«аллегория живописи» вермеер ян, описание кратко

Особенности

Аллегория в живописи – это иносказательный жанр, требующий от зрителя тонкого ощущения и глубокого восприятия. Наиболее популярным было это направление во времена маньеризма, барокко, классики, Ренессанса.

Пастораль в живописи

Считается, что жанр зародился во времена Древнего Рима, греки не были склонны к символичности, предпочитали прямое значение образов на картине. По мере развития религии, иносказание становилось популярнее и призывало к духовности и правильным жизненным ориентирам. Аллегорические полотна – способ напомнить о быстротечности жизни, призывают соблюдать нормы морали во избежание греха. Жнр можно назвать интеллектуальным.

Мастерская художника (аллегория живописи). Шедевры европейских художников

Мастерская художника (аллегория живописи)

Ок. 1667. Музей истории искусств, Вена

Выдающийся голландский живописец Ян Вермер родился в Делфте (отсюда его прозвище Делфтский). Как художник он быстро добился успеха и признания: в 21 год был принят в гильдию Св. Луки — главного городского объединения художников, а в 30 лет возглавил ее. До нас дошло немногим более 30 картин Вермера — по свидетельствам современников, работал он медленно, «двадцать раз переделывал часть картины», добиваясь совершенства, при этом ценил свой труд, запрашивая за каждую работу непомерно высокую по тем временам цену, что было многим не по карману.

Обращенный спиной к зрителю художник, одетый в старинный костюм, пишет портрет девушки в мантии в лавровом венке. В ее руках аллегорические атрибуты — книга и горн, что вкупе с картой Голландии на стене дало повод считать эту женскую фигуру изображением музы истории Клио.

Следующая глава >

Ню (фр. nudite — нагота, сокращенно nu)

Этот жанр призван изображать красоту обнаженного тела и появился еще до нашей эры

В древнем мире большое внимание уделяли физическому развитию, так как от этого зависело выживание всего человеческого рода. Так, в Древней Греции атлеты по традиции состязались обнаженными, чтобы мальчики и юноши лицезрели их отлично развитые тела и стремились к такому же физическому совершенству

Примерно в VII-VI вв. до н. э. появились и обнаженные мужские статуи, олицетворявшие физическую мощь мужчины. Женские же фигуры, напротив, всегда представали перед зрителями в одеяниях, так как обнажать женское тело было не принято.

В последующие эпохи отношение к обнаженным телам менялись. Так, во времена эллинизма (с конца VI века до н.э.) выносливость отошла на второй план, уступив место любованию мужской фигурой. В это же время стали появляться и первые женские обнаженные фигуры. В эпоху барокко идеальными считались женщины с пышными формами, во времена рококо первоочередной стала чувственность, а в XIX-XX веках картины или скульптуры с обнаженными телами (особенно мужскими) часто оказывались под запретом.

Русские художники неоднократно обращались в своих работах к жанру ню. Так, у это танцовщицы с театральными атрибутами, у это позирующие девушки или женщины в центре монументальных сюжетов. У это множество чувственных женщин, в том числе в парах, у это целая серия картин, изображающих обнаженных женщин за разными занятиями, а у — девушки, полные невинности. Некоторые, например, изображали и полностью нагих мужчин, хотя такие картины и не приветствовались обществом своего времени.

Картина-аллегория раннего тициановского периода «Три возраста»

Вышеупомянутое полотно «Три возраста», написанное мастером почти за полвека до «Аллегории», заключает в своем содержании пасторальные элементы, раскрывающие идею трех возрастов в жизни человека — младенчество, молодость и старость. Исходя из этого видим, что все образы вместе взятые заключают в себе иносказательное значение и «читать» их следует справа налево. А еще «Три возраста» – это история отношений двоих: мужчины и женщины. И совсем неслучайность здесь: два младенца, двое взрослых, два черепа.

Разные этапы жизни художник передал в виде беззаботно спящих детей и маленького ангелочка, охраняющего их сладкий сон. Они символизируют начало жизненного пути, когда человек еще не знает, какие радости и печали ожидают его в будущей жизни. Но пока младенцы обнимают друг друга, между ними идиллия и еще нет половых различий.

Уравновешивает левую часть полотна наполненная чувственным наслаждением влюбленная молодая пара в расцвете сил, расположившаяся под густой кроной деревьев. Они олицетворяют средину жизни, когда человек молод и полон сил, желаний, здоровья и энергии. Девушка как будто забирает у мужчины его флейту, его музыку, а вместе с флейтой символически забирает его душу и жизнь.

В тициановскую эпоху в искусстве изображенные черепа выступали в качестве недвусмысленного символического напоминания о греховности человека, неизбежно наказываемой смертью. На третьем плане сидящий старец-отшельник с двумя черепами в руках символизирует, что ничто не вечно, не долог век молодой пары и, что жизнь каждого неизбежно подходит к концу.

Тициану путем объединения трех самостоятельных композиционных центров в единый смысловой, удалось воплотить в картине сложную философию бытия. И вместе с тем смысл этой аллегории прост – все мы рождаемся, чтобы потом умереть. И как видим, эта тема волновала Тициана на протяжении всего его творчества.

История[править | править код]

Картина была создана Вермеером для украшения своей мастерской и настолько высоко ценилась художником, что он не расставался с нею до самой смерти, несмотря на бремя долгов. В описи имущества Вермеера, составленной его вдовой Катариной Болнес в 1676 г., картина была названа «De schilderkunst» («Искусство живописи»), и по мнению австрийского историка искусства Ганса Зедльмайра это название дал картине сам Вермеер. В описи сообщалось и о предсмертной воле художника сохранить картину в семье, что свидетельствует о его особом отношении к этому произведению. Во избежание продажи полотна кредиторам вдова отказала картину матери, что было оспорено душеприказчиком Вермеера Антони ван Левенгуком, и в 1677 г. на аукционной распродаже в Делфте картина перестала быть собственностью семьи.

Новым владельцем произведения стал коллекционер из Делфта Якоб Абрамс Диссюс, после его смерти оно было продано на аукционе 1696 г. Покупатель остался неизвестным, в дальнейшем картина принадлежала Герарду ван Свитену, затем перешла к его сыну, голландскому дипломату барону Готфриду ван Свитену (1733—1803). К этому времени сведения об авторстве Вермеера, малоизвестного в ту пору, были утрачены, и картину выдавали за работу Питера де Хоха, подделав его подпись. После смерти ван Свитена, в 1813 г. полотно Вермеера (как произведение Питера де Хоха) приобрёл богемский граф Иоганн Рудольф Чернин, и впоследствии оно стало публично экспонироваться в картинной галерее венского дворца графов Черниных.

В 1860 г. директор Берлинской королевской картинной галереи Г. Ф. Вааген выявил авторство Вермеера, и к началу XX в. слава и ценность вермееровского шедевра многократно выросли вместе с репутацией его автора как одного из величайших мастеров «Золотого века голландской живописи». В 1930-х картиной совместно владели граф Евгений Чернин (1892—1955) и его племянник Яромир Чернин (1908—1966). С предложением о приобретении картины к ним обращался американский миллионер Эндрю Меллон, но законодательство Австрии не позволяло получить разрешение на вывоз национального достояния из страны. Однако после Аншлюса правовая ситуация изменилась, интерес к шедевру Вермеера проявил известный любитель живописи, Геринг, а затем Чернины продали картину самому Гитлеру. Картина была приобретена в октябре 1940 г. для запланированного Музея фюрера в Линце.

Зимой 1943/1944 произведение Вермеера вместе с другими особо ценными предметами искусства было помещено в безопасное место в туннелях соляных шахт близ Альтаусзе. Весной 1945 г. американское командование передало «коллекцию Гитлера» в Мюнхенский сборный пункт культурных ценностей, и в 1946 г. картина Вермеера была отдана австрийским властям — в Венский музей истории искусств. В послевоенные годы Яромир Чернин предпринимал неоднократные попытки вернуть картину в свою собственность, поэтому лишь в 1958 г. полотно Вермеера было окончательно переведено из временного статуса в постоянную коллекцию музея.

Примечания[ | ]

1. ↑ 12 https://www.khm.at/objektdb/detail/2574/
2. Die Malkunst (нем.) — название и основная информация о картине на сайте Венского музея истории искусств
3. Дмитриева, 2009, с. 130.
4. ↑ 123 Зедльмайр, 2000, с. 192.
5. Aillaud G., Blankert A., Montias J. M. Vermeer. — Amsterdam, 1987. — P. 213.
6. Провенанс картины на сайте Венского музея истории искусств
7. Montias J. M. Vermeer and his Milieu. A Web of Social History. — Princeton: Princeton university press, 1989. — P. 265, 364.
8. Johannes Vermeer The Art of Painting (сайт Вашингтонской национальной галереи). (неопр.) . Дата обращения 27 сентября 2004. Архивировано 27 сентября 2004 года.
9. Waagen G. F. Handbuch der Deutschen und Niederländischen Malerschulen. Band II. — Stuttgart, 1862. — S. 110.
10. ↑ 12 Johannes Vermeer The Art…
11. Цена продажи составила 1,65 млн. рейхсмарок: Petropoulos J. Kunstraub und Sammelwahn. Kunst und Politik im Dritten Reich. — Berlin 1999. — S. 234.
12. Schnabel G., Tatzkow M. Nazi Looted Art. Handbuch. Kunstrestitution weltweit. — Berlin, 2007. — S. 307.
13. ↑ 123 Зедльмайр, 2000, с. 188.
14. ↑ 123 Ротенберг1, 2000, с. 12.
15. ↑ 123 Дмитриева, 2009, с. 135.
16. Зедльмайр, 2000, с. 192—193.
17. Надпись на карте восстановлена в 1962 г. А. Флоконом: Flocon A. Une magistrale psychanalyse de «l’Atelier» de Vermeer // Arts. — 1962. № 7.
18. Дмитриева, 2009, с. 135—136.
19. Шнейдер, 2004, с. 82.
20. Welu J. A. Vermeer: his cartographic sources // The Art Bulletin. 1975. Vol. LVII. — № 4.
21. Зедльмайр, 2000, с. 191,193.
22. ↑ 12 Дмитриева, 2009, с. 138.
23. Павлов, 2020, с. 74.
24. ↑ 12345 Ротенберг1, 2000, с. 18.
25. ↑ 12 Ротенберг1, 2000, с. 15.
26. Кушнер А. Дельфтский мастер // Новый мир, 1997. — № 8. — С. 196.
27. Зедльмайр, 2000, с. 190.
28. Дмитриева, 2009, с. 137,138.
29. Шнейдер, 2004, с. 84—85.
30. Дмитриева, 2009, с. 137.
31. Ротенберг1, 2000, с. 18—19.
32. Картина из собрания галереи Дикинсон (Лондон), датируется последней третью XVII в.
33. Дмитриева, 2009, с. 131.
34. ↑ 12 Ротенберг1, 2000, с. 14.
35. ↑ 123 Ротенберг1, 2000, с. 19.
36. Wheelock, Arthur K. Vermeer: The Complete Works. — New York: Harry N. Abrams, 1997. — P. 66.
37. Нога женщины (представляющей собой церковь), возложенная на глобус, символизирует «мир под ногами».
38. Надкушенное яблоко символизирует первородный грех.
39. Информация о картине «Аллегория Веры» на сайте Метрополитен-музея
40. ↑ 12 Дмитриева, 2009, с. 132.
41. Зедльмайр, 2000, с. 188,191.
42. Зедльмайр, 2000, с. 193—194.
43. Зедльмайр, 2000, с. 195—196.
44. ↑ 12345 Сененко, 2000, с. 22.
45. Павлов, 2020, с. 75.
46. Павлов, 2020, с. 33.
47. Апофеоз вуайеризма. Шедевры Вермеера Дельфтского и Тициана в музее имени Пушкина.
48. Johannes Vermeer: The Art of Painting (BBC: The Private Life of a Masterpiece: Episode 18, 2005)

Анимализм (лат. animal — животное)

Анималистический жанр возник еще в древности, когда первые люди рисовали на скалах хищных животных. Постепенно это направление переросло в самостоятельный жанр, подразумевающий выразительное изображение любых животных. Анималисты обычно проявляют большой интерес к животному миру, например, могут быть превосходными наездниками, держать домашних животных или просто длительно изучать их повадки. В результате замысла живописца животные могут представать реалистичными или в виде художественных образов.

Среди русских художников многие отлично разбирались в лошадях, например, и . Так, на известной картине Васнецова «Богатыри» богатырские кони изображены с величайшим мастерством: тщательно продуманы масти, поведение животных, уздечки и их связь с наездниками. Серов недолюбливал людей и считал лошадь во многих смыслах лучше человека, из-за чего часто изображал ее в самых разных сценах. хотя и рисовал животных, анималистом себя не считал, поэтому медведей на его знаменитой картине «Утро в сосновом лесу» создавал анималист К. Савицкий.

В царское время особо популярными стали портреты с домашними животными, которые были дороги человеку. Например, на картине императрица Екатерина II предстала с любимой собакой. Животные присутствовали также на портретах , и других русских художников.

Новое в блогах

Меня давно привлекала эта философская картина Тициана,написанная уже взрелые годы.Предлагаю вам познакомиться с ней и обсудить.

АЛЛЕГОРИЯ ВРЕМЕНИ,КОТОРЫМ УПРАВЛЯЕТ БЛАГОРАЗУМИЕ.1565-1570

Ключ к расшифровке аллегории картины заключается в надписи в верхней ее части: «Ex praeterito praesens predenter agit, ni futurum actione deturpet» —

«ОПИРАЯСЬ НА ПРОШЛОЕ, НАСТОЯЩЕЕ ПОСТУПАЕТ БЛАГОРАЗУМНО, ЧТОБЫ НЕ НАВРЕДИТЬ БУДУЩЕМУ.».

Здесь портреты самого Тициана, его сына Орацио и племянника Марко соединены с головами волка, льва и собаки, что олицетворяет собой прошлое, настоящее и будущее. В христианской символике трехглавый волк-лев-собака служит символом Благоразумия и трех его частей: memoria («память»), intelligentia («знание»), prudentia («опыт»).

В античной мифологии языком символов пользовались, чтоб точнее обозначить те или иные понятия, усилить выразительность образа.

Возраст зрелого мужчины Тициан сравнивает со львом — все в его власти, он правит миром,

а возраст молодого человека с доверчивой готовностью молодой собаки нести службу,

старости достается мудрость, глубокое знание жизни, одиночество и физическая немощь».

Тициан.Автопортрет

Ястребиный профиль старика, олицетворяющего прошлое, это профиль самого Тициана.(Слева) Это то же лицо, которое мы видим на незабываемом автопортрете в Прадо,который датируется тем же самым периодом,что и «Аллегория»,когда Тициану было уже за 90.

В центре преданный сын Орацио, который, будучи прямой противоположностью своему порочному брату Помпонио, был верным помощником отца на протяжении всей его жизни.

Таким образом Орацио Вечелли, которому тогда было около сорока пяти, в 1569 официально был провозглашен «преемником»: в его лице «настоящее» наследовало тициановскому «прошлому».

Это, в свою очередь, подводит нас к предположению, что именно его лицо появляется в центре картины — это «воплощение силы и пыла», как, сравнивая настоящее с прошлым и будущим.

Если лицо самого Тициана обозначает прошлое, а лицо Орацио — настоящее, то вполне вероятно, что третье, молодое, обозначающее будущее, принадлежит племяннику художника.

Тициан взял в дом и заботливо наставлял в своем искусстве дальнего родственника, которого «особенно любил» : Марко Вечелли. родившегося в 1545, которому, следовательно, к тому времени, когда была создана «Аллегория Благоразумия»,исполнилось двадцать с небольшим.Он,как бы замыкает три поколения семьи Вечелли.

Как бы там ни было, внешность юноши, так же как и лицо старика, менее плотское, чем лицо зрелого мужчины в центре. Будущее, как и прошлое, менее «реальны», чем настоящее. Но в отличие от погруженного тень прошлого оно сияет избытком света.

Это официальные предположения и размышления искусствоведов.

Принимая во внимание тогдашние настроения Тициана, попробуем выразить основную мысль, заложенную в этой удивительной аллегории, прибегнув к наиболее распространенной в тициановские времена поэтической форме. Три возраста, и в каждом есть услада

Весной избыток сил и чувств броженье, А ближе к осени успокоенье, И даже в старости своя отрада

Три возраста, и в каждом есть услада. Весной избыток сил и чувств броженье, А ближе к осени успокоенье, И даже в старости своя отрада.

У молодости смелость и бравада – Ей часто так недостает терпенья. С годами осеняет нас прозренье, И старец обретает мудрость взгляда.

Без прошлого бы не было сегодня, А с ним не за горами и грядущее. Законы временные непреложны — В них воля проявляется Господня, И лишь Ему подвластно все живущее. Потуги наши жизнь продлить ничтожны.

Софонисба Агнисола.Портрет Тициана с женой Чечилией.

Как вы относитесь к фразе Тициана:

«Из прошлого настоящим руководит Благоразумие, дабы не навредить деяниям будущего».?

Что можете сказать о самой картине и её содержании?

Источники.

https://titian.ru/mahov128.php

АЛЛЕГОРИЯБЛАГОРАЗУМИЯ

https://ec-dejavu.ru/p/Panofsky_Titian.html

Последнее творение гениального мастера

Тициан до самой смерти не выпускал кисть из рук. Даже в последний день, завершая свой земной путь, он оканчивал свое последнее творенье – «Пьета. Оплакивание Христа». Он успел даже его подписать: «Тициан сделал». Тут же завещал установить это полотно в часовне над своим надгробием и отдал распоряжение накрыть большой стол на множество персон, чтобы отдать дань уважения своим друзьям, ушедшим из жизни ранее. Но к поминальному ужину, который художник планировал провести в одиночестве, Тициан Вечеллио выйти так и не успел.

Тема пьеты была затронута многими художниками и скульпторами в эпоху Возрождения. Венцом творения Микеланджело Буонаротти — гениального мастера великой эпохи была скульптура из розового мрамора «Рietа». «Оплакивание Христа» (1499),

потрясающая своей композицией и художественным исполнением.

Ванитас

В период барокко развился жанр «ванитас» – в переводе «тщеславие». Происхождения термина связывают с библейской цитатой из Екклесиаста. «Все – суета» – главный посыл направления ванитас.

Жанровая принадлежность – натюрморт. Главная особенность этого направления – наличие человеческого черепа, в качестве центрального образа на полотне. Череп мог сопровождаться цветами, фруктами, кухонной утварью и предметами быта, вещами религиозного назначения. Появление жанра – это ранний этап развития натюрморта. Значение ванитас простое – неизбежность смерти, быстротечность жизни, ее краткость и мимолетность, все удовольствия тщетны и низменны, а перед ликом смерти все равны. Этот смысл несет изображение черепа на картине.

Территориально наибольшее распространение жанр получил в странах Северной Европы – Голландия, Фландрия. Работы с характерной стилистикой встречаются во Франции, Испании.
Примеры картин – работы Францискуса Гейсбрехтса, Филиппа де Шампань, Питера Бойля, художников 17 века.

Атрибутика

Главный атрибут венитаса – череп, который служит напоминанием, что никто не вечен. Это отражение быстротечности жизни, бренности существования.

• Увядшие цветы, окружающие череп. Наиболее популярно изображение роз – цветок любви, страсти, красоты. Увядшая роза означает старение, смертный грех, тщеславие. Часто использовалось изображение мака – символ лености, сна. Тюльпан – знак неразумного обращения с состоянием, необдуманных поступков. Изображение тюльпана характерно для Нидерландов.
• Ростки зерна и ветви плюща – редкий, но встречающийся атрибут. Это символ возрождения, кругооборота жизни.
• Фрукты – увядшие или гнилые – знак смерти, старения, бедности. Греховность символизируют сливы, инжир, яблоки, персики. Иными словами, свежий, спелый фрукт – знак достатка, жизни, здоровья, гнилые имеют обратный смысл. Для создания аллегории грехопадения художники изображали на полотне помидоры, виноград, груши, вишню.
• Игральные кости, шахматы, карты – отсутствие цели или ее призрачность, ошибочность. Игральные принадлежности также означают греховность, гедонизм.
• Улитки – символизируют похоть, как один из смертных грехов, леность, двуличность. Раковины морских моллюсков – знак смерти.
• Мыльные пузыри – знак быстротечности жизни, внезапности смерти.
• Угасающая свеча, огарок, гаснущий огонь – это смерть, окончание жизненного пути, переход души в иной мир.
• Зеркало – интересный символ в живописи. Его используют для передачи призрачности всего живого, воплощения гордыни и тщеславия, ирреализма, поскольку изображение не есть само живое существо.
• Маска для карнавала – призрачность реальной натуры, гедонизм, пустота натуры, безответственность.
• Осколки посуды, зеркала, стекла – смерть, разрушение личности. Ступка символизирует сексуальность, пустой стакан – смерть, исчерпанность жизни человека.
• Часы – механические или песочные – знак окончания жизненного пути.
• Нож или кинжал – знак сексуальности, прежде всего – мужской. Другие значения – хрупкость жизни, быстротечность смерти.
• Глобус, карты – знак науки.
• Ноты и музыкальные инструменты – означают искусство или призрачность жизни.
• Медицинские предметы, изображения анатомических фигур – знак человеческих отношений, болезней, смертности.
• Оружие – знак власти, силы.
• Корона – господство, в сочетании с черепом – быстротечность власти, ее хрупкость.
• Монеты, кошелек – пустота души, тщеславие, самовлюбленность, мнимая, внешняя красота.
• Руины – смерть, завершенность жизненного цикла.
• Ключ – домашнее хозяйство.

Особенности древнегреческой вазописи

Это неполный список возможных атрибутов, которые были использованы для создания картин. Аллегорический жанр представлен также сценами «пляска смерти». Сюжет появился в Средние века. Используется для написания картин религиозного направления. Символ значит бренность жизни, скоротечность жизненного цикла.

Впервые символ зафиксирован в 14 веке – он означал равенство всех перед смертью: и купцов, и королей, и крестьян, и мещан.

Жанры живописи

В ходе развития изобразительного искусства сформировались несколько классических жанров картин, которые обрели свои особенности и правила.

Портрет

— это реалистичное изображение человека, в котором художник пытается добиться сходства с оригиналом. Один из самых популярных жанров живописи. Большинство заказчиков использовали талант художников, чтобы увековечить собственное изображение или, желая получить изображение близкого человека, родственника и т.п. Заказчики стремились получить портретное сходство (или даже приукрасить его) оставив в истории зрительное воплощение. Портреты различных стилей являются самой массовой частью экспозиции большинства художественных музеев и частных коллекций. Данный жанр включает в себя и такую разновидность портрета, как автопортрет

— изображение самого художника, написанное им самим.

Пейзаж

— один из популярных живописных жанров, в котором художник стремится отобразить природу, её красоту или особенность. Различные виды природы (настроение времени года и погоды) оказывают яркое эмоциональное влияние на любого зрителя — это психологическая особенность человека. Стремление получить эмоциональное впечатление от пейзажей сделало этот жанр одним из самых популярных в художественном творчестве.

— этот жанр во многом похож на пейзаж, но имеет ключевую особенность: на картинах изображаются пейзажи с участием архитектурных объектов, зданий или городов. Особое направление — уличные виды городов, передающие атмосферу места. Ещё одним направлением этого жанра является изображение красоты архитектуры конкретного здания — его внешнего вида или изображения его интерьеров.

— жанр, в котором основным сюжетом картин является историческое событие или его интерпретация художником. Что интересно — к этому жанру относится огромное количество картин на библейскую тему. Так как в средневековье библейские сюжеты считались «историческим» событиями и основными заказчиками этих картин была церковь. «Исторические» библейские сюжеты присутствуют в творчестве большинства художников. Второе рождение исторической живописи происходит во времена неоклассицизма, когда художники обращаются к известным историческим сюжетам, событиям из времён античности или национальным легендам.

— отражает сцены войн и сражений. Особенностью является не только желание отразить историческое событие, но и донести зрителю эмоциональное возвышение подвига и героизма. В последующем, этот жанр становится ещё и политическим, позволяя художнику доносить зрителю свой взгляд (своё отношение) на происходящее. Подобный эффект политического акцента и силу таланта художника мы можем видеть в творчестве В. Верещагина .

— это жанр живописи с композициями из неодушевлённых предметов, с использованием цветов, продуктов, посуды. Этот жанр один из самых поздних и сформировался в голландской школе живописи. Возможно, его появление вызвано особенностью голландской школы. Экономический расцвет 17 века в Голландии привёл к стремлению к доступной роскоши (картинам) у значительного количества населения. Эта ситуация привлекла в Голландию большое количество художников, вызвав острую конкуренцию среди них. Бедным художникам были недоступны модели и мастерские (люди в соответствующих одеждах). Рисуя картины на продажу, они использовали подручные средства (предметы) для композиций картин. Эта ситуация в истории голландской школы является причиной развития жанровой живописи.

Жанровая живопись

— сюжетом картин являются бытовые сцены повседневной жизни или праздников, обычно — с участием простых людей. Так же как и натюрморт, получает распространение у художников Голландии в 17 веке. В период романтизма и неоклассицизма этот жанр обретает новое рождение, картины стремятся не столько отразить повседневный быт, сколько романтизировать его, внести в сюжет определённый смысл или мораль.

Марина

— вид пейзажа, в котором изображаются морские виды, прибрежные пейзажи с видом на море, восходы и закаты на море, корабли или даже морские сражения. Хотя существует и отдельный батальный жанр, но морские сражения всё равно относятся к жанру «марина». Развитие и популяризация этого жанра также можно отнести к голландской школе 17 века. Пользовался популярностью в России благодаря творчеству Айвазовского .

— особенностью этого жанра является создание реалистичных картин, изображающих красоту животных и птиц. Одной из интересных особенностей этого жанра является наличие картин, изображающих несуществующих или мифических животных. Художники, которые специализирующиеся на изображениях животных называются анималистами
.

Натюрморт (фр. nature — природа и morte — мертвая)

Этот жанр живописи связан с изображением неодушевленных предметов. Ими могут быть цветы, фрукты, блюда, дичь, кухонные принадлежности и иные предметы, из которых художник часто составляет композицию согласно своему замыслу.

Первые натюрморты появились еще в древних странах. В Древнем Египте было принято изображать подношения богам в виде разных кушаний. При этом на первом месте была узнаваемость предмета, поэтому древние художники особо не заботились о светотени или фактуре предметов натюрморта. В Древней Греции и Риме цветы и фрукты встречались на картинах и в домах для украшения интерьера, так что изображались уже более достоверно и живописно. Становление и расцвет этого жанра приходится на XVI и XVII века, когда натюрморты стали содержать скрытые религиозные и иные смыслы. Тогда же появилось и их множество разновидностей в зависимости от предмета изображения (цветочный, фруктовый, ученый и т.д.).

В России расцвет натюрморта приходится только на XX век, так как до этого его использовали в основном в учебных целях. Зато развитие это было стремительным и захватило , включая абстракционизм со всеми его направлениями. Например, создавал прекрасные композиции цветов в , предпочитала , работал в и нередко «оживлял» свои натюрморты, создавая у зрителя впечатление, что посуда вот-вот упадет со стола или все предметы сейчас начнут вращаться.

На изображаемые художниками объекты, безусловно, влияли и их теоретические воззрения или мировоззрение, душевное состояние. Так, у это были предметы, изображенные согласно открытому им принципу сферической перспективы, а экспрессионистские натюрморты поражали своим драматизмом.

Многие русские художники использовали натюрморт в основном в учебных целях. Так, не только оттачивал художественное мастерство, но и проводил множество экспериментов, по-разному раскладывая предметы, работая со светом и цветом. экспериментировал с формой и цветом линии, то уходя от реализма в чистый примитивизм, то смешивая оба стиля.

Иные художники соединяли в натюрмортах то, что изобразили ранее и свои излюбленные вещи. Например, на картинах можно встретить его любимую вазу, ноты и созданный им до этого портрет его супруги, а изображал любимые с детства цветы.

В этом же жанре работали и многие другие русские художники, например , и прочие.

Мировая живопись. Старые мастера. «Аллегории».

И. С. БахШарль-Жозеф Натуар — Красота зажигает пламя любвиРибера и Фернандес, Хуан Антонио — Аллегория летаМаэлья, Мариано Сальвадор — ВеснаШарль-Жозеф Натуар — Аллегоря архитектурыШарль-Жозеф Натуар — Аллегория живописиДосси Доссо (Джованни ди Лутеро) (1489 — 1542) — Аллегория удачи*Аллегория милосердия*МИЛОСЕРДИЕ («калька» лат. Misericordia, от Miser — «несчастный, обездоленный» и греч. kardia — «сердце») — тема классического искусства, включающая множество сюжетов, аллегорий, символов и аллюзий. В античности аллегорическую фигуру Милосердия (греч. Eleous), или Мира, изображали в образе женщины в военных доспехах, как Беллону, но не с факелом смерти, а с оливковой ветвью в руках — символом мира. В Древнем Китае пять добродетелей — милосердие, скромность, отвагу, справедливость и мудрость — символизировал камень нефрит. В Древнем Риме милосердие (лат. caritas) означало прежде всего почтение к родителям. Эмблемой этой добродетели, согласно легенде, был пеликан, разрывающий себе грудь, чтобы накормить детенышей своей плотью. В Средневековье эту фантазию переосмысливали как аллегорию искупления Христом грехов сыновей Адама. Близкую символику имеет изображение надтреснутого плода граната. В Евангелии от Матфея называется «шесть дел милосердия»: утолять голод, жажду, предоставлять кров, одежду, лечить, утешать в неволе. Цикл на эти сюжеты можно видеть в рельефах средневековых соборов. Св. Бонавентура (1221—1274), монах ордена францисканцев, описал «божественную любовь» одновременно к Богу и к другим людям как «горение сердца». Отсюда аллегорическая фигура Милосердия с пламенеющим сердцем в руках либо сосудом, в котором горит огонь. С XIV в. «Пламенеющее сердце» (иногда его изображают в терновом венце) — одна из основных эмблем римско-католической церкви.Жан-Батист Удри — ИзобилиеНоэль Куапель — ИзобилиеАнтонио де Переда — Аллегория тщеславияВиллем ван Мирис — Аллегория гневаВиллем ван Мирис — Аллегория гордыниАллегория справедливостиLouis Douzette The Muse of architectureДжордано Лука (1632-1705) — АллегорияРоза Сальваторе (1615 — 1673) — Аллегория удачиМирис Франс I ван (1635-1681) — Аллегория живописиБрейгель Ян II (1601-1678) — Аллегория четырех элементовБрейгель Ян II (1601-1678) — Аллегория землиБенджамин Вест — Omnia Vincit Amor, или Сила любви в Трёх элементахЛоран де Ла Хэйр — Аллегория музыкиЯкопо Лигоцци — Аллегория алчностиЯн Вермеер — Аллегория католической верыАахен, Ганс фон — Аллегория Мира, Искусства и ИзобилияGiovanni Battista Tiepolo — An Allegory with Venus and Time

Цитата сообщения klassikaПрочитать целикомВ свой цитатник или сообщество!Мировая живопись — Старые мастера — *Аллегории*

Аллегория в живописи | Галерея ЦЦ

Аллегория (от др.-греч. ἀλληγορία — иносказание) — условное отображение абстрактных, трудно изобразимых идей или понятий, таких как любовь, сила, власть, добро, зло, справедливость — через конкретный художественный образ. Основной способ изображения аллегории – это обобщение понятий, раскрывающихся в образах и взаимоотношениях персонажей: мифологических, сказочных и т. д. Часто идеи показываются иносказательно путем изображения животных или людей с атрибутами, традиционно имеющими символический, легко читаемый смысл. Аллегорический жанр широко представлен искусством Возрождения. Весьма популярен и в наши дни.

Величайшие мастера Аллегорического жанра — Ян Вермер Делфтский, Амброджо Лоренцетти и другие.

Говоря просто – это – то, да не то… заказав или купив аллегорические произведения в художественной интернет-галерее ArtShopNow Вы никогда не сможете быть до конца уверенным в том, что именно Вы приобрели.

..

001-untittled, 80х45см, тушь, гуашь, бумага 
..

002-untittled, 45х80см, тушь, гуашь, бумага 
..

003-untittled, 80х45см, тушь, гуашь, бумага 
..

007-untittled, 50х50см, тушь, гуашь, бумага 
..

фоторабота
..

..

Фотоискусство
..

Фотоискусство
..

03, масло, картон, пейзаж, экспрессионизм
..

Фотоискусство
..

3. Вечерняя флора, 2009, масло, холст, 60х70, без рамы, живопись, сюрреализм
..

4. Дневная флора, 2009, масло, холст, 60х70, без рамы, живопись, сюрреализм
..

Aрт-объект № 01, Дерево жизни, 35х25, скульптура, малая форма, дерево, левкас
..

Aрт-объект № 02, Кровавый орел, дерево, левкас, 30х50, скульптура, малая форма
..

Aрт-объект № 03, Кадуцеев жезл, 30х15, скульптура, малая форма, дерево, левкас
..

..

..

Масло, холст, авторская техника, обманка
..

..

Амур и Психея, 62х57, картон, гуашь, 2013
..

Ангел летящий, керамика. текстиль.45см
..

Анна, 80х60, смешанная техника
..

..

..

..

..

..

..

В воде, 80х60, масло, холст, 2003
..

Историческая живопись

Этот жанр подразумевает монументальные картины, которые призваны передать обществу грандиозный замысел, какую-либо истину, мораль или продемонстрировать значимые события. В него входят работы на историческую, мифологическую, религиозную тематику, фольклор, а также военные сцены.

В древних государствах мифы и легенды долгое время считались событиями прошлого, поэтому их часто изображали на фресках или вазах. Позже художники начали отделять произошедшие события от вымысла, что выразилось в первую очередь в изображении батальных сцен. В Древнем Риме, Египте и Греции на щитах воинов-победителей часто изображали сцены героических сражений с целью демонстрации их торжества над врагом.

В эпоху Средневековья из-за засилья церковных догм преобладала религиозная тематика, в эпоху Возрождения общество обратилось к прошлому в основном с целью прославления своих государств и правителей, а с XVIII века к этому жанру часто обращались с целью воспитания молодежи. В России жанр получил массовое распространение в XIX веке, когда художники нередко пытались проанализировать жизнь русского общества.

В работах русских художников батальная живопись была представлена, например, и . Мифологические и религиозные сюжеты в своих картинах затрагивал , . Историческая живопись преобладала у , фольклор — у .

Ссылки[ | ]

• Анализ элементов картины на сайте журнала «Вокруг света» (рубрика «Культурный »)
• Интерактивный анализ элементов картины
• Подробный разбор картины на сайте Национальной галереи США
• Биография Вермера на сайте «Art-Каталог»
• Подробный анализ картины

Работы Яна Вермеера
Картины	Христос в доме Марфы и Марии (1655) Сводница (1656) Диана со спутницами (1653–1654 или 1655–1656) Спящая девушка (1656—1657) Офицер и смеющаяся девушка (ок. 1657) Маленькая улица (1657—1658) Девушка, читающая письмо у открытого окна (1657—1659) Молочница (1658) Девушка с бокалом вина (1659—1660) Прерванный урок музыки (1660—1661) Бокал вина (1660—1661) Вид Делфта (1660—1661) Молодая женщина с кувшином воды (1660—1662) Женщина с лютней (1662—1663) Женщина, держащая весы (1662—1663) Урок музыки (1662—1665) Женщина с жемчужным ожерельем (1662—1665) Женщина, читающая письмо (1663—1664) Концерт (1664) Девушка с жемчужной серёжкой (1665) Дама, пишущая письмо (1665) Мастерская художника (1665—1666) Женщина в красной шляпе (1665—1666) Портрет молодой девушки (1665—1667) Девушка с флейтой (1665—1670) Хозяйка и служанка (1666-1667) Любовное письмо (1667—1668) Астроном (ок. 1668) Географ (ок. 1668–1669) Кружевница (1669—1670) Дама, пишущая письмо, со своей служанкой (1670—1671) Девушка за вёрджинелом (1670) Дама, стоящая у вирджиналя (1670—1672) Дама, сидящая за вирджиналем (1670—1672) Гитаристка (1670—1672) Аллегория Веры (1670—1672)
Семья	Синз, Мария (свекровь)