«37 миллионов? я чего-то не понимаю?» дама раскритиковала пикассо, но ей быстро объяснили, в чём она не права

«Венера с зеркалом»

Картина Диего Веласкеса «Венера с зеркалом» сейчас хранится на территории Лондонской Национальной галереи и является последним сохранившимся полотном обнаженной женщины, которую писал художник. Точные даты картины, когда она была нарисована, определить не удается. Художник трудился над ней на территории Италии, ведь в Испании рисовать обнаженное тело строго запрещалось законами инквизиции.

Сюжет был выбран Диего из-за влияния творчества венецианцев, принадлежавших к эпохе Возрождения: Тициану и Джорджоне. В отличие от итальянцев, кисть испанца изображала Венеру целомудренно, со спины. Глубину картины подчеркивает и рама зеркала, в которое смотрится непревзойденная Венера. Согласно данным искусствоведов, самая первая рама для картины также была черной, что играло на перспективу. Венера Веласкеса менее относится к чему-то божественному. Больше всего это гимн о красоте женщины, ее чувственной любви.

Портрет Маргариты

Диего Веласкес, являясь придворным служителем испанской короны, часто на своих полотнах рисовал членов королевской семьи. Это не только было очень популярно, но и помогало подчеркивать могущество и выдающееся благородство правящей династии. Одним из великолепных примеров таких работ является картина Диего Веласкеса «Маргарита», написанная в 1655 году. Этот портрет является важным событием в творчестве художника, его смело можно отнести к зрелому периоду его искусства. В это время Веласкес написал большое количество портретов дочери короля Филиппа IV, в последствии ставшей императрицей Римской империи.

На картине мы видим маленькую девочку, одетую в официальный наряд. У нее холодный и надменный взгляд, какой и должен быть у представителя столь великой династии. Осанка тоже отображает в девочке прямую принадлежность к королевскому роду.

Тем не менее, несмотря на всю чопорность и статичность фигуры, художник сумел передать детали лица с малейшими подробностями: мягкость линий, золото ее волос, нежные слегка пухлыми губы. Это помогает придать портрету некую теплоту и детскую нежность, что сильно контрастирует с внешним строгим обличием.

Если вы хотите увидеть воочию этот великолепный портрет Диего Веласкеса, тогда вам стоит отправиться в Лувр, один из самых известных и роскошных музеев на территории не только Европы, но и всего мира. Картина относится к стилю барокко.

Темная история

После смерти Климта картину выставили в Музее прикладного искусства в Вене, а в 1920 году, спустя два года «Даму с веером» приобрел промышленник Эрвин Бёлер. Примерно через 40 лет ее выкупил австрийский коллекционер Рудольф Леопольд.

Впервые за 60 лет публика увидела работу Густава Климта в 1981 году в токийском Художественном музее — на выставку ее привез Леопольд. Через несколько лет коллекционер продал «Даму с веером» за 18 млн австрийских шиллингов, чтобы покрыть собственные долги, после чего новый владелец, имя которого до сих пор неизвестно, вывез ее нелегально из страны.

Спустя десятилетие «Дама с веером» объявилась в США. Там ее от имени коллекционера Венделла Черри попытался продать некий чикагский арт-дилер. За 80 млн шиллингов он предложил купить ее одному из венских художественных музеев. Однако сделка не состоялась. Вместо этого было заведено уголовное дело, чтобы выяснить, кто незаконно вывез шедевр из Австрии. Рудольф Леопольд заявил полиции, что не помнит имени покупателя. Спустя год дело пришлось закрыть из-за отсутствия подозреваемых. «Дама с веером» так и осталась у Венделла Черри.

5 самых дорогих картин, проданных с аукциона в 2022 году

Читать

В 1994 году ее все же продали — на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 млн долларов. Тогда эта была рекордная сумма для картин Густава Климта. И вот спустя тридцатилетие успех превзойден.

Искусствоведы объясняют сумму высокой художественной ценностью работы. «Это нечто совершенно иное — техническое проявление силы, переход границ ради эксперимента и сердечная ода абсолютной красоте», — говорит председатель Sotheby’s Хелена Ньюман.

Пабло Пикассо: самые известные картины

Долорес Ибаррури однажды сказала: «Если бы Пикассо не создал за свою жизнь ничего, кроме «Герники», то и тогда его можно было бы причислить к лучшим художникам своей эпохи». Толчком к созданию картины послужила бомбардировка маленького баскского городка. В апреле 1937 года немецкая эскадрилья под названием «Кондор», ночью бомбила Гернику. Пабло Пикассо, известные картины которого являются вызовом современным диктаторам, никогда там не бывал. Но весть о гибели Герники подействовала на него, как удар хлыста. Гигантское полотно в черно-белых тонах было создано за месяц. Техника «кубизм» не скрывала, а только подчеркивала ужас происходящего. Черные и белые краски, словно документальные хроники, фиксируют сцены насилия. Однажды во время обыска в доме художника нацистский офицер спросил, указывая на фотографию «Герники»: «Это вы сделали?» И на это получил самый прямой ответ. «Нет, это сделали вы!»

Картина «Женщина с веером» Пабло Пикассо

Картина «Женщина с веером» Пабло Пикассо

В далеком 1907 году во дворце Трокадеро, расположенного вблизи Парижа была представлена выставка экспонатов африканской культуры.

Воодушевленный посещением выставки и знакомством с африканской резной скульптурой Пабло Пикассо открыл для себя те инструменты выразительности, которые в полной мере выражали то неповторимое, чему был направлен взор живописца. 

В 1909 году была написана картина «Женщина с веером». В период вдохновения архаичными и примитивными формами, изображенными в африканском искусстве. Пабло Пикассо осознал, что ему поддались те уникальные средства, которые позволили с предельной мощью передать дух современности. Благодаря особым мазкам художник как будто вырубает очертания предмета, специально деформируя общую картину. С сильной энергетикой, уникальные и неповторимые черты прослеживаются в его работах.

Пикассо реализовывал все свои мысли и цели, воодушевленный деревянными скульптурами, идолами и покрытыми медью ритуальных масок. Он наполнял свои творения необыкновенной силой и драматизмом так, что зрителю передается напряженность и внутренняя сложность образов.

Благодаря влиянию африканской культуры у автора сформировался особый взгляд на свое творчество. Все произведения мастера были насыщены множеством символов, которые несли в себе особый смысл.

Детали на картинах словно переливаются знаками. Перед нами дама, которая сидит в кресле. Обе руки ее заняты зонтом и веером. Картина словно оживает, представляет многочисленные грани и углы обзора каждого предмета. Не пропадает ощущение напряженности и ритма при такой игре света, контраста общего пространства с предметами. Сам взгляд дамы, словно ритуальная маска, особый, усиливающий общее впечатление и играющее на контрасте с вазой. Использование ассиметричных форм сгущают краски над восприятием картины, делая ее более зловещей и атмосферной. Образ Фернанды, изображенные на полотне, в период зарождающегося кубизма и увядающих отношений с Пикассо значительно омрачили общий вид картины.

Игра цвета, этот борьба, сочетание серых и зеленых оттенков с добавлением коричневых пятен позволяют ощутить некую грубоватость, словно объекты выдолблены из древесины.

Подобно скульптору живописец в силах воссоздать дополнительное измерение. Пикассо утверждал, что абсолютно из каждую картину можно разрезать на части и составив их по определенному цвету собрать уникальную скульптурную композицию.

Картина Винсента Ван Гога под названием «Звездная ночь» была написана в 1989, за год до …

И картины, о которых, кажется, известно все, порой хранят интересные секреты. И далеко не всем …

Понимание современного искусства – вещь, которая дается не каждому. Действительно, многие люди просто-напросто не могут …

Люди украшали собственное жилище еще в древние времена. Естественно, тогда предметов декора было значительно меньше, …

ПАБЛО ПИКАССО — ДАМА С ВЕЕРОМ

В поисках выразительных средств, позволяющих отразить то, что открывается внутреннему зрению художника, Пикассо обратился к архаическим, первобытным художественным системам. Помимо влияния искусства Сезанна открытие негритянской пластики стало важнейшим фактором формирования кубизма. В мае 1907 года Пикассо знакомится в этнографическом отделе дворца Трокадеро в Париже с африканской резной скульптурой. Покрытые полосками меди деревянные фигуры идолов, ритуальные маски своей динамичностью, метафоричностью и иррациональностью поразили художника и подсказали ему, по собственному признанию Пикассо, те художественные средства, с помощью которых он смог выразить дух своей эпохи. Отсюда в произведения Пикассо придут и деформация натуры, и параллельные мазки, напоминающие насечки в скульптуре и делающие очертания предметов рублеными. Пикассо увидел в деревянной африканской скульптуре не только ее декоративные качества, но и разглядел то, что искусство народов Черной Африки стремится прежде всего к воплощению мысли и идеи. В своих кубистических произведениях Пикассо отражает не столько внешнюю сторону предметов и явлений, сколько драматическую напряженность, внутреннюю сложность образов. Неоднократно заявляя, что он работает «не с натуры, а подобно натуре», Пикассо превращает свои произведения в своего рода знаковые системы, где знаки несут в себе внутренний смысл образов. «Художник должен наблюдать натуру, но никогда не путать ее с живописью. Натура лишь переводится в живопись знаками», — говорил Пикассо. В подобном отношении к творчеству и состоял один из важнейших уроков африканской скульптуры. В характерные пластические знаки превращаются все детали созданного в 1909 году полотна «Дама с веером». Восседающая в кресле модель изображена в просторном капюшоне, с раскрытым веером в одной руке и сложенным зонтиком в другой. Художник насыщает пространство картины игрой геометризированных граней изображенных предметов, располагая их под углом друг к другу, что заставляет напряженно взаимодействовать ритмизованные поверхности. В своеобразные пластические взаимоотношения вступают стоящая на столике ваза и лицо женщины, напоминающее ритуальную африканскую маску. Различные тон и освещение всех деталей картины лишь усиливают напряженную игру. Взгляд асимметричных глаз модели придает атмосфере произведения зловещее впечатление. Этому же впечатлению способствует и колорит картины, строящийся на сочетании различных оттенков зеленого и серого с примесью пятен рыже-бурых тонов. И лицо женщины, и все атрибуты будто выдолблены из куска дерева. Пикассо мыслит как скульптор, вводя тем самым в живописное пространство третье измерение. Известно высказывание художника: «Картины … стоит только их разрезать (ведь краски это не более, чем указания перспектив, наклоненных туда или сюда планов), а потом снова собрать согласно указаниям цвета, как выйдет скульп­тура. Пропавшая картина не исчезнет».

ТЕКСТ ОТСЮДА

Портрет папы Иннокентия X (написана в 1650 году)

Картина находится на территории Рима, в галерее Дориа-Памфили. Многие эксперты называют данное произведение одним из лучших реалистических портретов. Папа Иннокентий X нарисован в своих парадных пышных убранствах, он сидит богато в своем украшенном кресле. Тем не менее это не классический парадный портрет, художник Диего Веласкес решил передать на своем холсте глубокий внутренний мир понтифика. Всего дважды он встречался в живую с Иннокентием X. Это было во время его визита в Вечный город в 1650 году. Эмоции от обеих встреч настолько сильно на него повлияли, что он сумел непревзойденно перенести эти ощущения в портрете.

Иннокентий X славился своей двуличностью и корыстолюбием. Смотря на полотно, мы видим недобрый взгляд коварного и действительно жесткого человека. Тем не менее в холодном свете его глаз можно прочитать подавленность: мы понимаем, что понтифик чем-то сильно озадачен. Именно таким для дьявола Веласкесу представился однажды папа. Он стал свидетелем личных переживаний столь выдающейся личности, которые понтифик не смог скрыть от посторонних. Не вызывает сомнений и тот факт, что это чрезвычайно умный и сообразительный человек. Иннокентий X, увидев свой портрет, восторженно воскликнул: «Слишком правдиво!» За этот портрет художник получил в качестве вознаграждения нагрудную цепь с изображением папы, находящимся в медальоне. Слава о столь талантливом и непревзойденном испанском живописце молниеносно пронеслась по всей Италии, из-за чего сразу же начали появляться многочисленные подражатели.

Последний шедевр

Почему же «Дама с веером» вызвала такой ажиотаж? Портрет незнакомки, предположительно танцовщицы, — последний шедевр Климта. Картина стояла на мольберте в его мастерской в феврале 1918 года, когда он скончался в возрасте 55 лет. Сначала художник перенес инсульт, а затем заболел испанкой, которая его добила. Тогда в комнате была еще одна незаконченная картина — «Невеста», но «Дама с веером» оказалась ближе к завершению.

Мастерская Густава Климта с двумя работами: «Невестой» (в центре) и «Дамой с веером» (справа)
Фото: Belvedere, Wien

Эксперты отмечают, что «Дама с веером» по стилю отличается от предыдущих работ мастера. На пике своего творчества в последние шесть лет жизни он экспериментировал. Здесь художник изображает молодую женщину с веером на фоне цветочной и мифологической иконографии. Работа вдохновлена ​​китайскими мотивами, в ней присутствуют характерные азиатские символы: феникс и цветок лотоса с узорами. Неудивительно, что представительница гонконгского коллекционера, имя которого не раскрывается, до последнего боролась за «горячий» лот.

Сочинения по картинам 5-9 класс

• Иллюстрация к «Сказке о Золотом петушке» Билибина
  (823)

  Картина известного русского художника Ивана Билибина, который один из первых рассмотрел проблему иллюстраций детской литературы. На сегодняшний день сложно представить себе книжку без картинок. Самые лучшие иллюстрации были нарисованы еще во времена развития детской литературы, но до сих пор пользуется популярностью.Эта картина является частью…

• Иллюстрация к былине «Вольга» Ивана Билибина
  (691)

  Билибин постоянно тяготел к иллюстрированию разного рода былин и сказаний. «Иллюстрация к былине Вольга» выполнена в орнаментальном графическо-декоративном исполнении, которая полностью основана на мотивах былин и преданий русского народа.Иллюстрация выполнена тушью подцвеченного акварелью, при этом стоит отметить, что Билибин смог выработать…

• Иллюстрация к сказке «Белая уточка» работы Ивана Билибина
  (830)

  Иллюстрирование «Белой уточки», ровно как и еще шести сказок, знаменательно тем, что Билибин смог разработать и активно внедрить в свое творчество особую технику рисунка – тушь, подцвеченную акварелью.Билибин был приверженцем использования русского орнамента в оформлении своих произведений. В связи с этим он часто посещал российские глубинки,…

• Иллюстрация к сказке «Сестрица Аленушка и братец Иванушка» работы Ивана Билибина
  (789)

  Каждый из нас помнит чудесные русские сказки, которые он читал в детстве. Со временем они совершенно изменялись. Люди рассказывали их друг другу, добавляя что-то свое и этим существенно обогащая общее содержание. Сказки сначала не публиковались. Лишь в 17 веке, во второй его половине стали появляться книжки, которые именовались лубком.В них…

• Описание иллюстрации Ивана Билибина к сказке «Иван-Царевич и жар птица»
  (1325)

  Перед нами иллюстрация к знаменитой сказке. Билибин – настоящий мастер, сумевший передать особую красоту этого удивительного жанра. Сказки позволяют нам погрузиться в мир полный чудес. В нем травы. Звери и птицы умеют разговаривать. Человек их прекрасно понимает.Жар-птица – истинное волшебство. С такой героиней не сравниться ни одна птица. Ее…

• Описание картины И. Грабаря Февральская лазурь
  (694)

  И.Грабарь один из русских художников-живописцев 19-20 веков, его учителями были такие известные личности как И.Репин и П.Чистяков. Больше всего мастер любил изображать на своих полотнах несравненную красоту родных русских земель.Художник очень трепетно относился к истинно русскому дереву — березе, и именно ее очень часто можно встретить на…

• Описание картины Сальвадора Дали «Мадонна Порт-Льигата»
  (634)

  Будучи некогда неверующим, психика Гения кардинально изменилась, и он обратился в веру. Эти изменения сразу же выразились в его творчестве – странные образы объединились с христианскими мотивами в купе с мистицизмом.Он сотворил две версии полотна «Мадонна Порт-Льигата». В лике Богоматери прослеживаются черты его любимой супруги Галы, которую он…

• Сочинение И. К. Айвазовский “Радуга”
  (796)

  Иван Константинович Айвазовский – знаменитый русский живописец-маринист. В картине “Радуга” нашли отражение романтическое мировосприятие мастера, его восхищение необъятной, вечно изменчивой стихией моря. В центре внимания художника – тема кораблекрушения. Зрительно полотно можно разделить на две части. Задний план более мрачен, преобладают…

• Сочинение по картине «Май 1945» А. и С. Ткачёвых
  (1047)

  Художники братья Ткачёвы, Сергей Петрович (1922) и Алексей Петрович (1925) приобрели значи­тельную известность ещё в середине прошлого века.

  Художники имеют многочисленные награды и звания. Ещё с 1948 г. они начали писать картины вместе, в две кисти — такое бывает не так часто, особенно соавторство на столь продолжительный период.
  Военная тема занимает…

• Сочинение по картине 3. Е. Серебряковой «За туалетом. Автопортрет»
  (689)

  Судьба талантливой художницы Зинаиды Васи­льевны Серебряковой сложилась счастливо и одно­временно трагически. Родившись в семье Лансере-Бенуа, в которой было несколько поколений талантли­вых архитекторов, скульпторов, художников, Зинаида Васильевна не могла избрать иного занятия, не свя­занного с искусством. Счастливое детство, юность,…

Дама с веером

В 1904 году Пабло Пикассо встретил свою первую многолетнюю музу – Фернанду Оливье

Она была высокой рыжеволосой красавицей, мгновенно привлекающей к себе внимание и способной конкурировать с пылким молодым испанцем по части темперамента. В будущем, кстати, Пикассо станет выбирать в качестве спутниц жизни в основном невысоких и покорных женщин

Отношения Пабло и Фернады, продлившиеся семь лет, были бурными, полными ревности и даже доходившими до насилия. Но все это лишь подпитывало вдохновение художника, и он писал свою возлюбленную много и страстно. Фернанда была частой гостьей в Бато-Лавуар – общежитии, в котором обитали молодые бедные художники, — поскольку зарабатывала на жизнь позированием. Судьба была к ней не слишком благосклонной: она была незаконнорожденным ребенком, воспитывали Фернанду мать и дядя, который планировал жениться на девочке, когда та вырастет. Она сбежала из дома и вышла замуж за мужчину, который с ней жестоко обращался. Девушке снова пришлось бежать: в возрасте 19 лет она перебралась в Париж и сменила фамилию, чтобы муж не мог ее разыскать. Здесь она довольно быстро завела знакомства с художниками и писателями и вошла в круг друзей Гийома Аполлинера. Через несколько лет Фернанда познакомилась с Пикассо, и с этих пор он заявил эксклюзивное право на то, чтобы писать ее портреты. Пожениться они так и не смогли, поскольку официально Оливье по-прежнему была замужем.

Служить музой Пикассо было нелегко. Яркая и красивая Фернанда, привыкшая к восхищению, которое находило отражение на картинах других художников, с трудом понимала эксперименты Пикассо со стилями. С началом их отношений «голубой» период в его творчестве трансформировался в «розовый», но постепенно условно классическая фигуративная живопись начала отступать на второй план, формы в работах Пикассо стали упрощаться, а пропорции – искажаться. И Фернанде пришлось мириться с несовпадением ее представлений о собственной внешности и порождений фантазии Пабло, пережить «африканский» период и «Авиньонских девиц». Портрет «Дама с веером» появился в момент следующей трансформации, на переходе к чистому кубизму.

Приблизительно в это же время отношения Фернанды и Пабло начали рушиться. В 1907 году Оливье взяла из приюта 13-летнюю сироту, однако полноценной семьи у них так и не получилось, и девочку отправили обратно. Пикассо же с приходом успеха начал терять интерес к Фернанде, потому что она служила живым напоминанием о тяжелых временах. В 1912 году они расстались, и женщине пришлось сменить множество низкооплачиваемых работ, чтобы прокормить себя. Спустя 20 лет Фернанда написала мемуары о совместной жизни с Пикассо, которые в 1930 году по частям публиковались в крупной бельгийской газете. Художник, в то время уже находившийся на пике популярности, нанял адвокатов, чтобы воспрепятствовать публикациям. В итоге Пикассо добился своего, а Оливье получила крупные отступные.

Описание картины «Женщина с гитарой»

В живописи и графике 1950-х годов образ летящей птицы развивается в самостоятельную тему. Гитара для старика является единственным утешением даже в самые плохие времена. Умер 8 апреля 1973 г. в Мужене. Со второй половины 40-х гг. Одинаково хорошо ему удавались пейзажи и отдельные портреты.

Со второй половины 30-х гг. его творчество всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий («Плачущая женщина», 1937 г. «Кот и птица», 1939 г. ). Живописи учился сначала у своего отца X. Руиса, затем в школах изящных искусств: в Ла-Корунье (1894 – 1895 гг. ), Барселоне (1895 г. ) и Мадриде (1897— 1898 гг. ). Пикассо разлагает предмет на составные геометрические элементы, оперируя комбинациями ломающихся плоскостей и громоздящихся объёмов, превращая реальность в игру отвлечённых деталей («Дама с веером», 1909 г. портрет А. Воллара, 1910 г. ).

Его глаза закрыты, как будто он не желает видеть окружающий мир. Он был шестым из семи детей. Увлечение африканской скульптурой приводит его к основанию нового направления — кубизма. Один из них — «С гитарой» (портрет С. А. XX вв. Туго переплетенные формы, вязкие землистые тона пронзаются изображением белой птицы, символа творческого полета («Мастерская II», 1949, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфален).

По этой причине Пикассо выделил гитару особым цветом. творчество Пикассо становится наиболее разнообразным. Сам художник, тогда ещё малоизвестный, жил в нищете. Через два года обучение пришлось закончить, так как Глейр закрыл свою мастерскую. В 1900-1901 годах учился в Технической школе в Париже.

С 1904 г. Пикассо почти постоянно жил в Париже. Регент хора рекомендовал родителям определить сына учиться музыке, отмечая необыкновенный голос мальчика. С конца 1910-х годов он работал большими сериями или циклами, варьируя один и тот же мотив («Натюрморты на круглом столе», 1918-1942 «Камины», 1922-1927 «Биллиарды», 1944-1952). Первые его значительные произведения относятся к 10-м гг. Гневным протестом против фашистского террора является монументальное панно «Герника» (1937 г. ). В 1844 году семья переехала в Париж.

Человек с гитарой – 1911 Пабло Пикассо

В 1907 г. Пикассо создал полотно «Авиньонские девушки», ознаменовавшее решительный разрыв с реалистической традицией и переход в лагерь художников исповедующих авангардизм. Созданные в период оккупации натюрморты, пронизанные трагическим мироощущением, близки по духу к классическим аллегориям Vanitas («Графин и рыбы», 1941, Париж, Национальный музей современного искусств). XX в. Пикассо создаёт также множество рисунков, на которых представлены образы людей из народа («Рыбак», 1918 г. «Отдыхающие крестьяне», 1919 г. ). Оправившись после тяжелой операции, возобновил занятия живописью в 1917 году. В 10—20-х гг.

С середины 10-х гг.

Пабло Пикассо «Женщина с гитарой»

Вечером после работы в мастерской он учился в школе живописи. Испанец по происхождению.

Кажется, что гитара – это последнее, что осталось у человека в жизни и единственное удовольствие, которое он получает от жизни – это его собственная музыка. В 1936—1939 гг. Легко научившись этому ремеслу, Огюст смог материально помогать семье. Будучи ребенком, Пьер Огюст пел в церковном хоре при соборе Сент-Эсташ.

Описание картины Пабло Пикассо «Женщина с гитарой»

Волею судьбы дети и жена Матисса были в эти годы оторваны от него. Девушка на картине грустна, с траурным платком на голове. Тогда ему было 22 года и он впал в глубокую депрессию, что отразилось в его полотнах.

Оба цикла посвящены теме трагического одиночества слепых, нищих, бродяг, романтической жизни странствующих комедиантов («Старый нищий с мальчиком», 1903 г. «Девочка на шаре», 1905 г. ). Героиня портрета Софья Августовна Кропоткина (Шаре), сестра художника. С 1931 года Брак жил попеременно в собственном доме в Варанжвиле (близ Дьеппа) и в Париже изредка совершая поездки в другие европейские страны. Кропоткиной), написанный им в 1882 году.

В 1950 г. Пикассо был избран во Всемирный совет мира. Его колорит высветляется, строится на тонких градациях охристых, голубых, серых, оливковых, терракотовых оттенков. Плоскости и геометрические штрихти выполнены в стиле импасто4. В работах «розового периода» (1905—1906 гг. ) преобладают розово-золотистые и розово-серые оттенки. Старший сын Пьер еще до войны переехал в США.

Василий Иванович Суриков (1848 — 1916 г. г) родился в семье канцелярского служащего. Другой сын, ставший скульптором, жил под Парижем. Эти работы проникнуты скрытой символикой, выражающей обобщенные философские смыслы и тонкие душевные состояния («Женщина с мандолиной», 1937, Нью-Йорк, Музей современного искусства «Пасьянс», 1942, Лозанна, частное собрание). В 1944 г. художник вступил в ряды Французской коммунистической партии. Помимо станковых живописных произведений, в которых художник возвращается к античным мотивам или пародирует картины старых мастеров (например, «Менины» Д. Веласкеса), он работает и как скульптор («Человек с ягнёнком», бронза, 1944 г. ), керамист (около 2000 изделий), график.

В работах послевоенного времени преобладают антивоенные сюжеты («Голубь мира», 1947 г. панно «Мир» и «Война», 1952 г. ). В серии «Биллиардов» контурные линии множатся, придавая предметам сходство с трепещущими крыльями бабочек, с вибрирующей струной статичный мотив обретает драматическую выразительность сюжетной картины («Биллиард», 1944, Париж, Национальный музей современного искусства). В 1949-56 годах была создана серия «Мастерских» картин, состоящая из восьми крупномасштабных полотен. он начинает экспериментировать с фактурами используя в произведениях обрывки газет, кусок скрипки и т. д. Коллаж «Бутылка аперитива» (1913 г. ) и композиция «Три музыканта» (1921 г. ) завершают период кубизма и в творчестве Пикассо возникают неоклассические тенденции.

Вещи, очерченные округлыми, упруго изогнутыми контурами, располагаются по параллельным тесно сближенным планам, резкая тень делит объемы предметов пополам («Круглый стол», 1922, Нью-Йорк, Музей Метрополитен «Буфет», 1920, Базель, Галерея Бейелера). В это время рождается серия «Мечты и ложь генерала Франко» (1937 г. ). XX в. Картины «голубого периода» (1901—1904 гг. ) написаны в сумрачной гамме голубых, синих и зелёных тонов. Картина была написана вскоре после того, как покончил с собой близкий друг Пикассо. Это находило свое отражение в его монументальных исторических картинах. В 21 год он поступил Школу изящных искусств при Академии художеств в мастерскую Глейра.

Комментарии

Александр, Белгород

31 марта
Удивительная, Чудесная картина. Внешняя красота и глубокая пустота и боль внутри. Как это современно Сколько сейчас таких женщин вокру!

2015

2013

Роман, Санкт-Петербург

17 декабря
Картина очень очень прекрасна! У меня дома висит абсолютно идентичная копия(маслом) как оригинал точь в точь и по размеру тоже. Сделал эту картину очень хороший художник. Я рад этой картине у себя дома, не как не могу наглядеться.
Предлагали 120т.р., но что то не очень то хочется мне её продавать уж слишком хорошая копия))

Павел,

29 мая
Удивительная картина, необычное гамма цветов. Стоит посмотреть вживую, буря чувств.

Милана, Сочи

27 марта
Мне нравится эта картина!!Художник передаёт свои чувства и эмоциональность.Так как художники всегда оставлют частицу себя хоть маленькую но оставляют.Тут художник явно передал свою боль, как ему было плохо и таскливо.Пабло Пикассо предал термин геометрических фигур,видимо он хотел передать то когда мы плачем,что у нас происходит внутри.Мне очень жаль эту девушку.

Кирилл, Ковров

03 марта
С картины бездонными полными грусти и боли глазами на нас смотрит женщина.В руках у нее платок который она крепко сжимает в зубах,как будто терпит невыносимою боль.Только боль эта не телесная,а душевная.Картина передает очень сильное чувство грусти и тоски,что очень необычно т.к. картина написана яркими и насыщенными красками.За спиной женщины желтая стена,символизирующая счастливый окружающий мир,который не разделяет ее горя.На щеках женщины слезы,но в глазах их нет.Это показывает,что горе проходит.Время лечит.

2012

Оля-ля, Красноярск

01 ноября
В этой картине вижу не просто горе женщины, я вижу еще ее внутренние переживания

Алексей,

10 июня
Понимание требует усердия. Нато оно и искусство, что в природе не увидишь! После 1000-ой картины суть начинает глубже прятаться в детали.

Пятилетняя, Хабаровск

27 мая
В детстве премного напугала меня эта картина в журнале «Наука и жизнь». Плюс прилагался ядовитый комментарий, мол, выяснено, что какие-то больные видят мир в точности, как Пикассо. Откда вывод: не был ли он больным…
С годами однако поняла, что всё гораздо глубже и лучше. А газетам верить стоит не в вопросах искусства.

Дима, Запорожье

15 января
Странная какая-то. (идиотизм какой-то (комментарий другого человека))

2011

2010

Маруся, Барнаул

28 декабря
Меня больше всего удивляет то, как художник смог передать горе женщины с помощью чистых, ярких и сочных красок.

Татьяна, Волгодонск

06 сентября
Это горе — точнее передать невозможно…

Валентина, Санкт-петербург

04 сентября
Настоящее горе!Можно самой заплакать!

Настя, Москва

02 августа
Между прочим эта картина самая выразительная у Пабло Пикассо. Видно, что горе такое, что хуже некуда.

Наталья,

20 апреля
Наверно ему и самому было грустно когда он рисовал…

2009

Natali, Moskow

07 ноября
а по-моему очень точно передан темперамент Доры

Евгений, Самара

28 октября
Жалко женщину, изуродовал художник её сильно. Вот и ревёт.

коля, луцьк

03 февраля
картина дійсно вражає. хоча вона абсолютно абстрактна, але страждання жінки передано дійсно реалістично. супер.

Из книги «Пикассо» Анри Жидель:
В Мужене Пабло пишет портреты — Ли Миллер, Нюш, Доры, Воллара… Вероятно, под влиянием Герники он пишет много трагических лиц. Это рыдающие женщины, большинство из них наделены чертами Доры. На следующий год лица женщин на портретах становятся все более взволнованными, потрясенными, искаженными, как, например, в его знаменитом портрете Плачущая женщина. Работая над Герникой, Пабло рисовал с Доры женские лица, залитые слезами. И он продолжает это делать, причем правильные черты лица молодой женщины часто искажает настолько, что они вызывают ужас.
В отличие от Фернанды, которая возмущалась, когда искажали ее лицо, или Ольги, которая откровенно презирала попытки Пабло уродовать женские лица, Дора Маар оказалась наиболее терпеливой. Она видит в подобных «модификациях» лишь пластические эксперименты, на которые, по ее мнению, художник имеет право. Кроме того, она настолько уверена в собственной красоте, что считает себя неуязвимой. А Пикассо неоднократно повторял, что он видит ее не иначе как в слезах. Такая манера изображения Доры вовсе не продиктована его желанием изуродовать ее, а художественной необходимостью, которая подчиняет его себе, ибо, как он говорил не раз, его живопись сильнее его воли.

Розовое платье 1864г — Фредерик Базиль
изобразил Терезу на террасе в дальнем конце сада. Она одета в простое платье с вертикальными розовыми и серебристо-серыми полосами, и черный фартук. Тереза сидит спиной к зрителю, и смотрит в сторону деревни… —

«Розовый период»

Поселившись на Монмартре, Пабло Пикассо постепенно отходит от грусти и окунается в бурный и гротескный мир цирка и театра. Серо-голубая палитра постепенно сменяется розовой и охристой. Полотно «Девочка на шаре» можно назвать переходным. Оно прославило Пабло Пикассо. Самые известные картины «розового» периода наполнены странствующими комедиантами, циркачами, гимнастами. Это «Семья акробатов с обезьянкой», «Шут», «Молодой Арлекин». В том же 1904 году художник встретил Фернанду Оливье, которая стала его первой музой. Под конец розового периода Пикассо увлекся античными мотивами. Так появились полотна «Мальчик, ведущий коня» и «Девочка с козлом».