Нимфы и сатир

Как Матисс изменил искусство ХХ века и повлиял на творчество других

Осознать масштаб влияния Матисса сложно: выразительные формы, открытые им, окружают нас везде в повседневности. Цветовые палитры, приемы и техники закрепились в прикладном дизайне, и более того: стали его отправной точкой. Его «декупажи» с понятными формами и цветами, упрощенными до основы, имели графический характер. Матисс одним из первых осознал декоративную силу живописи, которая доступна каждому, кто чувствует красоту, а не только избранным ценителям. Живопись, способная воздействовать только линиями и красками, образующими единую симфонию красоты.

Пионерами современного искусства принято считать Пикассо, Поллока или Ротко. Но раньше всех них Матисс отказался от традиционной живописи, что прибавило смелости будущим поколениям художников. Он дал негласное разрешение творить так, как хочет сам живописец, не бояться критики и выражать себя.

Приемы Анри можно узнать в работах многих уважаемых художников. Сочетание ярких красок и плоские силуэты, условно обозначающие объект, искаженная перспектива, люди, написанные синим и коралловым цветом, — все эти особенности можно увидеть в работах Милтона Эвери. Если же вам довелось познакомиться с картинами Дэвида Хокни, то в его пестрых пейзажах непременно можно уловить влияние фовизма. Вибрирующие и праздничные полотна Мириам Шапиро также отсылают к известным приемам француза. Влияние послевоенного стиля декупажей заметен в работах Эллсворта Келли и в инсталляциях Джуди Пфафф.

Знаменитую улитку Матисса дизайнеры и модельеры использует практически как настольную книгу. Например, Пол Смит делился, что часто обращается к ней в поиске вдохновения: бери оттуда любые цвета и они будут прекрасно сочетаться друг с другом.

Улитка, 1953

Поразительно, насколько этот великий художник был одержим своей главной идеей на протяжении всей жизни: «чем проще средство — тем сильнее выражено чувство». Он никогда не переставал открывать новое и искать способы упрощения формы до ее естественного состояния.

Не требует долго копаться в себе, чтобы понять, какое воздействие оказывают на нас работы Матисса — эти чувства абсолютно искренние. Удивительно, что более 100 лет спустя они остаются источником вдохновения для многих людей и отголоски его идей можно увидеть повсюду.

Матисс окружает нас во всем.

Интересные факты:

Каждый год Матисс дарил Делекторской по одному портрету. Так у Лидии их скопилась целая коллекция. Многие картины она дарила Советскому Союзу, куда ей так и не удалось вернуться.
Не кажется ли вам узор скатерти из «Красной комнаты» знакомым? А если представить его в голубом цвете? Картина изначально была в тех же тонах, что и «Натюрморт с голубой скатертью». Накануне выставки Матиссу полотно показалось недостаточно декоративным, и он перекрасил его в красный.
Пабло Пикассо очень бережно относился к картинам, подаренным Матиссом: каждое полотно он относил для сохранности в сейф.
При поддержке семьи Стайнов Матисс основал свою Академию искусств. Молодые и амбициозные художники ринулись туда, в надежде научиться писать как Матисс — так же смело и революционно. Однако к своему удивлению обнаружили все тот же классический подход, что был в остальных школах и академиях. Матисс был убежден: без прочной академической основы настоящего художника быть не может.
В 1920 году по заказу известного театрального деятеля Сергея Дягилева Матисс стал автором эскизов костюмов и декораций для балета «Песнь Соловья»
За два дня до кончины Матисс пережил микроинсульт. Делекторская вспоминала, как зашла к нему накануне смерти в спальню и произнесла: «В другой день Вы бы сказали: давайте карандаш и бумагу» на что он ответил: «Давайте карандаш и бумагу»

История[править | править код]

Картина «Нимфы и сатир» была впервые представлена публике на Парижском салоне 1873 года, где она была приобретена американским бизнесменом Джоном Вулфом (John Wolfe, 1821—1894), который, помимо картины Бугро, также купил картину «Весна» художника Пьера Огюста Кота.

Бар в отеле Hoffman House (литография, ок. 1890). На стене справа — картина «Нимфы и сатир».

В 1882 году картина была куплена на аукционе в Нью-Йорке Эдвардом Стоксом (Edward S. Stokes, 1841—1901) — бизнесменом и совладельцем нью-йоркского отеля Hoffman House, известным, в частности, тем, что в 1872 году он застрелил финансиста Джеймса Фиска, за что был осуждён и отсидел четыре года в тюрьме Синг-Синг. После этого для привлечения посетителей картина была вывешена на стене бара отеля Hoffman House, расположенного на Бродвее, у пересечения с 25-й улицей, причём этот бар был заведением «только для мужчин», благодаря чему сама картина тоже получила скандальную репутацию.

После смерти Стокса в 1901 году, картина «Нимфы и сатир» была приобретена религиозным моралистом, который спрятал её от публики на складе Manhattan Storage Company, где она пребывала в небытии около 40 лет. В 1942 году она была приобретена коллекционером Робертом Стерлингом Кларком и впоследствии стала частью собрания основанного им и его женой в 1955 году музея в Уильямстауне (штат Массачусетс).

В связи с ремонтом здания Художественного музея Кларка, с мая 2012 года картина в течение двух лет находилась в нью-йоркском музее Метрополитен.

Последние годы жизни

Уже в 1920-е годы Матисс приобрел всемирную известность: выставки проводили в Европе и США, его начинали узнавать. Примерно в то же время у Анри заболела жена и требовалась помощница, которая могла бы ухаживать за ней. На пороге их дома появилась Лидия Делекторская — русская эмигрантка, чья семья погибла во время гражданской войны.

Мадам Матисс нисколько не переживала, что молодая особа работала в их доме. С Лидией у них сложились прекрасные отношения: девушка была аккуратна, скромна, внимательно относилась к женщине. К тому же, светловолосая Лидия не была во вкусе Матисса — ему нравились невысокие брюнетки южной внешности. Долгое время он ее даже не замечал. Но однажды Лидия сидела рядом с кроватью Амели, сложив руки на спинке стула и облокотив голову, внимательно слушая ее. Матисс задержал на ней свой взор и попросил не двигаться. Он сделал пару зарисовок, после чего стал чаще писать ее портреты.

Лидия Делекторская Портрет Лидии Делекторской

Жена была недовольна таким поворотом, хотя явной измены или проявления отношений между Матиссом и Делекторской не было. Но боялась Амели другого: раньше она была единственной его музой, источником вдохновения, его поддержкой. Теперь Матисс светился лишь рядом с Лидией. В скором времени брак между Амели и Анри распался, после чего Матисс провел с Делекторской более 20 лет. Она стала его секретарем и помощницей. Она ухаживала за ним во время болезни, смешивала краски, раскрашивала бумагу. Между ними никогда не было физической связи, их любовь была платонической и очень благотворной. «Каждый раз, когда я скучаю я сажусь за портрет госпожи Лидии — и тоски как не бывало» — говорил Матисс.

От клерка в конторе до студента школы искусств

Анри Матисс родился 31 декабря 1869 года в небольшом городке на севере Франции в семье керамистки и преуспевающего торговца зерном. Будучи первым по старшинству в семье, он был обязан продолжить дело отца — таковы были нормы того времени. С детства его готовили к великому будущему: Матисс получил образование в престижной школе, а затем — в лицее. Но бунтарь внутри Анри существовал с раннего возраста: он не боялся открыто заявлять отцу, что продолжать его дело не собирается.

К искусству Матисс пришел достаточно поздно: сперва он выучился в Париже на юриста, а по возвращению в родной город устроился клерком в адвокатскую контору. Однако надолго он там не задержался: в 20 лет у юноши обострился аппендицит, из-за чего Анри на два месяца оказался в больнице. Чтобы сын не скучал, мать принесла ему бумагу и краски. Рисование настолько увлекло его, что по выздоровлению Матисс, к великому разочарованию отца, оставил юриспруденцию и поступил в художественную школу.

В 1893 году Матисс начал обучение в Школе изящных искусств в Париже, где ему преподавал известный французский художник Гюстав Моро. Воспитывая учеников по строгим академическим канонам, преподаватель любил отправлять их в Лувр копировать великие шедевры. Именно Моро заложил фундамент для будущих изысканий Матисса. «О цвете нужно мечтать» — говорил он своим ученикам и Матиссу эта идея оказалась близка. Он стремился изобрести цвет счастья, гармонии, совершенства — понятия, до тех пор передаваемые исключительно за счет точнейшей детализации и символов. Матисс считал, что цвет, отдельно от формы и прочих нюансов, способен оказывать более глубокое воздействие, а лишние детали лишь препятствуют подлинному восприятию произведения.

Анри Матисс. Палитра. 1940е. Пушкинский музей

Улитка (1953)

Похожая на детскую аппликацию, «Улитка» может показаться несведущему зрителю чем угодно. Название, данное художником, подсказывает, в каком направлении следует мыслить. На самом деле, нет никакой улитки. Это абстрактное изображение призвано для того, чтобы передать сущность предмета, а не его точное изображение.

Вырезанные из цветной окрашенной бумаги прямоугольные фигурки наклеены на базовый фон таким образом, что создаётся впечатление движения по спирали. Это полотно завораживает, его можно рассматривать часами с разных сторон. Самое главное — оно заставляет человека думать и не скрывать свои эмоции.

Красная студия (1911)

Эмоции — вот что главное в изображении художественной студии. Глубокий красный цвет моментально выделяет это полотно и заставляет сосредоточиться на его рассмотрении. Стены, пол и потолок сливаются воедино, и лишь тонкие жёлтые линии подсказывают, где происходит переход от горизонтали к вертикали. В студии мебель и незначимые вещи также нарисованы схематично.

Это интерьер студии художника. Его можно разглядывать долго и это увлекает. В левой части полотна расположен стол, на котором стоит бокал, ваза с цветами, коробка пастели и тарелка. На стенах висят узнаваемые работы художника. Они яркие и являются картинами в картине. Простота и схематичность делают интерьер интересным и динамичным.

1906–1917

Многие из лучших работ Матисса были созданы в течение десятилетия после 1906 года, когда он разработал своеобразный строгий стиль, подчеркивающий плоские формы и декоративный узор. В этот период художник много путешествует, что отражается в его произведениях. В 1906 году он отправился в Алжир изучать африканское искусство, воплотившее лучшие образцы примитивизма.

После осмотра большой мюнхенской выставки 1910 года на тему исламских искусств Матисс бросился в Испанию и два месяца там изучал мавританское творчество. Он дважды в течение 1912–1913 годов побывал в Марокко и провел там семь месяцев, результатом которых стали многочисленные рисунки и около 24 картин. Занимаясь живописью в Танжере, художник внес несколько изменений в свой стиль, в том числе относительно применения черного цвета. Его восточные мотивы были частыми темами также и для более поздних картин, например, целой серии одалисок.

С 1906 по 1911 год художник создает свои выдающиеся полотна: «Голубая обнаженная», «Красный Тюрбан», «Предметы роскоши II», «Музыка», первый вариант «Танца» и второй, написанный по заказу русского коллекционера Сергея Щукина.

«Красные рыбки» Анри Матисса, как и «Танец II», признаны мировыми шедеврами. После 1910 года во многих произведениях художника цветовая гамма тяготеет к зеленому, синему, серо-голубому и фиолетовому тону. Композиции становятся строже, а линии четкие, почти как в рисунке, что заметно в таких знаменитых картинах 1910–1917 годов, как «Натюрморт с геранью», «Разговор», «Окно в Танжере», «Зора на террасе», «Сидящий Рифайн», «Портрет жены художника».

Как Матисс стал пуантилистом

В 1904 году прошла первая выставка Анри Матисса, однако в художественном сообществе она осталась незамеченной. Но не для Анри — там он познакомился с пуантилистом Полем Синьяком. Вскоре они вместе уехали в Сент-Тропе за свежими идеями и новыми впечатлениями. Стиль пуантилизма, для которого характерны яркие точечные мазки, вдохновил Матисса. Из поездки он вернулся со своим первым шедевром «Роскошь, покой и наслаждение»

Однако примкнуть к направлению пуантилистов Матиссу было не суждено: довольно скоро он отказался от этой техники в пользу энергичных мазков и смелых цветов.

Уже тогда Анри осознал: цвет совсем не обязательно использовать, чтобы выразить действительность наиболее реалистично.. Он способен выразить отношение, состояние, образ и чувства, которые испытывает сам художник. Матисс говорил: «если бы я хотел получить точное изображение, я позвал бы фотографа». В его палитре появились бирюзовый, красный, оранжевый — все те цвета, которые художники не рисковали использовать и прятали за тщательной растушевкой. Краски на его полотнах наконец начали обретать голос.

Роскошь, покой и наслаждение, 1904 Попугайные Тюльпаны, 1905

Важным моментом в становлении Матисса как независимого художника стала его встреча с женой. Анри и Амели познакомились на свадьбе у друга. Уже тогда молодые люди поняли, что влюбились друг в друга. Трогательные письма, долгожданные встречи, букеты фиалок. Амели первая поверила в талант Матисса и убедила его в том, что он должен продолжить заниматься искусством, искать свой стиль. Матисс перед свадьбой признался Амели, что хотя он и любит ее, живопись он всегда будет любить больше. Она приняла эту правду, став его главной музой жизни. Амели родила ему двоих сыновей и воспитала его внебрачную дочь, которая была у Матисса от его модели Каролины Жобло.

Анри Матисс. Анри и Амели Матисс, 1913

В трудные периоды, когда заработка едва хватало на обеспечение семьи, жена открыла свой салон шляпок, на заработок с которого они долгое время существовали. Терпеливая, сочувствующая и бесконечно верящая в своего мужа — такой была Амели.

The Conversation

Date created: 1908-1912
Dimensions: 177 × 217 centimeters (69+5⁄8 in × 85+3⁄8 in)
Location: Hermitage Museum, Saint Petersburg

The Conversation is another relatively large painting that depicts the artist himself together with his wife Amélie as they are having a conversation inside their room. The overall composition is dominated by the blue color scheme in a similar way to his red paintings.

This work is considered to be one of the paintings in which he transitioned to a more decorative style of painting after his initial period with the Fauves. He limited the unconstrained brushstrokes in favor of flatter ones. This is especially reflected in the striped pajamas worn by the artist.

The Conversation / Wiki Commons

Философия цвета Матисса

Но чего именно стремился достичь Матисс своими экспериментами с цветом? Для многих людей искусство Анри до сих пор остается загадкой — ведь «так может нарисовать ребенок». И в этом заключается главный парадокс: Матисс стремился создать искусство, которое будет понятно всем, не требующее подготовки для понимания символов и сложного содержания.

Анри хотел найти цвет, передающий радость или спокойствие, гармонию или веселье, печаль или напряженность. Его роль как исследователя заключалась в изучении воздействия цвета на человека. Он намеренно искажал перспективу и объем предметов — эту функцию восполняла контрастность одной фактуры с другой. Даже крупные мазки неслучайны на картинах — то, как они поставлены, задает динамику картине.

Несмотря на красочность работ Матисса, особенно в его «дикий» период, бунтарем его мало кто мог назвать. Благополучный семьянин, отец троих детей, который мало с кем делился подробностями своей личной жизни, он держался очень достойно на людях и казался скромным, глубоким человеком. Матисс всегда солидно выглядел — строгий костюм, аккуратно подстриженная борода, чему он в том числе обязан своей жене, которая не терпела неопрятности. Познакомившись с Анри, никто не мог бы подумать, что авторство столь красочных полотен принадлежало ему. Вероятно, весь яркий спектр эмоций он выплескивал на холст, а не отражал в своем образе жизни. С другой стороны, живопись и была его образом жизни.

Женщина, сидящая спиной к открытому окну, 1922

Матисс в первую очередь работал с выразительностью, с образом, который не всегда мог совпадать с действительностью. Женщины часто были его моделями, однако картины с ними многим казались отталкивающими. Матисс выражал красоту отдельно от модели, даже отдельно от физической реальности. Инструментом выразительности мог быть контекст, в который помещена модель, орнамент, палитра, линии. И все детали такой композиции работали на формирование определенного образа. Однажды у Матисса спросили: «Неужели вам нравятся такие женщины?» на что он ответил: «Повстречайся мне такая женщина, я бежал бы без оглядки. Но я рисую не женщин, а картины».

Стиль Матисса узнаваем не только из-за свойственных ему особенностей написания. Художник был привязан к обычным, на первый взгляд, вещицам: статуэткам, кофейникам, тканям, вазочкам или аквариуму с рыбками. Зачастую фоном на его картинах могли служить собственные же картины. То и дело можно заметить тот или иной предмет на его полотнах, особенно на его известной серии комнат и натюрмортах.

Красные рыбки и скульптура, 1911 Красные рыбки, 1911 Севильский Натюрморт, 1911 Испанский натюрморт, 1911 Красная комната, 1908 Натюрморт с голубой скатертью, 1909

Matisse’s Journey Into Art

Henri Matisse (1869-1954) was one of the 20th-century’s most influential artists. Born in Bohain-en-Vermandois in northern France, he didn’t start painting until he was 20. After a year of legal studies in Paris, he returned to northern France to become a clerk in a legal office. During this time he attended a morning drawing class at a local art school. Then, in 1891, after recovering from a severe case of appendicitis, he left his job in law. He went back to Paris and began his journey to becoming a professional artist.

His career spanned an impressive six decades and he became synonymous with his expressive use of color and Fauvist style. Throughout his career, Matisse’s paintings most commonly depicted figures in landscapes, portraits, interior settings and nudes.

Вид Коллиура (1905)

Полотно «Вид Коллиура» принято относить к 1905 году, когда Матисс работал на побережье Средиземного моря. В картине очень хорошо передается колорит южной природы, что художник умело демонстрирует красками. В работе не понадобились цветные тени – эффект солнечного света возникает за счет оранжевых, красных, малиновых и лилово-розовых пятен.

Эти цвета мы видим повсюду: на церкви, «пропеченной» солнцем земле, стенах домов. Когда картина Матисса была выставлена в 1905 году в Осеннем салоне, зрители были потрясены от увиденного. Ранее они не видели такой дерзости открытого цвета, импульсивности, с которой работал художник, упрощенности приемов.

The Medina and Surroundings

Our next stop, following Henri Matisse in Morocco, leads us to the kasbah in Tangier and its surroundings. It wasn’t long before the skies cleared and the hot North African sun shone down. As such, the artist was finally free to walk around and discover the city’s charms. However, not straying far from the hotel, he painted the majority of his work in Tangier’s kasbah, medina, fortress, and medieval walled city. Naturally, like anyone arriving in Morocco, he was eager to see Tangier’s kasbah, the maze-like market of the city.

Firstly, in Entrance to the Kasbah, he presents sharp contrasts between light and shadow, so characteristic of Morocco. A typical Moroccan scene, the painting illustrates the keyhole-like entrance to the market, with a local man at work on the left. The fierce blue of the sky clashes with the vibrant red of the floor to capture the vivid color contrasts.

Henri Matisse, Entrance to the Kasbah, 1912, State Hermitage Museum, Saint Petersburg, Russia.

Next, he leads us to the tomb of Sidi Boukoudja in Le Marabout. Located on the edge of the kasbah, this building is a typical representation of the type of architecture found in Tangier, and Morocco. The building, built in 1865, is used as a shrine to honor the life of Sidi Ahmed Boukoudja, a family member of the city’s then patron. Although Matisse typically painted unusual, abstract portraits, his paintings from Morocco were much more realistic.

Henri Matisse, Le Marabout, 1912, private collection. Wikiart.

Зелёная полоса (1905)

В том же стиле Матисс изобразил свою жену. Полотно под названием «Зелёная полоса» произвело не меньший фурор, как и «Женщина в шляпе». Публика негодовала, что более уродливого портрета она ещё не видела. Неряшливость, безумные цвета и зелёная полоса, разделяющая лицо на две части, возмущали зрителей.

В то же время, критик Жак Ривьер сказал о портрете, что он необычайно правдив. Жена художника обладала стойким и жёстким характером, который Матисс передал при помощи цвета блистательно. Особенно поражает выражение глаз мадам Матисс. Этот непроницаемый взгляд полон загадок и глубины.

Описание картины Анри Матисса «Красная комната»

Анри Матисс (31.12.1869 — 3.11.1954) — французский художник, яркий представитель фовизма, направления во французской живописи. Для фовизма характерно отсутствие светотени, несоблюдение перспективы, изображение формы сводилось к очертаниям. Матисс искал способы передать чувство посредством цвета и формы.

Самые известные картины Анри Матисса — «Женщина в фиолетовом пальто», «Открытое окно», «Золотая рыбка и палитра», «Роскошь, Спокойствие и Наслаждение», «Женщина в шляпе», «Купальщицы у реки», «Танец», «Голубая обнажённая», «Красная комната».

Картина «Красная комната» (1908) была написана по заказу московского фабриканта и коллекционера Сергея Ивановича Щукина. Коллекционер заказал картину как декоративное панно для своей столовой.

Матисс начал эту картину под другим названием — «Гармония в голубом». Образцом послужила узорчатая голубая ткань. В 1908 году художник неожиданно принимает решение изменить голубой цвет картины на красный. Он посчитал красный цвет более декоративным. По его словам, в красном всё смотрится гораздо красивее.

Вероятно, внутреннее состояние Матисса на тот момент больше соответствовало самому яркому цвету. В результате и скатерть на столе, и видимая стена комнаты пламенеют красным жаром. Плоскости стены и стола будто составляют одно целое — их украшают одинаковые тёмно-синие узоры в восточном стиле. Этот красный, без примеси каких-либо оттенков, цвет захватил комнату и главенствует в ней. Фигура женщины, фрукты на столе, графины, стул у окна — всё кажется второстепенным.

Окно с левой стороны картины открывает зелёный сад и белый цвет деревьев, фрагмент синего неба и розовеющий в отдалении дом. Сдержанные и холодные цвета за окном уравновешивают картину, вносят струю спокойствия. В то же время контрастность усугубляет энергию красного цвета.

В согласии с направлением фовизма пространство художник выстроил в ключе примитивизма. В картине нет объёма, его можно лишь угадывать. Женщина, деревья за окном, посуда, фрукты выписаны плоско. Контрастные цвета и нарочитый примитивизм гармонично сочетаются и служат концентрации страсти, с которой художник писал картину. Палитра этого полотна ошеломляет. Изображённые на столе яркие плоды, графины с напитками словно призывают вкушать дары природы, наслаждаться радостями жизни.

Матисс, следуя принципам фовизма, ставил перед собой цель — выразить охватившую его радость бытия, восторг красотой жизни. «Красная комната» — достижение этой цели. От неё веет жизнелюбием, яркостью чувств, она даёт заряд энергии.

Не напрасно Анри Матисс изменил краски на холсте. Теперь этот шедевр радует многих людей, заряжает позитивом. Наверняка, созерцание «Красной комнаты» окажет положительное действие и на человека в депрессивном состоянии.

Описание картины Анри Матисса «Танец»

The Dessert: Harmony in Red

Date created: 1908
Dimensions: 180 × 220 centimeters (70.9 × 86.6 inches)
Location: Hermitage Museum, Saint Petersburg

The Dessert: Harmony in Red is also known as “The Red Room” and is another painting that features a remarkable red color scheme. It was painted at the height of the Fauves art movement in 1908 and is considered by many to be one of his ultimate masterpieces.

What’s remarkable about this painting is that it was originally referred to as “Harmony in Blue.” Matisse ignored the wishes of the person who commissioned it and overpainted it in red because he didn’t like the original color scheme. This worked out rather nicely as you can see.

The Dessert: Harmony in Red / Wiki Commons

Фовистский период

Лето 1905 года Матисс провёл с Андре Дереном и Морисом де Вламинком в Кольюре, рыбацкой деревне на Средиземном море. Это время ознаменовало значительный поворот в творческой деятельности художника. Вместе с Андре Дереном, Матисс создал новый стиль, вошедший в историю искусства под названием фовизма. Его картинам того периода характерны плоские формы, чёткие линии и менее строгий пуантилизм.

Фовизм, как направление в искусстве, появился в 1900 году на уровне экспериментов и был актуален до 1910 года, само же движение длилось всего несколько лет, с 1904 по 1908 год, и имело три выставки. Движение фовизма получило своё название от небольшой группы единомышленников, художников Анри Матисса, Андре Дерена и Мориса де Вламинка.

Матисс был признан лидером фовистов, наряду с Андре Дереном. Каждый из них имел своих последователей. Другими значительными художниками в движении были Жорж Брак, Рауль Дюфи, Кеес ван Донген и Морис де Вламинк. Все они (кроме Кееса ван Донгена) были учениками Гюстава Моро, подтолкнувшего учеников думать вне формальных рамок и следовать своему видению.

Снижение роли фовизма после 1906 года и распад группы в 1907 году никоем образом не повлияли на творческий рост самого Матисса. Многие из его лучших работ были созданы им в период между 1906 и 1917 годами.

Когда осенью 1905 года будущие фовисты впервые представили широкой публике свои работы на Осеннем салоне в Париже, их резкие, энергичные краски буквально потрясли зрителей и вызвали негодование у критиков. Камиль Моклер (англ.)русск. сравнил выставку с горшком краски, брошенным в лицо общественности. Другой критик, Луи Воксель, в рецензии Донателло среди дикарей! (фр. Donatello parmi les fauves!), опубликованной 17 октября 1905 года в газете Жиль Блаз, дал художникам ироничное прозвище «фовистов», то есть «дикарей» (фр. fauves).

Матисс представил на выставке две работы, Открытое окно и Женщина в зелёной шляпе. Критика Луи Вокселя была направлена прежде всего на картину Женщина в зелёной шляпе. Коллекционер из США Лео Стайн , брат известных коллекционеров, Майкла Стайна и Гертруды Стайн, купил у художника эту картину за 500 франков. Скандальный успех повысил рыночную стоимость работ Матисса, что позволило ему продолжить занятия живописью.

После выставки в начале 1906 года в галерее Берней-Жён (фр.)русск., 20 марта 1906 года в Салоне Независимых художник представил свою новую картину Радость жизни, в сюжете которой сочетались мотивы пасторали и вакханалии. Реакция критиков и академических кругов на произведение была крайне раздражительной. Среди критиков оказался и Поль Синьяк, вице-президент «независимых». Пост-импрессионисты отошли от Матисса. Однако, Лео Стайн приобрел и эту картину, увидев в ней важный образ современности.

В том же году Матисс познакомился с молодым художником Пабло Пикассо. Их первая встреча состоялась в Салоне Стайн на улице Рю де Флёрю в Париже, в котором Матисс регулярно выставлялся в течение года. Творческая дружба художников была полна и духа соперничества, и взаимного уважения. Гертруда Стайн, вместе с друзьям из Балтимора в США, сёстрами Кларабель и Эттой Коэнами (англ.)русск., были меценатами и коллекционерами Анри Матисса и Пабло Пикассо. Ныне Коллекция сестёр Коэн является ядром экспозиции Музея искусств в Балтиморе (англ.)русск..

В мае 1906 года Матисс приехал в Алжир и побывал в оазисе Бискра. Во время поездки он не рисовал. Сразу по возвращении во Францию им была написана картина Голубая обнажённая (Сувенир из Бискры) и создана скульптура Лежащая обнажённая I (Аврора). Из двухнедельной поездки, он привёз керамику и ткани, которые затем часто использовал в качестве фона для своих картин.

Под впечатлением поездки Матисс увлекся линейными орнаментами мусульманского Востока в стиле арабесок. В его графике арабеск сочетался с тонкой передачей чувственного обаяния натуры. В это время он открыл для себя скульптуру народов Африки, стал интересоваться примитивизмом и классической японской ксилографией. Тогда же появились первые литографии художника, гравюры на дереве и керамика.

В 1907 году Матисс отправился в путешествие по Италии, во время которого посетил Венецию, Падую, Флоренцию и Сиену.

The Red Studio

Date created: 1911
Dimensions: 162 x 130 centimeters (64 × 51 inches)
Location: The Museum of Modern Art, New York City, United States

The Red Studio is also known as “L’Atelier Rouge” and is one of the most fascinating paintings in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. It depicts the studio that the artist had constructed for himself in 1909 in a remarkable shade of red.

A poll conducted in 2004 listed the painting as the number of 5 of the 500 most influential paintings in the history of art. Not too shabby and one of the main reasons why it has a valuation of about $400 million, reaching 10th place in our list of most expensive paintings in museums.

The Red Studio / Wiki Commons