Маргерит Жерар – Обед кошки
Маргерит Жерар была известна тем, что писала картины маслом и гравюры под руководством своего шурина, великого Жана-Оноре Фрагонара. Возможно, именно он убедил её добавить кошек к своим композициям, поскольку он также был знаменит этим. Как жанровый художник, Жерар сосредоточилась на прорисовке деталей интимной, бытовой жизни. Однако при этом она разительно отличалась от иных женщин-живописцев, которые любили ссылаться на классическую древность, она же частенько использовала одежды и декор более новых времен
Многие из её полотен иллюстрируют переживания матери, а также раннего детства в семье, а некоторые подчёркивают важность музыки и женского общения. Но как известно, кошки – не менее важны
Особенно, если взглянуть на данную картину, где и так всё понятно без лишних слов.
Гений иронии и гротеска
Художественные метаморфозы Пикассо порой были столь внезапны, что выстроить все его стилистические фантазии в одну линию не всегда возможно. Направления наслаивались друг на друга, поиски нового сочетались с возвратом к старым экспериментам.
Художник не раз оказывался в состоянии внутреннего кризиса, болезненной самоуглубленности, когда торжествовал дух отрицания. В 1930–1940 гг. деформация и разложение формы в творчестве Пикассо достигают апогея и обретают экспрессионистическое звучание. Трагическое начало как отражение непосредственных событий становится в этот период определяющим. Поистине ошеломляющим взрывом, ключевой и самой масштабной работой тех лет стала «Герника» (1937).
В обобщающую метафору страдания превратилась «Плачущая женщина» (1937), лицо которой уподоблено ужасающей игре сломанных линий и уродливых нагромождений форм.
Да и во многих других созданиях художника того времени мир обретает черты кошмарного сна, мрачной фантазии, часто окрашенной иронией или гротеском. Пикассо начинает создавать зловещих фантомов, человеческие образы («Женщина на берегу моря», 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), похожие на средневековые химеры. С беспощадным сарказмом составляет он причудливое женское тело из частей каких-то механизмов, а голову трактует как гаечный ключ.
Жизнь есть сон
Нельзя, однако, пройти мимо феерических графических работ зрелого Пикассо. Иллюстрации к «Метаморфозам» Овидия, созданные в 1930 г., цикл офортов «Художник и модель» (1930-е), «Минотавр» — поражают графическим изяществом, эффектными ракурсами, элегантными линиями. Пикассо создает то шутливые, то пленительные листы с героями, овеянными нежностью, волнующей экспрессией или пронизанные жестокой эротикой. Но всегда это ошеломляющая техника, часто классический рисунок с добавлением прихотливого арабеска, нервозности и завораживающей изобретательностью линий.
Художник трагедии вспоминает об идиллии. В офортах «Любовь Юпитера и Семелы» (1930) или «Скульптор и натурщица» (1933) он воплощает образ любви и природы, союз двух существ, необходимых друг другу. А вот образ Минотавра — символ стихийной силы и сексуальной агрессии. Пикассо не следует буквально за мифологическими сюжетами, а создает свой мир, переосмысленный, трансформированный сознанием человека XX века. «Минотавр, рассматривающий спящую» (1933) — мрачное чудовище, готовое к насилию.
Мрачные видения неистового испанца, порожденные его фантазией, обратились в пророчества и предвестия катастроф средины и второй половины XX века. Те сюрреалистические тенденции, которые он встраивал в свои прежние работы, теперь достигли предельной концентрации в еще более чудовищных фантомах, которые создавал его бушующий темперамент. Это был бунт против человеческой природы, можно сказать, ее поругание. «Причесывающаяся женщина» (1940) или «Натюрморт с черепом быка» (1942), с их растерзанными, конвульсивными формами и мрачным символами, несут в себе какой-то темный ужас, обнажают скрытое уродство мира, запятнавшего себя невиданными злодеяниями. Даже забавная «Кошка, поймавшая птицу», написанная маслом в духе детского рисунка в 1939 г., невольно заставляет содрогнуться. Именно в этом году Испания попала под власть фашистского режима, а Чехословакия была захвачена нацистской Германией.
Эпилог
После Второй мировой войны Пикассо по-прежнему живет в Париже. Он не на минуту не покидал Францию в годы оккупации, хотя его не раз приглашали в Соединенные Штаты Америки. После краха нацизма и освобождения французской столицы в искусстве художника начинают появляться мажорные мотивы. Они воплотились, к примеру, в грандиозном ансамбле «Храм мира» в Валлорисе. Новый период открывает известная статуя 1944 г. из бронзы «Человек с ягненком» (Валлорис).
С середины 1950-х Пикассо обращается к необычным вариациям на тему классических живописных полотен. Он использует картины старых мастеров, трансформируя их в свои образы, наполненные новым смыслом. В их ряду «Алжирские женщины» Делакруа (1954), «Завтрак на траве» Мане (1960), «Менины» Веласкеса (1968). Не столь давно эти параллели можно было увидеть на выставке в ГМИИ имени А.С. Пушкина.
В 1958 г. Пикассо создал монументальную композицию «Падение Икара» для здания ЮНЕСКО в Париже.
Умер великий испанец в апреле 1973 г. в Мужене, во Франции, оставив огромное состояние и множество работ. Его картины, рисунки, скульптуры и коллажи украшают многие великие собрания мира и частные коллекции.
1-е место. Пабло Пикассо (1881-1973). «Дора Маар с кошкой» – $95 200 000
Несомненным лидером в этом топе является работа гениального Пикассо — «Дора Маар с кошкой», созданная в 1941 году и посвященная французской художнице и своей любовнице. Это один из самых необычных портретов возлюбленной и музы Пабло Пикассо — Доры Маар. Произведение выполнено в стиле абстракционизма и несет в себе внутреннее переживание художника по поводу предстоящего разрыва с любимой женщиной после 9 лет отношений.
Взаимоотношения двух творческих личностей были полны неуемной страсти и противоречий, и видимо поэтому Пабло изобразил Дору в виде сплошных углов и ломаных линий и к тому же весьма непривлекательной. А на спинке кресла, на котором восседает Дора, видим милую маленькую черную кошечку, а вернее ее силуэт. К слову, муза художника кошек не любила, но Пикассо изобразил кошку, как символ бурных отношений между ними.
Это полотно вошло в десятку самых дорогих картин мира, так как продано было за невероятную сумму в 95,2 миллиона долларов США в 2006 году.
Сам же Пабло Пикассо не жаловал породистых котов, а вот к безродным и бездомным всегда относился с искренней симпатией. «Мне нравятся одичавшие кошки, которые охотятся за птицами, носятся по улицам как угорелые, тащат все, что ни попадя», — вспоминал высказывания художника его коллега Брассай. Таких он и написал в своей кошачьей серии, включающей в себя картины «Кошка, схватившая птицу», «Кошка, пожирающая птицу», «Кошка и омар».
Вот такие огромные деньги готовы платить почитатели искусства за картины с кошками. А заглянув в историю живописи можем убедиться в том, что эти милые создания пленили огромное множество мастеров, начиная с древности и до наших дней.
https://youtube.com/watch?v=nVMat-gGpzc
Удивительные полотна голландской художницы-анималиста Генриетты Роннер-Книп с изображением умилительных пушистиков, на которых она потратила 30 лет жизни в обзоре.
- Свежие записи
- Шторы для кухни с балконом без окна: как выбрать идеальный вариант?
- Шторы для кухни с балконом: практичность и стиль в одном!
- Общий балкон в многоквартирном доме: особенности и правила использования
- Минеральная вата для утепления балкона изнутри: особенности и преимущества
- Мансарда с балконом в частном доме: особенности и преимущества
Генриетта Роннер-Книп – Игра котёнка
Генриетта Роннер-Книп известна изображением домашних животных, особенно кошек.
Картины с домашними животными были популярны у богатых буржуа в Викторианский период, а её бесчисленные кошачьи полотна оказались фаворитами.
Как правило, её картины представляют исключительно кошачьих и не несут в себе никаких метафорических значений. Художница с интересом следила за жизнью кошек, дабы после перенести это на свои полотна. В итоге, она построила в своей мастерской специальное, прозрачное помещение, где кошки могли вытворять всё что угодно, не обращая внимания на происходящее вокруг. Так стали рождаться максимально живые и реалистичные изображение кошек, увлечённых играми, выкрутасами и различного рода шкодными проделками.
Сюзанна Валадон – Рамину
Сюзанна Валадон была не только натурщицей, но и художницей, уроженкой Франции. В конце 1890-х годов ей была оказана великая честь стать первой творческой леди, допущенной в Национальное общество изящных искусств. Изначально она отдала своё предпочтение рисованию натюрмортов, а также творила различные портреты, растения, а также пейзажи, которые отличались и выделялись сильной идеей и сочными красками. Однако наибольшей популярности она заслужила своими красочными, обнажёнными дамскими телами, изображёнными с точки зрения леди. Ко всему прочему, она была ярой любительницей кошек и часто рисовала их, особенно свою любимую толстую Рамину.
3-е место. Энди Уорхол (1928-1987). «Коты и собаки (Бродвей)» – $701 000
Энди Уорхол- известный американский художник и основоположник коммерческого поп-арта, заметная фигура в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. В свое время на протяжении многих лет Энди был центром художественной нью-йоркской тусовки, несмотря на то, что по жизни он был весьма закрытым человеком.
Но у художника была страсть к кошкам, которых обожал безмерно. Говорили, что Уорхол систематически заводил сиамских котов, которых в его доме было полно, при этом всех он без разбору называл — Сэмами. Уорохол частенько делал зарисовки своих любимцев в статических позах, так как подвижные объекты давались ему с трудом. Позже эти зарисовки стали иллюстрациями знаменитого альбома «25 котов по имени Сэм и одна голубая кошка», изданного в 1954 году.
Но самым дорогим творением Уорхола на кошачью тему стала картина «Cats and Dogs (Broadway)», которая ушла с аукциона Сотбис за 701 тысячу долларов США.
Минь Чжэнь – Чёрный кот
Мин Чжэнь был творцом родом из Китая, а также резчиком печатей. На свет он появился в Наньчане, Цзянси, и провёл большую часть своей жизни в китайском городе Хубэй. Свою популярность он заслужил, рисуя человеческие фигуры пальцами. Согласно определенным теориям, его относят к группе из восьми необычных творцов – китайских художников, активно трудившихся в начале XVIII века. Свою популярность в династии Цин они заслужили тем, что активно и резко отбрасывали ортодоксальные сюжеты в художественном искусстве, возводя на первое место стиль, который они считали выразительным и индивидуалистическим.
К сожалению, никакой конкретной информации о данном изображении не сохранилось. Но, впрочем, глядя на столь довольного кота, ничего добавлять не хочется. Кто знает, вдруг он слопал весь корм поблизости и теперь попросту счастлив и гордится собой.
Барт ван дер Лек – Кошка
Барт ван дер Лек обрел популярность, прежде всего, как соучредитель журнала De Stijl. В начале 1900-х годов, совместно с другими творцами, такими как Мондриан и Кандинский, он начал трудиться непосредственно в жанре абстракции, заложив её основы. Для этого он пользовался тремя основными красками – красной, желтой и синей.
К такому решению он пришел, долго находясь в поисках так называемой идиомы. Искусство родом из Египта, с которым он познакомился в Лувре, когда посещал Париж с визитом, оказало на него серьёзное влияние.
Вдохновлённый этим, он создал новую стилистику с сильно упрощёнными деталями и пастельными оттенками
Поэтому, при создании своей работы «Кошка», он акцентировал внимание на белом, чёрном, а также теплых оттенках красного, сделав их ключевыми цветами данной картины
Dora Maar au Chat, 1941
Dora Maar au Chat is a painting which was made by Picasso in 1941. It features a portrait of the Spaniard’s Croatian lover who is displayed sitting on a chair with a miniature cat perched on her shoulders. By his own admission, Picasso had a decade-long relationship with Dora Maar and over this period he painted her portraits many times, with most of the depictions being extremely antagonistic. However, Dora Maar au Chat from the year of 1941 is considered to be the least hostile painting of Dora Maar and also, one of the most expressive Picasso paintings he ever made. An extraordinary attention to details is what underlines the greatness of this masterpiece.
Featured Image: Pablo Picasso — Dora Maar au Chat, 1941. Captions, via
2-е место. Карл Кахлер (Karla Kahler) (1855—1906). «Любовники моей жены» – $826 000
Огромное полотно с изображенными на нем 42-мя кошками принадлежит кисти австрийского художника Карла Кахлера (Carl Kahler). В 1891 году одна состоятельная дама большая любительница кошек Кейт Бердсолл Джонсон захотела увековечить своих любимцев на огромном холсте. В ее особняке в Калифорнии обитало более 300 котов, но лишь сорок два из них были удостоены чести остаться в истории. Художник потратил 3 года на написание этого полотна.
В 2015 году картина весом в 100 килограмм и весьма внушительными размерами: 2,6 метра в длину и высоту в 1,8 метра была продана за 826 тысяч долларов покупателю, пожелавшему остаться неизвестным.
Изначальная цена лота составляла 500 тысяч долларов. Интересно то, что из-за большого веса это полотно устроители аукциона не смогли прикрепить на стену. Им пришлось соорудить специальную конструкцию для этого экспоната.
Марк Шагал – Поэт
Марк Шагал – художник, который стал популярен в эпоху модернизма, а также остался в памяти как еврейский творец. Так называемый «золотой век» данной художественной эпохи он переживал в столице Франции, где занимался разработкой и синтезом нескольких отдельно взятых течений, начиная от кубизма, и заканчивая фовизмом, сюрреализмом и другими. В течение всей жизни, что была достаточно долгой, он творил и воплощал в своих картинах уникальные идеи и сюжеты. Среди них особенно ярко выделялись сцены крестьянской жизни, а также весьма интимные моменты пребывания в маленьком мирке еврейских деревень. Всё это было подано в мечтательной, лёгкой манере.
Что же касается кошек, то они зачастую подчёркивали нереальность его картин и становились главными действующими лицами на многих полотнах. Зачастую они были спутниками людей, которых изображал художник, будь то поэты, музыканты или женщины.
Теофиль-Александр Стейнлен – Чёрный кот
Le Chat Noir был развлекательным заведением XIX века в богемном парижском районе Монмартр. Он был открыт осенью 1881 года на бульваре Рошешуар и закрыт в 1897 году вскоре после гибели Салиса. Историки с уверенностью утверждают, что оно было первым задокументированным кабаре – местом, где посетители могли отдохнуть за небольшими столами, распивая определенные виды питья и наслаждаясь выступлением варьете.
Данный рисунок, созданный Теофилем Стейнленом, является непосредственной рекламой места, которое в свою золотую эпоху было отчасти местом встречи художников, а отчасти – музыкальной, творческой площадкой. Также на протяжении нескольких лет кабаре выпускало еженедельник с аналогичным именем, где были опубликованы не только новости из жизни «Чёрного кота», а и множество литературных произведений, политических сатир и поэзий. На сегодняшний день любой желающий может купить репродукцию с изображением «Чёрного кота», которая продаётся на каждом шагу в столице Франции.
В душевных и по-детски очаровательных работах Юрия Мацика также можно встретить замурчательных котов , которые одним лишь своим видом вызывают улыбку.
Источник
Марк Франц – Белый кот
Франц Марк прославился с помощью ярко раскрашенных творений, где особое место занимали именно животные – лошади, собаки и, конечно же, кошки
И совсем неудивительно, что он неоднократно выставлялся на выставках, привлекая внимание толпы. Зачастую на его картинах изображены животные, в том числе и кошки в их естественном состоянии сна или ухода
На некоторых его знаменитых картинах изображены кошки на жёлтой подушке, две кошки — голубая и жёлтая, кошки в корзине и кошки на красной ткани.
Именно животные стали для него тем самым идеалом и символом, ассоциирующимся с невинностью, красотой и, конечно же, правдой
Он уделял особое внимание цветам и их символике: синий представлял собой силу, красный стал отображением жестокости, а жёлтый – тепла и истинно женского счастья
Сентиментальная увертюра
Творчество Пикассо открывают два периода, когда он обретает свое лицо, узнаваемый почерк, создает вполне самостоятельные работы. К этому времени он становится вполне самобытным художником, полностью изжившим академизм и влияние французских импрессионистов.
Сначала — «голубой период», названный так по доминирующей колористической гамме его картин. Эти оттенки голубого и синего в течение нескольких лет (1900–1904) сопровождали те безрадостные и печальные сюжеты, которые он находил в окружающей его жизни. Он говорил о человеческих страданиях, рисовал слепых, нищих, алкоголиков, изгоев общества. В эти годы художник жил в среде полунищей богемы то в Париже, то в Барселоне, нередко сам голодал, бедствовал. О том времени французский поэт Макс Жакоб вспоминал: «Мы жили плохо, но прекрасно».
Преобладающим настроением этих картин стала сентиментальная меланхолия в сочетании с жестоким натурализмом, выраженная сумрачными и холодными оттенками голубого цвета. Таков портрет близкого друга, художника и поэта Сабартеса, написанный в 1901 г. (ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва). Пикассо пишет человека, погруженного в печальные размышления, подчеркивает его одиночество. Фигура Сабартеса предельно плоскостна, как и фон картины. Мазки синих, зеленых, фиолетовых тонов определяют стиль живописи. Цвет, линия, контур не столько изображают реальные предметы, сколько раскрывают внутреннее состояние человека, атмосферу его бытия. Это не портрет в обычном его понимании, запечатлевший облик человека, а скорее «портрет души».
Зрелище ранящих страданий, трагического одиночества воплотилось и в картинах Пикассо «Старый еврей с мальчиком» (1903, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва), «Мать с ребенком» (1903, Музей Пикассо, Барселона). Здесь появляется символика жизни и смерти, которая найдет продолжение в последующие годы. Эти работы стали сентиментальной и одновременно жесткой увертюрой к более позднему творчеству художника, где он с яростной силой обнажал самые зловещие мотивы жизни.
Однако в 1905–1906 гг., в так называемый «розовый период», появляются иные интонации. Когда Пикассо поселился в Париже, в сумрак испанской души проникли теплые лучи Франции, хотя его героями по-прежнему оставались неприкаянные комедианты, танцовщики, акробаты и обездоленные. Художник начал писать в розово-золотистых и розово-серых тонах. Именно тогда возникли нежные «Девочка на шаре» (1905) и «Мальчик с собакой» (1905, Государственный Эрмитаж, Петербург). Тогда он обрел известность, его картины завоевали первый успех.
What do the figures in the canvas symbolise?
Pablo Picasso, Guernica, close-up of the light bulb, horse and bull
The Lightbulb:
Picasso didn’t illustrate the bombing in a realistic manner, and there aren’t any bombs depicted in the piece. Instead, Picasso uses a light bulb surrounded by a glowing halo of luminous spikes. This symbolises the flames that tore apart the sky during the bombing.
The Horse:
Just under the light bulb the viewer’s attention is drawn to a horse. The animal has been disemboweled by an arrow and is howling in pain. This is emblematic of the suffering inflicted on the Spanish people by the dictators and German bombers. Picasso additionally includes a subliminal skull, formed by the nose and teeth of the horse.
The Bull:
The human-eyed bull evokes the fight between man and beast. Without a doubt, we can see the incarnation of Spanish Nationalist and Totalitarian regimes in this animal.
Pablo Picasso, Guernica, close-up of women, man with sword and the dove
The Dove:
It is hardly visible, and looks as though it has been rubbed out. This erasure is symbolic of the peace that disappeared in Guernica during the war.
The Woman:
With her head and eyes rolled back, the woman holds her dead baby whilst helplessly reaching out towards the sky. This depiction is reminiscent of portraits of Dora Maar, which Picasso nicknamed “the woman who cries.” Another woman is also shown to the right of the painting: her arms are also raised and her mouth frozen mid-scream. She is surrounded by flames, which are symbolised by the tips of triangles which allude to the explosions caused by the bombs.
The Man with the Sword:
He is the only man and the only figure lying down in the painting. He has been dismembered yet still holds his broken sword, which is emblematic of his heroic yet futile attempt to fight against the terror. A ghostly flower grows by the fighter’s hand, signifying hope despite the bloodshed- much like the shrouded light provided by the woman’s kerosene lamp.
Пикассо и кошки
Испанский художник Пабло Пикассо (1881-1973) был большим почитателем кошек, причем не домашних, а уличных:«Я не люблю дорогих кошек, которые мурлычут, лежа на диванах в салоне; зато обожаю других — диких и взъерошенных. Они охотятся на птиц, гуляют, где хотят, носятся по улицам, как привидения… Они смотрят на вас сердито, словно уже готовы вцепиться вам в лицо…»Знаменитой картиной Пикассо с изображением кошки является портрет «Доры Маар с кошкой», написанный в 1941 году. Это один из самых необычных портретов возлюбленной и музы Пабло Пикассо. Картина выполнена в абстрактных формах и отражает внутренние переживания художника по поводу намечающегося разрыва с любимой женщиной. На спинке кресла-трона, на котором восседает Дора, изображена маленькая черная кошечка. Кстати, Маар кошек не любила, но Пикассо изобразил кошку как символ бурных отношений между ними, а также как отражение личности самой Доры.
Комментариев нет. Нацарапай чего-нибудь, а?
- комментарии
- сообщения на форуме
Фото и смешные картинки котов с надписями на Лолкот.Ру делаются посетителями в лолМиксере.
Другие фото, фото-приколы, рассказы, статьи могут быть с других сайтов.
Источник
Утагава Куниёси – Коты, представляющие 53 станции Токайдо
Пятьдесят пять кошек изображены на этих полотнах иллюстратора из Японии Утагавы Куниеси. Один из них выползает из корзины, несколько ловят крыс, другие едят рыбу. И вовсе не стоит упоминать о том, что художник любил кошек. Когда он стал учителем, молодые люди, учащиеся у него, заметили, что его мастерская была переполнена ими. Его любовь к кошкам прокралась в его творчество, и они стали появляться во многих его лучших гравюрах. Иногда они предстают как персонажи из хорошо известных историй, в других случаях они являются прекрасно выразительными этюдами. Часто Куниеси изображал кошек в полностью антропоморфной форме.
«55 кошек» — это веселая имитация «Пятидесяти трёх станций Токайдо», которая была наиболее успешной коллекцией Укиё-э. Так называемая Восточная Морская дорога имела пятьдесят три различные почтовые остановки на своём маршруте, и они обеспечивали лошадей, пропитание и жилье для путешественников. Куниеси принял решение изобразить их через кошачьи каламбуры.
A quick overview of Cubism
To really understand Guernica, it’s important to understand how Cubism differs from other art movements. While classical and neoclassical artists try to replicate the world exactly as it appears in real life (or some perfected version of it), Cubists like Picasso were open to depicting the world in more abstract ways that offered new, impossible visions of reality.
At its core, Cubism is a method of painting a person, scene, or object from multiple angles. Picasso and Georges Braque developed this technique and used it to simplify and distill any three-dimensional subject into a multi-faceted, “cubist” shape. Picasso was also greatly influenced by the carved, angular shapes of African masks, an inspiration that can be seen in many of his paintings.
These kinds of Cubist artworks—called Analytic Cubism, to differentiate it from a different, collage-style artwork known as Synthetic Cubism—are typically broken up into geometric segments, occasionally separated by angular lines to form divisions between the various perspectives being shown. While less “geometric” than some of Picasso’s earlier Cubist pieces, Guernica’s flattened, shifting perspectives and simplified color palette are clear earmarks of the Cubist style.
Ultimately, Picasso—and Guernica—were both incredibly influential in shifting the art world toward modernism and what we now call “abstract art.”
Пабло Пикассо – Кошка, поймавшая птицу
Кот Пикассо, ловящий птицу, был создан в двух вариантах в 1939 году, буквально за несколько месяцев до того, как грянула война. Как вспоминал художник, его постоянно беспокоила эта тематика, и к сожалению, он сам не мог понять, из-за чего именно.
На картине изображена птица, которая всеми силами старается вырваться из цепких лап своего мучителя
И даже нейтральный фон не спасает сложившуюся ситуацию, а лишь напротив, акцентирует внимание на насильственной сцене, где кот до последнего тянет время, дабы сохранить птичке жизнь, и чем дольше он удерживает момент, тем сильнее испытывает глубокое чувство власти, ощущая своё превосходство
The Transformation of Picasso Paintings
As was a common situation with all avant-garde movements, the reason for an artist’s importance had very little to do with his technical skill. Instead, representatives of such movements were judged on their creativity and ability to think outside of the box — something Pablo Picasso was extremely good at. However, this should not lead to an inaccurate conclusion that Picasso was not capable of painting at a level as some of the greatest artists in history. As a matter of fact, Picasso’s skill was able to rival some of the biggest painters of the 19th century, such as Caspar David Friedrich and Théodore Géricault, when he was only thirteen years of age! By his fifteenth birthday, Picasso was capable of painting like any Italian great master. Because of such matchless talent, he was considered a child prodigy within the art circles and early Pablo Picasso paintings were treated as wonders by their contemporaries. Although this fascinating ability is an incredible accomplishment on its own, Picasso’s true value does not have anything to do with it. Actually, it was the exact moment when he realized that technical skill could not take him any further that effectively started Pablo Picasso’s role in art history.