Антверпен. Отец умирает через год после его рождения, а через 10 лет семья возвращается в Антверпен, где у матери есть собственность и скромные средства для жизни. Рубенс начинает пажескую службу в графском доме и скоро проявляет такой горячий интерес к рисованию, что его матери приходится уступить ему, несмотря на собственные планы образования сына. Весной 1600 года будущий гений отправляется навстречу солнцу живописи, сияющему из Италии.
Вернувшись в Антверпен на похороны матери, он остаётся на Родине и принимает предложение стать придворным живописцем эрцгерцога Альберта и инфанты Изабеллы.
Его острый ум, блестящая образованность и природный такт делали его неотразимым в любом общении. В 1609 году он женится на дочери статссекретаря Изабелле Брант, по горячей, взаимной любви. Их союз длился до 1626 года, до безвременной смерти Изабеллы, и был полон счастья и гармонии. В этом браке родились трое детей.
Биографы и исследователи творчества Рубенса единодушно отмечают его необычайную свободу в живописи. При этом никто не мог упрекнуть его в нарушении канонов или дерзости. Его полотна производят впечатление откровения, полученного им от самого Творца. Сила и страстность его творений и по сей день внушают зрителям благоговейный трепет. Масштабность картин в сочетании с изумительным композиционным мастерством и тонко прописанными деталями создают эффект погружения души в произведение искусства. Все тонкости переживаний, вся гамма человеческих чувств и эмоций были подвластны кисти Рубенса, соединяясь с мощной техникой художника в его творениях, большая часть которых счастливо сохранена до наших дней. Рубенс создал собственную школу, считавшуюся лучшей в Европе. Не только художники, но и скульпторы, и гравёры обучались у Мастера. Антонис Ван Дейк и продолжили его славу.
В 1630 году он вновь женился на юной Елене Фоурмен (Фаурмент), дальней родственнице покойной жены. Она подарила ему пятерых детей. Семья живёт за городом, и Рубенс пишет много пейзажей, сельских праздников на лоне природы. Он вновь счастлив и умиротворён. Его зрелое мастерство становится величественным и близким к абсолютному совершенству.
Позже начинают сказываться годы непрерывного труда, Рубенса мучает подагра, руки отказываются подчиняться.
30 мая 1640 года в полном блеске славы и в расцвете таланта Питер Пауль Рубенс покидает земной мир. Его похоронили с невиданными почестями, а в знак признания величия его заслуг перед гробом несли золотую корону.
Технические тонкости работы
«Похищение дочерей Левкиппа» стала одной из самых известных картин Питера Пауля Рубенса. Она была написана в 1617-1618 годы. Это одно из тех творений мастера, что в полной мере демонстрирует виртуозное умение Рубенса изображать динамику и экспрессию, при этом выстраивая сложнейшую композиционную структуру.
Если взглянуть на картину, сразу можно отметить некую “запутанность” образов и деталей. Но это сделано живописцем намеренно. Рубенс изобразил самый сложный момент сюжета мифа – тот миг, когда Кастор и Поллукс на конях примчались к месту, где прогуливались девушки. Своих возлюбленных они подхватывают на руки, но, несомненно, для самих дочерей Левкиппа это событие стало полной неожиданностью.
Взгляды девушек обращены к небу. Вероятно, они молят богов о спасении
Посмотрите на лица девушек – их взгляды обращены к небу. Вероятно, они молят богов о спасении. Они не представляют, что ждёт их впереди. Сёстры считали, что их жизнь будет спокойной и размеренной, однако Кастор и Поллукс разрушили все надежды.
Здесь нет никакой радости встречи и, конечно, ни о каких чувствах девушек к молодым людям говорить не приходится. При этом стоит присмотреться к шеям коней – на них повисли маленькие амуры. Каждая из фигур этих божеств любви занимает особое место. Все они являют собой круг, который практически идеально располагается на квадратном поле.
Как я уже заметила, картина имеет диагональную композицию. При этом Рубенс мастерски изобразил пространство, указав точки опоры. Их целых три, причём располагаются они в разных участках полотна. За счёт этих “статичных” деталей композиция кажется цельной, полной и яркой.
Кастор и Поллукс, миф о которых лёг в основу сюжета картины РубенсаРимская скульптура, около 10 года до нашей эрыМестонахождение: Музей Прадо, Мадрид, Испания
Сатурн, пожирающий своего сына. 1636
Тревожная картина Рубенса, изображающая Сатурна (Кроноса в греческой мифологии), пожирающего своего сына, вызывает у зрителя шок и настоящий ужас. Согласно легенде, Сатурну пророчили смерть от руки своего сына, с тех пор он пожирал каждого из своих детей. Художник, казалось, запечатлел за этим занятием древнего бога. Искаженное лицо ребенка источает боль от ужасного укуса его родителей, и кажется, что его крик слышен. Реалистичность происходящего, зеленовато-голубые тона картины делают ее по-настоящему устрашающей, от которой ускользает холодок. Вызвать такие чувства у зрителя с изображения может только настоящий мастер.
File history
Click on a date/time to view the file as it appeared at that time.
| Date/Time | Thumbnail | Dimensions | User | Comment | |
|---|---|---|---|---|---|
| current | 18:28, 5 February 2016 | 1,418 × 2,952 (400 KB) | Alonso de Mendoza | Mejor colorido | |
| 09:30, 1 December 2010 | 1,444 × 3,051 (2.04 MB) | Aavindraa | hres | ||
| 06:37, 28 March 2007 | 500 × 1,065 (130 KB) | Arbeiterreserve | Higher resolution | ||
| 15:32, 27 February 2007 | 188 × 400 (14 KB) | Yomangani | {{Information |Description=»Saturn devouring his son» |Source=http://www.fineartprintsondemand.com/images/prints/400/36857.jpg |Date=1636 |Author=Peter Paul Rubens |Permission=PD — old artwork |other_versions= }} |
Samson and Delilah
Mythological and religious paintings: Peter Paul Rubens, Sampson and Delilah, 1609-1610, National Gallery, London, UK.
The tragic story of Samson and Delilah comes from the Old Testament. Samson, a Jewish hero, was blessed by god with superhuman strength, which he used to fight the Philistines. To extract revenge on him, the Philistine leaders bribed Samson’s lover, Delilah, to learn the secret of his strength. After many attempts, he finally revealed to her that his strength rested in the length of his hair. So, one night while he was sleeping, Delilah’s accomplice cut Samson’s hair while solders waited outside to arrest him.
This moment of betrayal is what Rubens portrays here. Samson rests peacefully on Delilah’s lap. His huge body, now that he is asleep, seems vulnerable. The sensual young woman disheveled and half-naked after making love looks down on him while an accomplice snips away at Samson’s hair.
While Rubens is mostly accurate to the biblical text, he added the figure of old woman behind Delilah to show that one day she will lose the beauty that seduced Samson and spelled his demise.
Rubens spent 8 years in Italy studying the Italian masters and Greco-Roman sculpture. For example, he was fascinated with the works of Michelangelo and Caravaggio. In this piece, we see the rich musculature of the Torso Belvedere in the body of Samson, as well as an echo of Michelangelo’s Night in the figure of Delilah. Caravaggio’s dramatic lighting envelops the scene.
Персей и Андромеда (масло, масло 99×139 см). 1622
Государственный Эрмитаж обладает воистину уникальным шедевром Питера Рубенса «Персей и Андромеда». Эта картина изображает кульминационный момент подвига Персея, когда он уже убил чудовище и освобождает прекрасную Андромеду. Андромеда изображена обнажённой, в знаменитом «рубенсовском» стиле. Её пышное, великолепное тело словно сияет на тёмном фоне. Из темноты к ней протягивает руку Персей, за ним — его крылатый конь Пегас. Поверженное чудовище, открыв пасть, лежит у ног героя. В руках Персея щит с головой Горгоны. Это она помогла Персею повергнуть чудовище.
Мастерство Рубенса видно в мельчайших деталях. Волнистые мазки на крупе лошади создают форму и придают шкуре натуральности. Безумное выражение лица Горгоны добавляет картине драматизма. Безупречный герой в римских латах награждается лавровым венком самой богиней победы Никой. Радостные Амуры суетятся у ног героев, а нежный румянец на щеках Андромеды предвещает чувства зарождающейся любви.
11
10 самых страшных картин: Франсиско де Гойя, Сатурн, пожирающий своего сына около 1820 г.
В начале XIX века Испания пыталась избавиться от Жозефа Бонапарта, который был посажен на испанский трон своим младшим братом Наполеоном в 1808 году. Результатом стала ожесточенная война, которая сильно ударила по испанскому населению. Франсиско де Гойя создал атмосферу неопределенности и насилия на своей родине, создав 14 картин с пугающими мотивами, которые он назвал Pinturas negras («Черные картины»), между 1819 и 1823 годами, через несколько лет после падения Наполеона. Одна из этих работ изображает эпизод из греческой мифологии, в котором Кронос пожирает своего сына. Боясь, что его свергнет один из его детей, Кронос съел каждого из своих детей после их рождения.
Теодор Жерико, Отрубленные головы 1810 -е гг.
Когда Теодор Жерико представил свою знаменитую работу «Плот Медузы» на Парижском салоне в 1819 году, это вызвало скандал. Это произошло потому, что в произведении были изображены реальные и шокирующие события, произошедшие тремя годами ранее после того, как кораблекрушение у берегов Западной Африки привело к каннибализму среди выживших. Мало того, люди были изображены в ужасающей манере. Прежде чем приступить к работе над проектом, Жерико сделал для него несколько жутких эскизов, в том числе «Отрубленные головы».
The Elevation of the Cross
Mythological and religious paintings: Peter Paul Rubens, The Elevation of the Cross, 1610-1611, Cathedral of Our Lady, Antwerp, Belgium.
This huge altar piece, measuring 4,5 m in height, used to hang in the now destroyed Church of St. Walpurga in Antwerp. Nowadays, it sits in the Cathedral of Our Lady in the same city.
It is a triptych, which means the composition is arranged in three panels. On the central panel we see the main subject. The cross forms a diagonal axis spanning the canvas from the upper left to the lower right as the nine men struggle to rise it. We can almost hear them scream as they put in all their force. That is to say, this is a dramatic moment, a scene filled with action, as the cross is not raised yet. We cannot help but wonder, will they pull through?
Rubens reminds us of the human side of Jesus as he looks up in resignation. We can also see the blood trailing down his hands.
On the side panels there are some complimentary episodes. To the left, John and Mary watch the event of the central panel with quiet grief, in contrast to the crying women just below them. On the right, Roman soldiers are overseeing the whole operation. In the back, some men are crucifying the two thieves. Rubens united the scenes in the three panels through the landscape and the sky above.
Notice that the event has been portrayed with great religious accuracy, as it is told in the gospels. The theological earthquake caused by Luther’s Reformation some years before the painting urged the Catholic church to respond with is known today as the Counter Reformation. Historical accuracy of biblical events were of the orders given to artists.
Пейзаж с радугой (масло, 151×384 см). 1638
Среди грандиозных живописных полотен у Рубенса есть прекрасные пейзажи, которые только подчёркивают разносторонность художника. Пейзаж с радугой написан в последние годы жизни художника, когда он уже мог позволить себе отказаться от масштабных заказов и писать в удовольствие. Огромные просторы с лесами и полями, уходящими вдаль, захватывают всё четырёхметровое полотно. На переднем плане мирно пасущееся стадо коров, крестьяне занимаются своими обыденными делами по сбору урожая. Сельская идиллия после дождя подчёркивается радугой, раскинувшейся во всё небо. Волшебство и сияние облаков делают небо фантастически красивым. Радуга освещает тёплым светом верхушки деревьев, у леса в речушке плещутся гуси. После жизни в городе сельская жизнь Рубенса внесла в его творчество спокойствие и умиротворение.
Хотите посмотреть на самые известные и красивые пейзажи в мире? Most-beauty даёт вам эту возможность.
18
Сатурн, пожирающий детей — Сбитнев Сергей
В 1821 году художник Франциско Гойя создает одну из самых своих трагических и ужасающих картин — «Сатурн, пожирающий своих детей». В ней он пытается передать тоску и ужас перед течением времени и неотвратимым приближением собственной смерти. Лицо Сатурна, единственного действующего персонажа этой картины, искажено гримасой невыразимого ужаса перед собственным поступком. Он не просто приносит своего сына в жертву, а сам пожирает его. Безысходность и ужас бытия переданы здесь с неподражаемой силой. Сатурн пожирал своих детей, поскольку ему было предсказано, что один из них отнимет у него власть. В этом желании бога сохранить власть проглядывает нежелание перемен, неспособность принять что-то новое, но в то же время — попытка утверждения стабильности, в жертву которой и приносятся собственные дети.
Сатурн изображен в ключевой момент трагедии, когда он непосредственно пожирает одного из своих детей. Потрясающая сила воздействия этой картины связана с необыкновенным реализмом, лишенным какой-либо нарочитой стилизации, драматических эффектов или, напротив, сентиментальности. Огромное тело бога лишено четких очертаний, и его бесформенная фигура то ли сливается с первозданной тьмой, то ли пытается вырваться из этого фона. Лицо Сатурна не кажется ни суровым, ни злым, ни удовлетворенным. Оно скорее выражает космический ужас перед неизбежностью этого сверхчеловеческого и даже сверхбожественного поступка. Вылезшие из орбит глаза говорят о колоссальном усилии, с которым ему приходится заталкивать себе в рот и глотать окровавленное тело сына. Такова плата за власть над временем и пространством. Поскольку бог воплощает мир в целом, ему приходится не просто жертвовать своими детьми, но ради обновления мира убивать собственного сына и пожирать его. Сын умирает, чтобы отец смог возродить или преобразовать мир. Отец поедает плоть собственного сына, чтобы обосновать ритуал причастия, необходимый для возрождения и обожения человека. Бог-отец съедает сына и для того, чтобы подтвердить свой божественный статус: съедая бога, становишься богом (ты — то, что ты ешь).
В то же время цветовая гамма картины дает еще один ключ к ее пониманию. Вся она построена на сочетании трех основных цветов — черного, белого и красного. Однако именно они обозначают и три этапа алхимического Делания (nigredo, albedo, rubedo). Хорошо известно, что в алхимии тайна Сатурна занимает центральное место. В старинных алхимических трактатах именно с ним связываются тайны материи и трансмутации. По словам известного алхимика ХХ века Фулканелли, Сатурн является «истинным золотом» и он — тот самый «камень, имя которого Философы называть не вольны». Сатурн, связанный с черным цветом и свинцом, в то же время оказывается царём Золотого века (Кронос у греков). В этом непротиворечии следует искать разгадку тайны алхимии.
Миф о пожирании Сатурном детей объясняется в алхимии как действие универсального растворителя. Пернети, например, использует алхимическую символику в процессе мифореставрации этого сюжета: «И если утверждалось, что Сатурн съел собственных детей, то это значит, что, будучи первоначалом и первоматерией металлов, он единственный имеет способность и свойство полностью растворять их и обращать их в свою собственную природу». В мифе сообщается, что вместо Юпитера ему подсунули камень. Проглоченный камень, находящийся внутри Сатурна, — это и есть философский Камень в стадии nigredo (чернота). Поэтому считается, что Сатурн содержит в себе Камень (или Золото) скрыто, и его следует добыть при помощи Делания. Алхимики называли это так: «Царь погребен в Сатурне». На картине Гойи как раз и изображены боль и страдание материи во время трансмутации. За разрыванием и пожиранием материи должно последовать очищение и возрождение, как и в ритуалах посвящения. Однако на картине Гойи мы видим только начальную стадию инициации и победу смерти и хаоса.
http://warrax.net/daimon/01/html/11.html
Выбор пути
Спустя год Пауль Рубенс понял, что больше всего его привлекает живопись. Он сообщил об этом своей матери, хотя единственным его опытом в искусстве до 14 лет было создание копий гравюр на библейские темы (ничего не сохранилось). С этого момента и началась биография художника Рубенса.
Наставниками Питера Пауля Рубенса на его родине стали следующие художники:
- Тобиас Верхахт (дальний родственник). Уроки с ним длились недолго: между учителем и учеником не было общего языка;
- Адам ван Ноорт, самый опытный и известный в обществе. Рубенс проучился в своей мастерской четыре года;
- Отто ван Вин (с 1595 г.), он же Вениус, самый выдающийся художник Антверпена того времени, изучавший искусство в самой Италии. Это оказало на молодого художника значительное влияние: привило ему чувство прекрасного, в том числе научило любить античную классику, а также убедило в необходимости покровителей — без них талант невозможно пробить.
В 1598 году Пьетро Паоло был принят учителем в Gilda di San Luca, профессиональную ассоциацию художников. Я начал давать уроки, но у меня не было собственной студии. Он продолжал работать с Вениусом и совершенствовался — начав учиться рисованию сравнительно поздно, Рубенс не рано развился как профессионал, он созрел в убеждении, что недостающие знания и навыки он получит только в Италии.
Портрет Сюзанны Лунден под названием «Соломенная шляпа» — это картина Питера Пауля Рубенса, хранящаяся в Национальной галерее в Лондоне. Вероятно, он был написан в период 1622-1625 гг.
Женщина на портрете достоверно не опознана, но, скорее всего, это Сюзанна Ланден, старшая сестра будущей второй жены Рубенса, Хелены Фурмент. Если идентификация верна, портрет, вероятно, относится к браку Сюзанны со вторым мужем, Арнольдом Лунденом, в 1622 году.
На картине изображена пожилая женщина, смотрящая вперед. Он прикрывает глаза от света свечей. Мальчик, стоя немного позади нее, поднял свечу, чтобы зажечь ее. Панно написано в стиле Караваджо, работы которого Рубенс видел в Италии. Для этого стиля характерны потрясающие световые эффекты и натурализм.
Рубенс писал эту картину не для продажи. Вероятно, он использовал его в качестве учебного материала для студентов в своей собственной
Франсиско Гойя «Сатурн, пожирающий детей»
В 1819 году старый, измученный болезнями, разочаровавшийся в жизни, Франсиско Гойя приобрёл в окрестностях Мадрида дом, известный как «Вилла глухого». Великий художник страдал глухотой, страдал давно и безнадёжно, и возможно, именно поэтому имя дома сохранилось в истории, но название своё он получил всё-таки от прежнего владельца, Антонио Монтаньеса, который тоже ничего не слышал. Вероятнее всего, эта мрачная двусмысленность стала дополнительной приманкой для Гойи, искавшего укрытия от жизненных треволнений. Наполеоновское нашествие, падение королевского дома Бурбонов, буржуазная революция, герилья – освободительная война испанского народа против французов, реставрация монархии…
Испанская история первой четверти XIX века была богата на события и Франсиско Гойя был активным их участником. Но его свободолюбивые ожидания не оправдались, всё вернулось на круги своя, и даже печально знаменитая испанская инквизиция, упразднённая Наполеоном, была восстановлена и возобновила свою деятельность. Потрясённый масштабом постигших Испанию бедствий, потоками крови, захлестнувших его Родину, потерявший веру в то, что человечество способно устроить справедливую и разумную жизнь, Гойя спрятался на «Вилле глухого», чтобы подарить миру целую галерею мрачных, чудовищных образов.
Сразу после покупки Гойя реконструировал этот двухэтажный дом, устроил в нём два больших зала, один над другим. Стены в этих залах были специально подготовлены для живописи. К тому моменту, как Франсиско Гойе, опасавшемуся преследований инквизиции, в 1824 году разрешили покинуть пределы Испании, здесь было 14 фресок, по 7 в каждом зале. В 1828 году кем-то из близких художника был составлен список этих фресок с указанием точного расположения в каждом из залов. Долгое время эти изображения оставались неизвестными для широкой публики и специалистов. Лишь в середине 70-х годов XIX века некий англичанин перенёс фрески на холст и начал предлагать их различным музеям для продажи. Сильнее всего фресками заинтересовался крупнейший испанский музей Прадо, который и приобрёл их. После реставрации работы Гойи были выставлены на всеобщее обозрение и одобрения публики не снискали. Список претензий был обширен. Одни были недовольны излишне мрачными сюжетами, других не устраивала «неряшливая» техника письма. Но времена, когда в живописи царили академический сюжет и фотографическая точность безвозвратно уходили, и скоро фрески с «Виллы глухого» были оценены по достоинству. «Виллу глухого», к сожалению, снесли в 1910 году.
Надо сказать, сюжеты этих картин действительно трудно назвать жизнерадостными. По ночам больного, разочарованного старика преследовали странные видения, причудливо переплетающиеся с действительностью. Ночные кошмары Гойя в течение дня переносил на стены своего дома, пугая домочадцев и немногих друзей угрюмой выразительностью этих образов. Так родилась Юдифь, застывшая над Олоферном с устрашающего вида ножом (а ведь библейский рассказ утверждает, что голова Олоферна была отрублена мечом); так родились «Бычьи пастухи», лупящие друг друга палками с таким увлечением, что оба уже ушли по колени в песок»; так появились фантасмагорические «Парки», «Асмодей», «Прогулка инквизиции»… Так рождается самая пронзительная фреска «Виллы глухого» – «Сатурн, пожирающий детей».
Древнегреческий миф рассказывает нам, что верховный бог Кронос, у римлян – Сатурн, боялся своих детей, один из которых, согласно пророчеству, должен был лишить его власти. Чтобы этого не случилось, каждого своего ребёнка он съедал сразу после рождения, причём, бессмертные, они были обречены вечно жить в его чреве. Этой участи избежал только Зевс. Вместо него Кронос проглотил завёрнутый в пелёнку камень, подсунутый матерью Зевса.
Каким же увидел Гойя жестокого бога, пожирающего своих детей? Ничего божественного нет в безобразном великане, заталкивающем в широко раскрытый рот кусок окровавленной плоти. Ничего божественного, и ничего человеческого нет даже в его глазах, пустых и бессмысленных. И разрываемое тело принадлежит явно не младенцу, это тело взрослого, сформировавшегося человека. Так что, нужно понимать, послание художника, зашифрованное в этой фреске, не ограничивается одним языческим мифом, а несёт нам какое-то новое знание о мире, о жестокости жизни, об опасности неограниченной, ничем не стеснённой силы.
Избиение невинных (Избиение младенцев)(масло, размер холста 142×182 см). 1610
После путешествия в Италию в 1607–1608 гг., вдохновившись работами мастеров ренессанса, Питер Рубенс написал серию грандиозных работ на библейскую тематику. Одним из шедевров этой серии является потрясающая картина «Избиение невинных». Это самое мощное по динамизму и трагизму изображение библейского сюжета об избиении младенцев по приказу царя Ирода.
Безжалостные воины с мечами буквально раздирают несчастных детей. Матери пытаются сопротивляться, но бесполезно. Трупами детей усыпана улица города. Защищая свою дочь и внука, пожилая женщина голыми руками схватила острый меч, но грязная кровавая рука убийцы схватила её за лицо и бросает на землю. Смотреть на эту картину без содрогания невозможно. Питер Рубенс показал весь ужас и сумасшествие этого страшного события.
2
The Consequences of War
Mythological and religious paintings: Peter Paul Rubens, The Consequences of War, 1637-1638, Palazzo Pitti, Florence, Italy.
Mars is heading to war, egged on by the Fury of discord, Alecto. Venus, Mars’s lover tries to stop him by grabbing him by the arm. Behind the goddess, the allegorical figure of Europe is desperate, flying her hands up in the sky almost on the verge of crying. Mars looks at Venus, but his powerful pose is unstoppable. His sword is already red with blood and he will soon trample on the figures that lay on the ground, two personifications of the arts and right behind them a terrified mother and child.
With great energy and drama, Rubens lays out the pain and suffering caused by war. He juxtaposes the beauty of Venus, representing peace, with the grotesque figure of Alecto. The painting was commissioned on the events of the Thirty Years War.
Сатурн, пожирающий своих детей
«Сатурн пожирает своих детей» (вариант названия «Сатурн пожирает своего сына») — знаменитая фреска Франсиско Гойи, написанная в 1820-23 годах. В конце XIX века художник Сальватор Мартинес Кубельс перенес ее на холст для банкира Эмиля д’Эрланжера, который хотел выставить шедевр Гойи на Всемирной выставке 1878 года во дворце Трокадеро в Париже и, если повезет, продать его. В это десятилетие импрессионисты заявили о себе во Франции, а солнечный свет и конденсированный воздух вошли в моду. Конечно, никто не захотел покупать меланхоличный «Сатурн», и поэтому в 1881 году он был передан в дар музею Прадо.
Частные коллекции
Сатурн. Агостино Ди Дуччо
Частная коллекция
Джорджио Вазари
Сатурн и Филира, 1559 г
Частная коллекция
Сатурн, пожирающий своего сына. Джамбаттиста Тьеполо
Частная коллекция
Сатурн. Симон Вуэ. Частная коллекция.
Пожалуй, самой позитивной картиной является нарисованная французским художником Вуэ Семёном — «Сатурн, побежденный Венерой, Амуром и Надеждой». В данном творении Кронос символизирует собой непрекращающееся течение времени. Однако качества, характерные для лучших людей, могут одержать победу даже над ним. К их числу художник отнес любовь, надежду и тягу к красоте. На создание шедевра у художника ушло немало времени — с 1645 по 1646 годы. Сейчас полотно хранится во французском городе Бурж, в музее Дю-Берри.
Пьетро Муттони. Кронос пожирает своего ребенка
Частная коллекция
Эльза Дакс. Рея и Кронос
Частная коллекция
Оскопление Урана Кроносом
Рубенс, этюд
Частная коллекция
Ян ван Кессель (I) .Сатурн, пожирающий своих детей
Частная коллекция
Хендрик Гольциус. Сатурн, пожирающий своего ребенка
Частная коллекция
Сатурн, пожирающий своего сына (около 1501 г.)
Частная коллекция
Что и говорить, Сатурн вдохновлял многих мастеров кисти. И каждый из них находил в легендах о нем то, что было близко по духу именно ему. Ну или создавал собственные мифы, опираясь на каноны.
Анализ картины Сатурн, пожирающий своих детей
Тема, на которой основано произведение «Сатурн, пожирающий своих детей», — разрушение и меланхолия по мнению психоаналитика Зигмунда Фрейда. Так как эти характеристики и черты встречаются в черных картинах. Они показывают ужасное выражение того, что происходит или вот-вот произойдет.
Художник Франсиско Гойя показывает нам образ ужаса каннибализма, который может произойти. Где бог Сатурн с его большим открытым ртом и большими черно-белыми глазами с выражением безумия берет уже изуродованное тело, чтобы доесть его. Это тело, полное крови, без головы, не что иное, как его собственный сын, которого Бог Сатурн съедает, чтобы убедиться, что он не отнимет трон, когда вырастет.
Работа связана с богом Сатурном, также известным как Хроно, хозяином времени. Скорее, он был правителем седьмого неба и святым покровителем всех людей, которым исполнилось семьдесят лет, как и Франсиско Гойя во время написания своей знаменитой работы «Сатурн, пожирающий своих детей».
С точки зрения психоанализа изучено, что сам акт поедания своих детей отражается в акте полового бессилия. Особенно, если тема противопоставляется другому известному произведению «Юдифь, убивающая Олоферна», где прекрасная Юдифь приглашает старого ассирийского царя Олоферна на развратный пир, где напояет его, а затем отрубает ему голову мечом. Эта работа стояла рядом с работами Сатурно, пожирающего своего сына, их разделяло лишь окно между ними.
В работе, когда бог Сатурн пожирает своего сына с телом взрослого человека, вместе с работой Юдифи, он дает нам познать изуродованное тело человека, к тому же живописец очень хорошо обрамляет его через техника светотени и освещения. Ноги бога сложены в черноте, образуя в зрителе сентиментальную пустоту.
Живописец в работе использует широкий диапазон оттенков между черным и белым. Именно я наношу их крупными пятнами цвета и в то же время очень густо. Эта солнечная техника нарушается охристым цветом плоти бога Сатурна и тела сына, окрашенного между красным и белым.
Многие утверждают, что художник Франсиско Гойя сравнил свою работу «Сатурн, пожирающий своих детей» с работой Рубенса, созданной в 1636 году в Торре-де-ла-Парада-дель-Паласио-дель-Пардо в Мадриде, но многие исследования между двумя работами показали, что тот, который сделал Гойя, более жесток, поскольку он лишил его мифологического предлога, используя технику экспрессионизма.
Услуги багетных мастерских
Большой выбор багета и паспарту, качественные материалы для оформления работ, современные технологии изготовления багетных рамок, творческий подход к оформлению, присущий нашим сотрудникам, небольшие сроки выполнения заказов – главные характеристики нашей багетной мастерской. В Москве много замечательнх багетных мастерских и наша мастерская занимает достойное место среди лучших из них.
Некоторые багетные мастерские предлагают полный сервис — от выезда сотрудников на дом или в офис для замеров и доставки готового заказа до монтажа оформленной картины на стене.
Виды работ багетных мастерских
- Рамы для картин
- художественные подрамники
- натяжка холстов
- зеркала
- рамки для зеркал
- изготовление паспарту
- антибликовое стекло 2 мм
- Оформление вышивки в рамку
- натяжка вышивки
- подвесные системы для картин
Мученик
Одна из самых пугающих картин в нашей подборке — «Свидетель» неизвестного художника. У этой картины есть своя история. Британец Шон Робинсон нашел его в доме, который достался ему в наследство от бабушки. Сама бабушка неоднократно говорила о паранормальных явлениях, происходящих в доме из-за картины. Она также упомянула, что картина осталась от одного из предыдущих жильцов дома — создатель смешал свою кровь с краской, чтобы написать шедевр, а затем покончил жизнь самоубийством после завершения работы.
Неизвестно, правда это или нет, но «Свидетель» не менее страшен, чем «Крик» Эдварда Мунка.
Гойя
Франсиско Гойя — ведущая фигура испанской живописи 1785–1820 годов. Достойный преемник таких великих мастеров как Эль Греко, Хусепе Рибера, Сурбаран и Веласкес, мастер жил в смутные времена, застав французскую революцию, войны и наполеоновские походы. Кроме того, в возрасте 46 лет Гойя начал страдать глухотой и периодическими приступами депрессии, что сказалось на его темном романтизме и фресках, известных как «черные картины», состоящие из кошмарных образов и изображений звериной жестокости. Также трудный период связан с серией гравюр «бедствия войны» (1810–1820). Мрачные работы представляют собой описание трагических событий, происходящих в Испании 1800-х годов. Стоит заметить, что ни одна из этих работ не была предназначена для публичного представления и не была похожа на портреты и религиозные работы, какие Гойя делал для испанского королевского дворца и знати.
«Союз Земли и Воды (Шельда и Антверпен)»
Питер Пауль Рубенс. «Союз Земли и Воды (Шельда и Антверпен)», около 1618 года, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург Public domain
С одной стороны, перед нами понятный мифологический сюжет. Союз двух стихий, Земли и Воды, гарантирует, что изображенный слева рог изобилия будет всегда полон. Но Рубенс писал эту картину во время перемирия между Голландией и Фландрией и заложил в нее еще и актуальное политическое высказывание.
Голландцы блокировали устье реки Шельды, которая связывала Антверпен с Северным морем. Без выхода к морю город утратил статус богатого портового центра и пришел в упадок. Обнаженная богиня плодородия Кибела олицетворяет здесь не только Землю, но и Антверпен, а Нептун — Шельду.
Рубенс призывает к миру, надеется на снятие блокады с реки и возрождение былой мощи родного города. Чтобы быть максимально убедительным в изображении преимуществ мира, он пишет травоядного тигра, который не собирается ни на кого нападать и тянет лапу к винограду.
В Эрмитаже, давним другом и партнером которого является Банк ВТБ, одна из самых значительных в мире коллекций фламандской живописи 17–18 веков: более 500 произведений. Из них около 40 принадлежат Рубенсу, увидеть их можно в зале № 247 главного музейного комплекса.