Виллем де кунинг биография

Синопсис

Родился в Роттердаме, Нидерланды, в 1904 году, Виллем де Кунинг улетел в США в 1926 году и поселился в Нью-Йорке. Во время работы в коммерческой сфере, в 1930-х годах, де Кунинг также развивает свой художественный стиль, изучая как рисование фигур, так и более абстрактных предметов. К 1940-м годам эти две основные тенденции, казалось, идеально слились, особенно в «Розовых ангелах». Де Кунинг стал известен своим изображением женщин, и женщины доминируют в его картинах на протяжении многих десятилетий. Позже де Кунинг исследовал ландшафты и даже скульптуру, прежде чем болезнь Альцгеймера сделала невозможным продолжение работы. Он умер в 1997 году в возрасте 92 лет.

Зрелый период и последующие годы

Де Кунинг продолжал работать с фигурой, превращяющююся в более абстрактную работу, ярким примером которой является Волна(The Wave). Абстрактные работы начали раскрывать присутствие в них человеческих форм, его два художественных подхода объединены в «Розовых Ангелов» 1945 года, один из его первых значительных вкладов в абстрактный экспрессионизм. Он быстро стал центральной фигурой движения.

В 1948 году проходит его первая персональная выставка в галерее Чарльза Эгана. Также в этот период он преподавал в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине и в Йельской школе искусства.

В 1950-х годах де Кунинг обратил свои абстрактные взгляды на пейзажную живопись, а серия «Абстрактные городские пейзажи» (1955-58 гг.), «Абстрактные пейзажи бульваров» (1957-61 гг.) и «Абстрактные пастушеские пейзажи» (1960-66 гг.) помогут определить эпоху в его художественная жизнь.

В 1961 году, де Кунинг стал американским гражданином и поселился в Ист-Хэмптоне, Нью-Йорк. Он продолжал работать в течение 1980-х, но начало болезни Альцгеймера уничтожило его память и ослабило способность к работе. После смерти жены в 1989 году, дочь де Кунинга ухаживала за ним до его смерти в 1997 году в возрасте 92 лет.

Sources

1. Fineberg, Jonathan. Art Since 1940: Strategies of Being. 3rd edition. Upper Saddle River, NJ: Pearson Education, Inc., 2011.
2. Gompertz, Will. What Are You Looking At? New York: The Penguin Group, 2012.
3. Lambert, Bruce. “Charles Egan, 81; Art Gallery Owner Helped de Kooning.” The New York Times. March 18, 1993. http://www.nytimes.com/1993/03/18/obituaries/charles-egan-81-art-galler…. Accessed January 29, 2018.
4. Russell, John. “Thomas Hess, Art Expert, Dies; Writer and Met Official was 57.” The New York Times. July 14, 1978. http://www.nytimes.com/1978/07/14/archives/thomas-hess-art-expert-dies-…. Accessed January 29, 2018.
5. The Art Story. “Charles Egan Gallery.” http://www.theartstory.org/gallery-egan-charles.htm. Accessed January 29, 2018.
6. The Metropolitan Museum of Art. “Black Untitled.” Collection. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/483878, Accessed January 29, 2018.

Mature Period and Later Years

Artistically, de Kooning kept on with his figure work while branching out into more abstract work as well, a notable example of which is The Wave. The abstract works began to reveal the presence of human forms within them, and his two artistic approaches merged in 1945’s Pink Angels, one of his first significant contributions to abstract expressionism. He he would quickly become a central figure in the movement.

In 1948, de Kooning would have his first solo show, at the Charles Egan Gallery. Also during this period, he joined academia, briefly teaching at Black Mountain College in North Carolina and at the Yale School of Art.

In the 1950s, de Kooning turned his abstract sights to landscape painting, and the series Abstract Urban Landscapes (1955-58), Abstract Parkway Landscapes (1957-61) and Abstract Pastoral Landscapes (1960-66) would help define an era in his artistic life.

In 1961, de Kooning became an American citizen and settled in East Hampton, New York. He continued working through the 1980s, but the onset of Alzheimer’s disease destroyed his memory and impaired his ability to work. After his wife died in 1989, de Kooning’s daughter cared for him until his death in 1997, at age 92.

The Early Works

Around 1928, de Kooning began painting still lifes and figures, but it wasn’t long before he was dabbling in more abstract works, clearly influenced by the likes of Pablo Picasso and Joan Miró. As a young artist, he would have an unbeatable opportunity in 1935, when he became an artist for the federal art project for the WPA (Works Progress Administration), through which he created a number of murals and other works.

In 1936, de Kooning’s work was part of a Museum of Modern Art (MOMA) exhibit titled New Horizons in American Art, an early career highlight, but the following year his job with the WPA came to an abrupt end, when he was forced to resign because he was not an American citizen. Soon after, de Kooning began a series of male figures, including Seated Figure (Classic Male) and Two Men Standing. Also during this period, de Kooning hired an apprentice, Elaine Fried, and she would sit as a female subject for such works as Seated Woman (1940). That would be the artist’s first major painting of a woman, and he would go on to be chiefly known for his decades-long work in depicting women in his paintings. Married in 1943, de Kooning and Fried would have a fiery, alcohol-soaked life together before separating in the late 1950s for nearly 20 years. In the mid-1970s, they would reunite and remain together until her 1989 death.

Black Untitled isn’t your average de Kooning, but it does reveal the beginnings of an illustrious career in the mid-century New York art scene.

Although this painting might not feature a terrifying woman, the human figure is just below the surface of the patches of black and white that dance across this canvas. Like his friend and fellow artist Arshile Gorky, figures remained central to de Kooning’s work, even if we think of him as an abstract artist.

This early example of de Kooning’s brand of abstraction is characteristic of his difficult first years as an artist. Early on, de Kooning worked in black and white commercial enamel paint simply because he was broke. As a Federal Art Project employee, de Kooning was only making a little over twenty dollars per week and picked up odd jobs for additional money. He needed a lot of paint, and he needed to buy it cheaply.

Despite his starving artist status, de Kooning continued to work hard. His signature melding of representation and abstraction took a while to finesse, and he was fine with that. You see, de Kooning was a bit of a late bloomer; whereas Jackson Pollock’s explosive life ended at age 44, this was exactly how old de Kooning was when he finally mounted his first show. But this actually wasn’t de Kooning’s first chance at a solo exhibition. A few years earlier, he had done the unthinkable: he refused an invitation to show his paintings at Peggy Guggenheim’s infamous gallery Art of This Century. Although Peggy Guggenheim was known for showing the best in modern and contemporary art, de Kooning didn’t jive with the dealer’s circle of chosen artist friends. He also wanted more time to perfect his newly-found style. After a few years, de Kooning was ready to make his big break.

This early example of de Kooning’s abstract work debuted in 1948 at the Charles Egan Gallery in New York, along with nine other black and white abstract paintings. The artist’s first solo exhibition finally happened twenty-two years after he moved to the United States from the Netherlands. But de Kooning’s debut was well worth the wait. Egan was known for exhibiting the works of Isamu Noguchi, Franz Kline, and Philip Guston. Later in 1955, the Charles Egan Gallery was also where Robert Rauschenberg’s Bed and other Combine paintings debuted.

Despite the gallery’s status, no paintings sold for the duration of the show. Egan extended the show for an extra month, and the Museum of Modern Art purchased one of de Kooning’s black and white paintings for a mere $700. With one painting already in MoMA’s already impressive collection, de Kooning soon sold another of these paintings to Thomas Hess, who was definitely a good guy to have on his side. Hess was an art critic, longtime editor of the acclaimed Art News magazine, and chairman of the Department of Twentieth-Century Art at The Metropolitan Museum of Art, even though he only worked for the Museum for five months before dying of a heart attack that happened right at his desk. Before his death, however, Hess devoted himself to such artists as de Kooning and Barnett Newman, helping them rise to the heroic status they still enjoy today.

Самые дорогие картины Ван Гога

Ирисы — 109,4 млн

Таинственный магнетизм «Ирисов» — не единственная загадка, однажды окружавшая эту картину. Первый рекорд стоимости она установила в 1987 году, во время очередного пика моды на Ван Гога, когда австралийский бизнесмен Алан Бонд отдал за нее $53,9 миллиона на «Сотбис».

ИрисыВан Гог

Бонд называл «Ирисы» «самой важной картиной в мире», но не смог расплатиться за нее полностью и три года спустя перепродал музею Гетти в Лос Анджелесе. Тут и начинается самое интересное

Представители скандально известной семьи Гетти до сих пор отказываются называть сумму, которую они заплатили за эту работу великого датчанина. Но пусть нынешняя оценка «Ирисов» и рассчитана крайне приблизительно, примерно с 50% погрешностью, они все равно считаются самой дорогой картиной Ван Гога.

Портрет доктора Гаше — 82,5 млн

«Желаю, чтобы меня кремировали вместе с этой картиной», однажды заявил Рюи Сайто, японский целлюлозный магнат, купивший «Портрет доктора Гаше» в 1990 году. Он отдал за нее $82,5 миллиона во время трехминутных торгов на «Кристис», но, к счастью, так и не был с ней похоронен.

Портрет доктора Гаше. Первый вариантВан Гог

Незадолго до самоубийства Ван Гог написал два портрета своего лечащего врача Поля-Фердинанда Гаше. Второй утерян, а первый едва не был уничтожен гитлеровским режимом как «дегенеративный».

Портрет доктора Гаше. Второй вариантВан Гог

Все эти факторы повлияли на высокую стоимость работы, которая вернулась в Европу после смерти Сайто. Дом «Кристис» выкупил «Портрет» обратно — за одну восьмую от тех самых $82,5 миллионов. Что, конечно, не повлияло на его фактическую ценность.

Вспаханное поле и пахарь — 81,3 млн

Даже терзаясь душевным и физическим недугом, Ван Гог продолжал находить красоту в обыденности. Поэтому картины, написанные им на пике болезни и незадолго до смерти, ценятся особенно высоко. «Вспаханное поле и пахарь», созданная художником в лечебнице для душевнобольных, последний раз продавалась на аукционе 2017 года, и итоговая ставка значительно обошла прогнозы.

Вспаханное поле и пахарьВан Гог

Эти торги «Кристис» превратились в настоящее четырехминутное сражение. В какой-то момент один из отчаявшихся участников поднял ставку с $42 миллионов сразу до $55-ти. Тщетно: Ребекка Вей, директор азиатского подразделения «Кристис», выиграла битву за «Вспаханное поле…» на $81 миллионе с лишним, выступая от лица анонимного клиента.

Красные виноградники в Арле — 80 млн

Легенда гласит, что «Красные виноградники в Арле» была единственной работой Ван Гога, которую он продал лично. И хотя это было опровергнуто — он продавал и другие — картина действительно оказалась самой коммерчески успешной при жизни художника.

Красные виноградники в АрлеВан Гог

В 1888 году «Красные виноградники…» купила бельгийская меценатка Анной Бош, а Клод Моне считал их лучшим экспонатом знаменитой выставки «Общество XX».

Сегодня «Красные виноградники…», в 1941 году спасенные советским правительством от уничтожения нацистами, хранятся в Пушкинском музее Москвы. Картина вряд ли будет когда-либо перепродана, а потому $80 миллионов — ее ориентировочная стоимость.

Портрет художника без бороды — 71,5 млн

За право обладать этим автопортретом в свое время боролся Билл Гейтс. Но слухи о том, что именно он приобрел картину в 1998 году на аукционе «Кристис», не подтвердились.

Портрет художника без бородыВан Гог

Личность покупателя, выложившего $71,5 миллион за этот лот, до сих пор скрывается, хотя эксперты подозревают в ней либо швейцарского барона Ганса Генрих Тиссен-Борнемиса, либо наследника греческой судоходной династии Филиппа Ниархоса.

Кем бы ни был нынешний владелец «Портрета художника без бороды», он тщательно прячет его от посторонних глаз в частной коллекции. А ореол таинственности и тот факт, что картина считается последним автопортретом Ван Гога, продолжают увеличивать ее предполагаемую стоимость.

Алискан — 66,3 млн

Над «Алисканом» Ван Гог работал при поддержке Поля Гогена, навещавшего его на юге Франции, и уже один этот факт возвел картину в ранг одной из самых дорогих картин нидерландского художника. В 2015 году она установила рекорд как самый дорогой пейзаж, когда-либо проданный с молотка.

АлисканВан Гог

Но до того, как отправиться в коллекцию неизвестного (предположительно, китайского) покупателя, отдавшего за картину $66,3 на «Сотбис», «Алискан» переживал странную стагнацию стоимости. Дэвид Норман, представитель аукционного дома, рассказал, что в 2003 году никто не давал за пейзаж больше $12 миллионов.

Де Кунинг переезжает на Лонг-Айленд

Возможно, реагируя на упадок абстрактного экспрессионизма, а также на наступление среднего возраста, Билл, которому уже за пятьдесят, в 1963 году переехал из Нью-Йорка в Спрингс на Лонг-Айленде, куда Поллок и другие художники переехали в 1950-х годах.. Наслаждаясь великолепием природы и тихой деревенской жизнью, Билл начал писать такие пейзажи, как « Пастораль» (1963) и « Две фигуры в пейзаже» (1967).

Интересно, что де Кунинг также написал портрет президента, Лежащего человека (Джон Ф. Кеннеди) в 1963 году. И на нем легко узнать лицо Джона Кеннеди!

Билл тоже не закончил рисовать женщин, так как он спродюсировал « Женщину», «Саг-Харбор» (1964), « Женщина на знаке 2» (1967), «Визит» (1966), « Диггеры» (1964) и « Женщина Аккабонак» (1966), последнее название. ссылаясь на реальное место в Спрингс. Все эти работы носили явно абстрактный характер, поэтому стиль Билла не сильно изменился. Но у этих женщин были гораздо более условные лица; то есть у них были счастливые, красивые лица.

В 1980-х Элейн де Кунинг писала о процессе создания Биллом этих картин:

Картина под названием « Женщина Accabonac» (1966), как и картина Ла Гуардии, очень вязкая. Он выглядит нарезанным. Часто люди не осознавали огромную дисциплину, присущую такой картине, потому что она выглядит произвольно. Но Билл рисовал это и делал это снова и снова, чтобы получить точный жест, который он хотел, не то чтобы он знал этот жест заранее, но он знал это, когда наконец достигал его.

В третье измерение: скульптуры

В конце 1960-х и начале 1970-х годов де Кунинг начал производить литографии и бронзовые скульптуры. Живя недалеко от Атлантического океана, Билл часто видел, как люди копают в поисках моллюсков, поэтому он создал бронзовую скульптуру под названием « Копатель моллюсков» (1972), на которой изображен стоящий человек, который, кажется, капает песком и грязью после того, как выкопал моллюсков. Он также создал гораздо более крупные бронзовые скульптуры, некоторые из которых достигли сотни сантиметров в высоту и ширину.

Обрабатывая глину, из которой изготавливали эти изделия из бронзы, де Кунинг часто прибегал к технике, подобной технике сюрреалистов, например, к «автоматическому письму». Пытаясь ограничить сознательный контроль над телом и, таким образом, улучшить использование интуитивного аспекта мозга, он лепил с закрытыми глазами или работал, надев две пары резиновых перчаток.

Что касается вдохновения для своих скульптур, де Кунинг сослался на французского художника Хаима Сутина. Билл сказал: «Я всегда был без ума от Сутина — всех его картин. Может, дело в пышности краски. Он создает поверхность, которая выглядит как материал, как вещество. В его творчестве есть своего рода преображение, некоторая плоть ».

Без названия XV

Без названия VII (1985)

Билл работает в своем ателье

История[править | править код]

Картина была завершена в 1955 году. До этого, в течение последних десяти лет де Кунинг работал над переосмыслением абстрактной женской фигуры, создав серию работ на эту тему. Серия была показана на персональной выставке в Нью-Йорке в 1953 году под названием «Картины на тему женщины». Некоторые из названий этих работ были связаны с различными состояниями «Женщина I», «Женщина III» и «Женщина», а также «Две стоящие женщины».

К 1955 году де Кунинг перешел от человеческой формы к абстрактным отображением архитектуры и окружения Нью-Йорка, создав ряд работ, такие как: «Полицейская газета», «Композиция», «Готэм ньюз», «Субботний вечер» и «Пасхальный понедельник». В течение 1956 года де Кунинг создал «Время огня», через год после завершения «Обмена».

Выбор назывании своих работ того периода сам художник описывал так: «Я чувствую что моим домом является центр Нью-Йорка, чем … моё жилье на Парк-авеню. Это не имеет социального комментария. Просто на улицах так чертовски тихо. Я имею в виду, там вы ничего не найдете. Может быть, это как-то связано с моим воспитанием, я не знаю, но я средний обыватель. Я не буду ездить на свою студию на Кадиллаке». Выбор имён для картин, возможно, обусловлен районом, где он жил в то время: центр Нью-Йорка.

Самые дорогие картины Клода Моне

Стога сена — 110.7 млн

Удивительно, но самой дорогой работой Моне в 2020 году считается не один из его пейзажей с кувшинками, а «Стога сена».

По словам Августа Урби, главы отдела импрессионизма и современного искусства «Сотбис», в этом нет ничего удивительного: «Стога…» оказали влияние на гораздо большее количество художников, чем публика догадывается. Отсюда и итоговая цена в $110 с лишним миллиона, включая комиссию, на аукционе 2019 года. Новый владелец картины пожелал остаться неизвестным.

Стога сенаКлод Моне

Статус «Стогов…» еще несколько десятков лет назад был поскромнее. В 1986 году предыдущий владелец полотна купил его за $2,5 миллиона — что на 44% дешевле ее нынешней стоимости.

Кувшинки в цвету — 84,7 млн

Обожаемые Клодом Моне кувшинки воплощают его фирменный, сразу узнаваемый стиль, за который коллекционеры и инвесторы готовы платить целое состояние. «Кувшинки в цвету» долгое время хранились в нью-йоркских арт-закромах Пегги и Дэвида Рокфеллеров, часть которых попала на распродажу 2018 года.

Кувшинки в цветуКлод Моне

Торги за «Кувшинки…», организованные домом «Кристис», продлились 10 с лишним минут, которые дилер Юсси Пильккянен назвал «теннисным матчем на пять ракеток» (по числу участников). Решающий удар нанесла Чин Ли-Коэн, заместитель председателя «Кристис», выигравшая торги от лица анонимного покупателя.

Стог сена, 1891 — 81,4 млн

Клод Моне считал серию картин «Стога сена» одной из самых непростых в своей карьере — а в мире искусства такая оценка от творца значительно поднимает стоимость его работ. К тому же, «Стог сена» был завершающим полотном в серии из 25 пейзажей, и это тоже повлияло на экспертную оценку и интерес инвесторов.

Стог сенаКлод Моне

Прежде чем попасть на манхэттенские торги «Кристис» 2016 года, «Стог…» оценивался в $45 миллионов. Четырнадцать минут спустя цифра изменилась на $81,4 миллиона, предложенные анонимным покупателем, и стала решающей.

Пруд с кувшинками, 1919 — 80,5 млн

Легендарный «Пруд с кувшинками» Моне создавал на пороге 80-летия, будучи почти полностью слепым от катаракты — и итоговая работа все равно поражает красотой и живостью. Пейзаж в последний раз продавался на лондонском аукционе «Сотбис» в 2008 году. С тех пор его никто не видел.

Пруд с кувшинкамиКлод Моне

Рекордную на тот момент сумму для европейского произведения искусства (и для работ Моне в целом) заплатил анонимный покупатель, забравший полотно в частную коллекцию. За последние 82 года «Пруд с кувшинками» был продемонстрирован публике всего лишь раз — на том самом аукционе.

Водяные лилии, 1906 — 54 млн

Пейзаж «Водяные лилии» считается одним из самых узнаваемых полотен великого импрессиониста. Оно было скрыто от публики более 60-ти лет — пока предыдущий владелец, французский коллекционер Поль Дюран-Руель, не решили его продать.

Аукцион состоялся в 2019 году в «Сотбис». Сумму в $54 миллиона заплатил неизвестный покупатель, поспешивший вновь спрятать картину от публики.

Ранние работы

Около 1928 годаде Кунинг начал рисовать натюрморты и рисунки, но это было незадолго до того, как он увлекся более абстрактными работами, на которые явно повлияли такие личности, как Пабло Пикассо и Хуан Миро. Будучи молодым художником, он получил непревзойденную возможность в 1935 году, когда стал художником федерального художественного проекта для WPA (Управление прогрессом работ), с помощью которого он создал ряд фресок и других работ.

(Фото: Тони Ваккаро / Getty Images)

В 1936 году работа де Кунинга была частью экспозиции Музея современного искусства (MOMA) под названием «Новые горизонты в американском искусстве», что стало первым событием в карьере, но в следующем году его работа в WPA внезапно завершилась. ,когда он был вынужден уйти в отставку, потому что он не был американским гражданином. Вскоре после этого де Кунинг начал серию мужских фигур, в том числе «Сидящая фигура» (классический мужчина) и «Два стоящих мужчины». Также в течение этого периода де Кунинг наняла ученицу Элейн Фрид, и она стала женщиной для таких работ, как «Сидящая женщина» (1940). Это будет первая главная картина художника, изображающая женщину, и он будет известен главным образом своими многолетними работами по изображению женщин на своих картинах. Женившись в 1943 году, де Кунинг и Фрид прожили бы огненную, пропитанную алкоголем жизнь вместе, прежде чем расстаться в конце 1950-х годов в течение почти 20 лет. В середине 1970-х они воссоединились и остались вместе до ее смерти в 1989 году.

Posthumous Discovery

In 2018, a New York art dealer named David Killen revealed the discovery of what he believed to be were six de Kooning paintings from a New Jersey storage locker. Killen said he purchased the contents of the locker from the studio of an art conservator, and subsequently had the unsigned paintings evaluated by an expert. With an untitled work from the artist selling for more than $66 million in 2016, Killen noted that he was «ready for membership in the million-dollar club.»

QUICK FACTS

• Name: Willem de Kooning
• Birth Year: 1904
• Birth date: April 24, 1904
• Birth City: Rotterdam
• Birth Country: Netherlands
• Gender: Male
• Best Known For: Willem de Kooning was a Dutch-born American painter who was one of the leading proponents of abstract expressionism.
• Industries

  Art

• Astrological Sign: Taurus
• Schools

  Rotterdam Academy of Fine Arts and Techniques

• Nacionalities
  • American
  • Dutch
• Death Year: 1997
• Death date: March 19, 1997
• Death State: New York
• Death City: East Hampton
• Death Country: United States

CITATION INFORMATION

• Article Title: Willem de Kooning Biography
• Author: Biography.com Editors
• Website Name: The Biography.com website
• Url: https://www.biography.com/artists/willem-de-kooning
• Access Date:
• Publisher: A&E; Television Networks
• Last Updated: May 12, 2020
• Original Published Date: April 2, 2014

Who Was Willem de Kooning?

Willem de Kooning stowed away to the United States in 1926 and settled in New York City. While working in the commercial realm, de Kooning also was developing his artistic style, exploring both figure painting and more abstract subjects through the 1930s. By the 1940s, those two main tendencies seemed to fuse perfectly, notably in Pink Angels. De Kooning became known for his depiction of women, and women would dominate his paintings for decades. Later in life, de Kooning explored landscapes and even sculpture, before Alzheimer’s disease made it impossible to continue on. He died in 1997 at age 92.

Ранние Работы

Примерно в 1928 году, де Кунинг начал рисовать натюрморты и фигуры, но это было не долго, затем он перешел на более абстрактные работы, на которые явно влияли такие люди, как Пабло Пикассо и Джоан Миро. Будучи молодым художником, у него была возможность в 1935 году, работать художником для федерального арт-проекта для WPA (Администрация прогрессивных работ), благодаря которому он создал ряд фресок и других работ, произведений.

В 1936 году работа де Кунинга была частью экспозиции Музея современного искусства (MOMA) под названием «Новые горизонты в американском искусстве», но в следующем году его работа с WPA была резко прекращена, потому что не было американского гражданства. Вскоре после этого в 1936 году, де Кунинг начал серию мужских фигур, в том числе «Сидящая фигура» («Классический мужчина») и «Два человека стоя». Также в этот период де Кунинг нанял ученицу Элейн Фрид, и она позировала в качестве женского предмета для работы «Сидящая женщина» (1940 г.). Это была первая крупная картина художника на которой нарисована женщина, он главным образом был известен, изображением женщин на своих картинах. Женившись в 1943 году, де Кунинг имел огненную, пропитанную алкоголем совместную жизнь, развелся в конце 1950-х годов прожив в браке почти 20 лет. В середине 1970-х годов они воссоединились и оставались вместе до своей смерти в 1989 году.